Por: Shanti Devi Carreras Pérez

Índice

Introducción

Artistas:

Claire Muckian

Brian Kakas

Steve Belz

Maciej Kasperski

Connie Norman

Chris Wight

Antonella Cimatti

Abigail Simpson

Liza Riddle

Merete Rasmussen

Mateo Cámaras

Patrick colhoun

Signe Schjoth

Kathy pallie

Nagae Shigekazu

Yochiro kamei

Conclusiones.

Introducción

El presente trabajo pretende hacer un recorrido a lo largo del panorama actual

que se vive en la cerámica artística, a través de la mirada de diferentes artistas

contemporáneos, su obra, y su particular visión de la misma, que se materializa

mediante las diferentes técnicas de trabajo, las temáticas que siguen, o la

manera de aprovechar las cualidades propias de los distintos materiales

empleados.

Lo que aquí se muestra, no pretende crear una imagen completa de la

cerámica artística en la actualidad, ya que este objetivo se plantea

inalcanzable, debido a la extensa diversidad que contempla el panorama

actual.

La línea común que une esta recopilación de autores, obras y estilos, es la

visión que plantean de cómo trabajar artísticamente a través de diferentes tipos

de arcillas, pretendiendo alcanzar a su vez distintos objetivos, pero que se

unen bajo una misma temática, crear en el espectador una respuesta, o un

sentimiento que va más allá de la simple percepción estética, o lo que es lo

mismo, hacerlo partícipe de la experiencia, de manera que no deje a nadie

indiferente.

El hecho de tratar la cerámica artística en la época actual, se basa en que

normalmente las etapas más antiguas son aquellas que más se conocen, o de

las cuales se tiene una idea o visión más clara, dejando de lado un aspecto

fundamental como es el papel que la cerámica ocupa en el arte hoy en día,

pretendiendo así mostrar algunas de las tendencias, estilos, o posibilidades

que esta rama artística puede aportar al proceso creativo.

Claire Muckian

"La mentira está en algún lugar entre la cerámica y

la escultura contemporánea, mi trabajo es un híbrido

de ambas disciplinas.

En la actualidad, los centros de trabajo son espacios

oscuros. Yo construyo con las manos, uso técnicas

tales como pellizcos, o unir pequeños segmentos,

para formar las paredes delgadas. A través de estas

técnicas, se van creando espacios de interés,

mientras que también se crea un diálogo entre el

interior y el exterior. Celosía (alternancia de bandas

soportes y filas) que me permiten construir

estructuras delicadas que son a la vez abiertas y

cerradas. A menudo, uso los motivos para denotar el

significado.

El dibujo es importante, ya que refleja mi trabajo en todas las etapas. Los

objetos nacen en algún lugar entre el dibujo y la escultura.

En cuanto a materiales, yo uso una variedad de diferentes arcillas como la

porcelana, terracota y arcillas de gres. En particular, me gusta utilizar la

porcelana, ya que de ella se puede explotar su delicadeza y translucidez. A

veces compagino una variedad de técnicas mixtas como por ejemplo la

cera. Así las obras abarcan un rango en la escala de lo íntimo a lo grandioso.

