Previously on UN/POLISHED: Over the course of a sunny weekend in August 2016, a group of Berlin-based Polish artists took over DOCK11 in an attempt to put the ‘national’ back into international. Modern dance, postmodern dance, Tanztheater, the non-dance from the 1990s and the post-internet dance that looks like your younger sister’s Snapchat — all of them are Polish now. The future looks bright and polished as well.

UN/POLISHED 2 is a five-day crash course in achieving national greatness when you are on a tight budget. Once again DOCK 11 will be occupied by the Polish dance crowd living in Berlin, this time with a contribution of their colleagues from Warsaw and international friends. Still sticking together in these unpolished times.

This year’s festival takes a closer look at the inter/national identity of dance. Is thinking about today’s contemporary dance context in terms of center and peripheries relevant? If yes — where is the original source of its contemporaneity and is dance from the outskirts just like a fake version of a designer bag?

The program includes crying over the past, moving a mirror, a virtuosic amoeba, and some action with a riding crop, among others.

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● WED., 18.10.

7:00 p.m. TOTAL Paweł Sakowicz

8:30 p.m. Raw Light Anna Nowicka

● THURS., 19.10.

8:00 p.m. Moving the mirror Peter Pleyer

● FRI., 20.10.

7:00 p.m. Emerging from Action Marysia Stokłosa

8.30 p.m. Daughters of Lust Zuzanna Ratajczyk feat. Eoghan Ryan

● SAT., 21.10.

8:00 p.m. Don’t Go For Second Best, Baby! Ania Nowak

● SUN., 22.10.

5:00 p.m. Panel discussion: WHO’S INTER/NATIONAL?Participants: Ricardo Carmona (HAU Berlin/dance curator from Portugal), Manuel Pelmus (choreographer and visual artists from Romania), Agata Siniarska (stubborn dancer, theory-practice lover, aliens believer from Poland), Ana Vujanović (researcher, writer and dramaturge from Serbia).Host: Kirsten Maar (theatre and dance scholar from Germany)

8:00 p.m. Mothers of Steel Agata Siniarska & Mădălina Dan

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TOTALPaweł Sakowicz18.10., 7:00 p.m.

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photo by Dawid Grzelak

Speculating about dance virtuosity is a type of reflection that can be based on experience but isn’t necessarily empirically verifiable. The aim of such speculation is to frame an ideal image of dance virtuosity by drawing on predictable economic, political and meta-humanistic changes. A characteristic feature of speculation on dance virtuosity is risk-taking in constructing radical scenarios on the politics of desire.

Choreography, text and performance: Paweł Sakowicz Artistic coaching: Dalija Aćin Thelander Technical realization and lights: Łukasz Kędzierski Production: Art Stations Foundation by Grażyna Kulczyk (developed as part of the Solo Projekt Plus 2015 residency program by the Art Stations Foundation)

Paweł Sakowicz is a choreographer and dancer. He graduated from the University of Warsaw with a degree in political studies and holds an MA in performance and choreography from the London Contemporary Dance School. His works Bernhard and TOTAL were invited to the Polish Dance Platform (2014 and 2017 editions, respectively). He has collaborated with choreographers and visual artists, and worked as a choreographer in a number of theatre productions. He is a recipient of an honorable mention at the 22nd National Competition for the Polish Contemporary Play Staging and the 2017 danceWEB scholarship. He received a nomination for the 2016 Paszport Polityki prize in the category Theatre.

RAW LIGHTAnna Nowicka18.10., 8:30 p.m.

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photo by Katarzyna Szugajew

This piece comes from a strong desire to be alone on stage, and physicalize the themes I’ve been researching for the past six years: attention, dreams and imagination. Raw Light is a tangible, physical, sensational solo journey of the body becoming. It is an elusive attempt to form a constantly shifting experience, and to allow for a flow of flickering images to emerge. It is a proximate presence of a liquid, multilayered, kaleidoscopic body that dances in raw lights between real and imagined, felt and dreamt, courageously pointing to the unseen and unknown. The tongue, the eyes and the limbs reach out for brightness. From the cut of soft tissue of time and space, a persistent trust explodes into being.

Concept, choreography, performance: Anna Nowicka Light direction: Aleksandr Prowaliński Music: Klaus Janek Costume: Kiss the Future / Tanja Padan

Anna Nowicka is a choreographer and dancer, a SEAD (Salzburg Experimental Academy of Dance), MA Choreography / HZT and MA Psychology / Warsaw University graduate. In recent years, based on her long term interest in the work on dreams, imagination and physical actions, she started developing a methodology to be applied to an artistic creation. Her focus lies on questions of imagination and creativity, and the power of an image to expand the

body into its full transformative potential. She has taught her individual dance practice over an extended time period in Tanzfabrik, Berlin and S.M.A.S.H. performative program. In 2011 Anna’s research has been recognized, and she was awarded with the DAAD Prize, followed by the choreographic scholarship from the Studienstiftung des deutschen Volkes. In 2012 her performance: fire is raging in your hair won the 100GRAD Festival in Berlin, and her solo: the truth is just a plain picture. said bob. was selected for the Polish Dance Platform, Fringe Festival in Edinburgh, and the Polish-Israeli Dance Platform in Tel Aviv. Anna is a danceWEB (2012) scholarship recipient. She was awarded a dance scholarship from the city of Berlin, and she won the Wild Card / Jardin d’Europe residency at the WASP studios. She was chosen as one of ten participants of the PAP— LAFT mentoring prograTm in Berlin. Currently, she is a PhD candidate at the Polish Film School / Acting Department in Łódź, a practitioner of the School of Images of Catherine Shainberg in New York, deepening the work on dreams with Bonnie Buckner. She is living and working between Berlin and Warsaw.

MOVING THE MIRRORPeter Pleyer19.10., 8:00 p.m.

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The project Moving the mirror looks at the developments in contemporary dance in Poland and Berlin, especially in relation to the process of democratization since the 1990s and the growing relationship between the two countries. Where is the source of this energy, with which young Polish and Berlin artists initiate their projects that often have a queer/feminist, utopic and political motivation? This energy and knowledge that make them question the status quo of once established structures and develop visions to reformulate them?

Since the middle of the 1990s Peter Pleyer has been pursuing a long dance history with the development of contemporary dance in Poland as a performer and teacher. During these years he could witness a change in the Polish contemporary dance scene from authoritarian structures of choreographing with traditional dance techniques to more egalitarian, democratic work-methods, in which the mode of creation of material and composition as well as questions about gender and the criticism of institutions revived the field of research and performing choreography.

