Destacados de Programación Junio 2016 -...

Allegro HD – Destacados de Programación – Junio 2016

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Destacados de Programación – Junio 2016



Destacados de Programación Junio 2016

CONCIERTO – 75.º aniversario de la Orquesta Filarmónica de Israel – 3 de junio – Pág. 3

CONCIERTO – Apertura de temporada: Christian Thielemann, Thomas Hampson & Orquesta Estatal de Dresden – Estreno 3 de junio – Pág. 5

CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: Serenata para cuerda de Josef Suk

– Estreno 4 de junio – Pág. 7

CONCIERTO – Concierto memorial para Claudio Abbado – 5 de junio – Pág. 9

CONCIERTO – Anne-Sophie Mutter interpreta Mozart: Sonatas para violín y piano III – Estreno 5 de junio – Pág. 11

ÓPERA – La gloria de Rusia: el sonido y las vistas de San Petersburgo – 6 de junio –

Pág. 13

BALLET – Coppélia, de Léo Delibes – 10 de junio – Pág. 15

CONCIERTO – Orquesta Joven Simón Bolívar de Venezuela & Gustavo Dudamel: Beethoven & Mussorgsky, – Estreno 10 de junio – Pág. 17

ÓPERA – Il Trovatore: ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi – 11 de junio – Pág. 19

CONCIERTO – Sinfonía n.º 8 de Anton Bruckner: Daniel Barenboim y Orquesta Estatal

de Berlin – Estreno 11 de junio – Pág. 21

CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: Carmen Suite, de Rodion Shchedrin – Estreno 12 de junio – Pág. 23

JAZZ – Pink Martini en Avo Session – Estreno 12 de junio – Pág. 25

ÓPERA – Così fan tutte: ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart – 18 de junio

– Pág. 27

CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: Dimitri Maslennikov interpreta Schubert & Haydn – Estreno 18 de junio – Pág. 29

WORLD – Dionne Warwick en Avo Sessions – Estreno 18 de junio – Pág. 31

ÓPERA – Concierto de gala: Renée Fleming, Christopher Maltman & Christian

Thielemann – Estreno 19 de junio – Pág. 33

CONCIERTO – Sinfonía n.º 9 de Anton Bruckner: Daniel Barenboim y Orquesta Estatal de Berlin – Estreno 25 de junio – Pág. 35

ICONOS – Andrea Bocelli: Amor en Portofino – Estreno 26 de junio – Pág. 37

CONCIERTO – Concierto para Europa 2014: Filarmónica de Berlin & Daniel Barenboim –

26 de junio – Pág. 39



75 años de tradición de música celebrados en este memorable concierto, con un plantel de

lujo de la Orquesta Filarmónica de Israel.

Género: concierto, música clásica, música sinfónica, piano, violín.

Intérpretes: Evgeny Kissi, Julian Rachlin, Vadim Repin.

Director: Zubin Mehta.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Israel.

Año: 2011.

Lugar: Hangar 11 del puerto de Tel–Aviv.

Duración: 110 minutos.

El presente concierto, realizado el 24 de diciembre de 2011, cuenta con un magnífico repertorio, interpretado por músicos de alto reconocimiento: su aclamado director, uno de los grandes pianistas de nuestra época y dos de los más virtuosos violinistas, son algunos de los llamados a deleitar al espectador.

Le invitamos a presenciar desde la comodidad de su hogar, el Concierto para piano n.º 1, de Frédéric Chopin, interpretado por Evgeny Kissin, quizá el momento más esperado de la velada, dirigido de forma sobria por Zubin Mehta y seguido, con más vivacidad, por un Segundo Scherzo. Viene luego Vadim Repin, con el lírico y hermoso Poema de Chausson que, con la misma vehemencia del anterior, es una explosión de sentimientos transmitida a través de su instrumento, el violín, que sumergirán a quien lo escucha en un sonido vibrante y apasionado.

El entonces recién renovado puerto Tel Aviv, es el lugar de este encuentro único. Se reúnen en esta celebración, dos de las creaciones más importantes de Israel en su historia

Concierto: 75.º aniversario de Filarmónica de Israel 3 de junio 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador



moderna; ambos, puerto y orquesta, fueron creados a causa de la adversidad del pueblo judío tras el cierre del puerto de Jaffa que dejó a los músicos sin trabajo, obligándolos a migrar y formar la Orquesta. Su primer concierto fue el 26 de diciembre de 1936, bajo la dirección del inolvidable Arturo Toscanini, y ahora, acompáñenos, 75 años después, a esta reunión con sonido a tradición y triunfo.

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Concierto: 75.º aniversario de Filarmónica de Israel 3 de junio 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: De la mano de Zubin Mehta, junto a unos de los grandes intérpretes de la música clásica, les invitamos a participar del 75.º aniversario de la Orquesta Filarmónica de Israel, en un evento inigualable para los amantes de la buena música.

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Excepcional concierto de apertura de la temporada de la Estatal de Dresden, junto a su

director titular y un invitado vocal de excepción.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música sinfónica, lied.

Intérpretes: Thomas Hampson.

Director: Christian Thielemann.

Orquesta: Orquesta Estatal de Dresden.

Año: 2013.

Lugar: Semperoper, Dresden


El presente concierto, siempre especial cuando se trata de la apertura de una temporada, muestra dos maneras de comprender la creación musical bien distintas, en las que el contexto y la mirada del autor sobre la obra resultan absolutamente sustanciales para comprender el resultado final.

Hanns Eisler (1898-1962) es un compositor alemán relativamente poco conocido dentro del panorama de la música clásica. Formado como alumno de Arnold Schönberg, y en ocasiones con Anton Webern, fue miembro de la llamada Segunda Escuela de Viena, que desarrolló de manera importante todos los postulados llevados a escena previamente por sus maestros y Alban Berg. Fue el primero de los alumnos de Schönberg en continuar sus

Concierto: Apertura de temporada Thomas Hampson, Christian Thielemann & Orquesta Estatal de Dresden Estreno 3 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



composiciones dentro del dodecafonismo, aunque otra vertiente de su obra posee tintes más populares, cercanos al jazz o el cabaret. Hacia la mitad en adelante su carrera expresó su deseo de poner más en práctica y con éxito su convicción, expresada ya en 1937, de que «en nuestra nueva música uno podría buscar en vano la grandilocuencia, el sentimentalismo y la mística, por lo que es necesario buscar en su lugar frescura, inteligencia, fuerza y elegancia.» Incluso en su última obra, este ciclo de siete canciones Ernste Gesänge para barítono y cuerdas, donde los textos pueden parecer a veces justificar las cualidades indeseables anteriores, Eisler pide al cantante que acerque al oyente al significado de las palabras en lugar de expresarlos. Es quizá por eso que durante toda su vida Eisler sintió la necesidad de proteger a su música de intérpretes criados en los teatros de ópera y salas de conciertos.

Por su parte, Anton Bruckner (1824-1896) es probablemente el gran sinfonista austroalemán desde el gran Beethoven, título ganado merecidamente gracias a obras como esta Sinfonía n.º 5 en Si bemol mayor, compuesta entre 1875 y 1876, aunque posteriormente sufrió algunas revisiones y retoques, en general superficiales, tanto en 1878 como en 1896. Su primera interpretación pública fue en una transcripción para dos pianos, interpretada por Joseph Schalk y Franz Zottmann en abril de 1887, en la Bösendorfersaal vienesa. Posteriormente llegaría la versión orquestal dirigida por Franz Schalk en Graz, el 9 de abril de 1894, a la que Bruckner no pudo asistir por encontrarse enfermo. Lamentablemente nunca pudo escuchar esta sinfonía interpretada por una orquesta. La obra está dedicada a Karl von Stremayr, ministro de educación del Imperio Austrohúngaro. Fue impresa por primera vez en una revisión parcial de Franz Schalk en 1896, que fue la misma que se escuchó en el estreno de la obra. No queda muy claro cuántas de las diferencias entre esta versión y la de 1878 se deben a Bruckner y cuántas a Schalk, pero está generalmente aceptado que la mayor parte de los cambios no fueron aprobados por el autor. Schalk transformó la instrumentación para hacerla sonar más wagneriana, realizando algunos cambios muy significativos en la extensa coda del final, donde añadió platillos y triángulo, así como dobló los instrumentos de metal, con lo que pretendía dar mayor brillo y potencia al pasaje. El auténtico manuscrito final fue finalmente publicado en una edición de 1936 por Robert Haas. Es la versión de 1878 la que se suele interpretarse con asiduidad, de la que existe las ediciones de Robert Haas (publicada en 1935) y Leopold Nowak (1951), que no presentan diferencias significativas entre ellas. La Quinta es el primer éxito incondicional de la madurez de Bruckner, y su colosal último movimiento fue descrito por el director Wilhelm Furtwängler como «el final más majestuoso en toda la literatura orquestal». Se trata, sin duda, de una de las mayores obras maestras de Bruckner, junto con la poderoso Octava y la Novena sin terminar.

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Concierto: Apertura de temporada Thomas Hampson, Christian Thielemann & Orquesta Estatal de Dresden Estreno 3 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Una velada fascinante, que mezcla dos autores de contraste: por un lado el ignoto compositor alemán Hanns Eisler, de quien se interpreta su Ernste Gesänge, un ciclo de siete lieder para barítono y orquesta; por otro, Anton Bruckner, el célebre sinfonista austríaco, de quien se interpreta su fantástica Sinfonía n.º 5. Christian Thielemann se pone al frente de la Orquesta Estatal de Dresden, para acompañar la excepcional voz de Thomas Hampson.

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La joven orquesta francesa presenta una de las grandes obras de este desconocido, pero

talentoso compositor alemán.

Género: concierto, música clásica, música postromántica, música sinfónica.

Director: Nicolas Krauze.

Orquesta: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe.

Año: 2015.

Lugar: Francia.

