Tchaikovsky’s “LiTTLe Russian” La PeTiTe Russie...

Peter A. Herrndorf President and Chief Executive Officer/Président et chef de la direction

April 24–25 avril 2013 Salle Southam Hall

Tchaikovsky’s “LiTTLe Russian”La PeTiTe Russie de Tchaïkovsky

ALEXANDER SHELLEY conductor/chef d’orchestre

LARS VOGT piano

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Program/Programme ROSSINI Overture to La gazza ladra

10 minutes Ouverture de La gazza ladra

MOZART Piano Concerto No. 24 in C minor, K. 491

31 minutes Concerto pour piano no 24 en do mineur, K. 491

I. Allegro

II. Larghetto

III. Allegretto

Lars Vogt piano

IntErmISS IOn/EntraCtE

TCHAIKOVSKY Symphony No. 2 in C minor, Op. 17, “Little Russian”

TCHAÏKOVSKY Symphonie no 2 en do mineur, opus 17, « Petite Russie »

33 minutes I. Andante sostenuto — Allegro vivo

II. Andantino marziale, quasi moderato

III. Scherzo: Allegro molto vivace

IV. Finale: Moderato assai

Post-ConCert talkbaCk/renContre d’aPrÈs-ConCert Salle Southam Hall, April 24–25 avril

Conductor Alexander Shelley and pianist Lars Vogt in conversation with Paul Wells.

Paul Wells s’entretient avec le maestro Alexander Shelley et le pianiste Lars Vogt.

4 Go behind the scenes with nac-cna.ca/stories

It is such a pleasure to be back here in Ottawa and to be joined by the wonderful

Lars Vogt! Three deeply contrasting works greet you this evening: Rossini’s snare

drum-fueled overture opens the curtain to Mozart’s astonishing 24th Piano

Concerto, unusual for its minor key and its waltzing first movement — both

fleetingly rare in his piano concerto output. This work bears many similarities with

Beethoven’s own C-minor Concerto and a side-by-side comparison is a fruitful

way to spend an afternoon, should you be so inclined! Finally Tchaikovsky’s

gorgeous Second Symphony, with its compact form and tuneful guise, takes

centre stage. For me it is a work full of wit, charm and drama which reaches its

denouement in the seemingly endless set of variations on a three-note theme in

the last movement — constantly closing in on absurdity and pulling back at the

last moment with a theme of utter beauty!

Quel plaisir d’être de retour à Ottawa et de partager la scène avec le merveilleux

Lars Vogt! Nous vous proposons ce soir trois œuvres très contrastées. Le concert

débute tambour battant avec les roulements de caisse claire d’une ouverture de

Rossini et se poursuit avec l’étonnant Concerto pour piano no 24 de Mozart qui

se distingue par sa tonalité de mineur et son premier mouvement sur un rythme

de valse — deux caractéristiques assez rares dans la production de concertos

pour piano de Mozart. Cette œuvre comporte de nombreuses similitudes

avec le Concerto en do mineur de Beethoven, et la comparaison de ces deux

compositions peut vous occuper toute une après-midi si cela vous intéresse!

Enfin, la splendide Symphonie no 2 de Tchaïkovsky, compacte et mélodieuse,

occupe la place d’honneur. Selon moi, c’est une œuvre pleine d’esprit, de

charme et d’action dramatique qui trouve son dénouement dans les variations

apparemment inépuisables sur un thème de trois notes, au dernier mouvement

— aboutissant constamment à une conclusion absurde avant de faire place au

dernier moment à un thème d’une beauté sublime!

— Alexander Shelley

Entrez dans les coulisses au cna-nac.ca/histoires 5

Gioachino RossiniBorn in Pesaro, February 29, 1792Died in Passy (a suburb of Paris), November 13, 1868

Overture to La gazza ladra

Some composers just seem to have it all —

talent, precocity, wealth, fame, popularity,

flair, wit and fecundity. Such a man was

Rossini. Just consider: Within a one-year

period, he saw the premieres of five — FIVE!

— of his operas in various important Italian

theatres, including La Scala. The year was

1812 and Rossini was all of twenty years old!

But this was not so unusual; he often turned

out three and even four operas a year, to a

total of 38 (39, counting a piece of juvenilia)

by the time he was not even forty years old.

Rossini was renowned on two continents by

the time he was 21, and when he drew the

curtains on his operatic career in 1828, he

held the distinction of being the world’s most

celebrated composer (Beethoven having died

the previous year).

Rossini’s rich legacy of music is found

today equally on the operatic stage and in the

concert hall. Although only a handful of his

operas are performed with any regularity (but

what regularity!), at least a dozen overtures are

staples of the orchestral repertoire, including the

one on tonight’s program. Tribute to Rossini’s

genius and popular appeal also continues on a

regular basis today through the use of his music

in numerous radio and television commercials,

films and cartoons, probably to a degree

unmatched by any other composer.