In Moving the mirror these changes are reflected in collaboration with a cast of Polish and Berlin-based artists.

Artistic direction, choreography: Peter Pleyer Dance: Caroline Alexander, Aleksanda Borys, Oliver Connew, Ivan Ekemark, Anna Nowicka, Paweł Sakowicz, Marysia Stokłosa Art direction: Michiel Keuper  Curators: Joanna Leśnierowska (Art Stations Foundation), Agnieszka Sosnowska (CSW Zamek Ujazdowski) Coordinator: Joanna Manecka

Peter Pleyer studied at the European Dance Development Centre (EDDC) in Arnheim and worked as a dancer and choreography assistant together with Yoshiko Chuma and Mark Tompkins. He has lived in Berlin since 2000. From 2007 to 2014 he was an artistic director of Tanztage Berlin and between 2012 and 2014 a team member of Sophiensæle. In his work as a choreographer and performer as well as a dramaturge and coach, he is interested in incorporating new methods of dance training, composition and improvisation into the choreography processes, e.g. in a lecture performance Choreographing Books or in Visible Undercurrent (2014). He teaches at various universities and festivals in Europe and has helped developing a university program for contemporary dance in Berlin. After his field research to Moving the mirror (Warsaw 2016) and his solo piece Ponderosa Trilogy (Tanzhaus NRW 2014), in 2017 he was a guest at ImPuls Tanz Wien.

Caroline Alexander is a dancer and performing artist hailing from the U.S., living and working in Berlin. She has a degree in theater, dance, and performance studies from the University of California, Berkeley. In her own work, she deals with the space between person and persona and the blurred reality of reality. Caroline has worked and performed with a number of artists in the Bay Area and Berlin and this will be the third time performing with Peter Pleyer.

Aleksandra Borys studied at the CODARTS University of Arts / Rotterdam Dance Academy in Rotterdam and at the National Ballet School in Łódź,. She worked with choreographers and artists like Aitana Cordero Vico, Ugo Dehaes, Lia Haraki, Joanna Leśnierowska, Marysia Stokłosa, Marten Spangberg and Mimosa Moize. She was granted fellowships at the IMPACT 12 Symposium in PACT Zollverein in Essen, at danceWEB 2001/ at ImPuls Tanz Vienna, and at Tour d´Europe 2010/11. In 2010 she took part in a solo project commissioned by the Art Stations Foundation Poznan where her first chorographical solo piece Lost in Details was created. She was then invited to present it at Jardin Prix d´Europe (2011), at the eXplore Festival in Bucharest, and was chosen to be set on the Aerowaves Priority List in 2013 and for the Polish Dance Platform. In 2013 she was awarded a residency fellowship at Komuna Warszawa re//mix. In 2013/14 she was a fellow

of SPAZIO, a European network for young theatre makers.

Oliver Connew is a dancer and choreographer. He studied classical ballet at the New Zealand School of Dance and obtained his BA degree in Contemporary Dance at the Unitec (University of Technology), NZ. An equally important element of his dance education was his participation in the Berlin-SMASH program in 2013/14, among others with Peter Pleyer and Maria F. Scaroni. Recently he has worked as a performer in Alexa Wilson’s The Resistant Body, at the Entitle Conference in Stockholm and Space/Time Festival in Berlin. In 2016 he performed in Julian Weber‘s Constructing Ruins. He is currently working as a director and performer on the dance film Still Looking Good. He lives in Berlin.

Björn Ivan Ekemark is a dancer and producer from Berlin. He graduated from a circus school Escola de Circ Rogelio Rival and is currently a student of Contemporary Dance, Context and Choreography at HZT Berlin. As a performer he starred in different Julian Weber‘s productions and dances in the new production of Dewey Dell.

Michiel Keuper lives and works in Berlin. He studied Fashion Design at the Academy of Art ArtEZ in Arnhem/Netherlands. For many years his fashion label Keupr/van Bentm has presented its collections during the Paris

Fashion Week. His work has been published in various print and media publications. His own fashion projects are to be found in collections of various museums and were shown in the US, England, Japan, Italy and France. Apart from his work as a freelance designer for international forms, he also teaches design courses for BA and MA students in the Netherlands and in Germany. For quite some time now has been focusing more on fine arts and performance. He worked on dance performances as an art director for, among others, Marcio Kerber Canabarro (Tanztage Berlin 2013), Hanna Lee Erdman (MA SODA HZT Berlin), Sheena McGrandles (K3 Hamburg), Jeremy Wade (HAU Berlin) and Peter Pleyer (Visible Undercurrent, Sophiensaele 2014).

EMERGING FROM ACTIONMarysia Stokłosa20.10., 7:00 p.m.

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The purpose of this project is to develop an improvisation-based dance performance. It is supposed to invert the traditional order of preparing and presenting a piece. It begins with a performance which is followed by continuous shifts between studio work, reflection, feedback and public showings. It is a solo work filled with a constant exchange with the audience and collaborators from different fields: dance, visual arts and theatre.

40 public showings will take place in various spaces and are aimed at different numbers of spectators: from one to one hundred. A varying number of objects designed by Alicja Bielawska appear in the work in altering configurations. For Marysia Stokłosa — a choreographer and solo performer — showings act as a laboratory for the performance to emerge and transform. In 2015 Maria Stokłosa was invited by Meg Foley — a Philadelphia based choreographer — to take part in the development and performing of Action is Primary. This intense collaboration overseas inspired Marysia Stokłosa to take the practice of Meg Foley to her own environment and give it a new direction. Currently Meg and Marysia work separately continuing to develop their individual solo performances, regularly exchanging their findings online.

Emerging from Action never reaches a final form. Its transformations are powered by an ongoing

study of the elements: movement, image, objects, speech, emotion and relation with the spectator. The focus of the work spontaneously and intentionally shifts between these different areas, as so does the attention of the performer and the audience.

Marysia (Maria) Stokłosa — choreographer and dancer. She studied at the London Contemporary Dance School and at the School of New Dance Development (SNDO) in Amsterdam. She collaborates with many artists: Wojtek Ziemilski, Meg Foley, Magdalena Ptasznik, Marta Ziółek, Peter Pleyer, Maija Reeta Raumanni. In the past she also performed in works of such choreographers as Lisa Nelson, Sara Shelton Mann and Jeremy Wade. She worked on choreography for Paweł Mykietyn’s opera The Magic Mountain. Stokłosa is very active in the development of Warsaw experimental dance scene — as a teacher and initiator of various educational projects, as a leader of Burdag Foundation and as a co-creator of the collective of choreographers — Centrum w Ruchu (Center in Motion). She co-curated a series: Dance activism. Spaces for choreography at the MCK Nowy Teatr in Warsaw and was a leader of the program board at the Institute of Music and Dance in Poland.