Duración: 28 minutos. Josef Suk (1874-1935) es un compositor y violinsta checo bastante desconocido y muy poco interpretado actualmente. Aprendió piano, el violín y órgano con su padre, Josef Suk (1827-1913), maestro de escuela y maestro de capilla en el pueblo bohemio de Křečovice. En 1885 ingresó en el Conservatorio de Praga, donde estudió violín con Bennewitz, teoría de la música con Foerster, Knittl y Stecker, y a partir de 1888 música de cámara con Wihan. Comenzó a componer de manera seria en su tercer año de conservatorio, y ya en 1891 se graduó con el estreno de su Op.1, Cuarteto para piano en La menor. Permaneció un año más en el conservatorio formándose especialmente en música de cámara con Wihan, además de composición nada menos que con Antonin Dvořák, que se había unido al profesorado en enero de 1891. Gracias a Wihan, Suk entra como segundo violín en el ensemble que en 1892 llegó a ser conocido como el Cuarteto Checo; su primer concierto en Viena (1893) tuvo la aprobación de Brahms y Hanslick e inauguró una distinguida carrera internacional durante la cual ofreció más de 4.000 conciertos hasta el retiro de Suk en 1933. Suk se graduó en el conservatorio en 1892 con su Op. 4 Dramatická Ouvertura. Fue el alumno predilecto del propio Dvořák y en 1898 se casó con su hija Otilka. El editor Simrock había publicado su Serenata para cuerda Op.6

Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Serenata para cuerda de Josef Suk Estreno 4 de junio 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador



(1892) en 1896 gracias a la recomendación de Brahms. Al cambio de siglo Suk fue considerado, junto con Novák, como el principal compositor de la escuela checa moderna. En 1922 fue nombrado profesor de composición para las clases avanzadas del Conservatorio de Praga, donde enseñó e influyó a 35 compositores, incluyendo a los checos Bořkovec, Ježek, Hlobil, Martinů, Reiner, Vackar, pero también a varios eslovenos, croatas, serbios y polacos. Durante sus cuatro períodos como rector (1924-6, 1933-5) trabajó con energía para elevar el nivel de conservatorio. Fue nombrado miembro extraordinario (1901) y ordinario (1913) de la Academia Checa de Ciencias y en 1933 fue galardonado con un doctorado honorario por la Universidad de Brno.

A diferencia de sus contemporáneos checos Janáček o Novak, Suk no extrae apenas casi ningún estímulo de la música popular y muy poco a partir de fuentes literarias. Julius Zeyer fue la única influencia literaria importante en su carrera, lo que se observa en su Radúz y Mahulena, música incidental en la que hay referencias legendarias al mundo eslavo y todo un mensaje de verdad: el amor valiente y los valores morales bien definidos, que articulan gran parte de la perspectiva de vida de un joven Suk. Un estilo soñador, algo triste y un estado de ánimo introspectivo se observan a través de gran parte de la música arcaizante de Suk, en un primer momento quizá como un pesimismo fin-de-siècle, pero que rápidamente adquirirá una dirección específicamente eslava que se caracteriza en la música para obras como Dumka. Por otra parte, su música orquestal tardía se vuelve realmente complicada: su armonía, originalmente de corte sensualmente romántico, con afición por los acordes aumentados, las alteraciones cromáticas, las relaciones «napolitanas» y la ambigüedad tonal producida por pedales frecuentes, se volverá con el tiempo en un interés por explotar el politonalismo más explícito. Fue capaz de hacer que sus últimas obras fueran comprensibles solo gracias a su imaginación auditiva precisa y su excelente artesanía como orquestador, una habilidad en la que se realiza un gran énfasis como maestro. Su Serenata para cuerda Op. 6 es una obra compuesta en 1862, en Mi mayor, fue promulgada en gran medida por su maestro Dvořák y editada, como vimos, gracias al impulso de Brahms. Es una obra de corte más clásico, que nos traslada a un mundo sonoro de gran belleza.

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Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Serenata para cuerda de Josef Suk Estreno 4 de junio 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Lo maravilloso de la música clásica es que siempre depara sorpresas: obras y autores absolutamente desconocidos, que muestran lo mejor de sí y que no entendemos cómo podíamos no haber conocido antes. Estamos seguros de que el presente concierto les va a dejar con esa sensación. La joven Orquesta de Cámara Nouvelle Europe, bajo la dirección de su fundador, Nicolas Krauze, les regala un momento muy especial con esta Serenata para cuerda del desconocido Josef Suk.

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Todo un acto de justicia artística: el merecido y emocionado homenaje a uno de los mejores directores de la historia.

Género: concierto, música clásica, música romántica, sinfónica, violín.

Intérpretes: Isabelle Faust, Bruno Ganz.

Director: Andris Nelsons.

Orquesta: Orquesta del Festival de Lucerna.

Año: 2014.

Lugar: KKL Luzern.

Duración: 100 minutos. En el año 2003 el Festival de Lucerna dio un salto cualitativo de trascendental importancia para el mismo, pero también para el mundo de la música clásica: la creación

de la Orquesta del Festival de Lucerna. El conjunto fue creado por Michael Haefliger –director del Lucerne Festival– con la idea de dar vida a una orquesta de primer nivel sin parangón en el panorama internacional, al menos en su manera de concebir su acercamiento a la música, y que diese impulso a su recién creado festival de verano. De esta manera cada verano músicos de gran calibre, con notable experiencia como solistas y en la música de cámara, se unen a miembros de la Mahler Chamber Orchestra para formar esta orquesta excepcional. Los conceptos de la amistad y la alegría por hacer música juntos tuvieron en Claudio Abbado a una verdadera inspiración. El director italiano cofundó la orquesta y ha sido desde su creación su gran director y su mayor impulso sobre los escenarios, surgiendo desde el comienzo orquesta y director una sinergia difícilmente

Concierto: Memorial por Claudio Abbado Orquesta del Festival de Lucerna & Andris Nelsons 5 de junio 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador



igualable. Él supo alentar a los músicos para concebir una idea orquestal más camerística, en la que la escucha entre sus miembros es muy importante y en la que el cuidado del sonido es una prioridad, pues su concepción de la música es que debe nacer por parte de todos en la misma medida. Claudio Abbado ha sido sin ninguna duda una de las figuras más destacadas en la historia de la dirección orquestal de los siglos XX y XX. Su inmensa y meteórica carrera se ha visto jalonada por la dirección de muchas de las mejores orquestas sinfónicas de panorama internacional, ocupando el podio de algunas de las que son consideradas como las mejores orquestas del mundo: Filarmónica de Viena, Orquesta Sinfónica de Londres o la Orquesta Filarmónica de Berlin. Ha sido además fundador de algunas agrupaciones de la importancia de la Orquesta del Teatro alla Scala y director de algunos de los teatros de ópera más importantes del mundo. Los galardones obtenidos a lo largo de tantos años de carrera dedicados con pasión a la música se cuentan por decenas y le acreditan como uno de los maestros más respetados y admirados por la crítica y el público internacionales. Gran activador de la ópera italiana y alemana del XIX, hizo mucho también por el resurgimiento de la música del siglo XX. El presente programa se elabora en torno a un montaje en el que se presentan un breve fragmento de la Sinfonía n.º 3 «Eroica», de Ludwig van Beethoven (1770–1827), en interpretación del propio Abbado al frente de esta orquesta, su orquesta, en una grabación de agosto de 2013, para pasar posteriormente a ofrecer el concierto homenaje íntegro que se complemente con algunas entrevistas a artistas y amigos del director. Andris Nelsons se pone al frente de la orquesta para ofrecer el Allegro moderato de la Sinfonía n.º 7 en Si bemol «inacabada», de Franz Schubert (1797–1828), el Concierto para violín «a la memoria de un ángel», de Alban Berg (1885–1935) y el Adagio de la Sinfonía n.º 3 en Re menor de Gustav Mahler. Isabelle Faust interpreta la parte del violín solo en Berg, mientras que el actor Bruno Ganz dramatiza de manera emocionante y contenida la elegía Brot und Wein, de Friedrich Hölderlin (1770–1843). Un programa repleto de emociones, de recuerdos, de sensaciones y de música en estado puro, aquella que Abbado llevaba allá donde fuera de la manera más honesta y sincera posible. Sin duda este homenaje es el mejor que sus músicos le podrían haber ofrecido. Disfrútenlo y emociónense con tanta belleza y humanidad.

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Concierto: Memorial por Claudio Abbado Orquesta del Festival de Lucerna & Andris Nelsons 5 de junio 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Homenajeen como merece junto a Allegro HD a una de las figuras trascendentales en la historia de la música de los siglos XX y XXI, el director de orquesta italiano Claudio Abbado, que en 2014 fallecía dejando al mundo de la música clásica sumido entre el impacto y la tristeza. El 6 de abril del mismo año se celebró este concierto In Memoriam de la mano de Andris Nelsons al frente de la orquesta que nació con Abbado y que tantos momentos irrepetibles han regalado al mundo de la música clásica. Un programa sincero y emotivo que les dejará sin aliento.

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Tercer y último programa de la integral de las sonatas «de madurez» para violín y piano

del genio salzburgués, en versión de estos dos excepcionales artistas.

Género: concierto, música clásica, música de cámara, violín, piano.

Intérpretes: Anne-Sophie Mutter, Lambert Orkis.

Año: 2006.

Lugar: Gasteig München.


A pesar de su pronta desaparición, cuando contaba tan solo 35 años, el poder creador de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) es probablemente el más destacado en toda la producción musical en la historia de Occidente, al menos en cuanto al ratio años del autor/número de obras compuestas se refiere. A esto hay que sumarle que prácticamente la totalidad de sus obras, incluso las compuestas durante su período infantil o juvenil, muestran un talento y una capacidad compositiva al alcance de muy pocas personalidades en toda la historia de la música.

Las sonatas para violín y piano han sido históricamente consideradas obras «menores» en relación con sus sonatas para piano, aunque al abrigo de los últimos estudios, han sido puestas en el lugar que realmente merecen. Pocas producciones como estas resultan tan ejemplificadoras de la evolución creativa de Mozart, pues este género le acompañó durante toda su vida, desde la infancia hasta el final de sus días. Su aporte al género ha resultado absolutamente esencial, pues sus composiciones terminaron por influir de manera directa a la forma, algo que fue heredado por Beethoven y Schubert, quienes a su

Concierto: Anne-Sohpie Mutter interpreta Mozart

Sonatas para violín y piano III Estreno 5 de junio 19:50: Argentina/Uruguay | 17:50 Colombia/Ecuador



vez lo transmitieron a otros músicos románticos. En ellas, Mozart logra el equilibrio ideal entre ambas partes, especialmente en las 16 sonatas de «madurez» que aquí se interpretan, compuestas en diez años, entre 1778 y 1888 –se excluyen las KV 402, 403 y 404, de las que únicamente se conservan fragmentos–. Supone quizá la evolución perfecta entre el diálogo barroco de la sonata y la búsqueda de la emoción creadora del romanticismo. El sentido más estricto y esencial de la música de cámara logra su punto culminante, al menos en lo referente a esta combinación instrumental, en esta serie de 16 sonatas de absoluta genialidad.