Gioachino RossiniPesaro, le 29 février 1792Passy (banlieue de Paris), le 13 novembre 1868

Ouverture de La gazza ladra

Certains compositeurs semblent avoir tout

pour eux — talent, précocité, richesse,

célébrité, intuition, esprit, génie producteur.

C’était le cas de Rossini. Imaginez : en l’espace

d’une seule année, il a vu cinq — CINQ! — de

ses opéras créés dans plusieurs théâtres

importants d’Italie, dont La Scala. C’était en

1812 et il avait tout juste 20 ans! Et ce ne

fut pas là une année si exceptionnelle pour

le compositeur puisque nombreuses furent

les années où il produisit trois, voire quatre

opéras, pour un total de 38 (39 si l’on inclut

une œuvre de jeunesse), tout cela avant l’âge

de 40 ans. À 21 ans, Rossini était déjà célèbre

sur deux continents, et lorsqu’il tira un trait

sur l’écriture d’opéras en 1828, il détenait le

titre enviable de compositeur le plus illustre

du monde (Beethoven s’était éteint l’année

précédente).

On peut aujourd’hui mesurer le riche

héritage musical de Rossini aussi bien à l’opéra

que dans le répertoire de concert. Si une

poignée seulement de ses opéras sont joués

régulièrement (et avec quelle régularité!), au

moins une douzaine de ses ouvertures d’opéra

— dont celle présentée ce soir — sont des

étalons du répertoire d’orchestre. Le génie et

l’attrait populaire de Rossini ne se démentent

pas, comme en fait foi l’utilisation régulière

— probablement inégalée parmi tous les

Arthur Fielder led the NAC Orchestra’s first performance of Rossini’s Overture to La gazza ladra in 1977, and the Orchestra’s most recent performance of this work took place in 1996, under the direction of Franz-Paul Decker.

Arthur Fielder dirigeait l’Orchestre du CNA lors de la première prestation par l’ensemble de l’ouverture de La gazza ladra de Rossini en 1977, et l’Orchestre a donné sa plus récente interprétation de l’œuvre en 1996, sous la direction de Franz-Paul Decker.


The brilliant overture to La gazza ladra

(The Thieving Magpie) incorporates most of

the hallmarks of Rossini’s orchestral style —

lightly tripping themes for violins, virtuosic

passages for unison trombones, a theme for

the woodwinds including the piccolo in its

highest register, and horn quartet writing all

wrapped into a sonata-allegro form without

development section. Of course there are also

several of those famous Rossini crescendos

— the long, slow build-up of volume,

number of instruments and tension, the

equivalent of a musical juggernaut. Unique

to this overture however is the Maestoso

marziale introduction, which opens with

the unprecedented use of two snare drums

stereophonically placed on opposite sides of

the stage. This in itself assured the audience’s

rapt attention right from the start of the

opera’s premiere performance, and if we are to

believe Rossini’s biographer Stendhal, “it was

one of the most glittering, the most single-

minded triumphs I have ever witnessed.”

compositeurs — de sa musique dans une foule

de publicités à la radio et à la télévision, dans

des films et des bandes dessinées.

La brillante ouverture de La gazza

ladra (La pie voleuse) réunit l’essentiel

des caractéristiques du style orchestral de

Rossini : thèmes coulants pour les violons,

passages virtuoses pour trombones à

l’unisson, thème pour les vents dans lequel le

compositeur exploite le registre le plus aigu

du piccolo, et quatuor de cors, tout cela dans

une forme sonate-allegro sans section de

développement. On y retrouve aussi plusieurs

des célèbres crescendos de Rossini — lente

progression du volume sonore, du nombre

d’instruments et de la tension — menant à

une sorte de mastodonte musical. L’unicité

de l’ouverture réside toutefois dans son

introduction marquée Maestoso marziale, qui

s’amorce par le recours sans précédent à deux

caisses claires disposées de part et d’autre de

la scène pour créer un effet stéréophonique.

Il n’en fallait pas plus pour capter l’attention

de l’auditoire dès les premières notes lors

de la création de l’opéra, ce qui a fait dire

à Stendhal, biographe de Rossini : « ce fut

l’un des triomphes les plus étincelants et les

plus singuliers auxquels il m’ait été donné

d’assister ».


WoLFGanG aMadeus MoZaRTBorn in Salzburg, January 27, 1756Died in Vienna, December 5, 1791

Piano Concerto No. 24 in C minor, K. 491

Of Mozart’s 23 piano concertos (the first four

of the 27 numbered concertos are merely

transcriptions of compositions by other

composers), only two are in a minor key. It

is therefore reasonable to postulate that for

these rare occasions, there was some special

significance attached to the use of the minor

mode. Indeed, this concerto, written in 1786

along with the D-minor Concerto of the year

before (K. 466), is an uncommonly forceful

and tragic work, showing abundant evidence

of emotional stress. Musicologist Alfred

Einstein called the concerto an “explosion

of dark, passionate feelings.” This concerto

is generally regarded as one of the leading

precursors of nineteenth-century musical

romanticism, replete as it is with passionate

outbursts, startling contrasts, chromaticism,

rich orchestration, overt emotional fervour

and portrayal of the darker aspects of

existence. The reaction of the audience at

the first performance in Vienna, with Mozart

at the keyboard (sometime in late March or

early April, 1786) is not known, but the work

was probably as puzzling and difficult for them

as many contemporary works are for us today.