DAUGHTERS OF LUSTZuzanna Ratajczyk feat. Eoghan Ryan20.10., 8:30 p.m.

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A text-led bent narrative perverting the medieval writings on desire of Thomas Aquinas with the daily instant. The duet embodies dynamics of the moshpit, as a way to question intimacy within a closed circuit of the institution.

Music: Vox Vulgaris Stella Splendens and Rókátanc, Anne Clark Our Darkness

Zuzanna Ratajczyk (born in Warsaw in 1989) based in Berlin. After receiving her BA in Dance, Context, Choreography at UdK/HZT Berlin and Contemporary Dance at ABPU Linz, she has been working on choreography and expanded performance. She was a recipient of Deutschlandstipendium in 2016 and 2015, the danceWEB Scholarship in 2015 and DOMS Stiftung in 2014. Her recent performances Daughters of Lust and Afternoon were recently shown at the FLAM festival, Arti et Amicitiae, Amsterdam, National Dance Center, Bucharest, Veem House for Performance, Amsterdam, KEM, Warsaw, Studio Theatre, Warsaw, Le Théâtre du Fil de l’Eau, Paris, Yvonne Lambert, Berlin — amongst others. She also holds workshops internationally, based on her artistic practice and dance background. Besides her own choreographic work she has recently performed and collaborated with Selina Grüter&Michèle Graf, Alexandra Pirici, Eoghan Ryan. Since 2015 she has been co-curating

Plural Melts, an intermittent events series at Yvonne Lambert, Berlin.

Eoghan Ryan (born Dublin, 1987) is an Irish artist currently based in Berlin. His work incorporates moving image, installation, text, sculpture and performance. Recent performances include IMMA in Dublin, Kem in Warsaw, BDP Press, Berlin and the Serralves Museum of Contemporary Art, Porto in collaboration with Jassem Hindi. Recent exhibitions include Catalyst Arts, Belfast and a solo show at Rowing, London. He has been awarded The Nina Stuart Artist in Residence at South London Gallery/Space studios 2013; the Artists International Development Fund 2014; the Critical Forum award at the Plastik. Festival of Artists’ Moving Image 2015; and is supported by the Arts Council Visual Arts Bursary in 2017.

DON’T GO FOR SECOND BEST, BABY!Ania Nowak21.10., 8:00 p.m.

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It is a choreography of support and emergence. Backup dancing is about bodies exercising their relation to the center, to one another and to choreography understood as a shared, spontaneous plan. This dance is made collectively out of many intersecting monologues, yet its principle is accompaniment. What does it mean to accompany when the center is missing? How do we practice companionship through dance or take care of another person’s dance?This work approaches improvisation as a strategy of resistance against the politics of command and hierarchies. Bodies moving in the background insist on dance’s ability to create formats of being and thinking which extend beyond the periphery.A production by Ania Nowak. Funded by the Senatsverwaltung für Kultur und Europa. Kindly supported by the Polish Institute Berlin and the Adam Mickiewicz Institute. Thanks to HZT Berlin. The first version of the piece was produced by Art Stations Foundation by Grażyna Kulczyk in the frame of Solo Projekt Plus 2016.

Concept, choreography: Ania Nowak Dance: Julek Kreutzer, Julia Plawgo Dramaturgical assistance: Mateusz Szymanówka, Julia Rodriguez Light: Łukasz Kędzierski, Cathy Walsh Costume: Melanie Jame Wolf Remix: Jayson Patterson Artistic coaching: Bush Hartshorn

Ania Nowak’s choreographic practice approaches sensuality and ambiguity as ways towards reimagining what bodies and language can do. She is currently interested in love as a strategy of producing knowledge and in companionship as a dance making tool. Her works have been presented at Sophiesaele and AdK in Berlin, Het Veem in Amsterdam, Nowy Teatr in Warsaw, Arts Stations Foundation in Poznań and Arts Santa Mónica in Barcelona, a.o. Ania Nowak received Einstiegsförderung 2017 from the Berliner Senat as well as danceWeb scholarship at ImPuls Tanz Festival 2014 in Vienna. She graduated from Dance, Context, Choreography at HZT Berlin.

Julek Kreutzer born in Berlin in 1992, grew up south of the river. She started to dance out of boredom and necessity, which led her to studying choreography at the HTZ Berlin. Since graduation Julek Kreutzer has been developing her communication skills, performing and also composing movement for children and adults. In her spare time she writes gloomy poetry on a typewriter and dreams of the equator.

Julia Plawgo works with dance and choreography as a survival strategy. She studied at HZT Berlin, works mainly with friends, and her favourite pop songs are Gypsy Woman (She’s Homeless) by Crystal Waters and You Keep Me Hangin’ On by Kim Wilde.

MOTHERS OF STEELAgata Siniarska & Mădălina Dan22.10., 8:00 p.m.

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Imagine the near future of two entities, artificial emotionalities — Fembot A.E. and Omnipresence — that proclaim their own state of matter. They are made of steel … Mothers of Steel. Altering historical facts with future narratives, they travel back and forth in time with the help of human genetics and impersonations from origins to ends, from wires to flesh, from data to memory, from face to interface. Mourning emotional identification with their long gone countries Poland and Romania, they claim a state of their own. A state where territories and female powers are boundless.This project is an investigation into the phenomenology of tears that touches upon many themes — memory, history, death, happiness, fragility, innocence, strength, futuristic ontologies, etc. It puts into questions the social and cultural mechanisms related to public and private display of emotions. Contrasting personal statements with iconic scenes of crying in Eastern European context, it examines how emotions are manifested in different situations, and why we do (or do not) express them publicly. Within narratives concerning our biopolitics — cultural/national/emotional identities — the project approaches today’s post-bodies/technological paradigms and is an attempt at entangling the personal with the artificial.