La Sonata n.º 17 en Do mayor, KV 296, fue finalizada en Mannheim el 11 de marzo de 1878, pocos días antes de su traslado a París, por lo que es posterior –a pesar del número de catálogo- a las KV 301, 302, 303 y 305, e inmediatamente anterior a las dos sonatas «palatinas» de París [KV 304 y 306]. Sin embargo, esta KV 296 no sería editada hasta 1781, estando de vuelta en Viena, en una nueva serie de seis sonatas. Está estructurada en tres movimientos y tiene mucho en común con las «palatinas», aunque anuncia ya otros climas más avanzados. La Sonata n.º 19 en Mi bemol mayor, KV 302, es la segunda dentro de esas llamadas «Sonatas Palatinas» y fue compuesta en Mannheim en 1778, aunque publicada en París ese mismo año. Como casi toda la serie está organizada en dos movimientos, mostrando como rasgo particular los episodios del rondó final, que son en realidad variaciones del refrán o episodio principal. La Sonata n.º 23 en Re mayor, KV 306, es la última de las «Palatinas», compuesta también en 1778, esta vez en Paris, donde se publicó ese mismo año. Es la única de la serie estructurada en tres movimientos y también la más cercana al mundo de lo concertante, solicitando en su escritura más virtuosismo que en las cinco sonatas anteriores. Por su parte, la Sonata n.º 25 en Fa mayor, KV 377, fue escrita en Viena en 1781 y presenta los dos movimientos habituales, el primero en forma de sonata bitemática y el último en forma de rondo, que se intercala un bello tema con variaciones en Re menor. Por último, la Sonata n.º 35 en La mayor, KV 526, es quizá la reina de sus sonatas violinísticas, finalizada el 24 de agosto de 1787. Es una obra de síntesis entre la polifonía arcaizante y el estilo concertante moderno, es un eslabón perfecto entre Bach y Beethoven. Perfección, equilibrio, claridad, armonioso sucederse de ideas, sabiduría en el desarrollo. El Presto final es además un homenaje a un músico que acababa de morir en Londres y que había protegido a Mozart en su primer viaje: Karl Friedrich Abel.

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Concierto: Anne-Sohpie Mutter interpreta Mozart Sonatas para violín y piano III Estreno 5 de junio 19:50: Argentina/Uruguay | 17:50 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Pocos autores como Mozart fueron capaces de crear corpus instrumentales tan idiomáticos y brillantes para los diversos instrumentos a solo. A través de esta serie de tres programas dedicados a las 16 sonatas para violín y piano que compuso en su «madurez» pueden comprobar su absoluta genialidad. La interpretación corre a cargo de la gran violinista alemana Anne-Sophie Mutter y el pianista estadounidense Lambert Orkis. Sin duda todo un hito discográfico que le invitamos a descubrir. Para este último episodio episodio les ofrecemos las sonatas KV 296, 302, 306, 377 y 526.

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Una oportunidad única de viajar a dos de los lugares más emblemáticos de la Rusia zarista,

acompañado de dos voces de gran belleza y maestría.

Género: concierto, ópera, música clásica, romanticismo, belcanto, verismo.

Intérpretes: Renée Flemming, Dmitri Hvorostovsky.

Director: Constantin Oberlian.

Orquesta: State Hermitage Orchestra.

Año: 2009.

Lugar: Palacio Yusupov (sala blanca de las columnas y teatro) y Peterhof (hall dorado), San Petersburgo.


Cuando se aúnan dos cantantes del nivel de la soprano estadounidense Renée Fleming y el barítono ruso Dmitri Hvorostovsky para interpretar arias de algunas de las grandes óperas del siglo XIX, y lo hacen además en lugares tan hermosos como el palacio de Peterhof o lugares tan emblemáticos de la ciudad de San Petersburgo como el palacio Yusupov, el resultado no deja de ser espectacular. En el presente recital se interpretan fragmentos de óperas de algunos de los compositores más destacados en la historia del género en Rusia, Italia y Francia.

Se contraponen claramente dos escuelas operísticas en el recital. Por un lado la italiana (y francesa), representada por Giuseppe Verdi (1813-1901), Vicenzo Bellini (1801-1835) y Ambroise Thomas (1811-1896). De Verdi se interpretan momentos de Il Trovatore y Simon Boccanegra. Verdi es probablemente el autor italiano del siglo XIX más respetado

Ópera: La gloria de Rusia El sonido y las vistas de San Petersburgo 6 de junio 16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Colombia/Ecuador



en su carrera como operista. Supone un puente entre el belcanto de autores como Gioachino Rossini, Gaetano Donizetti y Vincenzo Bellini y la corriente del verismo y Giacomo Puccini. Bellini, sin duda uno de los grandes operistas de la Italia del XIX, cabeza visible y triunfador de la corriente belcantista, está representado por el aria Casta diva de la ópera Norma, una de las óperas más célebres e interpretadas no ya solo del corpus compositivo de Bellini, sino de todo el catálogo operístico creado durante el siglo XIX en Europa. Del casi ignoto Ambroise Thomas se interpreta un fragmento de su ópera Hamlet, que en cinco actos puso música al libreto de Michel Carré y Jules Barbier, que a su vez se basaban en la adaptación francesa de la tragedia shakesperiana llevada a cabo por Alexandre Dumas y Paul Meurice. Por otro lado encontramos la escuela rusa, representada aquí por Piotr Illich Tchaikovski (1840-1893), Sergey Rachmaninoff (1873-1943), Nikolai Karlovich Medtner (1880-1951) y Anton Grigorievich Rubinstein (1829-1994). Tchaikovsky fue probablemente el primer compositor de un nuevo tipo de Rusia en materia musical, totalmente profesional. De su producción vocal se ofrecen algunos extractos de canciones para voz y piano, como Sred' shumnovo bala o su Serenada Don-Zhuana. En formato más grande destacan están sus óperas Pikovaya Dama, Oprichnik y Eugene Oneguin, de las que se ofrecen algunas arias. Sergey Rachmaninof, compositor, pianista y director de orquesta de inmenso talento, se representa por medio de dos ejemplos de su Op. 4 (nº. 3, V molchan'i nochi taynoy, y nº. 4, Ne poy, krasavitsa, pri mne) y su Op. 14 (n.º 11, Vesenniye vodï). Mucho menos conocido es Nikolai Karlovich Medtner, compositor y pianista ruso, notable autor en la primera mitad del siglo XX en Rusia, que destacó sobremanera por sus composiciones para piano, aunque también por sus canciones para voz y piano, que alcanzaron la suma de 108. Una de estas canciones es su Op. 13, que consta de dos números, el primero de ellos, Zimniy vecher, se interpreta aquí. Otro autor apenas conocido es Anton Grigorievich Rubinstein, pianista, compositor, director de orquesta y profesor, hermano de Nikolai Rubinstein, que fue uno de los más grandes pianistas del siglo XIX, cuya forma de tocar se comparó con la de Franz Liszt. También fue una influyente aunque controvertida figura en los círculos musicales rusos, y un compositor excepcionalmente prolífico. De él se interpreta un fragmento de su ópera Nero, obra en cuatro actos sobre libreto de J. Barbier que se estrenó en Hamburg el 1 de noviembre de 1879.

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Ópera: La gloria de Rusia El sonido y las vistas de San Petersburgo 6 de junio 16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La gloria de Rusia directa a su casa. Disfrute de este recital operístico a cargo de dos de los cantantes más importantes del panorama internacional, como son Renée Flemming y Dmitri Hvorostovsky, interpretando fragmentos de algunas de las óperas más célebres de la historia y de grandes autores rusos y europeos. La parte instrumental corre a cargo de la State Hermitage Orchestra y la batuta de Constantin Oberlin. Grabado en hermosos palacios de la llamada «Venecia del Norte», les invitamos a disfrutar de un recital grandioso.

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Una nueva mirada a esta obra, una de las favoritas de la historia del ballet, donde su

humor característico estará bajo la dirección artística de Eduardo Lao.

Género: ballet, música clásica, música romántica.

Intérpretes: Ballet Víctor Ullate Comunidad de Madrid; Sophie Cassegrain, Yester Mulens,

Cristian Oliveri, Zhengyja Yu, Leyre Castresana, Albia Tapia, Zara Calero, Dorian Acosta;

Eduardo Lao (coreografía), Pedro Moreno (vestuario), Carles Pujol (escenografía), Nicolas

Fischtel (iluminación).

Orquesta: Orquesta Nacional de Francia, Ensemble Instrumental de Chorégies d’Orange.

Año: 2013.

Lugar: Real Ópera, Versailles.


El Ballet de Víctor Ullate Comunidad de Madrid presenta una versión moderna de la tradicional obra Coppélia, con música de Léo Delibes, donde Eduardo Lao aporta elementos innovadores a la puesta en escena. En esta oportunidad, Coppélia estará influenciada por la estética visual futurista y el Doctor Coppelius buscará crear una androide, con inteligencia artificial y movimiento humano realista, en un laboratorio de robótica especializado.

Ballet: Coppélia, de Léo Delibes Ballet de Víctor Ullate 10 de junio 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador



Estos cambios no sólo abarcan a los personajes, como Franz, quien pasará de haber sido planteado como el hombre más apuesto del pueblo, a ser el encargado del aseo del laboratorio del Doctor. También se extienden a la coreografía y el estilo mismo con que se venía interpretando esta obra desde hace más de un siglo. Lao optó por dejar de lado las coreografías anteriores y, en cambio, dejarse guiar por la sola melodía. El resultado son dos actos donde podrá ver en escena, los estilos clásicos y de puntas, neoclásicos y contemporáneos, unidos en perfecta armonía.

Con un considerable aumento de dificultad en los movimientos tradicionales de los personajes principales, los bailarines juegan con el equilibrio mientras lucen trajes elaborados de forma tan meticulosa, que su forma y textura lo harán creer que en verdad de trata de rígidas piezas de metal. Un espectáculo que no podrá dejar de ver por su visión fresca de un amado clásico y cuyo gran éxito reside en fortalecer su característica comicidad.

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Ballet: Coppélia, de Léo Delibes Ballet de Víctor Ullate 10 de junio 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis:

Bajo una estética futurista, Eduardo Lao y el Ballet Víctor Ullate revitalizan el aclamado clásico Coppélia, llevando las composiciones de Léo Delibes al escenario, en un magnífico derroche de capacidad creativa, técnica y artística.

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La orquesta que creó al genio, a la que vuelve para ser su director: una historia de

superación artística para deleitarse.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música postromántica, piano, violín, violonchelo.

Intérpretes: Martha Argerich, Renaud Capuçon, Gautier Capuçon.

Director: Gustavo Dudamel.

Orquesta: Orquesta Joven Simón Bolívar de Venezuela.

Año: 2008.

Lugar: Grosses Festspielhaus, Salzburg.


