WRONG MAGAZINEIRENE CRUZ - SIXO - JOSÉ DAVIZ LANZA - COLORED STRONG

MÉLIÈS - WRONG BOOKS - WRONG MUSIC

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Director FERNANDO SUÁREZ, directora de arte ANTÍA CEDRÓN,

director de fotografía ADOLFO PÉREZ, webmaster GONZALO BARRAL,

publicidad FERNANDO SUÁREZ y JOFFREY COZART, maquetación JOSÉ

RIERA y ANTÍA CEDRÓN, diseño gráfico AMAIA CARREIRA, redactor

jefe arte y cultura XANDRE RODRÍGUEZ, redactor jefe música

ERNESTO MARTÍNEZ, redactores CELIA ÁLVAREZ, MARÍA CONDADO,

CAROLINA CADENAS PAZOS, RUBÉN SALGUEIROS, LUÍS LÓPEZ, MAXI

GARCÍA, MARÍA PAZ CABALLERO, ALEJANDRO SILVA.

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FOTÓGRAFOS Marnix Postma ESTILISTAS Dieudonnee Bouwman

HAIR Alexandra Leijs AGRADECIMIENTOS Melle@ IAmELK agency.

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EDITO

SI EL AVANCE DEL OTOÑO OS HA HECHO CAER DE NUEVO EN LA RUTINA, ESPERAD A VER EL NÚMERO QUE OS HEMOS PREPARADO.

WRONG HA VUELTO A LA FRESH GALLERY CON MOTIVO DE LA EXPOSICIÓN DE DAVID DELFIN EN LA GALERÍA MADRILEÑA. UNA FANTÁSTICA OCASIÓN PARA RECUPERAR AL DAVID DELFIN MÁS LIGADO A SU FACETA DE DISEÑADOR GRÁFICO, LLEGANDO A ILUSTRAR INVITACIONES, PORTADAS DE DISCOS O SUS PROPIAS COLECCIONES DE MODA.

ADEMÁS, RENDIMOS HOMENAJE A GEORGES MÉLIÈS, ESE ARTISTA TOTAL Y PRECURSOR DE LOS EFECTOS ESPECIALES Y EL CINE FANTÁSTICO QUE TANTO NOS HA HECHO SOÑAR.

DESCUBRIRÉIS UNO DE LOS LIBROS IMPRESCINDIBLES DEL AÑO ENTRE UNA SELECCIÓN QUE TAMBIÉN CUENTA CON LAS ÚLTIMAS NOVEDADES DE MARTIN PARR, ELIZABETH PEYTON O JUERGEN TELLER, CON QUIEN ESTUVIMOS EN PARIS.

POR SI ESTO FUERA POCO, CONOCERÉIS LOS FANTÁSTICOS DISEÑOS DEL ILUSTRADOR Y TATUADOR SIXO SANTOS, LAS FOTOGRAFÍAS DEL (GRAN) CHRIS KILLIP O LA ÚLTIMA EXPOSICIÓN CONSAGRADA A JEAN COCTEAU.

TODO ESTO Y MUCHO MÁS OS ESPERA YA!

WRONG Staff

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EL CINE SEGÚN JEAN COCTEAU

Texto: maría condado

Fotos: la cinémathèque française

Este año, el mes de octubre se ha presentado con unos aires verdaderamente cinéfilos. A la sonada visita de David Lynch a Madrid con motivo del Festival Rizoma, se le suman las jornadas con entrada reducida a los cines, jornadas que han sido un auténtico éxito y que demuestran que la sociedad sigue interesada en el cine (y la cultura en general), aunque a muchos les pese. Y es que, cine, teatro, artes plásticas, poesía y moda son diferentes facetas de un todo que es el Arte con mayúsculas. El francés Jean Cocteau (1889-1965) es uno de los mejores representantes

de este concepto heterogéneo del Arte, por lo que se hacía necesaria una exposición que tratase su figura. Pues bien, desde la Cinémathèque Française nos proponen una revisión del multidisciplinar artista, centrándose como no podía ser de otra manera en el ámbito del cine. Sin embargo, la exposición no resulta incompleta, ya que ofrece una mirada global hacia el cine de Cocteau, gracias a la que se trasluce su pasión por la poesía, por el teatro y por el diseño. Bajo el nombre de ‘’Jean Cocteau et le Cinématographe’’ (hasta el 9 de febrero de 2014) podemos acercarnos al universo fílmico del cineasta francés, ya que desde la Cinémathéque han realizado un gran esfuerzo de recolección de datos y documentos como guiones, dibujos, fotografías y correspondencia.

El año 1929 supuso un punto de inflexión para la trayectoria de Cocteau, ya que fue en ese momento cuando decidió embarcarse en su primer proyecto cinematográfico. Para él, el cine era el símbolo de la rapidez por excelencia, de la velocidad que estaba tomando la vida de la sociedad europea. Asimismo, Jean Cocteau entendía el cine como el medio ideal para mostrar al mundo su visión unitaria del Arte, en una miscelánea de géneros que convirtieron sus películas en verdaderas joyas de la Historia del Cine. De hecho, desde la crítica cinematográfica se ha señalado que Cocteau se encuentra a la altura de otros directores de cine como Luis

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ARTE Y CULTURA

Buñuel o Eisenstein (uno de sus mejores amigos y quien le hizo interesarse por el mundo del cine). Sin embargo, el francés se caracteriza por dar otra concepción estética a sus películas, en las que predomina una visión poética y unitaria, a partir de la cual hallar la Belleza de la imagen en movimiento, tal y como podemos comprobar en ‘’Le sang d’un poète’’ (su primera película) o ‘’Testament d’Orphée’’.

Cocteau se enfrentaba a sus películas sin demasiados medios técnicos, sintiéndose como un simple traductor del lenguaje de la poesía al de la imagen, sin mayores pretensiones. Quizá, en la actualidad, cuando predominan los efectos especiales, entendamos esa concepción del cine como un tanto naïf, pero ese es precisamente el estilo de Jean Cocteau, un estilo que se mantuvo fiel a lo largo de su trayectoria cinematográfica. Gracias a ello, Cocteau consiguió aportar una visión diferente del cine, bella por encima de todas las cosas, y por la que todavía hoy es recordado.