Concept and performance: Mădălina Dan, Agata Siniarska Dramaturgical assistance: Mila Pavicevic, Siegmar Zacharias Sound, video, graphic design: Diego Agulló Production: Art Stations Foundation by Grażyna Kulczyk Coproduction: Konfrontacje Teatralne (Lublin), Fabrik Potsdam, Alfred ve Dvore (Prague)

Mădălina Dan, maker and facilitator, studied at the Choreography School in Bucharest and in the choreography department of the National University of Theatre and Film, where she also received her Masters degree in Playwriting. She was a member of the Oleg Danovski Ballet Company from 1998 till 2003. She was an invited artist to the Herberger Institute, School of Dance (Arizona State University) in 2009 and in 2008 she received the danceWEB scholarship in Vienna. She studied at HZT in the MA program Solo/Dance/Authorship (2014 –2016). Along the years, she has been an active member of the contemporary dance community in Romania, at the National Dance Centre in Bucharest, teaching and developing educational and social programs. In 2015 she received a CNDB award for her contribution brought to the development in contemporary art in Romania. Works by Mădălina Dan have been shown at Springdance Festival Utrecht, Tanzquartier Wien, Balkan Dance Platform-Novi Sad, eXplore Dance Festival-Bucharest, Temps d’Images-Cluj, SouthBank Center & Chisenhale Dance Space-London, Fabrik Potsdam, Hebbel am Ufer- Berlin, TanzFabrik Berlin, Dance Theater Workshop-

New York, Firkin Crane-Cork, Alta Theater-Prague and others. Latest collaborations together with: Sergiu Matis, Agata Siniarska, Tahni Holt, Mihaela Dancs, Alexandra Pirici.

Agata Siniarska constructs her art works within formats of performances, events, practices, lectures, videos and others. Having given different kinds of theatrical forms a chance, having studied choreography, currently she devises feminist fun studies and cultivates her yearnings for language and writing, cinema and animation in the scope of her practices. She is a founding member of female trouble — a friendship based collective revolving around identity, body, feminism, pleasure, affirmation and love. Addicted to fiction, she conducts her investigations, fashioning herself as a tool of rhetoric, through the cultural structures inscribed to her. Every action she takes, fueled by the energy of profound theoretical hesitancy, she approaches with passion and intense fascination, acting often not alone but in the company of many exquisite adventurers.

Since even in the mythical East contemporary dance is Western for some time now, it may seem that nationality is just an abbreviation that dance professionals put in brackets right after their names. But is it only that? The panel discussion on the last day of UN/POLISHED 2 will be dedicated to considering the ways in which the notion of ‘national’ can shape inter/national dance scene(s).If we assume that one can talk about the center and peripheries in today’ international

PANEL DISCUSSION: WHO’S INTER/NATIONAL?22.10., 5:00 p.m.Participants: Ricardo Carmona (HAU Berlin/dance curator from Portugal), Manuel Pelmus (choreographer and visual artist from Romania), Agata Siniarska (stubborn dancer, theory-practice lover, aliens believer from Poland), Ana Vujanović (researcher, writer and dramaturge from Serbia). Host: Kirsten Maar (theatre and dance scholar from Germany)

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contemporary dance context, then what is the geography of these places? How does the first- and second-hand knowledge circulate within them? Is that what is happening on the outskirts of the prominent European dance capitals of interest or is the transmission of concepts and discourses only unilateral? What is the connection between dance and the construction of national identity? How can the nationality of dance be itself negotiated? And can a national scene emerge as something appealing to the art market?

The talk will be held in English.

Beim vergangenen UN/POLISHED im sonnigen August 2016, hatte eine Gruppe in Berlin lebender Künstler*innen für ein Wochenende das DOCK 11 eingenommen, um das ‘Nationale’ zurück ins Internationale zu führen. Moderner Tanz, postmoderner Tanz, Tanztheater, 90er-Jahre Nicht-Tanz’ und ‘Post-Internet-Tanz, der aussieht wie der Snapchat-Account deiner kleinen Schwester... sie alle sind nun polnisch. Die Zukunft scheint blank pol(on)iert... UN/POLISHED 2 ist ein fünftägiger Crash-Kurs darin, wie man trotz besonders knappem Budget zu nationaler Größe kommt. Einmal mehr wird das DOCK 11 von einer Gruppe in Berlin lebender Pol*innen vereinnahmt – dieses Mal mit Beiträgen ihrer in Warschau lebenden Kolleg*innen und internationalen Freunde. Noch immer vereint in diesen ziemlich rauen Zeiten. Das diesjährige Festival nimmt die inter/nationale Identität des Tanzes unter die Lupe. Ist es relevant, über den heutigen Tanz im Kontext von Zentrum und Peripherie zu sprechen? Wenn ja, wo liegt der Ursprung seiner Gegenwärtigkeit und ist Tanz aus den Randbezirken wie die Fälschung einer Designertasche?Im Programm wird unter anderem um die Vergangenheit getrauert, ein Spiegel bewegt, eine virtuose Amöbe vorgestellt, und ein bisschen Action mit einer Reitgerte wird es ebenfalls geben... FEST

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● MI 18.10.

19:00 TOTAL Paweł Sakowicz

20:30 Raw Light Anna Nowicka

● DO 19.10.

20:00 Moving the mirror Peter Pleyer

● FR 20.10. 

19:00 Emerging from Action Marysia Stokłosa 20:30 Daughters of Lust Zuzanna Ratajczyk feat. Eoghan Ryan

● SA 21.10.

20:00 Don’t Go For Second Best, Baby! Ania Nowak

● SO 22.10. 

17:00 Podiumsdiskussion: Who’s inter/national? Teilnehmer*innen: Ricardo Carmona (HAU Berlin/ Tanzkurator aus Portugal), Manuel Pelmus (Choreograph und bildender Künstler aus Rumänien), Agata Siniarska (sture Tänzerin aus Polen, Liebhaberin von theoretischer Praxis, glaubt an Aliens), Ana Vujanović (Forscherin, Autorin und Dramaturgin aus Serbien). Moderatorin: Kirsten Maar (Theater- und Tanzwissenschaftlerin aus Deutschland)

20:00 Mothers of Steel Agata Siniarksa & Mădălina Dan

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TOTALPaweł Sakowicz18.10., 19:00

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photo by Dawid Grzelak

Über die Virtuosität im Tanz zu spekulieren, ist eine Form der Reflektion, die auf Erfahrung beruhen kann, aber nicht unbedingt empirisch nachweisbar ist. Der Zweck einer solchen Spekulation soll die Ausarbeitung einer idealen Vorstellung von Kunstfertigkeit im Tanz sein, indem auf vorhersehbare ökonomische, politische und meta-humanistische Veränderungen zurückgegriffen wird. Die Risikobereitschaft zu radikalen Szenarien über die Politik der Begierde ist ein charakteristischer Bestandteil der Spekulation über tänzerische Virtuosität. Choreographie, Text und Performance: Paweł Sakowicz Künstlerisches Coaching: Dalija Aćin Thelander Technische Umsetzung und Licht: Łukasz Kędzierski Produktion: Art Stations Foundation von Grażyna Kulczyk (entwickelt als Teil der Solo Projekt Plus 2015 – Künstlerresidenz der Art Stations Foundation)

Paweł Sakowicz ist Choreograph und Tänzer. Er schloss ein Studium der Politikwissenschaften an der Universität Warschau ab und absolvierte einen Master in Performance und Choreographie an der London Contemporary Dance School. Seine Arbeiten Bernhard und TOTAL waren zur Polish Dance Platform eingeladen (jeweils mit den Versionen von 2014 und 2017). Er arbeitete mit zahlreichen Choreographen und visuellen Künstler*innen zusammen und choreographierte selbst viele Theaterproduktionen. Er erhielt eine lobende

Erwähnung auf dem 22. Nationalen Wettbewerb für zeitgenössisches polnisches Theater und 2017 das danceWeb-Stipendium. 2016 wurde er außerdem für den Paszport Polityki Preis in der Kategorie Theater nominiert.