El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, obra social y cultural del Estado venezolano, también conocida como «El Sistema», fue concebido y fundado en 1975 por el maestro y músico venezolano José Antonio Abreu para sistematizar la instrucción y la práctica colectiva e individual de la música a través de orquestas sinfónicas y coros, como instrumentos de organización social y de desarrollo humanístico. Un movimiento fundamental en el desarrollo musical y pedagógico del país, que reconoce al movimiento orquestal como una oportunidad para el desarrollo personal en lo intelectual, en lo espiritual, en lo social y en lo profesional, rescatando al niño y al joven de una juventud vacía, desorientada y desviada. A José Antonio Abreu hay que definirlo con una sola palabra: visionario. Este músico venezolano, sembrador de ilusiones y constructor de sueños, ha llevado a cabo una tarea que supera el horizonte musical y

Concierto: Orquesta Joven Simón Bolívar de Venezuela & Gustavo Dudamel Beethoven & Mussorgsky Estreno 10 de junio 20:30 Argentina/Uruguay | 18:30 Colombia/Ecuador



cultural. Convertido y asumido como el lema del Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, «Tocar y luchar», refleja la determinación y el empeño que siempre han caracterizado a sus integrantes y que han hecho de «El Sistema» el proyecto orquestal y social más importante de la historia musical venezolana.

Gustavo Dudamel se ha erigido como una de las más rutilantes y destacadas figuras en la dirección orquestal a nivel mundial. Educado en la música desde la infancia –hijo de un trombonista y una cantante–, Dudamel obtuvo una cuidada educación musical dentro de «El Sistema» y con doce años dirigió por primera vez la orquesta de Barquisimeto por casualidad, lo que sin duda cambiaría su vida. Rápidamente se convirtió en el asistente del director de la orquesta y a los quince años se alzó en el podio de la Orquesta Juvenil Simón Bolívar. A partir de ahí, su carrera iría de éxito en éxito y de orquesta en orquesta, pasando a estar al frente de varias de las orquestas sinfónicas más importantes del mundo. El hijo pródigo vuelve a la que fue su orquesta, convertido ahora en el máximo referente de la misma.

La velada se compone de dos excepcionales obras. El Concierto para violín, violonchelo y piano en Do mayor, Op. 56, de Ludwig van Beethoven (1770-1829), conocido comúnmente como Triple concierto, que fue compuesto entre 1804 y 1805. Se interpretó varias veces en público desde entonces, aunque su estreno «oficial» tuvo lugar en 1808, durante los conciertos de verano del palacio de Augarten, Viena. Es probable que en ese estreno los solistas fueran Ignaz Schuppanzigh (violín), Anton Kraft (chelo) y el propio compositor. Por otro lado, una gran obra puramente orquestal, Cuadros de una exposición, célebre composición de Modest Mussorgsky (1838-1891), que fue en origen una suite de piezas para piano, aunque su fama posterior se debe especialmente a la orquestación que el compositor Maurice Ravel (1875-1937) realizó en 1922. El autor ruso se inspiró por la exposición póstuma de diez pinturas y escritos de su gran amigo, Víktor Hartmann, un

notable artista a quien Vladimir Stasov –escritor, crítico musical y asesor del Círculo de

Balakirev– quiso dedicar dicha exposición. Como un homenaje, el compositor quiso «dibujar en música», algunos de los cuadros expuestos y dedicó la partitura a Stasov.

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Concierto: Orquesta Joven Simón Bolívar de Venezuela & Gustavo Dudamel Beethoven & Mussorgsky Estreno 10 de junio 20:30 Argentina/Uruguay | 18:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Le invitamos a descubrir la sensación del Festival de Salzburg en 2008: la Orquesta Joven Simón Bolívar de Venezuela se une al gran talento de Gustavo Dudamel y a tres solistas de excepción, Martha Argerich, Ranaud Capuçon y Guatier Capuçon, para ofrecer dos magníficas obras de repertorio: el Concierto triple, para piano, violín y violonchelo, de Ludwig van Beethoven, y Cuadros de una exposición, la magistral pieza orquestal de Modest Mussorgsky, en un evento único.

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Una de las cimas operísticas en el catálogo del compositor italiano, en una excelente

producción desde el Festival de Salzburg, bajo la dirección de Daniele Gatti.

Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto.

Intérpretes: Francesco Meli, Anna Netrebko, Plácido Domingo, Marie–Nicole Lemieux, Riccardo Zanellatto, Diana Haller, Gérard Schneider, Raimundas Juzuitis, Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena; Alvis Hermanis (dirección de escena, decorados), Eva Dessecker (vestuario), Ronny Dietrcih (dramaturgia).

Director: Daniele Gatti.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

Año: 2014.

Lugar: Grosse Festpielhaus, Salzburg.


El gran Enrico Caruso llegó a afirmar en cierta ocasión: «para interpretar Il Trovatore se necesitan los cuatro mejores cantantes del mundo». No parece una cita extremadamente real, aunque en cualquier caso da buena muestra de la complejidad técnica que requiere por parte del elenco protagonista. Se trata de una ópera en cuatro actos sobre texto en italiano de Salvatore Cammarano, que fue estrenada en el Teatro Apollo de Roma el 19 de enero de 1853. La idea de la composición sobre este tema, basado en el libreto en español de El trovador (1836), de Antonio García Gutiérrez, proviene del propio Giuseppe Verdi (1813–1901), quien en una misiva a Cammarano, fechada el 2 de enero de 1850, confiesa lo siguiente: «el tema que me interesa en este momento y que deseo proponerle es El trovador, un drama español de Gutiérrez, se me antoja muy bello, rico en ideas y situaciones fuertes. Quisiera contar con dos papeles femeninos: el principal una gitana, una mujer de un carácter especial; ella le dará el nombre a la ópera. La otra parte será para la segunda cantante. ¡Manos a la obra!» Como se puede comprobar, algunos de los

Ópera: Il Trovatore Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi 11 de junio 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador



requerimientos del autor no llegaron a cumplirse, todo ello después de que, tras un largo silencio del libretista, Verdi tuviera que insistirle para realizar el trabajo.

En la obra, Verdi parece desnudar los sentimientos más crudos y extremos del hombre, precipitando a los protagonistas permanentemente a sentimientos y actitudes encontrados: amor y odio, violencia y calma, venganza y perdón, vulgaridad y refinamiento… Para algunos es probablemente su gran ópera «romántica», pues en ella predomina un ambiente obscuro, un color grisáceo, plúmbeo, que no se aprecia de tal

forma en ninguna de sus óperas restantes. Segunda de sus óperas de esa supuesta trilogía –junto a Rigoletto y La Traviata–, parece la más sencilla y convencional de las tres, al menos en la elección de su temática, argumento y personajes, aunque no es tan simple como puede parecer a priori. Tras sus reservas iniciales y la insistencia de Verdi, Cammarano accede a escribir el libreto, haciendo realmente un buen trabajo y una notable adaptación de este drama español de complicada historia, del que elimina algunos personajes, además de uno de los actos, y al que añade algún personaje. Sin embargo, al poeta le sorprenderá la muerte en 1852, dejando incompleto el libreto, por lo que Verdi acude a Leone Emanuele Bardare, buen amigo del difunto escritor, para completar la obra, aunque bajo la atenta supervisión del compositor italiano, que influyó de manera profunda en el resultado final.

La ópera se estrenó en 1853, logrando un éxito absolutamente descomunal, de tal manera que pasó inmediatamente a considerarse como una de las cimas de la creación verdiana y uno de los mejores ejemplos en la ópera del siglo XIX. Es una «ópera de cantantes», al menos en el sentido de que la escritura vocal es muy definida y compleja, hasta tal punto que en ella se inician algunas tipologías vocales nuevas, como la soprano lírico–spinto de coloratura para el papel de Leonora. Verdi exprime de manera brillante la técnica, la tesitura, la expresividad, la proyección y el virtuosismo vocal como nadie lo había hecho antes en el siglo. A esto hay que añadir una escritura orquestal realmente refinada, repleta de imaginación y un manejo tímbrico notable, que la convierten en una obra maestra.

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Ópera: Il Trovatore Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi 11 de junio 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Les invitamos de nuevo al Festival de Salzburg. Ahora acompañados de Giuseppe Verdi y su magna ópera Il Trovatore, en una poderosa producción encabezada vocalmente por artistas de la talla de Francesco Meli, Anna Netrebko, Plácido Domingo o Marie–Nicole Lemieux. Sustenta las voces la excelsa Orquesta Filarmónica de Viena, todo ellos a las órdenes del maestro italiano Daniele Gatti. Una oportunidad fascinante de conocer una de las mejores creaciones verdianas.

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La Orquesta Estatal de Berlin, bajo la dirección del gran Daniel Barenboim, se

acerca al final de su viaje con las seis últimas sinfonías del austríaco.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música sinfónica.

Director: Daniel Barenboim.

Orquesta: Orquesta Estatal de Berlin.

Año: 2010.

Lugar: Philharmonie, Berlin.


El estilo compositivo de Anton Bruckner (1824-1896) es definible de diversas maneras según las obras sobre las que nos detengamos. Sin embargo, quizá en toda ellas se encuentran acentos tradicionales de la música romántica alemana. Bruckner parece tomar ante la música una postura beethoviana. Sus sinfonías, casi inabarcables, combinan la música ingenua y conmovedora, la sencillez de la inspiración con procedimientos wagnerianos, para lograr un apabullante complejo de monumentalidad. Es quizá una mirada ausente de pasión, remplazada por un gusto constante por la solemnidad, casi grandilocuente, y sobre todo una espiritualidad realmente honda. Formalmente sus sinfonías no son más que ampliaciones de la sinfonía beethoviana, aunque no son amplificaciones debidas a necesidades del pensamiento, pues en ellas asistimos a una curiosa multiplicación de los temas, de los instrumentos y de los desarrollos. Todo es intencionado en sus sinfonías y su música coral. La música de Bruckner, con su sonoridad

Concierto: Sinfonía n.º 8 de Anton Bruckner Daniel Barenboim y Orquesta Estatal de Berlin Estreno 11 de junio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



semejante a la de un órgano, su grandeza en el tiempo y el espacio, resulta de gran convicción, de una arquitectura casi catedralicia, que en la orquestación de las sinfonías sufre evidentemente la influencia de la registración organistica. Wilhelm Furtwängler decía de su estilo sinfónico que era una especie de mística gótica.