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Mago, presti-

digitador, ilusionista,

trilero, hechice-ro, seductor. Un genio.

Además, también fue actor, director de cine y de teatro,

escenógrafo, dibujante, mecánico y culpable de cortometrajes que envuelven al espec-

tador en una dualidad sentimental que se balancea entre la melancolía y la ino-cencia infantil. De cabello escueto (por decirlo dignamente), con una barba cuidada y prominente bigote (un verdadero moustache), su expresión mezcla su capacidad para la toma de decisiones con el brillo de curiosidad que escapa de su mirada. Una supuesta afabilidad que no siempre le acompañó: es tristemente conocido el suceso de la quema de sus películas al tener que ven-der su estudio. Los héroes trágicos de la mitología griega y latina sufren destinos dispares tras pasar por diferentes aventuras y desventuras en sus periplos vitales. Como si de su representante en el mundo contemporáneo se tratase, Georges Méliès se ha erigido como un dios entre los pequeños mortales que viven por y para el cine. Sus inicios están íntimamente vinculados con el mundo de la magia. Tan-to que si no fuera por ella, Méliès hubiera sido una simple ilusión del celuloide. En sus películas se observa esta estrecha relación con la magia en esas creaciones que quizás habría que llamar trucos de magia historiados. Obras en las que Méliès tomaba toda la sabiduría e influencia de personajes como Robert Houdin o de inventos como la linterna mágica (tan utilizada en los espectáculos mágicos del París de finales del siglo XIX) para proyectar todos sus sueños. Méliès era un auténtico genio y uno de los pilares en que se sustentó su éxito fue su inagotable ingenio. Era capaz de cortar la grabación en el momento preciso para continuarla posteriormente y evitar que el truco fuera descubierto por los espectadores. Una imagen valía más que mil palabras, pero la fotografía no era suficiente para poder plasmar toda la fantasía que la mente del director francés engendraba. Trucajes, sobreimpresiones sobre fondos negros, apariciones y desapariciones, multiplicaciones de cuerpos...toda técnica era válida para conseguir la sorpresa en los ros-tros atónitos del público presente en la proyección de sus películas. Esta facilidad para fantasear con las posibilidades que el cuerpo y la mecánica le ofrecían hace que sea justo confirmarle como uno de los precursores de los efectos especiales y del cine fantástico.Sin embargo, Méliès no sólo fue uno de los pioneros del género de ficción al abandonar la telerrealidad imperante. También fue una de las primeras figuras en crear un estudio como base de operaciones de sus filmaciones. Acuciado por los problemas climatológicos, el creador francés decidió construir una suerte de invernadero en el jardín de su casa de Montreuil para así poder grabar sin demoras. Allí fue donde pudo llevar a la pantalla sus fantasías más inverosímiles, convirtiéndolas en veraces aventuras localizadas en mundos exóticos, lejanos o subterráneos. La plasmación de estas historias (y de sus adaptaciones de clásicos de la literatura

Mago

TrileroPrestidigitador

Ilusionista

Texto: CAROLINA CADENAS PAZOS

Fotos: Caixaforum

MÉLIÈS Y EL TEATRO DE LOS SUEÑOS

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Mago, presti-

digitador, ilusionista,

trilero, hechice-ro, seductor. Un genio.

Además, también fue actor, director de cine y de teatro,

escenógrafo, dibujante, mecánico y culpable de cortometrajes que envuelven al espec-

tador en una dualidad sentimental que se balancea entre la melancolía y la ino-cencia infantil. De cabello escueto (por decirlo dignamente), con una barba cuidada y prominente bigote (un verdadero moustache), su expresión mezcla su capacidad para la toma de decisiones con el brillo de curiosidad que escapa de su mirada. Una supuesta afabilidad que no siempre le acompañó: es tristemente conocido el suceso de la quema de sus películas al tener que ven-der su estudio. Los héroes trágicos de la mitología griega y latina sufren destinos dispares tras pasar por diferentes aventuras y desventuras en sus periplos vitales. Como si de su representante en el mundo contemporáneo se tratase, Georges Méliès se ha erigido como un dios entre los pequeños mortales que viven por y para el cine. Sus inicios están íntimamente vinculados con el mundo de la magia. Tan-to que si no fuera por ella, Méliès hubiera sido una simple ilusión del celuloide. En sus películas se observa esta estrecha relación con la magia en esas creaciones que quizás habría que llamar trucos de magia historiados. Obras en las que Méliès tomaba toda la sabiduría e influencia de personajes como Robert Houdin o de inventos como la linterna mágica (tan utilizada en los espectáculos mágicos del París de finales del siglo XIX) para proyectar todos sus sueños. Méliès era un auténtico genio y uno de los pilares en que se sustentó su éxito fue su inagotable ingenio. Era capaz de cortar la grabación en el momento preciso para continuarla posteriormente y evitar que el truco fuera descubierto por los espectadores. Una imagen valía más que mil palabras, pero la fotografía no era suficiente para poder plasmar toda la fantasía que la mente del director francés engendraba. Trucajes, sobreimpresiones sobre fondos negros, apariciones y desapariciones, multiplicaciones de cuerpos...toda técnica era válida para conseguir la sorpresa en los ros-tros atónitos del público presente en la proyección de sus películas. Esta facilidad para fantasear con las posibilidades que el cuerpo y la mecánica le ofrecían hace que sea justo confirmarle como uno de los precursores de los efectos especiales y del cine fantástico.Sin embargo, Méliès no sólo fue uno de los pioneros del género de ficción al abandonar la telerrealidad imperante. También fue una de las primeras figuras en crear un estudio como base de operaciones de sus filmaciones. Acuciado por los problemas climatológicos, el creador francés decidió construir una suerte de invernadero en el jardín de su casa de Montreuil para así poder grabar sin demoras. Allí fue donde pudo llevar a la pantalla sus fantasías más inverosímiles, convirtiéndolas en veraces aventuras localizadas en mundos exóticos, lejanos o subterráneos. La plasmación de estas historias (y de sus adaptaciones de clásicos de la literatura

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como Shakespeare, Goethe o Julio Verne) se llevaba a cabo mediante un proceso previo de abocetamiento de cada escena. Sí, Méliès, sin saber-lo, también fue uno de los precursores de la técnica del storyboard. Con este método ahorraba tiempo y dinero, evitando cualquier fallo de últi-ma hora que supondría retrasos en la grabación y el encarecimiento de la película. Todo por el espectáculo. Más tarde llegarían las deudas y las decepciones pero todo era válido por la sonrisa y la sorpresa del espec-tador.