RAW LIGHTAnna Nowicka18.10., 20:30

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photo by Katarzyna Szugajew

Das Stück resultiert aus dem starken Wunsch Anna Nowickas allein auf der Bühne zu sein und jene Themen umzusetzen, die sie in den letzten sechs Jahren untersucht hat: Aufmerksamkeit, Träume und Vorstellungskraft. Raw Light ist eine spürbare, physische, aufsehenerregende Solo-Reise eines Körpers. Der flüchtige Versuch, eine sich ständig verändernde Erfahrung in Form zu bringen und eine Flut aus flimmernden Bildern zu erschaffen. Es ist die unmittelbare Präsenz eines flüssigen, vielschichtigen, kaleidoskopartigen Körpers, der im Zwielicht zwischen dem Realen und dem Imaginären, dem Gefühlten und dem Geträumten tanzt und auf mutige Weise auf das Ungesehene und Unbekannte verweist. Die Zunge, die Augen und die Glieder werden ausgestreckt, um Licht einzufangen.

Konzept, Choreographie, Performance: Anna Nowicka Licht: Aleksandr Prowaliński Musik: Klaus Janek

Anna Nowicka ist Choreographin und Tänzerin. Sie verfügt über Abschlüsse der Salzburg Experimental Academy of Dance (SEAD) und der Universität Warschau. Außerdem absol-vierte sie einen MA in Choreographie der HfS Ernst Busch in Berlin und des polnischen Ministeriums für Lehrer für Zeitgenössischen Tanz. Ausgehend von ihrem Interesse an Träumen, der Vorstellungskraft und physi-schen Aktionen, hat sie in den letzten Jahren damit begonnen eine Methodologie zu entwi-

ckeln, die beim künstlerischen Schaffen ange-wendet werden kann. Sie konzentriert sich auf Fragen der Imagination und Kreativität und der Macht von Bildern, die es ermöglichen, den Körper so zu erweitern, dass sein transforma-tives Potenzial ausgeschöpft wird. Lange un-terrichtete sie ihre eigene Tanzpraxis in der Tanzfabrik Berlin und im Rahmen des perfor-mativen Programms S.M.A.S.H. 2011 wurde sie für ihre Leistungen mit dem DAAD-Preis aus-gezeichnet, ein Choreographie-Stipendium der Studienstiftung des deutschen Volkes folgte. Ihre Performance fire is raging in your hair wur-de 2012 als beste Arbeit beim 100Grad-Festival im HAU Berlin ausgezeichnet und ihre Solo-Arbeit the truth is just a plain picture. said bob. wurde für die Polish Dance Platform, das Fringe-Festival in Edinburgh, und die polnisch-israe-lische Dance Platform in Tel Aviv ausgewählt. Anna Nowicka war Stipendiatin des danceWEBs (2012). Sie erhielt auch ein Tanzstipendium der Stadt Berlin und die Wild Card / Jardin d’Euro-pe Residenz der WASP Studios. Sie wurde als eine von zehn Teilnehmer*innen des PAP-LEFT-Mentoringprogramms ausgewählt. Aktuell pro-moviert sie an der Fakultät für Schauspiel an der Polnischen Filmschule in Łódź und arbei-tet praxisbezogen an der School of Images of Catherine Shainberg in New York, wo sie ihre Arbeit über das Träumen zusammen mit Bonnie Buckner weiter vertieft. Sie lebt und arbeitet in Berlin und Warschau.

MOVING THE MIRRORPeter Pleyer19.10., 20:00

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Das Projekt Moving the mirror schaut sich die Entwicklungen des modernen Tanzes in Polen und Berlin an. Der Fokus liegt dabei auf den Demokratisierungsprozessen seit den späten 1990er Jahren und die immer stärker werdende Beziehung zwischen den beiden Ländern. Wo liegt die Quelle der Energie, mit der junge Künstler*innen aus Polen und Berlin ihre Projekte initiieren, die oft durch feministische, queere, utopische und politische Fragen motiviert sind? Mit der sie den status quo von etablierten Strukturen hinterfragen und die es ihnen ermöglicht, neue Visionen zu entwickeln, um diese Strukturen zu verändern? Seit Mitte der 1990er Jahre verfolgt Peter Pleyer als Performer und Lehrer die lange Geschichte der Entwicklung des modernen Tanzes in Polen. In dieser Zeit konnte er die Veränderungen der polnischen Tanzszene beobachten, von autoritären Choreographie-Strukturen mit traditionellen Tanztechniken bis hin zu mehr egalitären und demokratischen Arbeitsmethoden. In diesen wurde durch die Art der Material- und Kompositionskreation, sowie durch Gender-Fragen und Institutionskritik der Bereich der Choreographie, der Forschung und der Performance wiederbelebt. Moving the mirror reflektiert diese Veränderungen in eine Zusammenarbeit

von polnischen und in Berlin lebenden Künstler*innen.

Künstlerischer Leiter, Choreograph: Peter Pleyer Tanz: Caroline Alexander, Aleksanda Borys, Oliver Connew, Ivan Ekemark, Anna Nowicka, Paweł Sakowicz, Marysia Stokłosa Art Direction: Michiel Keuper  Kuratorinnen: Joanna Leśnierowska (Art Stations Foundation), Agnieszka Sosnowska (CSW Zamek Ujazdowski) Koordinatorin: Joanna Manecka

Peter Pleyer studierte am European Dance Development Centre (EDDC) in Arnheim. Er arbeitete als Tänzer und choreographischer Assistent mit Yoshiko Chuma und Mark Tompkins. Seit 2000 lebt er in Berlin. Von 2007 bis 2014 war er künstlerischer Leiter der Tanztage Berlin und von 2012 bis 2014 Mitarbeiter im Team der Sophiensæle. Sein Interesse als Choreograph und Performer sowie als Dramaturg und Coach liegt darin, neue Methoden des Tanztrainings, der Komposition und Improvisation in choreographische Prozesse zu integrieren, wie z. B. in der Lecture-Performance Choreographing Books oder in Visible Undercurrent (2014). Er unterrichtet an verschiedenen Hochschulen und Festivals in Europa und half in Berlin beim Aufbau eines Hochschulstudiums für zeitgenössischen Tanz. Nach seiner Feldforschung zu Moving the mirror (Warschau 2016) und seinem Solo Ponderosa Trilogy (Tanzhaus NRW 2014) ist er 2017 Gast bei ImPuls Tanz Wien.