The C-minor Concerto is special in other

ways as well. It is one of those few works

for which the description “truly great” is

reserved; it has no superiors and few peers in

the repertoire. Beethoven is known to have

held this concerto in great esteem, and paid

homage to it in a great C-minor piano concerto

of his own. Mozart’s C-minor Concerto requires

the largest orchestra of any concerto he

wrote, employing pairs of clarinets and oboes,

WoLFGanG aMadeus MoZaRTSalzbourg, le 27 janvier 1756Vienne, le 5 décembre 1791

Concerto pour piano no 24 en do mineur,

K. 491

Sur les 23 concertos pour piano de Mozart

(son catalogue en compte 27 numérotés,

mais les quatre premiers sont essentiellement

des transcriptions d’œuvres d’autres

compositeurs), deux seulement sont en

mineur. On peut donc raisonnablement

présumer qu’en ces rares occasions, l’emploi

du mode mineur revêtait une signification

particulière. Ce concerto écrit en 1786 est en

effet, avec le Concerto en ré mineur (K. 466)

composé l’année précédente, une œuvre d’une

puissance et d’une charge dramatique hors du

commun, manifestant une tension émotive

certaine. Alfred Einstein voit dans ce concerto

une « explosion de sentiments sombres et

passionnés ». Ce concerto est généralement

considéré comme l’un des principaux

précurseurs du romantisme musical du

XIXe siècle, avec ses épanchements

passionnés, ses contrastes saisissants,

son chromatisme, son orchestration riche,

sa ferveur émotive non réprimée et son

évocation des aspects les plus sombres de

l’existence. On ignore quelle fut la réception

de l’auditoire lors de la création à Vienne, avec

Mozart au clavier (vers la fin mars ou le début

avril 1786), mais il est probable que l’œuvre

apparut au public d’alors aussi déconcertante

et difficile à assimiler que le sont bon nombre

d’œuvres contemporaines pour le public

d’aujourd’hui.

Le Concerto en do mineur se démarque

de bien des façons. C’est l’une des rares

œuvres que l’on puisse réellement qualifier

de « grandes » sans emphase aucune; nulle

ne la surpasse et très peu l’égalent dans le


Amongst the incredible treasures of the Mozart piano concertos, I particularly

love, and always have since childhood, the two exceptional concertos in minor

keys: K. 466 in D minor and K. 491 in C minor. I find it so moving, when a person

like Mozart, who obviously loved life, really faces the dark sides of existence and

with all his tender emotions gets overwhelmed by life’s drama. K. 491 is also the

only concerto in his oeuvre that stays dark until the tragic end, throughout the

foggy character of most of the last movement variations. In that atmosphere the

moments of hope (second theme of the first movement, the second movement,

and the major key variation of the last movement) are in some ways even more

painful than the pain itself, but so touching at the same time. The concerto is a

journey of searching, guided by one of the greatest geniuses of all times, a man

who really knew the human condition and its contradictions and beauty.

Parmi les joyaux inestimables que sont les concertos pour piano de Mozart,

il y en a deux, en mode mineur, que je chéris par-dessus tout, et cela, depuis mon

enfance : le K. 466 en ré mineur et le K. 491 en do mineur. Je trouve si émouvant

de voir comment un personnage comme Mozart, qui de toute évidence mordait

dans la vie, aborde les côtés sombres de l’existence et comment, dans des élans

de tendre émotion, il se laisse engloutir par les drames de la vie. Le K. 491

est le seul concerto du compositeur à évoluer dans un registre sombre du début

jusqu’à la fin tragique de l’œuvre, traversant le brouillard qui obscurcit l’essentiel

des variations du dernier mouvement. Dans cette atmosphère pesante, les

moments d’espoir (deuxième thème du premier mouvement, deuxième

mouvement et variation en mode majeur dans le troisième mouvement) sont

d’une certaine façon encore plus douloureux que la souffrance elle-même, et

pourtant si touchants. Ce concerto est une sorte de quête à travers laquelle nous

conduit l’un des plus grands génies de tous les temps, un homme qui en savait

long sur la condition humaine, sur sa beauté et ses contradictions.

— Lars Vogt


répertoire. On sait que Beethoven tenait ce

concerto en haute estime, et qu’il lui rendit

hommage en composant lui-même un grand

concerto pour piano en do mineur. Le Concerto

en do mineur de Mozart exige un orchestre

plus imposant que tous les autres concertos

qu’il a écrits, ayant notamment recours à des

paires de clarinettes et de hautbois — une

rareté chez ce compositeur. Une flûte et des

paires de bassons et de cors complètent la

section des vents, utilisée dans chacun des

trois mouvements. Les trompettes et les

timbales, dont l’usage était habituellement

réservé à des effets festifs à cette époque,

apparaissent également dans les mouvements

extérieurs. Le concerto tout entier est empreint

d’une richesse d’orchestration inouïe, d’une

intégration du soliste et de l’orchestre inégalée.