Más de quinientas palabras sin apenas esbozar qué se esconde tras la retrospectiva. Homenaje y didáctica hallará el amante del cine que se acerque a la madrileña sede de Caixaforum. Marcad en el calendario el 8 de diciembre, última fecha para disfrutar del imaginario de un genio de la fantasía. Porque, ¿qué es el cine, si no soñar?

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CHRIS KILLIP. HISTORIA DE LO COTIDIANO

Texto: carolina cadenas pazos

Fotos: chris Killip

Un joven se apoya sobre un muro enladrillado. Uno puede notar en los dedos la rugosidad del cemento y la cerámica. Una perfecta doble ‘L’. Además, nos da pistas para convertirnos en Sherlock Holmes a base de hipótesis visuales: zapatos y abrigo excesivamente holgados, manchas y tiznes en sus ropajes, pelo rapado, expresión contrariada...la intuición nos dice que se trata del hijo pequeño de una familia inglesa obrera de mediados de los años setenta. Una fotografía fechada en 1976 que destaca por su actualidad e intimidad.

El Museo Nacional y Centro de Arte Reina Sofía, en colaboración con el Museum Folkwang, Fotografische Sammlung presenta Chris Killip trabajo/work, muestra dedicada a

uno de los fotógrafos injustamente (casi) desconocidos perteneciente a la oleada regeneradora del género durante los años ochenta. A lo largo del centenar de instantáneas que la componen, correspondientes a más de tres décadas de trabajo, se realiza un completo visionado del otro fotoperiodismo, esa vertiente documental que se aleja de fórmulas sensacionalistas y popularistas en favor de un lenguaje sin artificios cuyo objetivo es el tratamiento de la realidad sin colorantes ni sustitutivos. Una búsqueda de objetividad, falsamente vendida en los medios de comunicación, que reclama la atención sin hacer uso ni de moralinas ni de escenografías impostadas. La lente ha de estar oxigenada, limpia, para poder plasmar esa ciudad tranquila que filmó Robert

Guédiguian hace trece años. La exposición puede verse hasta el 24 de febrero de 2014.

La memoria suele ser una amante infiel y desagradecida que juega al olvido con nosotros, pobres humanos. Martin Parr es una de las figuras más reconocidas del panorama artístico actual y, sin embargo, uno de sus espejos apenas es mentado en las escuelas de fotografía. Su influencia es visible

Punks, Gateshead, Tyneside, 1985.

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en instantáneas como la entrañable Celebración de las bodas de plata de la reina o Latas de alubias en el supermercado, donde el consumismo aparece tan abrumador como su fino sentido de la ironía. Chris Killip (Isla de Man, 1946), comenzó su andadura como fotógrafo como asistente en medios publicitarios a finales de los sesenta. La fotografía en color iba ganando terreno en los medios de comunicación, copando portadas y afianzándose en el medio publicitario. La fotografía en blanco y negro parecía avocada a desaparecer, al igual que el fotoperiodismo parecía estancarse en el sensacionalismo visual. Sin embargo, el gen revitalizador de los fotógrafos de los años treinta (como Bill Brandt o Walker Evans) encontró relevo en los jóvenes fotógrafos ingleses, reacios al estatismo reinante y necesitados de independencia y nuevas oportunidades. Uno de estos promotores del cambio fue Killip, testigo ocular activo de la situación del país y de su entorno

social. Sirviéndose de sus frecuentes viajes al norte de Inglaterra e Irlanda, retrató la intrahistoria de sus habitantes, su topografía y su época con una cercanía y objetividad asombrosas. Las conmemoraciones de enlaces reales, la revolución desindustrial o el nacimiento del movimiento punk son algunos de los acontecimientos de los que su lente fue testigo presencial. Junto a ello, Killip repercutió en la entrada de la disciplina fotográfica en el sector artístico mediante su activa colaboración en la gestión de galerías y el comisionado de exposiciones.

Los protagonistas de las escenas de Chris Killip no son modelos, son amigos de su retratista. Sus fotografías son conversaciones visuales donde se ofrece una realidad sin dobleces ni maquillajes que asusta por la verdad de sus imágenes. Tras esta muestra nadie dudará de su influencia en el cineasta Shane Meadows. Señores, This is England.

FOTOGRAFÍA

Joven en un muro, Jarrow, Tyneside. 1976 (Museum Folkwang, Eseen) Celebración de las bodas de plata de la reina, North Shields, Tyneside, 1977

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De entre todos los colores, Irene Cruz (Madrid, 1987) se ha prendado del azul que habita en los bosques del norte de Europa. Fue precisamente en Berlín donde la luz azul se apoderó por primera vez de su obra. Con más de 40 exposiciones individuales y colectivas a sus espaldas, además de importantes premios, esta joven fotógrafa y videoartista regresa 3 años después a la capital alemana para exponer su trabajo, seguir creando y conceder un paseo a Wrong Magazine.

Wrong Magazine: ¿Qué sigues buscando en estos bosques?Irene Cruz: Esa luz azul, desde

que empieza a despuntar el sol hasta que viene la noche, en el

límite entre el día y la oscuridad. Descubrí por primera vez ese efecto ambiguo en Berlín, en una calle llena de charcos. Estaba lloviendo. De repente escampó... y surgió. Fue cuando hice las primeras fotos totalmente improvisadas. Me gustó el resultado y he seguido por esa línea. W.M.: ¿En qué película de Lars

Von Trier te quedarías a vivir?I.C.: Si tuviera que elegir

una, diría Melancholia (2011). La fotografía de Lars Von Trier fue mi primera fuente de inspiración, pero no la última. El cineasta al que más admiro es Terrence Malick, por el lenguaje filosófico que practica.