Comenzada a componer en 1884, inmediatamente después de terminar la Séptima, y todavía con la euforia del éxito conseguido, la Sinfonía n.º 8 en do menor tiene una historia difícil, pues es junto con la Tercera y la Cuarta la que reviste un historial de revisiones más complejo. Su primera versión fue terminada en 1887. Todo parecía presagiar que la Octava —la más extensa de todas sus sinfonías— alcanzaría un éxito similar al que había acompañado desde su estreno a la Séptima. Y por eso el 4 de septiembre de 1887 escribió a Hermann Levi con gran jubilo: «¡Aleluya! Mi padre artístico debe ser el primero en conocer la noticia de que la Octava ha sido concluida.» Cuando Levi examinó la partitura, no pudo ser más tajante: «es inejecutable». Pidió a Franz Schalk, discípulo de Bruckner, que le hiciera conocer su opinión. Al conocerla cayó en una notable crisis, describiendo tiempo después ese período como un infierno. Aun así, en marzo de 1889 comenzó la segunda versión de la Octava, una versión que le ocuparía hasta el 10 de marzo del año siguiente. En su espíritu, la nueva partitura representaba un logro total. Tras su revisión, la sinfonía conoció gran éxito en su estreno en Viena el 18 de diciembre de 1892 en interpretación de la Filarmónica de Vierna y la dirección de Hans Richter. La crítica la nombró incluso como «sinfonía de las sinfonías». Hans Relich dijo de ella: «es prometeica en su estructura, fáustica en su espíritu, panabarcativa en su esfera emocional, franqueando el abismo que media entre el idilio pastoral de la Alta Austria y la sublimación de lo religioso».

Se conservan dos manuscritos autógrafos de la sinfonía [1887 y 1890], y además de estos existen más esbozos de las diferentes fases de composición que de ninguna otra sinfonía. Las versiones y ediciones ejecutables de la sinfonía son las siguientes: I. versión de 1887, conocida como la primera versión de Bruckner, pero no editada hasta 1972, preparada por Leopold Nowak; II. Adagio en versión de 1888; III. versión de 1890, que varios estudiosos sugieren como producto de la inseguridad de Bruckner, y de la presión de sus colaboradores, como el director Josef Schalk; IV. versión de 1892, que es la primera publicación de la sinfonía, y la que se utilizó para el estreno en Viena, los cambios fueron hechos por Schalk, probablemente sin intervención de Brucker, aunque este diera su aprobación final antes de

la publicación y de las sucesivas interpretaciones; V. versión de Robert Hass –que se

interpreta aquí–, editada en 1939, y basada en el autógrafo de 1890, pero incluyendo numerosos pasajes de la versión de 1887 que habían sido omitidos o modificados en la primera.

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Sinopsis: Seguimos ofreciéndoles uno de los hitos sinfónicos más destacados de los últimos años, la integral de las sinfonías de «madurez» del genial compositor austríaco Anton Bruckner. Como es habitual, la Orquesta Estatal de Berlin y su director titular, Daniel Barenboim, les guían en tan esplendoroso viaje.

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Descubran la renovada visión del clásico de Bizet de la mano de este autor desconocido

ruso, en una velada de auténtica inspiración.

Género: concierto, música clásica, música contemporánea, ballet, música sinfónica.



Año: 2015.

Lugar: Francia.


Rodion Konstantinovich Shchedrin (1932) es un compositor ruso, desconocido en general para el gran público, pero muy respetado en su país y valorado por algunas de sus obras. Nacido en una familia de músicos, pues su padre fue compositor y profesor de teoría musical, comenzó sus estudios musicales en la Escuela Coral de Moscú y en el Conservatorio de Moscú donde se graduó en 1955 como alumno de Yuri Shaporin y Nikolái Myaskovski. En 1958 contrajo matrimonio con la conocida bailarina Maya Plisétskaya, lo que influiría poderosamente en la creación de algunas obras para el ballet, como la que aquí nos ocupa. Sus primeras composiciones se caracterizan por su tonalidad, colorida orquestación e incluyen con frecuencia aportes y referencias a la música popular, mientras que algunas de sus creaciones posteriores se acercan a la música aleatoria y al serialismo. En occidente la música de Shchedrin se ha popularizado especialmente gracias al trabajo de Mstislav Rostropóvich y sus exitosos discos. Entre sus composiciones se destacan las de ballet, como El Caballito Jorobado (1955); Anna Karénina (1971) o La dama del perrito (1985), pero también sus óperas, entre las que cabe destacar No sólo por amor (1961), Almas muertas (1976) o Lolita (1994).

Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Carmen Suite, de Rodion Shchedrin Estreno 12 de junio 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador



Destaca también dentro de la música instrumental, componiendo conciertos para piano, sinfonías, música de cámara y otras obras como una serie de 24 preludios y fugas a la manera de Shostakovich, o tres concierto para orquesta de gran interés, así como música coral y vocal de pequeño formato. Shchedrín ha sido además un virtuoso pianista y organista, habiendo participado en la interpretación de seis de sus conciertos para piano. Incluso llegó a participar en el concierto memorable del 5 de mayo de 1974, en el que fue el solista de tres de sus conciertos para piano. Dicho concierto, acompañado por la Orquesta Filarmónica de la Federación Rusa y la dirección de Evgeny Svetlánov, se grabó y editó, estando disponible en CD en la actualidad. Tras la disolución de la Unión Soviética, aumentó considerablemente su actividad concertística, pasando mucho más tiempo fuera de Rusia, dividiendo su tiempo de residencia entre München y Moscú. Llegó a ser presidente de la Unión de Compositores Rusos entre 1973 y 1990 y en se reconoció su importancia nombrándolo miembro de la Academia de Artes de Berlín en 1898, así como el Premio del Estado Ruso en 1992.

Carmen Suite es un ballet en un acto creado en 1967 por el coreógrafo cubano Alberto Alonso con música de nuestro protagonista. El estreno tuvo lugar el 20 de abril de 1967 en el Teatro Bolshoi de Moscú. La música, tomada de la ópera Carmen de Georges Bizet y dispuesta para cuerdas y percusión, no es un pastiche del siglo XIX, sino más bien «un encuentro creativo entre sus mentes», con melodías de Bizet revestidas en una variedad

de frescos colores instrumentales –incluyendo el uso frecuente de la percusión–, ajustadas a nuevos ritmos, recreadas a menudo con una notable muestra de ingenio creativo. Inicialmente prohibido por la jerarquía soviética como «una falta de respeto» a la ópera original, precisamente por estas cualidades, el ballet desde entonces se ha convertido en la obra más conocida de Shchedrin y ha mantenido su popularidad en Occidente. Se compone de trece números de danza, que pasan por ser algunos de los más célebres de la obra original, pero retomados con la visión y el tamiz del autor ruso. El crítico James Sanderson lo definió como «un nueva mirada iconoclasta, pero muy entretenida de la ópera de Bizet.»


Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Carmen Suite, de Rodion Shchedrin Estreno 12 de junio 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Si les mencionamos la obra Carmen Suite es muy probable que les lleva a pensar en Bizet. Si les mencionamos el nombre de su autor, Rodion Shchedrin, probablemente no les suene de nada. Descubran con nosotros la música de este precioso ballet creado por el compositor ruso en la segunda mitad del siglo XX, sobre el clásico del maestro francés. La Orquesta de Cámara Nouvelle Europe ofrece como siempre, bajo la batuta de Nicolas Krauze, todo lo mejor de sí en una fantástica interpretación.








Un espectacular y ecléctico directo desde este fantástico festival de jazz y world

music celebrado en la ciudad suiza de Basilea.

Género: concierto, jazz, world music, música clásica.

Intérpretes: Storm Large (voz), Thomas Lauderdale (piano), Robert Taylor (trombón), Gavin Bondy (trompeta), Martin Zarzar (tambor), Phil Baker (bajo), Nocholas Crosa (violín), Dan Faehnle (guitarra), Brian Lavern Davis, Derek Rieth (percusión), Timothy Nishimoto (voz y percusión).

Director: Thomas Lauderdale.

Orquesta: Pink Martini.

Año: 2011.

Lugar: Event Hall, Basel.


Avo Session Basel es el nombre de un festival que lleva más de treinta años atrayendo a la ciudad suiza a un gran número de artistas de primer orden mundial dentro de los géneros del jazz, blues, pop-rock, o world music, en un formato íntimo de club. Celebrado habitualmente entre los meses de octubre y noviembre, el festival surgió en 1986 bajo el nombre de Rheinknie Session, cuya primera edición se celebró en mayo de ese mismo año contando con la presencia de algunos artistas de primer nivel mundial, como Oscar Peterson, Albert Collins o Koko Taylor. El gran empujón del festival vendría en 1988, con la presencia en el escenario del legendario Miles Davis. Los amantes de la música de toda Suiza tuvieron en Basilea a su centro por esa noche y expertos en la escena musical descubrieron el festival. Claude Nobs, uno de los fundadores del Festival de Jazz de Montreux, asistió entusiasta a aquella edición del festival, de tal forma que inmediatamente decidió convertirse en patrón del mismo.

Jazz: Pink Martini en Avo Session Estreno 12 de junio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



Con el paso de los años el festival se va abriendo a multitud de géneros, y es ya en 1998 cuando pasa a denominarse como Avo Session, estando detrás del patrocinio una famosa marca de cigarrillos. El festival siguió creciendo, y se había posicionado ya entre las mejores opciones para disfrutar de estos repertorios en el mundo. En 1999 se emite por primera vez el festival en la televisión suiza SFR2 y 3sat, con lo que se establece su presencia en diversos países de habla alemana. 2005 marcó otro hito, con los veinte años del festival, que seguía creciendo en importancia y audiencia. 2010 marcó su 25.º aniversario con una gran edición por la que pasaron nada menos que más de 20.000 espectadores. 2012 marcó el cambio de nombre del festival, ante la marcada normativa antitabaco europea, para tomar el nombre de Baloise Session, su nuevo patrocinador. El pasado 2015 marcó los 30 años de un festival que sin duda se ha establecido como una fecha ineludible en el calendario de aquellos apasionados del jazz y la world music. Ray Charles (1999), James Brown (2000), Chris de Burgh (2001), Paolo Conte (2002), Deep Purple (2003), Lionel Richie (2004), Lucio Dalla (2004), Simply Red (2005), Francesco De Gregori (2005, 2015), Sir Elton John (2006), Patti Austin (2007), Joe Cocker (2007), Mark Knopfler (2007), Zucchero (2008), Amy Macdonald (2008), Grace Jones (2009), Tom Jones (2009), Jamiroquai (2010), Mary J. Blige (2010), Liza Minnelli (2011), Daniela Mercury (2011), Rod Stewart (2012), Eric Clapton (2013) o Toto (2015) nos dan buena muestra de su importancia artística.