L’œuvre s’amorce sur un thème anguleux,

troublant, joué tout doucement sur les

cordes basses. Ce thème, avec ses brusques

montées caractéristiques, établit le climat qui

prévaudra tout au long du concerto. Hormis

quelques percées de lumière çà et là, cette

atmosphère de pessimisme foncier et de « défi

titanesque », selon les termes d’Hermann

Abert, persiste du début à la fin de l’œuvre.

Dans la longue exposition orchestrale, ce

thème hardi est exposé au complet à trois

reprises, et il revient plusieurs fois après que

le soliste a finalement fait son entrée mais,

bizarrement, à aucun moment il n’est confié

au piano sous sa forme achevée. En revanche,

a rarity for this composer. A flute and pairs

of bassoons and horns complete the wind

unit used in all three movements. Trumpets

and timpani, normally used only for festive

effects in this period, are also found in the

outer movements. Infusing the entire concerto

are a richness of scoring and an unparalleled

integration of soloist and orchestra.

The concerto begins with a rugged,

unsettled theme played quietly in the lower

strings. This theme, with its characteristic

upward leaps, sets the tone of the whole

concerto — despite occasional bright rays,

this basic mood of pessimism and what

Hermann Abert calls “titanic defiance” is

sustained throughout the work. During the

long orchestral exposition there are three

full statements of this bold theme, and many

more after the soloist finally enters, but

interestingly enough, the piano is never given

the theme in its complete form. On the other

hand, it shares in a wealth of ideas of more

lyrical cast.

The Larghetto offers an oasis of exalted

serenity and melancholic eloquence in the

surrounding turmoil, beginning with a theme

of sublime simplicity. Just once the troubled

world of the first movement intrudes, in an

episode in C minor of contrapuntal ingenuity

featuring woodwinds and piano.

In 1970, Lili Kraus was soloist and Mario Bernardi was conductor for the NAC Orchestra’s first performance of Mozart’s Piano Concerto No. 24. The last time the Orchestra played this concerto was during the Mozart Brahms Festival in 2008, with Janina Fialkowska at the piano and Pinchas Zukerman on the podium. Other soloists who have performed this work over the years include Louis Lortie, Jonathan Biss, Yefim Bronfman and Vladimir Ashkenazy.

La première prestation par l’Orchestre du CNA du Concerto pour piano no 24 de Mozart a eu lieu en 1970, avec Lili Kraus comme soliste et Mario Bernardi au pupitre. L’Orchestre a joué ce concerto la dernière fois durant le Festival Brahms-Mozart en 2008, avec Janina Fialkowska au piano et Pinchas Zukerman au podium. Parmi les autres solistes qui ont exécuté cette œuvre avec l’ensemble au fil des ans, on retrouve Louis Lortie, Jonathan Biss, Yefim Bronfman et Vladimir Ashkenazy.


The finale consists of a theme and

variations, but here one finds no mere fanciful

display of ornaments and arabesques so

popular in Mozart’s day. The feelings of a

deeply troubled soul pour forth. There are

brief interludes in A-flat and C major, but these

episodes are swept away in the prevailing

gloom and menace. Not until the finale of the

mighty Eroica do we again find a theme and

variations of such serious mien and complex

development in symphonic writing.

PioTR iLyich TchaikovskyBorn in Votkinsk, May 7, 1840Died in St. Petersburg, November 6, 1893

Symphony No. 2 in C minor, Op. 17,

“Little Russian”

Tchaikovsky was regarded by “The Five” (a

group of Russian nationalist composers who

included Rimsky-Korsakov and Mussorgsky) as

being essentially oriented towards Western,

non-Russian music. “The Five” criticized

Tchaikovsky for his attraction to Italian,

French and German musical models, the

very music they turned their backs on, rather

than to native sources of inspiration. “Much

of their criticism reads like a patriotic tirade

il partage une profusion d’idées de nature

plus lyrique.

Introduit par un thème d’une sublime

simplicité, le larghetto représente une oasis de

sérénité exaltée et d’éloquence mélancolique

au cœur de la tourmente. L’univers trouble du

premier mouvement n’y fait irruption qu’une

seule fois, dans un épisode en do mineur

rempli d’invention contrapunctique mettant

de l’avant les vents et le piano.

Le finale consiste en un thème avec

variations, mais on n’y retrouve pas cet

étalage purement décoratif d’ornements et de

fioritures si prisé au temps de Mozart. Il s’en

dégage plutôt une impression d’épanchement

d’une âme tourmentée. On y entend de courts

interludes en la bémol et en do majeur,

mais ces épisodes sont vite emportés par le

climat sombre et menaçant qui prévaut. Il

faudra attendre le finale de la majestueuse

« Héroïque » pour réentendre un thème et

des variations d’une si sérieuse tenue et

développés avec autant de raffinement dans

le répertoire symphonique.