W.M.: Se te conoce, sobre todo, por

Texto Alejandro Silva

Fotos Irene Cruz

Irene Cruz

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tus fotografías. ¿Cuándo empezaste con el videoarte?I.C.: Hice mi primera videocreación

(Ich mache keine Fehler) sobre una mesa, como parte de una práctica del Master en EFTI. El formato no me atraía nada, tenía dos horas para entregar el trabajo, ¡y no sabía qué hacer! (ríe). Tenía encima de la mesa una goma de borrar enorme en la que se podía leer “Ich mache keine Fehler” (“Yo no cometo errores”). Se me ocurrió que podía grabarme a mí misma escribiendo esa frase para, después, hacerla desaparecer con la goma. Al darle la vuelta, se leería en la goma lo que acababa de borrar. Me pareció una idea sencilla, pero con mensaje, y le cogí el gusto.

W.M.: ¿Y en qué momento te lanzaste a hacer el segundo vídeo, el del columpio?I.C.: Me encontré un columpio en

un bosque, puse el trípode y lo hice.

W.M.: ¿Hasta qué punto te influye la casualidad?I.C.: Del todo, aunque muchas cosas

las dibujo antes de hacerlas. Son dibujos que nacen de mi imaginación, historias que plasmo en mi cuaderno para cuando pueda contarlas. Resulta curioso cómo encuentro en la naturaleza referencias que me conducen nuevamente a esos dibujos, y es entonces cuando descubro que es el momento de representarlas.

DISEÑO

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W.M.: ¿Dirías que tu obra nace de una cuestión estética o más bien conceptual?I.C.: Siempre he trabajado con lo

femenino y la naturaleza. Son mis dos grandes temas y la razón por la que escojo para mis fotografías esos vestidos estampados de flores. Algunas historias surgen de forma espontánea, como mi primer trabajo

Inner tales. Otros surgen de una filosofía que he interiorizado y quiero ilustrar, como es Stimmung. Son trabajos, digamos, más conceptuales, aunque todavía no he llegado a comprender muy bien qué es eso del arte conceptual. En toda obra y en toda decisión hay al menos un concepto, ¿no? Estoy en contra de que se intente clasificar tanto

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el arte, poner tantos límites a los trabajos. Nadie diría que mi foto es documental, y sin embargo he documentado los bosques de Suecia, Alemania y Madrid.

W.M.: ¿En qué momento decides ser la modelo de tus propias fotografías?I.C.: En ocasiones empleo a otras

chicas, si bien es cierto que las

busco son muy parecidas a mí. Funcionan como un doble. De todos modos, en mis fotos nunca vas a ver un rostro. Quiero universalizar mis imágenes. Cuando le pones una cara a una persona, ya es esa persona. Si no tiene rostro, puede ser cualquiera, y ese misterio permanece.

W.M.: Pero, ¿por qué mujeres y no hombres?I.C.: Porque soy mujer, me cuesta

menos relatar lo femenino que lo masculino. Por eso retratar al hombre se ha convertido en un reto. En la actualidad trabajo en una nueva serie, donde represento a hombres y mujeres en busca de la ambigüedad.

W.M.: ¿Hay algo de tu infancia en tus imágenes de bosques?I.C.: Es un tema tan subconsciente

que lo desconozco. Pero sí, me reconozco en ellas, puedo ver lo que he sido, lo que soy y la proyección de lo que quiero ser. Además, le debo a mi padre mi pasión por la foto. Fue él quien puso una cámara en mis manos y es por él que he desarrollado un lenguaje. Y lo mismo con el dibujo. De una u otra forma, siempre he creado. Si no hubiera sido la fotografía, habría sido cualquier otra expresión artística. Siempre he hecho dibujos, pero nunca los he expuesto, siempre los he regalado. Los veía como una herramienta para hacer foto, y ahora me pasa lo contrario.... hago fotos para hacer dibujos y ya estoy preparando alguna exposición con ellos.

W.M.: Además de exponer presencialmente, también exhibes tu trabajo vía online en plastike-artgallery.com. ¿Cómo estimas los resultados?

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I.C.: Es un movimiento que está empezando, pero yo creo que es el futuro. ¿Para qué vas a producir cuadros si no les das salida? Evidentemente no es lo mismo ver una obra en persona que a través de un monitor. Personalmente, prefiero lo primero... pero, ¿por qué no? En Internet se mueve otro tipo de público al que no se debe renunciar. Pienso que todo lo que uno haga para sumar es importante. Vaya mejor o peor, siempre se crece.

W.M.: ¿Se puede vivir del arte?I.C.: No es imposible y no soy nada pesimista. Hay que currárselo mucho, tener mucha ilusión y fe y creer en uno mismo... Así es cómo

acaban viéndose los frutos. Lo que yo busco es que se pueda ver mi obra, contar lo que siento al mundo. Si gano dinero, bien, pero no hago esto por negocio.

W.M.: Para titular tus primeros trabajos escogiste el inglés. Ahora que te has mudado a Berlín, el alemán... ¿qué tal lo llevas?I.C.:¡Bien! Necesito demostrarme a mí misma que la vida no es demasiado corta para aprender alemán (ríe). Elijo otros idiomas para mis

títulos, incluso el sueco. Espero crear en el espectador una sensación de misterio, de enfrentarse a lo desconocido del lenguaje.

W.M.: Antes de terminar esta entrevista, dinos... ¿en qué bosque te podremos encontrar próximamente?I.C.: En los que rodean al lago de Plötzensee (Berlín). Voy a retratar a un bailarín a quien conocí en un espectáculo. Me gusta colaborar

con otras personas, para crecer juntos.

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I.C.: Es un movimiento que está empezando, pero yo creo que es el futuro. ¿Para qué vas a producir cuadros si no les das salida? Evidentemente no es lo mismo ver una obra en persona que a través de un monitor. Personalmente, prefiero lo primero... pero, ¿por qué no? En Internet se mueve otro tipo de público al que no se debe renunciar. Pienso que todo lo que uno haga para sumar es importante. Vaya mejor o peor, siempre se crece.