Caroline Alexander, Tänzerin und Performerin aus den USA, lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte Theater, Tanz und Performance Studies an der University of California in Berkeley. In ihrer Arbeit beschäftigt sie sich mit dem Raum zwischen Person und Persona und der verschwommenen Realität von Wirklichkeit. Caroline arbeitete und performte mit zahlreichen Künstler*innen in der Bay Area und Berlin. Dies ist ihre dritte Arbeit mit Peter Pleyer.

Aleksandra Borys studierte an der CODARTS Universität der Künste / Rotterdam Dance Academy in Rotterdam sowie an der Nationalen Ballettschule in Łódź. Sie arbeitete mit Choreograph*innen und Künstler*innen wie Aitana Cordero Vico, Ugo Dehaes, Lia Haraki, Joanna Lesnierowska, Marysia Stoklosa, Marten Spangberg und Mimosa Moize. Sie war Stipendiatin beim IMPACT 12 Symposium beim PACT Zollverein in Essen, bei danceWEB 2001/ ImPuls Tanz Wien und bei Tour d‘Europe 2010/11. 2010 nahm sie am Solo Projekt der Art Stations Foundation in Poznań teil. Hier entstand ihre erste choreographische Solo-Arbeit Lost in Details, die 2011 zum Jardin Prix d´Europe sowie zum eXplore Festival in Bukarest eingeladen und 2013 für die Aerowaves Priority Liste und die Polnische Tanzplattform ausgewählt wurde. 2013 hatte sie eine Residenz bei re//mix der Komuna Warszawa; 2013/14 war sie Stipendiatin bei

SPAZIO, einem europäischen Netzwerk für junge Tanzschaffende.

Oliver Connew ist Tänzer und Choreograph, der seine Ausbildung im Klassischen Ballett an der New Zealand School of Dance und seinen Bachelor in Zeitgenössischem Tanz an der Unitec University of Technology, NZ, abgeschlossen hat. Des Weiteren war seine Teinahme am SMASH-Berlin Programm 2013/14 u.a. mit Peter Pleyer and Maria F. Scaroni ein wichtiger Bestandteil seiner Tanzausbildung. Zuletzt arbeitete er als Performer in Alexa Wilsons The Resistant Body, in der Entitle Conference in Stockholm und im Space/Time Festival in Berlin. Ende 2016 performte er außerdem in Julian Webers Constructing Ruins. Zur Zeit arbeitet er als Regisseur und Performer an dem Tanzfilm Still Looking Good. Oliver Connew lebt in Berlin.

Björn Ivan Ekemark ist Tänzer und Produzent aus Berlin. Er hat einen Abschluss der Zirkusschule Escola de Circ Rogelio Rival und studiert zur Zeit Zeitgenössischen Tanz, Kontext und Choreographie am HZT Berlin. Er hat als Performer in verschiedenen Produktionen von Julian Weber gearbeitet und ist Tänzer in der neuen Produktion von Dewey Dell.

Michiel Keuper lebt und arbeitet in Berlin. Er studierte Fashion Design an der Hochschule der Künste ArtEZ in Arnhem/Niederlanden. Mit seinem Fashion Label Keupr/van Bentm präsentierte er mehrere Jahre Kollektionen während der Pariser Fashion Week. Seine Arbeit wurde international in verschiedenen Print- und Media-Publikationen veröffentlicht. Seine eigenen Modeentwürfe sind in Sammlungen verschiedener Museen ausgestellt und wurden in den USA, England, Japan, Italien und Frankreich gezeigt. Neben seiner Arbeit als freiberuflicher Designer unterrichtete er Design für Bachelor und Master Studierende in den Niederlanden und in Deutschland. Seit einigen Jahren arbeitet er verstärkt im Bereich der Bildenden Kunst und Performance. Als Art Director war er für Tanzperformances u.a. von Marcio Kerber Canabarro (Tanztage Berlin 2013), Hanna Lee Erdman (MA SODA HZT Berlin), Sheena McGrandles (K3 Hamburg), sowie von Jeremy Wade (HAU Berlin) und Peter Pleyer (Visible Undercurrent, Sophiensaele 2014) tätig.

EMERGING FROM ACTIONMarysia Stokłosa20.10., 19:00

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40 öffentliche Auftritte finden an unterschiedlichen Spielorten vor einer variierenden Publikumszahl zwischen eins und einhundert statt. Eine wechselnde Zahl an Objekten, entworfen von Alicja Bielawska, tauchen in sich wandelnden Konstellationen auf. Die Auftritte dienen Choreographin und Solo-Performerin Marysia Stokłosa als Labor für die Entwicklung und Umsetzung ihrer Arbeit. 2015 war Marysia Stokłosa auf Einladung der Choreographin Meg Foley aus Philadelphia Teil der Entwicklung und Aufführung von Action is Primary. Diese intensive Zusammenarbeit in Übersee inspirierte Marysia Stokłosa dazu, Meg Foleys Praxis in ihr eigenes Umfeld zu integrieren und ihr eine neue Richtung zu geben. Zurzeit arbeiten Meg und Marysia unabhängig voneinander an individuellen Solo-Projekten, tauschen sich aber regelmäßig online über ihre Ergebnisse aus.

Emerging from Action wird nie eine endgültige Form erreichen. Der Antrieb zur stetigen Transformation ist die kontinuierliche Beobachtung der Elemente von Bewegung, Abbildung, Objekten, Sprechakt und der Beziehung zu den Zuschauenden. Sowohl die spontanen und gewollten Wechsel zwischen den verschiedenen Bereichen als auch die Aufmerksamkeit der Performerin und des Publikums stehen im Mittelpunkt der Arbeit.