Pink Martini es una pequeña orquesta con base en Portland, Oregon, fundada en 1994 por el pianista Thomas M. Lauderdale, que interpreta diferentes géneros musicales como la música latina, música lounge, música clásica o el jazz. Su música ha sido descrita muchas veces como vintage, una definición que muestra el contenido, el estilo y la duración que han inspirado muchas de sus canciones. Su debut europeo se produjo en el Festival de Cine de Cannes y en 2003 el grupo realizó una gira que incluyó países como Francia, España, Portugal, Bélgica, Suiza, Mónaco, Grecia, Turquía, Perú, Taiwán, Líbano y los Estados Unidos, realizando conciertos propios o como acompañante de otros grupos. Han cantado en numerosos idiomas de todo el mundo: inglés, español, francés, italiano, portugués, japonés e incluso en árabe, griego o turco, lo que les has convertido en una banda realmente global. El álbum debut de Pink Martini, Sympathique [1997], fue una producción propia en el sello del grupo, Heinz Records, del cual se vendieron más de 1.300.000 copias por todo el mundo. Su discografía e importancia han crecido de manera exponencial durante los últimos años.

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Jazz: Pink Martini en Avo Session Estreno 12 de junio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Si disfrutan con una amalgama musical de primer orden en la que se mezclan jazz, pop latino, ritmos cubanos, cabaret, canción francesa o ecos de la música clásica, sin duda este directo desde el festival Avo Sessions le fascinará. La actuación del conjunto estadounidense Pink Martini, a la que se une la voz única de Storm Large, le despegará del sofá.

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El amor y el deseo vistos por los ojos de un genio, en una ópera que después de 200

años es capaz de renovarse para complacer a los públicos más diversos.

Género: ópera, música clásica, opera buffa.

Intérpretes: Anett Fritsch, Paola Gardina, Andreas Wolf, Juan Francisco Gatell, Kerstin Avemo y William Shimell; Coro Intermezzo; Michael Haneke (director de escena), Christoph Kanter (escenografía), Moidele Bickel (vestuario), Urs Schönebaum (iluminación).

Director: Sylvain Cambreling.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de la Comunidad de Madrid.

Año: 1999.

Lugar: Ópera Estatal, Berlin.


Così fan tutte ossia La scuela degli amanti KV 588 es una de las óperas más célebres y celebradas en la producción de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), lo que resulta per se de suma importancia. Se trata de un dramma giocoso per musica en dos actos con libreto de Lorenzo da Ponte, sin duda alguna el libretista más importante de las óperas mozartianas y con el que entabló una colaboración más fructífera, a pesar de que se solo colaboraron en tres de sus óperas, siendo las dos restantes Don Giovanni y La nozze di Figaro. Este género operístico se utilizó de manera recurrente a mediados del siglo XVIII, cuya terminología se basa más en una descripción del texto más que de la ópera en su conjunto. Se desarrolló en la tradición de la ópera napolitana, principalmente a través de la obra del dramaturgo Carlo Goldoni en Venezia, cuya principal característica es la

Ópera: Così fan tutte Ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart 18 de junio 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador



técnica de escena que recurre a una gran trama y personajes bufos, que tornan en un clímax dramático al final de uno de los actos. Es un género sobre el que compusieron varios de los compositores más importantes de la segunda mitad del XVIII, aunque prácticamente las únicas óperas de este tipo que han permanecido en el repertorio a lo largo de los años han sido las de Mozart. Los textos de Carlo Goldoni siempre estaban formados por dos largos actos con finales extensos, seguidos por un tercer acto breve. Aquí da Ponte mantiene la estructura de los dos actos con amplios finales, pero no desarrolla el tercero.

La obra se estrenó el 26 de enero de 1790 en el Burgtheater vienés, contando realmente con una escasa afluencia e influencia en el público. Únicamente gozó de cinco representaciones, puesto que la muerte del Emperador Joseph II provocó un cierre de los teatros como duelo nacional. Pasado el cierre se representó en dos ocasiones el mes de junio del mismo año, otras dos al mes siguiente y solamente una en agosto. Incluso su recepción posterior en la Europa del XIX fue escasa y tuvo que esperarse hasta la segunda mitad del siglo XX para que la ópera comenzase a tenerse en cuenta y a ocupar el lugar que justamente le correspondía por su genialidad. De cualquier manera, rara vez suele estar en primer lugar en el ranking de las óperas mozartianas más representadas.

Così fan tutte es una obra de atrevido mensaje. Circuló el rumor de que fue el propio emperador quien la impuso a compositor y libretista, pero hoy se sabe que esa historia es falsa. Extraña, en todo caso, cómo unas personalidades como las de Mozart y Da Ponte pudieron enzarzarse con un tema tan escabroso. Es una obra de crisis, pues debido a las estrecheces económicas de la corte Mozart la tuvo que encargar a su libretista sin apenas medios. Algunos estudiosos han creído ver en ello la amargura y amoralidad de los textos

de la pieza, lo que al menos es discutible, pues la sencillez –incluso precariedad– no tiene por qué conducir al descreimiento y tremendo escepticismo que respira esta comedia, una historia en la que, en materia amorosa, nadie parece tomarse nada en serio. Da Ponte y Mozart concibieron el cruel juego del argumento en una línea teatral pura, con muy poco aparato, sin más elementos dramáticos que la palabra cantada de sus personajes y los sublimes discursos sonoros de la orquesta acompañante; un compendio explicativo desde lo abstracto del tremebundo montaje psicológico erigido alrededor de las parejas por el tramposo y asistémico Don Alfonso, quien puede verse como el auténtico protagonista de la trama. Y lo hicieron de forma tan sobria y reconcentrada, por lo que habría que referirse a esta obra como una maligna indagación acerca del mundo más secreto e inaceptable socialmente del ser humano, es decir al más individualista, a su yo más sincero, irreprimible y auténtico, su «yo» amoroso.

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Ópera: Così fan tutte Ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart 18 de junio 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Amor y deseo, ejes del devenir humano, que en forma jocosa nos presenta esta famosa ópera de Mozart, y que hoy vemos expresados en un montaje contemporáneo del ganador del Oscar, Michel Haneke, desde el Teatro Rea de Madrid.

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El violonchelo se vuelve protagonista en esta gran velada en la que el conjunto

francés interpreta dos fantásticas obras de los autores alemán y austríaco.

Género: Género: concierto, música clásica, música romántica, violonchelo.

Intérpretes: Dmitri Maslennikov.



Año: 2015.

Lugar: Festival 1001 Notes!, Limousin [Schubert]; Paris [Haydn].

Duración: 50 minutos. El violonchelo es uno de los instrumentos preferidos por muchos autores a lo largo de la historia, al menos desde que naciera como instrumento solista en la segunda mitad del

siglo XVII, cuando Domenico Gabrieli –un compositor boloñés conocido como Minghino dal

violoncello– compone las primeras obras que se han conservado para violonchelo solo. Desde ese momento, y pasando por algunos de los hitos en la historia del instrumento, especialmente con la creación de las seis suites para violonchelo solo de Johann Sebastian Bach, el instrumento fue ganando en importancia, de tal manera que terminó por derrocar de su posición de privilegio en toda Europa a un instrumento en cierta manera similar, la viola da gamba, que era por entonces el instrumento grave de cuerda frotada favorito. A partir de este momento comienza la época de los conciertos, y ya algunos compositores famosos en el género le dedican algunos grandes conciertos, como Antonio Vivaldi.

Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Dimitri Maslennikov interpreta Schubert & Haydn Estreno 18 de junio 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador



Llegando al Clasicismo nos encontramos con algunos grandes autores que le dedicaron tiempo al instrumento, sin ser en este momento, por otra parte, un instrumento especialmente requerido, al menos en comparación con el violín. El compositor austríaco Franz Joseph Haydn (1732-1809) compuso especialmente dos de los conciertos más fantásticos del género, a pesar de que no se conservan muchos conciertos para instrumentos de cuerda frotada del autor. El Concierto para violonchelo y orquesta n.º 1 en Do mayor, Hob. VIIb:1 es, junto con el segundo, uno de los más célebres dentro de la literatura concertística para el instrumento en todo el siglo XVIII. Compuesto entre 1761 y 1765, fue dedicado probablemente a Joseph Weigl, el mayor virtuoso del instrumento que había entonces en la corte de Esterházy, de la cual Haydn era el director, y para la que compuso la gran mayoría de sus excepcionales sinfonías. El concierto se perdió durante décadas, hasta que fue encontrado en la segunda mitad del siglo XX entre los documentos de archivo de un castillo centroeuropeo. Tras algunas primeras dudas sobre su autoría, algunos de los grandes expertos en la obra de Haydn adjudicaron sin ninguna duda la obra a su mano, pasando desde ese momento a formar parte del repertorio habitual de los violonchelistas a lo largo y ancho del mundo. Este primer trabajo, contemporáneo de sus sinfonías 6, 7 y 8, muestra ya un Haydn con gran maestría en la escritura instrumental. La parte del chelo solo es totalmente idiomática y el concierto refleja la forma ritornello del concierto barroco, así como la estructura que emerge de la forma sonata-allegro.

En el período romántico el chelo continuó enriqueciéndose con repertorio del concierto, pero también de la sonata solista y de cámara. Una de las obras más destacadas pertenece a Franz Schubert (1797-1828). Se trata de la Sonata en la menor para arpeggione y piano D 821, compuesta en noviembre de 1824 en Viena. Esta sonata es la única composición de importancia para el arpeggione, y prácticamente el único motivo por el que se recuerda dicho instrumento, que actualmente prácticamente se ha perdido. El arpeggione era un instrumento de cuerda frotada, también conocido como guitarra-violonchelo o guitarra de amor, que fue inventado en Viena en 1823 por Johann Georg Stauffe. Tenía seis cuerdas que se afinaban como una guitarra, contaba con trastes en el diapasón, se sostenía entre las piernas como una viola de gamba y se tocaba con arco. El nombre de arpeggione venía dado por el supuesto de que sería más fácil realizar arpegios en este instrumento, por su afinación como una guitarra. La sonata hoy día se interpreta con violonchelo, incluso aquí tenemos este arreglo para orquesta realizada por Dobinka Tabakova.


Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Dimitri Maslennikov interpreta Schubert & Haydn Estreno 18 de junio 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Les invitamos a disfrutar de uno de los instrumentos más fascinantes de cuantos existen: el violonchelo. Su sonoridad aterciopelada, la hermosura de su registro grave y su superlativo poder expresivo, lo han convertido en instrumento predilecto de muchos autores. Dimitri Maslennikov

interpreta dos fantásticas obras del repertorio, la Sonata Arpeggione, de Franz Schubert –en un

arreglo con orquesta–, y el Concierto para violonchelo n.º 1 en Do mayor, de Franz Joseph Haydn. Está acompañado por la exquisita Orquesta de Cámara Nouvelle Europe y la batuta de Nicolas Krauze.








Una de las voces más experimentadas del blues y el soul en directo desde el célebre festival de jazz y world music de Basilea.

Género: concierto, jazz, world music, música clásica.

Intérpretes: Dionne Warwick (voz), David Elliot (voz).