W.M.: ¿Se puede vivir del arte?I.C.: No es imposible y no soy nada pesimista. Hay que currárselo mucho, tener mucha ilusión y fe y creer en uno mismo... Así es cómo

acaban viéndose los frutos. Lo que yo busco es que se pueda ver mi obra, contar lo que siento al mundo. Si gano dinero, bien, pero no hago esto por negocio.

W.M.: Para titular tus primeros trabajos escogiste el inglés. Ahora que te has mudado a Berlín, el alemán... ¿qué tal lo llevas?I.C.:¡Bien! Necesito demostrarme a mí misma que la vida no es demasiado corta para aprender alemán (ríe). Elijo otros idiomas para mis

títulos, incluso el sueco. Espero crear en el espectador una sensación de misterio, de enfrentarse a lo desconocido del lenguaje.

W.M.: Antes de terminar esta entrevista, dinos... ¿en qué bosque te podremos encontrar próximamente?I.C.: En los que rodean al lago de Plötzensee (Berlín). Voy a retratar a un bailarín a quien conocí en un espectáculo. Me gusta colaborar

con otras personas, para crecer juntos.

COLORED STRONGPhotographer: Marnix Postma@ www.hmsamsterdam.nlStyling: Dieudonnee Bouwman@ www.hmsamsterdam.nlHair: Alexandra Leijs@ www.hmsamsterdam.nl for RedkenModel: Melle@ IAmELK agency

house of jewelz.

jacket Allan Vos,sweater Eric Franzel,bowtie Kasper Jongejan.

jacket allan vos,sweater allan vos,pants eric franzel,armcurfs house of jewelz.

pants Allan Vos,shirt Allan Vos,neckl house of jewelz,jacket eric franzel.

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#DIESELTRIBUTE

Texto: Maxi García

En marzo de este año se revelará la colección otoño invierno de Nicola Formichetti como director artístico de Diesel. Y es que el Estilista Italiano/Japonés dejó la dirección artística de Mugler para poder crear algo más experimental y cercano al público.

En la búsqueda para definir el ADN Diesel, Nicola se sumergió en los archivos natales de la marca en Breganze y rescató todo aquello que pudiera ser volcado en una colección cápsula; parches, piezas de recortes, bordados, botones, para homenajear los 35 años de historia de la marca con este #DieselTribute.

La colección terminada a mano, cuenta con 45 piezas para hombres y mujeres y está formada con dos líneas; una para cada uno de los géneros que han construido la reputación de la marca; el denim y el cuero.

Como todas sus incursiones desde su desembarco en abril, la innovación digital y la promoción es meramente a través de redes sociales. Los modelos protagonistas de #DIESELREBOOT Y #DIESELTRIBUTE fueron elegidos vía Tumblr, herramienta favorita de descubrimiento creativo de Nicola.

Una vez más decidió trabajar junto al respetadísimo fotógrafo Nick Knight, que rápidamente se sumó al proyecto de comunicación y realizó todas las imágenes con un IPhone, para luego ser editadas con la nuevas plataformas de Apps Glitch y Mega Photo.

El resultado rescata el espectro más nuevo de las comunicaciones humanas. Un tono más subversivo y paradigmático. Imágenes modificadas digitalmente con la última instancia de la dimensión metafórica que sugiere que la realidad es generada por computadora. Tecnología digital a espacios de interacción cotidiana.

La colección cápsula #dieseltribute fue lanzada el 4 de noviembre y estará disponible en todo el mundo en la web y en tiendas especializadas.

http://dieselreboot.tumblr.com/http://www.diesel.com/

TENDENCIAS

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Es fácil suponer que para ser un gran diseñador de moda, no sólo hay que ser un experto en telas, patrones y tipos de pespunte; además, hay que poseer una mentalidad abierta, una variada colección de referentes artísticos en los que empaparse antes de comenzar una colección, y por qué no decirlo, nunca están de más esos amigos que tienen la difícil capacidad de inspirar. Pues bien, David Delfín (Ronda, 1970) tiene todo eso y mucho más, así que no lo duda y presume de ello en La Fresh Gallery, en una exposición bautizada con el nombre de Interiores. La idea de esta muestra surgió

a partir de las felicitaciones de cumpleaños que David regalaba a sus amigos. Sin embargo, en la exposición se trasciende esta idea original, ya que en La Fresh Gallery podemos encontrar las inquietudes de un diseñador que va

más allá de la típica función de sastre para alcanzar el estatus de verdadero artista. Sus ideas adquieren las características de poesías o estribillos dignos de ser cantados por Bimba Bosé, su musa por excelencia. Estos pensamientos siempre van acompañados de ilustraciones plasmadas en soportes de formato circular y cuadrado, especialmente indicado para Instagram, el medio preferido por Delfín para comunicarse con sus admiradores y amistades. Y es que, si por algo se caracteriza la muestra es por sus aires entre Pop y Hipster, que por otro lado son las señas de identidad del David Delfín diseñador.

Texto: María Condado

Imágenes: La Fresh Gallery

Las entrañas del Delfín

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De hecho, en sus dibujos reluce toda su personalidad como creador coherente entre su manera de entender la moda y el diseño artístico, por lo que sus ilustraciones resultan altamente reconocibles para el espectador, normalmente buen conocedor del Delfín modisto y el Delfín más mediático. También son reconocibles los iconos que nos presenta y que admira casi hasta la idolatría: Andy Warhol brilla entre el papel de plata que simboliza a la Factory, Fangoria y las Nancys Rubias, el arquitecto Le Corbusier y sus limpias líneas, el pianista residente en Las Vegas Liberace (muy conocido en la actualidad por su biopic ‘’Behind the candelabra’’, dirigido por Steven Soderbergh) y por último, bajando al terreno más personal, Pelayo y Ali. Para subrayar esta sensación de intimidad e interioridad, las láminas

van acompañadas de objetos personales del propio David Delfín, otorgando a la exposición un interesante toque kitsch. Todos estos elementos forman

parte de un microcosmos muy atípico que a menudo acaba sorprendiendo a propios y extraños, algo que David Delfín busca conscientemente, porque para él, la moda y la ilustración son los medios más adecuados para remover conciencias y opiniones. Eso es lo que le hace tan especial como diseñador y por lo que le esperamos en cada edición de la Madrid Fashion Week. Eso es por lo que sabemos que es un genial artista.