Marysia (Maria) Stokłosa ist Choreographin und Tänzerin. Sie studierte an der London Contemporary Dance School und an der School of New Dance Development (SNDO) in Amsterdam. Sie arbeitet in Kollaboration mit zahlreichen Künstler*innen: Wojtek Ziemilski, Meg Foley, Magdalena Ptasznik, Marta Ziółek, Peter Pleyer und Maija Reeta Raumanni. Außerdem war sie in den Arbeiten der Choreograph*innen Lisa Nelson, Sara Shelton Mann und Jeremy Wade zu sehen. Sie choreographierte Paweł Mykietyns Oper Der Zauberberg. Als Lehrerin und Initiatorin verschiedener pädagogischer Projekte, als Leiterin der Burdag Stiftung und als Mitbegründerin des Tanzkollektivs Centrum w Ruchu (Zentrum in Bewegung) ist Marysia Stokłosa ein aktives Mitglied der experimentellen Tanzszene in Warschau. Sie war Ko-Kuratorin der Serie Dance activism. Spaces for choreography am MCK Nowy Theater in Warschau und leitete die Programmabteilung des Polnischen Instituts für Musik und Tanz.

DAUGHTERS OF LUSTZuzanna Ratajczyk feat. Eoghan Ryan20.10., 20:30

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Eine Text geführte, gebogene Erzählung, die die mittelalterlichen Schriften Thomas Aquins über die Begierde des täglichen Augenblicks auf die Spitze treibt. Das Duett verkörpert Dynamiken des Mosh Pits, um Intimität innerhalb geschlossener, institutioneller Kreisläufe zu hinterfragen.

Musik: Vox Vulgaris Stella Splendens und Rókátanc, Anne Clark Our Darkness

Zuzanna Ratajczyk (geb. 1989 in Warschau) lebt in Berlin. Nach ihren Studien Tanz, Kontext, Choreographie an der UdK/HZT Berlin und Zeitgenössischer Tanz an der ABPU in Linz arbeitet sie in den Bereichen Choreographie und erweiterte Performance. 2016 erhielt sie das Deutschlandstipendium, 2015 das danceWeb Stipendium sowie 2014 das Stipendium der DOMS Stiftung.Ihre jüngsten Performances Daughters of Lust und Afternoon zeigte sie u.a. beim FLAM Festival, Arti et Amicitiae, Amsterdam, National Dance Center, Bucharest, Veem House for Performance, Amsterdam, Kem, Warschau, im Theater Studio in Warschau, Le Théâtre du Fil de l’Eau, Paris und im Yvonne Lambert, Berlin. Auf Grundlage ihrer künstlerischen Praxis und ihres tänzerischen Hintergrunds gibt sie außerdem internationale Workshops. Neben ihrer eigenen Choreographischen Arbeit performte und arbeitete sie zuletzt mit Selina

Grüter&Michèle Graf, Alexandra Pirici und Eoghan Ryan zusammen. Seit 2015 ist sie Ko-Kuratorin von Plural Melts, einer unregelmäßigen Veranstaltungsreihe im Yvonne Lambert, Berlin.

Eoghan Ryan (geb. in Dublin, 1987) ist ein irischer in Berlin lebender Künstler. In seinen Arbeiten benutzt er bewegte Bilder, Installationen, Text, Skulpturen und Performance. Zuletzt performte er u.a. bei der IMMA in Dublin, im Kem in Warschau, beim BDP Press in Berlin und im Serralves Museum of Contemporary Art in Porto zusammen mit Jassem Hindi. Letzte Ausstellungen waren u.a. bei Catalyst Arts, Belfast und eine Solo-Show im Rowing, London. 2013 war er Artist in Residence des Nina Stuart Programms der South London Gallery/Space studios. 2014 wurde er vom Artists International Development Fund ausgezeichnet; 2015 mit dem Preis des Critical Forum beim Plastik Festival of Artists’ Moving Image. 2017 ist er Stipendiat der Arts Council Visual Arts.

DON’T GO FOR SECOND BEST, BABY!Ania Nowak21.10., 20:00

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Zweite Reihe war gestern! Hintergrundtänzer*innen stehen für Unterstützung, Spontanität und Gemeinschaft. Ihre Choreographie besteht aus vielen, sich überkreuzenden Soli, die begleitend auf ein Zentrum ausgerichtet sind. Doch was pas-siert, wenn dieses Zentrum, auf das sich ihre Choreographie bezieht, fehlt? Wie verändert sich ihr Verhältnis zueinander? Don’t Go for Second Best, Baby! nähert sich der Improvisation als Strategie des Widerstands gegen Hörigkeit und Hierarchien, schafft neue Formen des Seins und Denkens und sieht diesen kollektiven Tanz überall — nur nicht im Abseits.Konzept, Choreographie: Ania Nowak Tanz: Julek Kreutzer, Julia Plawgo  Dramaturgische Begleitung: Mateusz Szymanówka, Julia Rodriguez  Licht: Łukasz Kędzierki, Cathy Walsh  Kostüm: Melanie Jame Wolf  Remix: Jayson Patterson

Eine Produktion von Ania Nowak. Gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa. Freundlich unterstützt durch das Polnische Institut Berlin und das Adam Mickiewicz Institut. Vielen Dank an das HZT Berlin. Die erste Ausgabe des Stückes wurde im Rahmen von Solo Projekt Plus 2016 durch die Art Stations Foundation von Grażyna Kulczyk produ-ziert. Künstlerischer Coach: Bush Hartshorn

Ania Nowak findet über Sinnlichkeit und Mehrdeutigkeit neue Wege in ihrer choreogra-phischen Arbeit, hin zu dem, was Körper und

Sprache leisten können. Aktuell untersucht sie Liebe als Strategie zur Wissensproduktion und als Werkzeug in der tänzerischen Praxis. Ihre Arbeiten waren u.a. in den Sophiensaelen und in der AdK in Berlin, im Het Veem in Amsterdam, im Nowy Theater in Warschau, bei der Arts Stations Foundation in Poznań und bei der Arts Santa Monica in Barcelona zu sehen. 2017 er-hielt Ania Nowak die Einstiegsförderung des Berliner Senats und 2014 das danceWeb-Stipen-dium von ImPuls Tanz Wien. Sie ist Absolventin des Studiengangs Tanz, Kontext, Choreographie des HZT Berlin.

Julek Kreutzer ist 1992 in Berlin gebo-ren und wuchs südlich des Flusses auf. Aus Langeweile und Not kam sie zum Tanz, was sie später dazu führte Choreographie am HZT in Berlin zu studieren. Seit ih-rem Abschluss hat Julek Kreutzer ihre Kommunikationsfähigkeiten, ihre Performances und ihre Bewegungskompositionen für Kinder und Erwachsene weiterentwickelt. In ihrer Freizeit schreibt sie düstere Poesie auf einer Schreibmaschine und träumt vom Äquator.