PioTR iLiTch Tchaïkovsky Votkinsk, le 7 mai 1840Saint-Pétersbourg, le 6 novembre 1893

Symphonie no 2 en do mineur, opus 17,

« Petite Russie »

Le « Groupe des Cinq », qui réunissait des

compositeurs nationalistes russes dont

Rimski-Korsakov et Moussorgski, considérait

Tchaïkovsky comme un compositeur de musique

essentiellement occidentale et non russe. Le

Groupe des Cinq reprochait à Tchaïkovsky son

attrait pour les modèles musicaux italiens,

français et allemands, musique qu’ils rejetaient,

plutôt que pour les sources d’inspiration

nationale. « La plupart de leurs critiques ont


The NAC Orchestra first performed Tchaikovsky’s Symphony No. 2 in 1978 under the direction of Mario Bernardi, and most recently in 2010, led by Hans Graf.

L’Orchestre du CNA a interprété la Symphonie no 2 de Tchaïkovsky pour la première fois en 1978 sous la baguette de Mario Bernardi, et la dernière fois en 2010, avec Hans Graf comme chef.

against some dangerous renegade,” writes

Louis Biancolli. But in his Second Symphony,

Tchaikovsky silenced all criticism, for here

Russian folk melodies abound. Even the title,

“Little Russian,” was attached to the work

by the critic Nikolai Kashkin in honour of the

Ukrainian tunes Tchaikovsky used. (“Little

Russian” was a term of contempt applied to the

Ukraine by the seventeenth- and eighteenth-

century czars, though by Tchaikovsky’s time

the distasteful implications had worn off.)

Never before or again was Tchaikovsky

held in such high esteem by “The Five.” When

he played the Finale of the symphony on

the piano for them, the composer reported

that “the whole company almost tore me

to pieces with rapture.” The premiere too,

on February 7, 1873 in Moscow, was an

enormous success, and it was repeated soon

afterwards “by general request.” At this

second performance Tchaikovsky was cheered

after each movement and at the conclusion

of the symphony was given a laurel wreath

and a silver cup. Strangely enough though,

the symphony fell into near oblivion in the

early twentieth century, and it remained

for Igor Stravinsky to revive it for his guest

conducting engagements during the 1930s. In

addition to its overtly nationalistic character,

the Second Symphony is also distinguished by

its extrovert, happy, cheerful tone, a quality

generally lacking in the composer’s other

symphonies.

The work opens with a long introductory

passage in which a variant of the folk tune

“Down by Mother Volga” is heard no fewer

than five times, beginning with the extended

l’allure d’une tirade patriotique dénonçant de

dangereux renégats », écrit Louis Biancolli. Mais

dans sa deuxième symphonie, Tchaïkovsky fit

taire toutes les critiques, puisqu’il y inclut de

nombreuses mélodies populaires russes. Le

critique Nikolaï Kachkine lui donna l’honneur

des mélodies ukrainiennes qu’utilise

Tchaïkovsky. (« La petite Russie » était une

expression péjorative par laquelle les tsars

désignaient l’Ukraine aux XVIIe et XVIIIe

siècles, bien qu’à l’époque de Tchaïkovsky, les

connotations négatives s’étaient estompées.)

Jamais auparavant, ni par la suite,

Tchaïkovsky ne fut tenu en aussi haute estime

par les musiciens du Groupe des Cinq. Le

compositeur rapporte que les musiciens furent

tellement saisis lorsqu’il leur interpréta le

finale de la symphonie au piano qu’ils faillirent

le déchirer en morceaux. La symphonie

connut également un énorme succès lors de

la première à Moscou, le 7 février 1873, et fut

reprise quelque temps plus tard, à la demande

générale. Lors de cette deuxième exécution,

le public applaudit Tchaïkovsky après chaque

mouvement, et le compositeur se vit remettre

une couronne de laurier et une coupe en

argent à la fin de l’œuvre. Assez étrangement

cependant, la symphonie est quasiment

tombée dans l’oubli au début du XXe siècle,

jusqu’à ce qu’Igor Stravinsky la fasse ressortir

de l’ombre dans les années 1930 en la

dirigeant lors des concerts qu’il donnait à

titre de chef invité. En plus de son caractère

national évident, la deuxième symphonie

se démarque des autres symphonies du

compositeur par son atmosphère extravertie,

heureuse et enjouée.


horn solo. The movement’s main section,

the Allegro vivo, is ushered in by violins in

a vigorous theme which is followed by two

more in a lyrical vein — one for the oboe,

the other for violins in a sweeping romantic

gesture.

The second movement draws upon a perky

march theme from Tchaikovsky’s unpublished

opera Undine, which was turned down by

the St. Petersburg Opera in 1869. A second,

expressive theme mingles with the march

tune, appearing each time clothed in different

colours.