DISEÑO

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JOSE DAVID LANZA

Texto: Fernando Suárez

Ilustraciones: Jose David Lanza

Dedicado desde niño al dibujo de cómic e ilustración, motivado en parte por los juegos de rol y la literatura fantástica tanto de Sci-fi como de fantasía épica, acabaría por formarse en diseño gráfico publicitario y licenciándose en la escuela de diseño del centro de estudios Barreira,

Ilustrador, publicista, diseñador gráfico, creador de mundos heroicos y lo que se le pase por la mente, ese es Jose David Lanza.

1. Wrong Magazine: ¿Como y cuando nace tu conexión con el mundo del rol? Jose David Lanza: Mi conexión con el mundo del rol viene de largo, aunque como supongo y así sería con la mayoría de los jugadores los 90, por el boca a boca. Yo tenía diez años. Mi hermano se encontraba en el instituto y allí conoció a su primera mesa de juego (actualmente,

aún mantengo la amistad con casi todo su grupo del grupo). El vino un día a casa, con un vecino y me comentó de jugar a rol… Algo que en aquel mismo instante, no concebía, sin tablero de juego… Acostumbrado a juegos de mesa como el Heroquest o Cruzada Estelar. Y así fue, como jugamos la primera partida al D&D, una tarde de viernes, con los vecinos y amigos de

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la finca. Tal fue el gusto por esta clase de juegos, que desde entonces, ha formado parte de mi estilo, forma y modo de vida, tanto a nivel personal como profesional. Desde ese instante, jugando un día con el grupo de juego de los amigos de mi hermano y otro día a mis amigos y compañeros de escuela, haciendo de director de juego, hasta el día de hoy.

2. WM: ¿Qué es Roleage? ¿Como surgió el proyecto? JD: Buena pregunta, la verdad…!!! Qué es Roleage y como surgió el proyecto. En grandes rasgos, podría decirse que Roleage, es un juego de creación, sistema y ambientación propia, de fantasía épica medieval con tintes futuristas y steampunk. Barcos voladores impulsados por esencia, la magia del juego, un sistema de reglas que permite la evolución continua de los personajes en tiempo real (muy parecido al sistema de mejoras de algunos videojuegos). Un juego donde para escapar de la estética habitual de manuales de esta clase, me decanté para su elaboración por una imagen y estética a medio camino entre el amerimanga y un estilo propio, dotando a todo el proyecto de una luz y una intensidad visual que captara y llamara la atención, todo ello vinculado a su vez y teniendo un por qué con la propia historia del juego y la esencia que envuelve todo el mundo, Geos, creando de este modo un mundo muy rico en matices, historia,

ambientación y posibilidades en todas y cada una de sus publicaciones. El proyecto partió de una base, hacia finales del 2004 o principios del 2005. Aunque realmente, Roleage se forjó y se creo desde las historias de nuestras sesiones de juego. Empleábamos unos sistemas u otros, aunque nuestros personajes, la historia que han evolucionado de

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ellos y el mundo de juego, siempre fue de creación propia. Llegados a este punto y con el tiempo, creamos nuestro propio sistema de juego. Como ya me dedicaba a la ilustración y diseño gráfico desde hacía tiempo, se nos ocurrió la idea de darle forma en un manual, en principio para uso propio, pero una vez comenzamos a darle forma, viendo el resultado, nos lanzamos a la piscina y acabaríamos por publicarlo por primera vez con Nosolorol Ediciones. Para mí Roleage,

es algo más que un juego. Ha formado y forma parte de mi vida. Ha sido un proyecto que se ha llevado una gran parte de mí. Simboliza algo más que un mero manual o sistema; también más de la mitad de mi vida.

3. WM: Has trabajado en TV, publicidad, cine, diseño gráfico … ¿Qué es lo que mas te gusta? JD: Con diferencia, ilustrar. Al final, por mucho que te guste el diseño, la publicidad vinculada a distintos proyectos, cine, etc, siento una especial predilección y desconexión absoluta cuando ilustro. No hay nada que no se pueda hacer, siempre y cuando esté en tu cabeza y sepas como reflejarlo y plasmarlo. Evolucionar, afrontar nuevos retos, practicar nuevos estilos, encontrar el tuyo… Al final, disfrutar de todos y cada uno de esos trazos, intentando siempre y por todos los medios avanzar y no quedarse nunca uno estancado. Cualquiera de estas profesiones es muy sufridas. Tiempo, dedicación, horas…. Entiendo que como muchas otras, pero lo cierto, es que no cambiaría las vivencias en todas ellas por nada, ya que me han llevado hasta la persona y profesional que soy el día de hoy.

4. WM: De pequeño solías compartir la afición del modelismo con tu padre ¿Hasta que punto ha influido esto en tu estilo y en tu formación?JD: Mi padre es una gran persona y un mejor profesional, aunque esté