Julia Plawgo sieht Tanz und Choreographie als Überlebensstrategie. Sie studierte am HZT in Berlin, arbeitet hauptsächlich mit Freunden und ihre Lieblings Pop-Songs sind Gypsy Woman (She’s Homeless) by Crystal Waters and You Keep Me Hangin’ On by Kim Wilde.

MOTHERS OF STEELAgata Siniarska & Mădălina Dan22.10., 20:00

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Klageweiber treffen auf Fembots: In einem aus der Zeit gefallenen Raum beweinen Mădălina Dan und Agata Siniarska Erinnerungen ihrer Generation, aufgeladene Ereignisse nationaler Geschichte und Abgründe der gesamten patriarchalischen Geschichtsschreibung. Großes Gefühl, Slapstick oder Ironie? Wann und warum zeigen wir Gefühle öffentlich? Sind wir kulturell auf Ergriffenheit programmiert? Welche Tränen sind echt, welche manipulativ?Diese Performance erforscht die Phänomenologie der Tränen, die viele Themen berührt – Erinnerung, Geschichte, Tod, Glückseligkeit, Zerbrechlichkeit, Unschuld, Stärke. Sie hinterfragt die sozialen und kulturellen Mechanismen, die öffentlicher und privater Abbildung von Emotionen zu Grunde liegen. Anhand des Kontrastes zwischen persönlichen Darstellungen und ikonischen Szenen des Weinens in Osteuropa wird untersucht, wie sich Emotionen in verschiedenen Situationen manifestieren und warum wir sie (nicht) öffentlich ausdrücken. Innerhalb unserer biopolitischen Narrative – kultureller, nationaler, emotionaler Einheiten – nähert sich die Performance heutigen post-körperlichen/technologischen Modellen und deren Bestreben das Künstliche mit dem Persönlichen zu verflechten.

Konzept und Performance: Mădălina Dan, Agata Siniarska Dramaturgische Assistenz: Mila Pavicevic, Siegmar Zacharias Sound, Video, Grafik Design: Diego Agulló Produktion: Art Stations Foundation von Grażyna Kulczyk Koproduktion: Konfrontacje Teatralne (Lublin), Fabrik Potsdam, Alfred ve Dvore (Praga)

Mădălina Dan ist Kunstschaffende und -vermittlerin und studierte an der Hochschule für Choreographie in Bukarest und im Fachbereich Choreographie an der National University of Theatre and Film, wo sie auch ihren Master in dramatischem Schreiben absolvierte. Von 1998 bis 2003 war sie Mitglied der Ballett-Kompanie Oleg Danovski. 2009 war sie Gast des Herberger Instituts der School of Dance (Arizona State University) und 2008 Empfängerin des danceWeb-Stipendiums in Wien. Sie absolvierte den Studiengang Solo, Dance, Authorship am HZT in Berlin. Als Lehrerin und Initiatorin pädagogischer und sozialer Projekte am National Dance Centre in Bukarest war sie über die Jahre ein aktives Mitglied der zeitgenössischen Tanzszene Rumäniens. 2015 gewann sie den CNDB Award für ihren Beitrag zur Entwicklung zeitgenössischer Kunst in Rumänien. Mădălina Dan zeigte ihre Arbeiten u.a. beim Springdance Festival Utrecht, Tanzquartier Wien, Balkan Dance Platform-Novi Sad, eXplore Dance Festival-Bukarest, Temps d’Images-Cluj, SouthBank Center & Chisenhale Dance Space London, Fabrik Potsdam, Hebbel am Ufer Berlin, Tanzfabrik Berlin, Dance

Theatre Workshop-New York, Firkin Crane-Cork und am Alta Theater-Prague. Ihre jüngsten Kollaborationen entstanden mit Sergiu Matis, Agata Siniarska, Tahni Holt, Mihaela Dancs und Alexandra Pirici.

Agata Siniarska produziert ihre Arbeit u.a. in Formaten wie Performances, Events, Workshops, Lectures und Video. Nachdem sie sich in unterschiedlichen dramatischen Formen ausprobierte und ein Choreographiestudium absolvierte, betreibt sie aktuell im Rahmen ihrer künstlerischen Praxis feministische ‘Spaßstudien’ und folgt ihrer Sehnsucht nach Sprache und Schreiben, Kino und Animation. Sie ist Mitbegründerin des freundschaftlichen Kollektivs female trouble, das sich mit Identität, Körper, Feminismus, Lust, Affirmation und Liebe auseinandersetzt. Der Fiktion verfallen, untersucht sie mit Hilfe ihrer selbst als rhetorisches Werkzeuge in sie selbst eingeschriebene kulturelle Muster. Nie agiert sie allein, sondern immer begleitet von vielen exquisiten Abenteurer*innen.

Das Podiumsgespräch am letzten Tag des Festivals UN/POLISHED 2 setzt sich damit auseinander, wie der Begriff des ‘Nationalen’ Einfluss auf die internationale(n) Tanzszene(n) hat. Der zeitgenössische Tanz im lange mystischen Osten ist schon seit einiger Zeit westlich. Es wirkt, als ob Nationalität nur eine Abkürzung sei, die professionelle Tänzer*innen hinter ihren Namen in Klammern setzen. Aber ist es wirklich so?

PODIUMSGES-PRÄCH: WHO’S INTER/NATIONAL?22.10., 17:00Teilnehmer*innen: Ricardo Carmona (HAU Berlin/ Tanzkurator aus Portugal), Manuel Pelmus (Choreograph und bildender Künstler aus Rumänien), Agata Siniarska (sture Tänzerin aus Polen, Liebhaberin von theoretischer Praxis, glaubt an Aliens), Ana Vujanović (Forscherin, Autorin und Dramaturgin aus Serbien). Moderatorin: Kirsten Maar (Theater- und Tanzwissenschaftlerin aus Deutschland)

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Wenn wir annehmen, dass vom Zentrum und Peripherie im heutigen Tanz-Kontext gesprochen werden kann, wie sieht dann die Geographie dieser Orte aus? Wie zirkuliert darin das Wissen aus erster und zweiter Hand? Ist das, was in den Randbezirken der wichtigen europäischen Tanzstädte passiert, interessant, oder ist die Übertragung von Konzepten und Diskursen nur einseitig? Was ist die Verbindung zwischen Tanz und der Konstruktion einer nationalen Identität? Wie kann die Nationalität des Tanzes verhandelt werden? Und kann eine nationale Szene als etwas entstehen, das für den Kunstmarkt attraktiv ist?