A lively Scherzo constitutes the third

movement, notable for its rollicking rhythms,

rapid alternation of moods and brilliant

colours. Another folk-like melody is heard in

the central Trio section.

The Finale was Tchaikovsky’s favourite

movement. After the introduction, here too

we find a simple folk tune, “The Crane,”

which serves as the principal material for

development throughout the movement,

recurring in colourful reorchestrations,

sometimes with running countersubjects.

Alternating with “The Crane” theme is an

original theme by the composer, full of

syncopations and often described as a rumba

rhythm. A final presto statement of the

principal theme brings the symphony to a

brilliant close.

By Robert Markow

L’œuvre débute avec un long passage

d’introduction qui s’avère une variante

d’une chanson populaire en hommage à la

Volga, que l’on entend pas moins de cinq

fois, la première dans un long solo de cor. La

section principale du mouvement, l’Allegro

vivo, débute avec les violons dans un thème

vigoureux suivi de deux autres dans une veine

lyrique — un pour le hautbois et l’autre pour

les violons dans un geste romantique ample.

Le deuxième mouvement s’inspire d’une

marche guillerette provenant de l’opéra

inédit de Tchaïkovsky Ondine, qui fut refusé

par l’Opéra de Saint-Pétersbourg en 1869. Un

second thème expressif s’associe à la mélodie

de la marche, apparaissant chaque fois sous

des couleurs différentes.

Le troisième mouvement est constitué

d’un scherzo animé, remarquable pour ses

rythmes exubérants, ses changements rapides

d’atmosphère et ses brillantes couleurs. La

section centrale en trio contient une autre

mélodie d’allure populaire.

Le finale était le mouvement préféré de

Tchaïkovsky. L’introduction est suivie, ici aussi,

d’une simple mélodie populaire, « La Grue », qui

sert de matériau principal au développement

tout au long du mouvement, apparaissant

dans des réorchestrations colorées, parfois

avec des contre-sujets ininterrompus. Un

thème original du compositeur, rempli de

syncopes et souvent comparé à un rythme de

rumba, alterne avec le thème de « La Grue ».

Un dernier énoncé presto du thème principal

mène la symphonie à une brillante conclusion.

Traduit d’après Robert Markow


Born in 1979, English conductor Alexander

Shelley was unanimously awarded first prize

in the 2005 Leeds Conductors Competition and

was described in the press as “the most exciting

and gifted young conductor to have taken

this highly prestigious award. His conducting

technique is immaculate, everything crystal

clear and a tool to his inborn musicality.”

In recent seasons, Shelley has performed

with, among others, the Royal Philharmonic,

Simon Bolivar Youth Orchestra in Caracas,

Frankfurt Radio Symphony, Seattle and Houston

Symphony Orchestras, and the Melbourne,

Malaysia and Singapore Symphony Orchestras.

Highlights this season include an extended tour

of Germany with the Bundesjugendorchester,

and four performances of Verdi’s Requiem

with the Mozarteum Orchestra at the

Festspielhaus Salzburg. He made his debut

with the NAC Orchestra in October 2009 and

his most recent appearance at the NAC was in

September 2012, for Opera Lyra’s production

of La Bohème.

Mr. Shelley is the Chief Conductor the of

Nuremberg Symphony Orchestra and also

enjoys a close relationship with the Deutsche

Kammerphilharmonie Bremen, with whom

he performs regularly both in subscriptions in

Bremen and around Germany.

The son of professional musicians,

Mr. Shelley studied conducting with Professor

Thomas Gabrisch and in 2001 he founded the

Schumann Camerata in Dusseldorf.

Né en 1979, le chef d’orchestre anglais

Alexander Shelley a remporté, à l’unanimité,

le premier prix au Concours de direction

d’orchestre de Leeds en 2005. La presse

l’a décrit comme « le jeune chef le plus

fascinant et le plus doué à avoir reçu cette très

prestigieuse distinction. Au podium, il a une

technique sans faille, une précision absolue,

un sens musical inné ».

Au cours des récentes saisons, M. Shelley

s’est produit entre autres avec le Royal

Philharmonic, l’Orchestre des jeunes Simon

Bolivar à Caracas, l’Orchestre symphonique

de la radio de Francfort, les orchestres

symphoniques de Seattle et de Houston,

ainsi que ceux de Melbourne, de Malaisie et

de Singapour. Pour lui, les temps forts de la

saison en cours sont une longue tournée en

Allemagne avec le Bundesjugendorchester et

quatre représentations du Requiem de Verdi

à la tête de l’orchestre du Mozarteum, au

Festspielhaus de Salzbourg. Il a effectué ses

débuts au podium de l’Orchestre du CNA en

octobre 2009 et il a dirigé tout dernièrement

la production de La Bohème par Opera Lyra

au CNA, en septembre 2012.

M. Shelley est premier chef du Nürnberger

Symphoniker et il entretient des liens privilégiés

avec la Deutsche Kammerphilharmonie

Bremen qu’il dirige régulièrement dans le

cadre de concerts d’abonnement à Brême et

partout en Allemagne.