Trabajo en la línea de las cualidades del arte anónimo. Hago recortes de

nuevo a elementos puros, señalando la influencia de las formas concentradas,

tales como menhires, círculos y rombos. Abstracto, y sin embargo familiar, se

trata de objetos que apelan a los contenidos de la mente arcaica, donde el

espectador puede acercarse a alguna forma de reconocimiento ". Claire

Muckian

Brian Kakas

La forma creativa debe adaptarse a los cambios continuos que sufren disciplinas como el arte, la arquitectura, la ciencia y la tecnología. En este nuevo cuerpo de obras de cerámica, titulado "Percepción de la tectónica", la intención es la incorporación de metodologías y teorías de las prácticas mencionadas para crear una "nueva naturaleza" en el diseño estructural de los objetos de cerámica. Las piezas buscan celebrar la versatilidad de la arcilla con el objetivo de fomentar nuevas realizaciones del espacio arquitectónico. Viajes a través de Asia y una variedad de ricas experiencias culturales en China han dado lugar a nuevas realizaciones dentro de la mente del artista y la percepción de la identidad cultural de la historia, y el espacio. Estas relaciones han permitido a la artista explorar las relaciones entre los elementos fuertes de la tradición y las identidades modernas que evolucionan rápidamente en todo el mundo. Exploraciones de estas interrelaciones y las intenciones del fabricante y su material ha llevado a los nuevos diseños de cerámica estructural. A través de su proceso de invención, la intención del artista es encontrar una forma natural, y que permanece fiel a los materiales elegidos y sus propiedades inherentes. El artista está buscando establecer un vocabulario formal que permita a los objetos escultóricos exhibir las cualidades de únicos y artesanales, de la cultura tradicional con la de los hechos a máquina y objetos de producción masiva de nuestra sociedad contemporánea. La sinergia, las formaciones de los patrones y estructuras, de animales, plantas e insectos tienen una fuerte influencia sobre la creación de formas. Se siente intrigado por las preguntas que surgen de los objetos finales y han comenzado a buscar maneras de evaluar los resultados. ¿Qué formas puede permitir interpretaciones más o menos exitosas? (Por ejemplo, lo masculino frente a femenino; orgánica vs geométrica) ¿Hay o puede haber un denominador

común que los relacione a todos? Se puede y cómo pueden contribuir estas relaciones a fomentar nuevas ideas y preguntas más allá de que de las tres realidades tridimensionales? Las formas cerámicas de Kakas se derivan de las hibridaciones que se han desarrollado a través de investigaciones de la estética del

siglo 20 de diseño estructural en la arquitectura y las teorías matemáticas de los sistemas de exploración de los patrones de crecimiento, y las dimensiones.

Teorías tales como: la geometría cartesiana, fractales de Mandelbrot, Golden Ratio, secuencias de Fibonacci y espirales gnómicos. La Intención de las obras es incorporar las teorías matemáticas para influir, aunque no establecer de parámetros finitos a los diseños de esculturas de cerámica. Los componentes numéricos de las teorías siguen siendo irracionales, mientras que los conceptos de las relaciones se centran en permitir la creación de esculturas para hacer construcciones más intuitivas.

Su forma de encontrar la práctica se centra en el uso de elementos de la naturaleza y la industria que permite a las variaciones de un tema dentro de un conjunto más amplio de trabajo. El artista quiere hacer una contribución notable al arte contemporáneo de la cerámica y la industria mediante la ampliación de vocabulario histórico de la forma a través de un formato innovador de la construcción. Uno de los objetivos dentro de las obras es el de informar e involucrar a los espectadores, creando relaciones entre una multitud de disciplinas en un esfuerzo por buscar nuevas preguntas y respuestas posibles en relación con nuestro propio tiempo y espacio en la sociedad contemporánea. "En nuestro tiempo la cantidad de cambio en el ambiente en que un individuo tiene que seguir reajustando a sí mismo psicológicamente es tan grande, y el ritmo de este cambio tan rápido que la demanda está forzando la capacidad del ser humano para adaptarse." - Arnold Toynbee

Steve Belz

“El medio ambiente se encuentra en un delicado equilibrio entre el bienestar y la decadencia. Para una sociedad sana, tenemos que ser sensibles al hecho de que todas nuestras actividades afectan a la Tierra. Mis esculturas expresan la belleza de la naturaleza y la tensión creada por la manipulación del hombre de

nuestro medio ambiente. Yo uso la belleza de la forma para aumentar la conexión emocional del espectador con la naturaleza. Esta conexión con la naturaleza va más allá de una persona, y en última instancia busca la compasión de nuestra sociedad por el mundo natural. Históricamente hemos manipulado las plantas mediante la recopilación de las semillas, injertos miembros, o el control de la polinización de las plantas con los rasgos que encontramos favorables. Estas cualidades se han desarrollado gradualmente a lo largo de incontables generaciones. ¿Qué diferencia nuestra modificación de las plantas, con la selección de largo alcance de los rasgos de los organismos que no serían accesibles?. Por ejemplo, un empalme de genes de pescado con una fresa para hacer las fresas más resistentes al frío. Esto no podría ocurrir si no fuera por las técnicas desarrolladas por los científicos. Este tipo de manipulación es diferente de nuestro sistema previo de selección de plantas y tiene efectos potencialmente profundos en la Tierra. Puedo utilizar elementos fabricados en mi trabajo para crear una tensión destinada a lograr una conciencia en el espectador, para abrir un diálogo sobre la asociación de la sociedad contemporánea con la naturaleza. Esta discusión puede aumentar la concienciación sobre el peligro que se plantea en nuestra situación actual. La falta de responsabilidad con la Tierra, crea muchos problemas para el planeta, entre ellos la degradación de nuestros sistemas básicos de soporte vital, como se refleja en la pérdida de biodiversidad, aumento de la toxicidad de nuestros sistemas alimentarios, el uso ineficiente de los recursos naturales y el cambio climático global . Espero que mi arte promueva a los espectadores para que se eduquen y se vuelven cada vez más activos, en la lucha por asegurar un futuro sostenible ". Steve Belz