Orquesta: Pink Martini.

Año: 2012.

Lugar: Musical Theater, Basel.


Avo Session Basel es el nombre de un festival que lleva más de treinta años atrayendo a la ciudad suiza a un gran número de artistas de primer orden mundial dentro de los géneros del jazz, blues, pop-rock, o world music, en un formato íntimo de club. Celebrado habitualmente entre los meses de octubre y noviembre, el festival surgió en 1986 bajo el nombre de Rheinknie Session, cuya primera edición se celebró en mayo de ese mismo año contando con la presencia de algunos artistas de primer nivel mundial, como Oscar Peterson, Albert Collins o Koko Taylor. El gran empujón del festival vendría en 1988, con la presencia en el escenario del legendario Miles Davis. Los amantes de la música de toda Suiza tuvieron en Basilea a su centro por esa noche y expertos en la escena musical descubrieron el festival. Claude Nobs, uno de los fundadores del Festival de Jazz de Montreux, asistió entusiasta a aquella edición del festival, de tal forma que inmediatamente decidió convertirse en patrón del mismo.

World: Dionne Warwick en Avo Session Estreno 18 de junio 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador



Con el paso de los años el festival se va abriendo a multitud de géneros, y es ya en 1998 cuando pasa a denominarse como Avo Session, estando detrás del patrocinio una famosa marca de cigarrillos. El festival siguió creciendo, y se había posicionado ya entre las mejores opciones para disfrutar de estos repertorios en el mundo. En 1999 se emite por primera vez el festival en la televisión suiza SFR2 y 3sat, con lo que se establece su presencia en diversos países de habla alemana. 2005 marcó otro hito, con los veinte años del festival, que seguía creciendo en importancia y audiencia. 2010 marcó su 25.º aniversario con una gran edición por la que pasaron nada menos que más de 20.000 espectadores. 2012 marcó el cambio de nombre del festival, ante la marcada normativa antitabaco europea, para tomar el nombre de Baloise Session, su nuevo patrocinador. El pasado 2015 marcó los 30 años de un festival que sin duda se ha establecido como una fecha ineludible en el calendario de aquellos apasionados del jazz y la world music. Ray Charles (1999), James Brown (2000), Chris de Burgh (2001), Paolo Conte (2002), Deep Purple (2003), Lionel Richie (2004), Lucio Dalla (2004), Simply Red (2005), Francesco De Gregori (2005, 2015), Sir Elton John (2006), Patti Austin (2007), Joe Cocker (2007), Mark Knopfler (2007), Zucchero (2008), Amy Macdonald (2008), Grace Jones (2009), Tom Jones (2009), Jamiroquai (2010), Mary J. Blige (2010), Liza Minnelli (2011), Daniela Mercury (2011), Rod Stewart (2012), Eric Clapton (2013) o Toto (2015) nos dan buena muestra de su importancia artística.

Marie Dionne Warrick (1940) es una cantante nacida en Nueva Jersey, que ha destacado dentro del soul y el pop. Prima de las cantantes Cissy y Whitney Houston, ha estado durante más de cincuenta años sobre los escenarios. Se inició en la música como cantante gospel con su familia y su debut en solitario de la mano de Burt Bacharach en 1962 (Don't Make Me Over). Como dato curioso hay que destacar que por una errata de imprenta bajo el apellido Warwick, no Warrick, se propició el nombre artístico de Dionne para el resto de su carrera. Este tema tuvo cierto éxito, lo que no volvería a repetirse hasta 1964 con Anyone Who Had a Heart y Walk on By, grandes éxitos, incluso fuera de Estados Unidos. En 1971 abandonó el sello Scepter por una fuerte disputa mantenida con Bacharach. Entre sus interpretaciones más recordadas se pueden citar la de temas como Alfie, la célebre I Say A Little Prayer For You, Promises, Promises, Endless Love (junto a Barry White y que también ha interpretado con Tom Jones)… En su siguiente etapa en Warner apenas consiguió un éxito con el tema Then Came You. En la década de los 80, y tras un nuevo cambio de sello discográfico, obtuvo un nuevo éxito con Heartbreaker, y a partir de entonces sus grabaciones se produciendo con mayor espacio entre unas y otras, hasta que su popularidad vivió un notable repunte en 2006 con un álbum de duetos (My friends & me).

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World: Dionne Warwick en Avo Session Estreno 18 de junio 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Hay voces que pasan a la historia ligadas a un género. Este es el caso de Dionne Warwick, una de las cantantes de los géneros llamados «negros» con una carrera más sólida e internacional desde hace más de cinco décadas, que ofrece aquí alguno de sus grandes éxitos para su deleite.

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Una velada operística de primer nivel, protagonizada por dos voces de auténtico

lujo en la actualidad, en la que Franz Lehár se alza como gran protagonista.

Género: concierto, ópera, opereta, música clásica.

Intérpretes: Renée Fleming, Christopher Maltman, Carolina Ulrich, Andrej Dunaev; Sächsischer Staatsopernchor Dresden.

Director: Christian Thielemann.

Orquesta: Orquesta Estatal de Dresden.

Año: 2010.

Lugar: Semperoper, Dreden.


La viuda alegre [Die Lustige Witwe] es una opereta en tres actos con música del compositor austro-húngaro Franz Lehár y libreto en alemán de Victor Léon y Leo Stein, basados en la comedia L'attaché d'ambassade (1861) de Henri Meilhac, que narra las

vicisitudes de una rica viuda a la que sus paisanos intentan mantener –más que a ella a

su dinero– en su principado, encontrándole un buen marido. Se trata sin duda de la obra más célebre de su autor, por la que ha pasado principalmente a la historia. Se estrenó el 30 de diciembre de 1905 en Viena, estando considerada desde aquel momento como una de las obras más importantes de la opereta y la más importante en el catálogo de Lehár. Actualmente es una de las operetas más representadas y grabadas, uno de los mayores

Ópera: Concierto de gala Renée Fleming, Christopher Maltman & Christian Thielemann Estreno 19 de junio 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Colombia/Ecuador



exponentes del género, que incluso aparece entre las 25 más representadas dentro de la ópera. Tras su estreno de 1905, Lehár realizó cambios posteriormente para las producciones de London en 1907 y Berlin en los años veinte, pero la versión definitiva es básicamente la de la producción original. La opereta se llevó de gira por Austria y en 1906 disfrutó de producciones en el Neues Operetten-Theater de Hamburgo, el Berliner Theater de Berlín y Magyar Szinhaz de Budapest, incluso se grabó por primera vez en 1907. Su adaptación al inglés, llevada a cabo por Basil Hood, con libreto de Adrian Ross, supuso una autentica sensación en London en 1907 y tuvo un extraordinario número de representaciones, 778, seguida por una amplia gira británica. La primera vez que se representó en París fue en el Théâtre Apollo el 28 de abril de 1909, siguiéndole numerosas producciones internacionales, así como reposiciones, y secuelas, versiones filmadas y parodias de todo tipo.

Su autor, Franz Lehár (1870-1848), húngaro de nacimiento, alcanzó fama universal como compositor de operetas, siendo sin ningún tipo de duda el máximo representante del estilo vienés de este género. Suyas son obras como Der Graf von Luxemburg [El conde de Luxemburgo], Frasquita, Der Zarewitsch, Das Land des Lächelns [El país de las sonrisas] o Giuditta.

El resto del recital se complementa con la breve I feel pretty, famosa melodía extraída del aún más famoso musical West Side Story, que el autor estadounidense Leonard

Bernstein (1918-1990) creó en 1957 para Broadway –y posteriormente para el cine–, sobre guion de Arthur Laurents, letras de Stephen Sondheim y coreografía de Jerome Robbins. Ambientada en la ciudad de Nueva York a mediados de los cincuenta, el musical narra la rivalidad entre dos bandas callejeras adolescentes, los Jets y los Sharks. Los miembros de los Sharks de Puerto Rico son perseguidos por los Jets, un grupo de blancos de clase baja. Entre tanto, el joven protagonista, Tony, uno de los Jets, se enamora de María, la hermana

de Bernardo, líder de los Sharks. El tema trágico –inspirado en Romeo y Julieta, de William

Shakespeare–, una partitura realmente sofisticada, las amplias escenas repletas de bailes callejeros y la atención prestada a problemas sociales y urbanos, supusieron todo un hito en el teatro musical estadounidense. Se cierra el concierto con el célebre vals An der elbe, de Johann Strauss II (1825-1899), repleto de lo mejor de su estilo vienés tan desenfadado y descriptivo.

Enlaces de imágenes:

Ópera: Concierto de gala Renée Fleming, Christopher Maltman & Christian Thielemann Estreno 19 de junio 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: No solo del Concierto de Año Nuevo se puede vivir. La víspera de esta fecha hay otra serie de conciertos en el mundo de enorme interés. Uno de ellos es el que le ofrecemos aquí para su disfrute. Protagonizado por las voces exquisitas de la soprano estadounidense Renée Fleming y el barítono inglés Christopher Maltman, interpretan una selección de La viuda alegre, célebre opereta de Franz Lehár, además de otras obras de Leonard Bernstein o Johann Strauss II. La Orquesta Estatal de Dresden y la dirección de Christian Thielemann completo el elenco de lujo.



El viaje llega a su fin en esta integral de las sinfonías maduras de Anton Bruckner en

versión de la orquesta alemana y su gran director titular.



Orquesta: Orquesta Estatal de Berlin.

Año: 2010.



Anton Bruckner (1824-1896) estuvo muy influido por muchos compositores. Quizá en Beethoven está la más evidente influencia, ¿pero Richard Wagner? ¿Y Johannes Brahms o Gustav Mahler? Bruckner adoptó algunos procedimientos wagnerianos, como sus armonías o el empleo de las tubas, pero su instrumentación nos recuerda siempre el órgano. En realidad lo que más impresionó a Bruckner de Wagner fue su inspiración, pues por lo demás, Wagner y Bruckner difieren realmente en muchos aspectos. Bruckner, que se jactó de cultivar la forma, está cerca de Beethoven, como también de Brahms, al que históricamente se le ha opuesto. Pero las diferencias que existen entre ambos son prácticamente palpables: Bruckner es originario de la católica Alemania del sur, mientras Brahms era protestante, lo que se nota en su manera de acercarse a la creación. A pesar de las enormes diferencias existentes por otro lado entre Brucker y Mahler, ha sido muy frecuente la asociación, a veces forzada, entre ambos. Probablemente esta viene




determinada por la similitud aparente de su gigantesca producción sinfónica, pues ambos compusieron nueve sinfonías, todas ellas extensas y monumentales; sinfonías que por su magnitud, la energía y la orquestación superaron a las de Brahms. Para ambos está muy presente la canción popular austriaca, construyendo con ella movimientos enteros en el estilo de la melodía del Lände. Ambos estuvieron intensamente influidos por Wagner, y los dos sufrieron la influencia todavía más profunda de Beethoven. Al margen de las semejanzas, sus diferencias eran enormes. Bruckner persigue el reposo, la certidumbre, la ingenuidad, el regionalismo; Mahler la inquietud, la duda, el refinamiento, la universalidad.