Fils de musiciens professionnels, le maestro

Shelley a reçu sa formation en direction

d’orchestre auprès de Thomas Gabrisch. En 2001,

il a fondé la Schumann Camerata à Düsseldorf.

alexander shelley conductor/chef d’orchestre

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Lars Vogt has rapidly established himself as

one of the leading pianists of his generation.

Born in the German town of Düren in 1970,

he first came to public attention when he won

second prize at the 1990 Leeds International

Piano Competition and has since gone on

to give concerto and recital performances

throughout Europe, Asia, Australia, and North

and South America. In the 2003-2004 season,

he was appointed the first ever “Pianist in

Residence” by the Berlin Philharmonic and

his special relationship with this orchestra has

continued.

Highlights of Mr. Vogt’s 2012-2013 season

include appearances with the Philadelphia

and Cleveland Orchestras, the London

Philharmonic Orchestra and the Orchestre

de Paris. Also this season he performs with

the Gewandhaus Orchestra in Leipzig and on

tour in Asia, makes his debut with the NAC

Orchestra, and presents a recital at New York’s

92nd St. Y.

In 1998, Mr. Vogt founded his own

festival in Heimbach, Germany. Known as

“Spannungen,” its huge success has been

marked by the release of ten live recordings

on EMI. In 2005, he founded “Rhapsody in

School” which has become a high-profile

education project across Germany.

Lars Vogt s’est rapidement hissé au rang des

pianistes phares de sa génération. Né à Düren

en Allemagne en 1970, il a gagné l’attention

du public en remportant le deuxième prix au

Concours international de piano de Leeds en

1990. Il se produit depuis comme concertiste

et récitaliste partout en Europe, en Asie,

en Australie, en Amérique du Nord et en

Amérique du Sud. Durant la saison 2003-

2004, il est devenu le tout premier « pianiste

en résidence » de l’Orchestre philharmonique

de Berlin, avec lequel il entretient depuis des

liens privilégiés.

Parmi les principaux engagements inscrits

au calendrier 2012-2013 de l’artiste figurent

des prestations avec le London Philharmonic

Orchestra, ainsi qu’avec les orchestres de

Philadelphie, de Cleveland et de Paris.

Cette saison toujours, on le retrouve avec le

Gewandhaus Orchestra à Leipzig et en tournée

en Asie, ainsi qu’en récital au 92nd St. Y de

New York. Le programme de ce soir marque ses

débuts avec l’Orchestre du CNA.

En 1998, M. Vogt fondait à Heimbach,

en Allemagne, son propre festival appelé

« Spannungen » (Tensions). Dix albums y ont

été enregistrés en direct sous étiquette EMI,

contribuant à l’énorme succès du festival.

Le pianiste a par ailleurs mis sur pied en

2005 le projet « Rhapsodie à l’école », qui est

aujourd’hui un programme éducatif très prisé

dans toute l’Allemagne.

Lars vogt piano

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The naTionaL aRTs cenTRe oRchesTRa oRchesTRe du cenTRe naTionaL des aRTs

FIrSt VIOlInS/PrEmIErS VIOlOnSYosuke Kawasaki(concertmaster/violon solo)Jessica Linnebach(associate concertmaster/violon solo associéeNoémi Racine Gaudreault**Elaine KlimaskoLeah RosemanManuela MilaniKaroly Sziladi**Lynne Hammond*Martine Dubé*Carissa Klopoushak*Annie Guénette*Daniel Godin*Emily Westell*John Corban

SECOnd VIOlInS/SECOndS VIOlOnSDonnie Deacon(principal/solo)*Jeremy Mastrangelo(guest principal/solo invité)Winston Webber(assistant principal/ assistant solo)Susan RuppMark FriedmanEdvard SkerjancLev BerenshteynRichard GreenJean-Hee LeeBrian Boychuk*Isabelle Lessard

VIOlaS/altOS Jethro Marks (principal/solo) David Goldblatt (assistant principal/ assistant solo) David Thies-Thompson Nancy Sturdevant **Peter Webster *Guylaine Lemaire *Jay Gupta *Paul Casey CEllOS/VIOlOnCEllES **Amanda Forsyth (principal/solo) *Winona Zelenka (guest principal/ solo invitée) Leah Wyber Timothy McCoy Carole Sirois *Julia MacLaine *Wolf Tormann *Karen Kang dOuBlE BaSSES/ COntrEBaSSES Joel Quarrington (principal/solo) Marjolaine Fournier (assistant principal/assistante solo) Vincent Gendron Murielle Bruneau Hilda Cowie FlutES/FlûtESJoanna G’froerer(principal/solo)**Emily Marks*Camille Churchfield*Ahilya Ramharry