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ya jubilado. Comenzó en su día también como diseñador gráfico de su época, aunque acabó convirtiéndose en fotógrafo profesional. A su vez, y como nos ocurre en nuestra familia, nos encantan los hobby. Modelismo de aviación, maquetas de trenes, carpintería, mobiliario, electricidad… Quien sabe, tenemos un sinfín de hobbys y quehaceres que nos solventamos, aunque todo creándolo y partiendo desde cero. En aeromodelismo y maquetas de trenes, todo lo construimos a mano, salvo las vías compradas y las máquinas. Con cartón, planos paciencia y pintura, puede hacerse de todo, jajajaja. En cuanto al hobby puramente dicho, ya que por época yo he acabado por decantarme hacia el modelado y pintura de miniaturas o dioramas y escenografías, hemos bebido mucho el uno del otro, ya que técnicas que el me ha podido enseñar, luego han sido recíprocas otras con otros hobbys, ayudándonos ambos en todos estos aspectos. En cuanto a la formación puramente estricta de diseño gráfico o ilustración, la verdad que poco, esa es la verdad. Siempre hemos dicho en casa, que para que uno encuentre su estilo y haga algo que desee hacer, tiene que ser por voluntad propia y encontrando su forma de hacer las cosas. No quiso vaciarme enseñándome técnicas en cuanto a dibujo o diseño. Es cierto que mis padres pusieron los medios necesarios para que pudiera estudiar esta profesión. Aunque

dibujar, como siempre veía a mi padre haciéndolo, cogí la dinámica desde los cuatro años de dibujar una media de 8 horas diarias. Aprendí mucho de ellos en cuanto a iluminación, sobras, esquemas y proporciones, ya que al final, sea foto o dibujo, mantienen muchos nexos en común a la hora de composición e iluminación.

5. WM: ¿Qué diferencia hay entre ARS EPICA Creative Studios y The MONKEY Creative Arts ?

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JD: ARS EPICA Creative Studios es una empresa que nace a raíz de Roleage, con uno de mis ex-socios del juego. Dedicados a la elaboración de ilustraciones, web, imagen gráfica y corporativa, además de servicios editoriales, editorial, distribuidora, compositora de bandas sonoras y muchos más factores relacionados con el ocio y el entretenimiento. No obstante, por circunstancias de la vida, el camino de mi socio y el mío discurrieron por

senderos distintos, atrincherándome con The Monkey Creative Arts en la parte fundamental de lo que mejor se me da hacer, el aspecto gráfico y todo cuanto tiene que ver con el diseño o ilustración, dejando atrás servicios que ofrecía. The Monkey Creative Arts es una apuesta en solitario vinculado al diseño, imagen gráfica e ilustración.

6. WM: The MONKEY creative arts ha trabajado en un gran número de proyectos sobre rol ¿Crees que es un mercado que esta creciendo?JD: Esta es una pregunta muy dada a controversia en los últimos tiempos. Sí que creo que el mercado en cuanto a títulos y editoras de rol esté creciendo. Hay una grandiversidad de editoriales, que apuestan además por producto patrio, extranjero y que cuidan y miman su apartado gráfico, algo que veo correcto y acertado. Nololorol, Holocubierta, Ludotecnia, Ediciones Sombra, Edge, ConBarba, sin mencionar particulares y asociaciones que han sacado y están sacando grandes proyectos y títulos al mercado, como puede ser el caso de Walküre, con los chicos de La Marca del Este (perdonad por no nombrar a todos los proyectos y editoriales, que hay más). El mercado crece, hay más títulos, más ambientaciones, más proyectos, aunque opino, personalmente, que las tiradas de ejemplares ya no son lo que eran en su día y a su vez los medios de como abordar algunas ediciones e

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impresiones de títulos. Por suerte, existen jugadores de rol de la vieja escuela que componemos una extensa mayoría y nuevas generaciones que se están implementando a la afición ya vengan de los juegos de ordenador, jornadas o cualquier otra iniciativa existente. A fin de cuentas, lo que hará que este “mundillo” como nos gusta llamarlo crezca, es apostar por rol de calidad, cuidando todos sus aspectos, desde el diseño, su trasfondo, hasta el momento de su puesta en la calle y sus materiales y calidades de producción. Así que en resumidas cuentas, creo que crece en cuanto a títulos y diversidad, pero aún debe de crecer o mejorar en otros aspectos para que pueda considerarse un crecimiento sano, tanto desde el aficionado hasta el editor.

7. WM: Los juegos de rol parecen tener una mancha de miedo cada vez que se nombran ¿Crees que esa mancha desaparecerá o permanecerá? JD: El peso de aquellos fatídicos acontecimientos sobre el 90, hicieron daño al mundo del rol, la verdad. Personalmente, para mi fortuna nunca han habido miedos de la gente más cercana (padres, vecinos, amigos…), quizás por que veían de primera mano de qué se trataba y qué era lo que hacíamos. Sentarnos todos alrededor de una mesa y lanzar dados mientras contábamos una historia, entre refrescos y merienda diversa. No creo que actualmente siga existiendo ese temor tan generalizado por desconocimiento que hubo en su día, aunque es cierto que alguna gente

se ha vuelto rehacía a ello, debido quizás a esas habladurías o al mismo pensamiento de considerar “raro” a quien juega. Con la masiva llegada y fuentes bebederas del cine, cómic y series, creo que este sentimiento, ya mucho menos latente, acabará por desaparecer.

8. WM: Para aquellas personas que nunca han jugado a un juego de rol ¿Como se lo describirías?JD: Siempre he dicho lo mismo a todos aquell@s que he iniciado (que por suerte he de decir que han sido muchos). Jugar a rol, no deja de ser

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un juego de mesa, una obra de teatro o un libro, en el que existe una persona, que será aquella que describa todos los lugares por donde pasarán, aquellos sitios exóticos e historias al más puro estilo cinematográfico o de tus novelas favoritas, mientras que el grupo de jugadores, dispuestos alrededor de una mesa, interpretarán, narrarán o hablarán, como les gustaría que fuese su alter ego, en un momento distinto de la vida o historia. Todo cuanto decidas decir y hacer en el mundo e historia imaginario, podrá o no ser factible, siempre y cuando, unas pequeñas reglas y quizás una tirada de dados, lo permita. Pero lo mejor de todo esto, es que no debes de olvidar que es un juego, y que estás ahí para pasarlo bien con tus amigos, reír, hablar y pasar un buen rato con ellos.

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SIXO: LA LÍNEA IMBORRABLE

Texto: Xandre Rodríguez

Ilustraciones: Sixo Santos

Sea cual sea el soporte elegido, el talento de SIXO Santos refleja sin ninguna duda la buena salud de la que gozan el diseño y la ilustración. Pasando del street art al tatuaje, este joven artista al que no debéis perder de vista expone estos días en el Demory Bar de París. Entrevista.