Maciej Kasperski "Estoy interesado en las relaciones entre la forma y la función de un objeto. Está relacionado con mi creencia en un valor estético excepcional de artículos de cada día. La funcionalidad viene para mí como punto de partida para el análisis de una forma estética. Aspiro a hacer arte comprensible, si no en el nivel de análisis racional o intelectual, por lo menos en el nivel de los sentimientos, sentidos o placer estético”. Maciej Kasperski Maciej Kasperski nació en 1969. En 1996 se graduó de Cerámica y Vidrio del Departamento de la Academia de Bellas Artes de Wroclaw. En la actualidad, es profesor en la Facultad de Cerámica de la AFA en Wroclaw.

Connie Norman

"Toda mi vida he luchado con la escritura, ahora mi trabajo está completamente cubierto con el texto. Este cambio de paradigma, me ha permitido experimentar con distintas formas artísticas, y superar los miedos, a través del arte. ¡Una aventura interesante en el auto-descubrimiento! El texto de mis piezas actúa en varios niveles. Por ejemplo, tiene una textura, patrón, misterio y un camino a mirar hacia adentro para descifrar un vistazo a mis pensamientos privados. Estoy fascinado por las cualidades rítmicas creadas por el color, la textura, y los patrones. La decoración y el acto de la decoración son esenciales, ya que celebra y mejora la forma y habla exclusivamente de la estética. Puedo usar la cerámica como medio y vehículo para explorar la decoración y así como otras cuestiones formales. Se me permite investigar la forma, el espacio y la imagen. Mi mayor satisfacción es rellenar superficies con color y decoración muy detallada, con un espíritu juguetón y caprichoso. Mi intención es hacer un entorno, donde un participante expresivo pueda hacer frente a la importancia de la estética, en su vida diaria” .Connie Norman Connie Norman nació en Japón, y creció en todo el mundo. Ella es graduada de la Universidad del Estado de Nueva York de Cerámica de la Universidad

Alfred y se especializó en la cerámica y la escultura cerámica. También ha estudiado la cerámica en Nagoya, Japón. Su trabajo ha sido expuesto a nivel nacional en muchas exposiciones,

Chris Wight

“La primera vez que trabajé con

porcelana, me llamó la atención

por su blancura, su capacidad,

para asumir los detalles y su

transparencia sorprendente.

La propiedad, de la misma que la

convierte en sensible a la luz, y le

permite cambiar entre los estados

translúcidos y opacos - Poco a

poco o de manera instantánea-

según se produzcan los cambios

de luz alrededor de ella, por lo que

se convierte así en una

importante fuente de fascinación.

Una fuente de inspiración son los patrones, texturas, formas y figuras que se

encuentran en la naturaleza, a menudo, y en particular me inspiran , los

pequeños mundos que se descubren en un microscopio .Además de estos

temas, seguiré desarrollando una cadena corta de trabajos que se centran en

los iconos de los objetos a partir de mi propia infancia.

La "memoria de la arcilla" es un rasgo

importante, ya que al reparar una fractura esta

tiende a reaparecer, esto crea inevitablemente

altas pérdidas en la producción.

Por esta razón la mayoría de los ceramistas

evitan el uso de la porcelana. Sin embargo, a

través del tiempo he llegado a comprender la

naturaleza de la arcilla y ahora la disfruto con

los constantes desafíos que presenta.

Sin embargo, existe una tensión entre las

limitaciones de la arcilla y mi intención como

artista, en la línea de revelar su belleza

inherente y demostrar a su vez, la versatilidad

que presenta.