OBOES/HautBOISCharles Hamann(principal/solo)Anna Petersen Stearns

ClarInEtS/ClarInEttESKimball Sykes(principal/solo)Sean Rice

BaSSOOnS/BaSSOnSChristopher Millard(principal/solo)Vincent Parizeau

HOrnS/COrSLawrence Vine(principal/solo)Julie Fauteux(associate principal/ solo associée)Elizabeth SimpsonJill KirwanNicholas Hartman

trumPEtS/trOmPEttESKaren Donnelly(principal/solo)Steven van Gulik

trOmBOnESDonald Renshaw(principal/solo)Colin Traquair

BaSS trOmBOnE/trOmBOnE BaSSEDouglas Burden

tuBaNicholas Atkinson(principal/solo)

tImPanI/tImBalESFeza Zweifel(principal/solo)

PErCuSSIOnSJonathan WadeKenneth Simpson*Andrew Harris

HarP/HarPEManon Le Comte(principal/solo)

lIBrarIanS /muSICOtHéCaIrES Nancy Elbeck (principal librarian/musicothécaire principale)Corey Rempel(assistant librarian/musicothécaire adjoint) aCtIng PErSOnnEl managEr/ CHEF du PErSOnnEl Par IntérIm Meiko Taylor aSSIStant PErSOnnEl managEr/ CHEF adjOInt du PErSOnnEl Ryan Purchase

Pinchas Zukerman music director/directeur musical

Mario Bernardi, C.C. Conductor laureate/Chef d’orchestre lauréat

Alain Trudel Principal Youth and Family Conductor/Premier chef des concerts jeunesse et famille

Jack Everly Principal Pops Conductor/Premier chef des concerts Pops

* additional musicians/musiciens surnuméraires ** On leave/En congé

the national arts Centre Orchestra is a proud member of Orchestras Canada, the national association for Canadian orchestras./l’Orchestre du Centre national des arts est un fier membre d’Orchestres Canada, l’association nationale des orchestres canadiens.

Printed on Rolland Opaque50, which contains 50% post-consumer fibre, is EcoLogo and FSC® certified

Imprimé sur du Rolland Opaque50 contenant 50 % de fibres postconsommation, certifié EcoLogo et FSC ®

Music dePaRTMenT/déPaRTeMenT de MusiqueChristopher Deacon Managing Director/Directeur administratif

Daphne Burt Manager of Artistic Planning (on leave)/Gestionnaire de la planification artistique (en congé)

Frank Dans Interim Artistic Administrator/Administrateur artistique par intérim

Louise Rowe Manager of Finance and Administration/Gestionnaire des finances et de l’administration

Shannon Whidden Orchestra Manager/Gestionnaire de l’Orchestre

Nelson McDougall Tour Manager/Gestionnaire de tournée

Stefani Truant Associate Artistic Administrator/Administratrice artistique associée

Meiko Taylor Acting Personnel Manager/Chef du personnel par intérim

Ryan Purchase Orchestra Operations Associate/Associé aux opérations de l’Orchestre

Renée Villemaire Artistic Coordinator/Coordonnatrice artistique

Geneviève Cimon Director, Music Education and Community Engagement (on leave)/

Directrice, Éducation musicale et rayonnement dans la collectivité (en congé)

Mary E. Hofstetter Consulting Director, Music Education/Directrice-conseil, Éducation musicale

Douglas Sturdevant Acting Associate Director, Music Education and Community Engagement /

Directeur associé par intérim, Éducation musicale et rayonnement dans la collectivité

Christy Harris Manager, Summer Music Institute/Gestionnaire, Institut estival de musique

Kelly Abercrombie Education Associate, Schools and Community/

Associée, Services aux écoles et à la collectivité

Natasha Harwood Coordinator, Music Alive Program (on leave)/

Coordonnatrice, Programme Vive la musique (en congé)

Caroline Matt Coordinator, Music Alive Program/Coordonnatrice, Programme Vive la musique

Diane Landry Director of Marketing/Directrice du Marketing

Natalie Rumscheidt Senior Marketing Manager/Gestionnaire principale du Marketing

Kimberly Raycroft Senior Marketing Officer/Agente principale de marketing

Andrea Hossack Communications Officer/Agente de communication

Melynda Szabototh Associate Marketing Officer/Agente associée de marketing

Camille Dubois Crôteau Associate Marketing Officer/Agente associée de marketing

Odette Laurin Communications Coordinator/Coordonnatrice des communications

Alex Gazalé Production Director/Directeur de production

Pasquale Cornacchia Technical Director/Directeur technique

Robert Lafleur President, Friends of the NAC Orchestra/Président des Amis de l’Orchestre du CNA

Join the Friends of the NAC Orchestrain supporting music education.

Telephone: 613 947-7000 x590FriendsOfNACO.ca

Joignez-vous aux Amis de l’Orchestre du CNApour une bonne cause : l’éducation musicale. Téléphone : 613 947-7000 x590 AmisDOCNA.ca

Audi, the official car of the National Arts Centre Orchestra / Audi, la voiture officielle de l’Orchestre du Centre national des Arts

Tchaikovsky’s “LiTTLe Russian” La PeTiTe Russie...

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Transcript of Tchaikovsky’s “LiTTLe Russian” La PeTiTe Russie...