Su Sinfonía n.º 9 en Re menor fue iniciada en agosto o septiembre de 1887, y su composición llega incluso hasta el día de su muerte. El estreno de los tres movimientos terminados fue dirigido por Ferdinand Löwe el 11 de febrero de 1903. La obra presenta numerosos rasgos comunes con sus sinfonías anteriores, pero lo que en algunas de las anteriores podía parecer excesivo, aquí se presenta con maestría y sofisticación. El resultado es una música con notable impacto emocional, desde el poderoso primer movimiento, a través del demoníaco Scherzo o el tortuoso Adagio. Aunque siempre trabajaba de manera extremadamente meticulosa, y todas sus sinfonías anteriores requirieron largos períodos de gestación, nueve años dedicados a una sola obra parecían definitivamente algo desmesurado y sin precedentes. Existieron varias razones por las que, a pesar de su ferviente deseo de concluirla, nunca llegó a hacerlo: su salud empeoró mucho, presentando ya síntomas de inestabilidad mental; su devoción religiosa, que siempre había sido fuerte, en sus últimos años quedó fuera de control, como demuestra su obsesivo deseo de dedicar la Novena a Dios. Pasaba horas orando y llegó a decir: «Si Dios no se ocupa de mí para que concluya esta sinfonía, él debe asumir la responsabilidad de que no lo haga.»

No fue sino hasta 1932 cuando se dio a conocer la versión original de la Novena. El 2 de abril de ese año Siegmund von Hausegger dirigió en un mismo concierto la versión bien conocida de Löwe y la que entonces era la versión original desconocida. El veredicto fue unánime: la reescritura de Löwe fue retirada y las intenciones originales de Bruckner se conservaron y fueron publicadas, eligiéndose desde entonces como la opción principal para su interpretación. Bruckner decidió tanto su estilo como su concepción de la forma sinfónica muy temprano en su carrera y posteriormente los refino pero nunca los modificó, a diferencia de un compositor como Beethoven. Es por eso que la Sinfonía n.º 9 es la culminación de este desarrollo. Presenta muchos rasgos en común con sus sinfonías anteriores, pero los lleva aún más, si cabe, a un punto realmente sobrecogedor y absolutamente genial.

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Sinopsis: Llegamos al final del camino. La Sinfonía n.º 9 marca la conclusión de uno de los momentos cumbres en la historia de la Orquesta Estatal de Berlin y Daniel Barenboim: la interpretación en una misma temporada de las seis últimas sinfonías del genial compositor austríaco Anton Bruckner.








El extraordinario tenor italiano presenta un precioso recorrido por lo mejor de la canción

italiana, francesa y anglosajona, en un marco absolutamente incomparable.

Género: concierto, canción italiana, canción francesa, música popular.

Intérpretes: Andrea Bocelli, Chris Botti, Caroline Campbell, Sandy, Veronica Berti, Helene Fischer.

Director: Giacomo Loprieno.

Orquesta: Ensemble Symphony Orchestra.

Año: 2010.

Lugar: Portofino.


Andrea Bocelli (1958) es un caso excepcional en el mundo de la ópera de finales del siglo XX y principios del XXI. Se trata de un tenor italiano que ha forjado su carrera a medio camino entre la ópera, de la que ha protagonizado algunos de los roles más importantes de tenor en óperas como Il Trovatore, Andrea Chénier, Cavalleria Rusticana, La Bohème, Tosca, Roméo et Juliette, Pagliacci, Werther o Manon Lescaut, pero especialmente como cantante lírico del mainstream, al que accedió a través de sus álbumes que conjugan arias de óperas con canciones pop en arreglos cercanos al mundo de la música clásica. Ha sido capaz de vender más de 75 millones de discos en todo el mundo.

Otra de las características que sorprenden en Bocelli es su ceguera, con la que nació parcialmente y que se volvió total a la edad de 12 años. Sin embargo, el cantante italiano no permitió que esta discapacidad hiciera mella en su carrera y a la par que cursaba estudios de derecho en la universidad se formó vocalmente de la mano de Franco Corelli,

Iconos: Andrea Bocelli Amor en Portofino Estreno 26 de junio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



uno de los tenores más grandes del siglo XX. Tras actuar en diversos locales mientras seguía su formación, la gran oportunidad de Bocelli vino de la mano del cantante rock Zucchero, quien en 1992 realizó audiciones de tenores para realizar un demo de su canción Miserere con la que esperaba convencer al tenor Luciano Pavarotti para que cantara a dúo con él. Finalmente la grabó con Bocelli y cuando el gran Pavarotti escuchó la demo le dijo: «¡Usted no necesita de mí. No podría hacerlo mejor!». Posteriormente Zucchero emprendió una gira por Europa en la que el dúo lo realizaba con Bocelli, que fue acogido de manera espectacular por el público, al punto de permitírsele cantar como solista en una parte de él. En 1994 es invitado a participar en la sección oficial del Festival de San Remo con la canción Il mare calmo della sera, obteniendo una puntuación récord. Publica entonces su primer álbum, con el que consigue un éxito fulgurante, obteniendo rápido su primer disco de platino. Al año siguiente, vuelve al Festival con la canción Con te partirò, con la que consigue un doble platino. Desde entonces su éxito ha venido en ascenso permanente, llegando a vender millones de discos con algunos de sus discos, como Romanza, que logró la impresionante cifra de 17 millones de copias vendidas. Entre sus méritos se encuentran varias nominaciones a los Grammy o su presencia en Libro Guinness de los Records con su disco Sacred Arias, que se convierte en el álbum de clásico más vendido en la historia por un solo artista.

En su recital Amor en Portofino, Bocelli presenta algunas de las baladas y canciones más hermosas y románticas del género. Enclavado en uno de los lugares más fascinantes del planeta, se rodea de una excepcional pléyade de artistas para ofrecer algunos temas de gran belleza. Están la resonante trompeta de Chris Botti, el expresivo violín de Caroline Campbell o las voces cálidas y fantásticas de Sandy, Veronica Berti y Helene Fischer. Una velada divida en dos partes, en la que se interpretan temas tan conocidos como Quizás, quizás, quizás; Perfidia; La vie en rose; Something stupid; Bésame mucho; Love me tender o When I fall in Love. Y si ven a Édith Piaf con vida para cantar un maravilloso célebre con su canción eterna, no piensen que han perdido la cabeza. Es tan real como las nuevas tecnologías lo hacen posible. Una velada que querrán volver a ver una y otra vez; todo un canto al amor, al romanticismo y a la belleza, a través de la música y los hermosos pasajes de esa ciudad tan fascinante que es Portofino.

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Iconos: Andrea Bocelli Amor en Portofino Estreno 26 de junio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Un enclave que les dejará sin palabras, para disfrutar de un recital al más puro estilo Bocelli, en el que interpreta célebres canciones del género. Se rodea para la ocasión de un elenco de artistas de excepción: Chris Botti, Caroline Campbell, Sandy, Veronica Berti y Helene Fischer, incluso resucitará a la mismísima Édith Piaf para que le acompañe. Una agrupación de más de 40 músicos, Ensemble Sympohny Orchestra, completa un plantel del que no se olvidarán.

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Reviva el memorable Europa-Konzert 2014, todo una tradición musical para disfrutar con

la mejor calidad de audio y video.


Intérpretes: Anne-Sophie Mutter, Lambert Orkis.


Orquesta: Orquesta Filarmónica de Berlin.

Año: 2014.



Desde 1991, la Berliner Philarmoniker da un concierto cada primero de mayo, a fin de conmemorar el aniversario de fundación de la orquesta, en 1882. En cada ocasión, el concierto se realiza en una ciudad europea diferente, celebrando la unión entre países del continente y la historia que comparten. Este año 2014, el concierto fue realizado en el Berliner Philarmonie, el corazón musical de Berlín. Daniel Barenboim, uno de los músicos más reconocidos a nivel mundial, y que lleva ya cincuenta años de vinculación con la orquesta, es el director encargado de este evento que incluye una mezcla de estilos, tradiciones y piezas internacionales. Podrá disfrutar de un magnífico repertorio: The Merry Wives of Windsor de Otto Nicolai, basada en la obra homónima de Shakespeare; Falstaff de Edward Elgar; y la Sinfonía n.º 5, de Piotr Ilich Tchaikovsky, con una temática más sombría que las dos piezas anteriores: el hombre resignado ante su destino.

La Orquesta Filarmónica de Berlín es una de las más importantes a nivel mundial. Este año, vuelve a la sede que la acogió desde 1963, la Berliner Philarmonie, sala diseñada por

Concierto: Concierto para Europa Filarmónica de Berlin & Daniel Barenboim 26 de junio 23:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador



Hans Scharoun. Desde 2002, la orquesta es una fundación pública, y sus fondos son subvencionados por el gobierno y el Banco Alemán. Su primer Europa-Konzert se realizó en Praga, e igualmente, otra tradición que llevan a cabo con rigurosidad, es un concierto al aire libre al final de cada temporada, en el Berliner Waldbüghne. Esta es la cuarta ocasión en los más de veinte años de tradición, que se presentan en su ciudad de origen.

Daniel Barenboim, pianista y director de origen argentino-israelí, inició sus estudios de piano a los cinco años de edad, y desde entonces, su carrera musical sólo fue en ascenso. Debutó en el mundo de la música a los siete años de edad y su éxito fue tal, que el Mozarteum de Salzburgo lo invitó a hacer parte de su institución educativa. A los diez años, triunfó en un festival de aquella ciudad. Su debut como director fue en 1967, con la Orquesta Filarmónica de Londres, tras el cual las orquestas más importantes de la época, no tardaron en hacer ofertas a su talento y destreza. Después han venido éxitos y éxitos, vinculándose con prácticamente la totalidad de las grandes orquestas del mundo, siendo titular de varias de ellas en los últimos años. Su batuta al frente de la que es para muchos la mejor orquesta del mundo supone un hito mayúsculo para no perderse.

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Concierto: Concierto para Europa Filarmónica de Berlin & Daniel Barenboim 26 de junio 23:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El tradicional Concierto Europeo, se presenta en su versión 2014 volviendo a su ciudad de origen, Berlín, bajo la dirección de Daniel Barenboim y con un programa que promete variedad de temáticas y un repertorio realmente internacional en el mejor sentido del término.

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