Para aprovechar el encanto de la porcelana adopto 'alto riesgo' en técnicas no

convencionales, que a menudo, van en contra de las buenas prácticas

tradicionales - que empujan a la arcilla hasta el límite.

La intuición aliada con la experiencia, son básicas a la hora de hacer una pieza

con éxito. Las nuevas tecnologías, como el corte por chorro de agua, hacen

posible la creación de obras de altura y volumen significativamente mayor, al

mismo tiempo es crucial, mantener la cerámica lo suficientemente fina para

conservar la delicadeza y la translucidez.

Yo habitualmente combino los enfoques tradicionales y modernos al mismo

tiempo que voy tratando de llevar los límites al máximo y redefinir la percepción

de la porcelana como algo más que simplemente el dominio exclusivo de vajilla

fina”.

"Chris Wight”

Antonella Cimatti

"Creo que el mayor compromiso del artista es el de mantenimiento profesional, como cuestión de hecho, junto con la creatividad espontánea, que indisolublemente debe agregar una elevada competencia profesional en relación con la técnica, a través de la lectura y la observación, resumidas en la alegría de la experimentación, de combinar y de avanzar. Mi diseño nace a partir de una relectura de la producción artística pasado a través de un filtro de la sensibilidad personal, dirigida a la realización de un objeto funcional o escultural. Las obras generadas son estéticamente correctas, y muestran un fuerte sentido del carácter femenino real, de la gracia, de elegancia y de la atención al detalle. Por lo tanto, "Crespines", se basa en objetos tradicionales originalmente Faentinian que se utilizaron en Europa en los siglos 16 y 17, y que han sido rehechas en arcilla de porcelana de papel para una nueva colección que comenzó en 2005. Fue difícil y emocionante crear formas derivadas del pasado, pero lo he llevado a cabo con técnicas totalmente nuevas y con una nueva filosofía. Estas piezas se han formado con una trama decorativa muy fina que en última instancia, crea su estructura de soporte: es un arte de la suma, no de resta,

como se ha hecho común en el original crespines El procedimiento prevé la moldura con una jeringa a mano alzada en cóncavo o convexo, creando soportes refractarios, que requieren una cocción a alta temperatura. A veces, las obras se montan en bases de vidrio

soplado a mano, que se han diseñado y puesto en marcha en la Toscana. La forma redonda es frecuente en mi trabajo, esta a menudo se puede encontrar en la arquitectura italiana del Renacimiento. Se presentan de esta manera, al igual que las copas de cerámica, amplias filigranas, en un tipo de encaje de superposición de espirales entrelazadas en porcelana preciosa "hilo", un efecto absolutamente imposible de obtener sin la ayuda de arcilla de papel. Los objetos de la luz y la vulnerabilidad, viven en la iluminación y la sombra, en el tacto, en la blancura suprema y vibraciones imperceptibles” ". Antonella Cimatti “ Antonella Cimatti nació en Faenza en 1956. Fue una de los pupilos de Carlo Zauli en el Istituto d'Arte (Escuela Estatal de Cerámica) en Faenza, pasó a obtener un grado con honores en la Academia de Bellas Artes (Academia de Bellas Artes) en Bolonia. Actualmente enseña Diseño en el Istituto d'Arte (Escuela Estatal de Cerámica) en Faenza desde 1979.

Abigail Simpson

“He trabajado con el tema de la embarcación desde hace algún tiempo, el

desarrollo como un objeto más allá del uso normal. Mi idea de un buque no es

simplemente como una pieza de trabajo de los aparatos, sino como un objeto

que expresa la energía en bruto y el poder.

No es un ejercicio académico en la imitación del pasado histórico. Estoy

interesada en la cerámica "arquitectura" de un objeto, y en mi trabajo expreso

un sentido de la ingeniería de la forma, la cual es crucial.

Cuando estoy en el estudio pienso en el objeto en términos simples, su

superficie, el color, la escala y la promesa de algo elegante y hermoso en la

meta. También hay un sentimiento subyacente de lo erótico ..." Abigail

Simpson

Abigail Simpson nació en Londres y en un principio se formó como actriz antes

de estudiar cerámica. Su trabajo ha sido expuesto ampliamente en Gran

Bretaña. La última empresa de Simpson es una instalación de 15 buques que

actualmente se muestra en Ralph Pucci Salón Internacional de

Manhattan.Grandes, formados por vasijas de cerámica de Simpson y de ollas

Bobble ', que se han convertido en su marca. Estos son cuidadosamente

construidos por la mano de la arcilla de gres con bobinas gigantes.

Cada pieza es única y tiene un carácter propio. La única constante es la

extraordinaria escala - los buques pueden ser de hasta 7 pies de altura.

Su objetivo es liberarse de las limitaciones y expectativas de "Cerámica",

aprovechando su inspiración principalmente de arquitectura, el arte y la moda.

Sus barcos se pueden describir como voluptuosos y atractivos y su formación,

como actriz se puede deducir de la teatralidad misma de estos grandes

buques. El trabajo de Abigail Simpson ha aparecido en la mayor parte de las

principales revistas de moda. Entre sus compradores se incluyen Annie Lennox

y Donna Karan.

Liza Riddle

"He estado profundamente inspirada en el ritmo, los patrones y las fuerzas de la vida, como los cantos rodados en una ladera de la Sierra, la línea del hombro sensual de una figura humana en movimiento, las ondas de viento en un mar azul y gris, los viajes alrededor del mundo. La cerámica de las culturas antiguas, y el trabajo cuidadosamente elaborado, me hablan, tal vez por el espíritu del fabricante que aún residen en los propios artefactos. Me baso en las mismas técnicas utilizadas para estas culturas la bobina por mis vasos, con arcilla porcelana suave. Algunas piezas son cuidadosamente pulidas y pulidas antes de la cocción, otras son de arena, a las que después de suavizar los bordes, creo una textura fina y mate. Mis piezas están desprovistas de sus lunas, y sin una superficie vidriosa, tienen la misma sensación fresca y suave de una piedra erosionada en una playa de arena. En lugar de cristales, pinto los vasos bisqued con metales solubles en agua - de hierro, níquel, cobalto y otras sales, sustancias químicas que penetran el barro no vitrificado y revelando la paleta elemental de la Tierra después de la cocción. A través de ensayo y error, he desarrollado mis propias mezclas de sales de metales y las técnicas para la aplicación de estas casi transparentes "acuarelas". Las sales de metales son a menudo imprevisibles, pero puede crear patrones mágicos - halo que rodea las galaxias de puntos, o los colores que se rompen

de un rojo rico en hierro a cielo brillante de cobalto azul, diseños sutiles que imitan los colores y los patrones de la naturaleza "Riddle Liza.

Merete Rasmussen

"Yo trabajo con formas escultóricas

abstractas. Estoy interesada en la idea

de una superficie continua, con un borde

conectado o la línea que atraviesa todo

el formulario. Las formas claras y

limpias, suaves curvas suaves, en

contraste con los bordes afilados,

superficies cóncavas y convexas, el

descubrimiento y la fuerza de un espacio

interior / negativo - todas estas son

expresiones de las formas que me

interesan y los resultados de mi

exploración continua y de expresión en muchos países diferentes.

Mis esculturas son asimétricas o con una repetición de la forma:

- Asimétricas las que trabajan principalmente con la idea de superficie

continua. La forma tiene sólo un lado y un borde conectado a través de la

forma.

- La repetición de la forma con tres partes simétricas que están conectadas,

tres son tanto un número fuerte y una repetición de la forma equilibrada. El

espacio negativo - la forma del espacio en el medio, es igualmente importante.

Mi trabajo está construido a mano, mediante la técnica del bobinado. El gres

es mi principal material por sus cualidades - Me gusta desafiar a la materia y

mis propias habilidades mediante la creación de formas complejas, y frágiles,

A menudo me invaden ideas para una

nueva forma mientras trabajo en

otras. También creo que mi

inspiración se basa en las formas que

vemos en la naturaleza, así como la

arquitectura y el diseño, las curvas

limpias, la decoración escasa, la

sencillez. Para enfatizar la forma

utilizo una superficie mate y los

colores blanco y negro”.

Nació en Dinamarca, pero se crió en Suecia. Volvió a Dinamarca para estudiar

en la Escuela de Diseño de Kolding en el año 2000, y se trasladó a Londres en

2005 después de graduarse. Desde su obra ha estado centrada principalmente

en piezas escultóricas.

Mateo Cámaras

"Hago la escultura que nace de la rueda de alfarero. Muchas secciones son arrojadas y construidas para crear una belleza, con ritmo y simetría en forma de resumen. Estoy interesado en el viaje y la progresión de capas, el patrón tridimensional, y cómo esto puede crear distintas calidades según el funcionamiento de los tres factores esenciales: - La construcción: De la simplicidad a la complejidad. Circular o fragmentada. - El patrón de ritmo: ritmos diferentes producidos a través de la construcción y la colocación de las piezas. - La posición de visión y la profundidad de la forma: horizontal, vertical o angular. En el interior el ritmo del espacio o cerrado. La pasión que se establece en el proceso de fabricación, impulsa la creación de mi escultura. A través de la práctica y la persistencia, he desarrollado una forma única de hacer, y esto, junto a la versatilidad de la arcilla, es esencial para crear el carácter individual de la obra Chambers "Mateo

Patrick colhoun

"Me esfuerzo por ser único, y que mi trabajo cree división de opiniones. Esta debe ser la principal característica de mis piezas, fuertes y masculinas, como los animales. Trato temas como la desviación sexual, el confinamiento, la agresión, con toques de simbolismo religioso. En esta etapa de mi carrera cerámica, estoy tratando de ampliar los límites todo el tiempo en términos de creatividad, forma y acabado. Sospecho que siempre lo haré. Estoy trabajando principalmente con barro negro que me permite el lujo de dejar partes de la obra de vez en cuando. También estoy particularmente interesado en explorar cómo ciertos materialespueden trabajar juntos, como el metal y la cerámica". Patrick Colhoun Patrick Colhoun vive y trabaja en Belfast.

Signe Schjoth “Mi trabajo está orientado al proceso con el examen de forma, que en su presencia aparece en las formas orgánicas y líneas rítmicas en movimiento. El punto de partida era la idea de una flor como la energía radiante y la elegancia notable y exuberante, un testimonio de la existencia de los milagros cotidianos. La creación de un objeto estético, sensual material, ha sido siempre la esencia de mi trabajo, pero estos objetos desde el año 2002 se han ido volviendo más abstractos. En el momento en que yo me pregunto: ¿Es posible la combinación o la colisión de los sentidos para llegar a una forma más compleja? Esa es mi ambición. Toda mi obra está hecha a mano. Para lograr un sentido de la elegancia y la fragilidad trabajo con tamaños y piezas muy delgadas. .Además he puesto un gran esfuerzo en el logro de una superficie armónica y un acceso definido de las líneas, para intensificar el carácter de cada objeto. Las superficies mantienen una textura que refleja la presencia profundidad y sensibilidad de las formas que se encuentran en la naturaleza. En conjunto, estos acentúan la calidad táctil de las obras. " Signe Schjøth Nacido en Copenhague en 1974, Signe Schjøth estudió en la Escuela de Cerámica de Bornholm (1999 - 2002) y desde entonces ha sido seleccionada para varias exposiciones internacionales.

Kathy pallie "Como artista comercial diseño productos

para escaparates de las tiendas al por

menor, pantallas interiores, stands para

ferias y eventos especiales.

He trabajado con diferentes materiales para

crear objetos tridimensionales. Cuando me

retiré y empecé a trabajar con la arcilla, me

di cuenta de que la arcilla es un material

atractivo y táctil que tenía que explorar en

profundidad.

Estoy intrigado con la idea de cómo la mano del artista puede manipular la

arcilla en una obra de arte, expresando una emoción, o contando una historia,

de manera que puede ser funcional o puramente atractivo a la vista.

A veces, la arcilla parece tener una vida propia, ya que me lleva,

transformándose de una forma y concepto a otro. En otras ocasiones, puedo

imaginar la pieza terminada antes de tocar la arcilla.

Inspirado por la naturaleza, mi trabajo refleja la variedad ilimitada de texturas,

patrones, y la energía que encuentro en mi entorno natural. La textura y el

sentido del tacto han sido siempre partes importantes de mi trabajo. Suelo

construir con bloques de arcilla, rollos y formas extruidas, utilizar distintos tipos

de arcilla, procesos de cocción, esmaltes y acabados en frío para la

fabricación de diferentes formas y texturas.

Me gusta crear obras de arte que no sólo expresen mi amor por la naturaleza,

sino que también me permitan traer la esencia de la naturaleza en los espacios

interiores. " Kathy Pallie

Nagae Shigekazu

Nagae Shigekazu (nacido en 1953),

es uno de los pioneros de la porcelana

de casting y técnicas de cocción en

Japón. Casting es comúnmente

asociado con la producción en masa

de la porcelana, sin embargo, Nagae

transciende valientemente este

estereotipo, en última instancia, eleva

esta técnica a la vanguardia.

La fundición por sí sola, no puede lograr los movimientos naturales que se

encuentran dentro de las formas de Nagae. De hecho, la intensidad de sus

hornos de gas, ayudan a moldear, la forma y la curva de la porcelana blanca

delicada, lo que da a luz a las siluetas elegantes y tan estrechas que se han

convertido en marca Nagae.

Su popularidad y el reconocimiento como artista se han disparado, con las

adquisiciones por parte de la V & A en Londres, Los Angeles County Museum

of Art, y la Galería Nacional de Australia en tan sólo los últimos 3

años. También es recogida por las principales instituciones tales como el

Museo Nacional de Cerámica de Sèvres en París y el Museo Ariana de

Ginebra, entre otros, así como el reconocimiento mediante premios

prestigiosos como los grandes premios de 1998 en la Trienal de la porcelana

en Nyon, la cerámica Mino Festival de Japón y la exposición de arte de

cerámica (ambos 1997), estatura Nagae y el respeto en el mundo de la

porcelana ha llegado a nuevas

alturas.

Los ultimos trabajos de Nagae,

prueban los límites de sus

ingeniosas técnicas de fundición de

porcelana, y son la culminación de

sus extensos experimentos e

investigaciones sobre las cualidades

de la tierra batida y de fuego. Llamado Tsuranari no Katachi , son

esencialmente objetos de porcelana que contienen forma individual, y a su vez

crean formas de porcelana que están conectados entre sí. Cada forma

separada es antideslizante, y fundida a través de una sopa-combustión, que

combina cristales en las articulaciones y la suspensión de la obra a mediados

de aire dentro del horno de Nagae. A medida que el esmalte se funde y

cristaliza en el fuego del horno, las piezas van conectando correctamente. Sin

embargo, al mismo tiempo, el delicioso drapeado y afilado de sus curvas

orgánicas son asumidos a través de la "casualidad" los efectos del horno

naturales.

Yochiro kamei

Nacido en 1974 en la Prefectura de

Kagawa, Japón, Yoichiro Kamei es

uno de los más apreciados artistas

jóvenes de la cerámica. Con más

de 10 exposiciones individuales en

los últimos diez años - en Kyoto,

Tokio, Aichi, Osaka y Faenza, fue

galardonado con el Premio al Mérito

en la 1 ª Bienal de Cerámica de

Taiwan Internacional en 2004.

En 2010 recibió el Premio Artista ciudad de Kyoto, que es uno de los premios

de arte más valiosos de Japón.

Conclusión

Como conclusión fundamental quiero destacar el hecho de que actualmente la

cerámica forma parte activa del arte, siendo a la vez un medio, y un fin en sí

mismo, ya que hemos podido observar en los artistas presentados ambas

visiones, la cerámica como medio para transmitir y crear arte, y la cerámica

como arte en sí misma, con las implicaciones que esto conlleva.

Otro importante aspecto que me gustaría destacar, en que existe una gran

variedad y diversidad, en cuanto a líneas de trabajo, intenciones que se

persiguen, posibilidades, y materiales, en el trabajo con cerámica. Así cada

artista ha de intentar expresarse y crear a través de su propia experiencia, sin

dejar de lado su relación con el mundo y los problemas o inquietudes de la

sociedad que lo rodea.

El trabajo de cerámica artística permite conseguir objetivos de muy diversa

índole, que van desde lo funcional hasta lo meramente estético, pasando por la

propia visión del artista.

Las posibilidades de los materiales, así como sus cualidades son idóneas para

reflejar tanto la idea como la intención del artista en su estado más puro. El

conocer, y saber manejar diferentes técnicas y materiales, va a facilitar la tarea

que tienen la obra de transmitir el mensaje del artista, así como el hecho de

crear en el espectador un estímulo, relacionado con la temática o la intención

que persiga el artista con su obra.