1. Wrong Magazine ¿Cómo fueron tus primeros pasos en el mundo del dibujo?SIXO: Comencé a dar mis primeros pasos en casa de mi abuela durante las vacaciones, cuando era pequeño. Ella cuidaba de mi hermana y de mí, no teníamos mucho que hacer y dado su estado de salud, era difícil que pudiera llevarnos a hacer locuras por ahí, así que pasábamos mucho tiempo en su casa. Al ser pintora, mi abuela enseguida me animó a dibujar, así que me pasé la mayoría de las vacaciones dibujando. Me gustó tanto que desde entonces no he podido parar.

2. WM: ¿Cómo fue tu transición del graffiti al dibujo sobre papel?SIXO: La transición ha sido larga, tuve que aprender a dominar el spray para poder reproducir mis dibujos sobre un muro. En el fondo, la técnica del dibujo y el graffiti evolucionó en paralelo, ambas se han influenciado mutuamente. Podríamos decir que no ha habido una verdadera transición, sino más bien una evolución.

3. WM: Tú ya has participado junto a otros artistas urbanos como Speedy Graphito, H101 o Le Cyklop en numerosas exposiciones colectivas,

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¿Cómo valoras la experiencia y la interacción con el público?SIXO: La interacción fue bastante interesante. Al salir del entorno de la calle, el interés de la gente aumenta y las preguntas relacionadas con nuestro trabajo son más pertinentes. Sin embargo, confieso preferir la interacción en la calle, es más directa, la gente no coge las cosas con pinzas y no dudan a la hora de decir si les gusta o no esta u otra de nuestras pinturas. No obstante, me encanta el hecho de reunir a todos esos artistas urbanos en una misma exposición, ya que es algo que raramente ocurre. Siempre hay un ambiente muy bueno porque más o menos ya nos conocemos entre todos. Vemos la evolución de cada uno y se crea una especie de emulación artística y humana.

4. WM: En una de esas exposiciones que tuvo lugar en el Espace des Blancs Manteaux dibujaste in situ una obra de gran formato. ¿Era la primera vez que trabajabas una pieza de semejante tamaño? SIXO: No, no fue la primera vez, pero es verdad que lo hago muy pocas veces. Me encanta dibujar entre el A4 y el formato 50.8 cm x 63.5 cm. Después, todo depende del espacio que me asignen durante la exposición. Cuanto más espacio tengo, más me agencio.5. WM: El blanco y negro se impone en la mayoría de tus trabajos, ¿Qué ventaja tiene para ti?SIXO: La ventaja es que no es caro. Poco importa si el soporte sobre el que se utiliza es el papel, un muro o la piel. El hecho de utilizar un único color permite tener una relación más rápida e instintiva con el soporte. Ahora bien, su utilización tiene una doble lectura. Efectivamente, un dibujo en blanco y negro implica una gran reflexión a nivel de composición y contraste. Es una técnica que no perdona, especialmente al hacer una línea clara. Si pierdes el trazo o los niveles de luz son malos, salta

a la vista. Hay mucho menos margen de maniobra que con el color.

6. WM: Sin embargo, a lo largo de tu trayectoria cuesta ver algo de color, ¿Te impide expresarte como deseas?SIXO: Para mi el color es algo superficial en mi trabajo. No veo ningún interés en utilizarlo, y, cuando lo hago, no abordo los mismos temas ni dibujo de la misma forma. Por tanto, el color no me impide expresar lo que quiero, sino que me da ganas de mostrar algo diferente. A menudo me preguntan: ¿Porqué el blanco y negro? y generalmente respondo: ¿Porqué el color?

7. WM: Aún así, existen excepciones como el dibujo en que dos marineros se besan, ¿Porqué decidiste añadirle color? ¿Cumple alguna función en particular en ese dibujo concreto? SIXO: Tatúo desde hace poco tiempo, así que empecé a probar añadiéndole color a ciertos dibujos para ampliar mi técnica y mi estilo. Ese dibujo era un guiño tanto al matrimonio gay como al tatuaje. Saqué de nuevo mis acuarelas, fue como hacer un viaje en el tiempo, cuando era más joven y solamente utilizaba el color. Por cierto, sigo haciendo dibujos con lápices de colores, pero no los enseño mucho, me permiten salir de mi maniática monotonía del negro, es importante que los placeres varíen, si no, uno se aburre.

8. WM: Tus dibujos muestran a menudo mujeres que parecen haber salido de películas de los años veinte con iconos musicales del jazz, el rock o el punk. ¿Cuáles son tus referencias estéticas y los artistas que te influyen? SIXO: Mi inspiración me viene del período de 1920 a 1970, incluyendo la moda, la publicidad, la música y el cine de esos años. En lo musical, mis gustos van del jazz de Billie Hollyday a los Dead Kennedys. El cine también es una gran fuente de

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inspiración. Me encantan las antiguas películas de terror con actores como Bela Logusi o Boris Karloff y aún más las películas de Fritz Lang. Me gusta la estética de las películas en blanco y negro, tienen un encanto indescriptible. En cuanto a la inspiración pictórica, es muy amplia, me encanta la pintura

renacentista con artistas como Botticelli o El Bosco, por citar sólo algunos. Me gustan tantas cosas que una entrevista no sería suficiente, pero mi principal inspiración sigue siendo el cómic.

9. WM: ¿Qué debe tener una imagen para que finalmente se acabe

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convirtiendo en uno de tus dibujos?SIXO: Lo primero que busco en las imágenes son rostros, tienen que ser muy expresivos. Los rostros dicen mucho de las personas, me gusta cuando un rostro cuenta parte de la vida de esa persona. Ante todo lo que busco es la posibilidad de insertar algunos de sus vicios. Me gusta provocar la risa absurda del espectador

10. WM: ¿Cómo entraste en el mundo del tatuaje?SIXO: Empecé tatuándome yo mismo, pero en aquella época tan sólo era un cliente y además pensaba seguir siéndolo. El desencadenante fue el mensaje en Facebook de un colega tatuador al que por entonces aún no conocía. Había contactado conmigo para que le tatuara convencido de que era tatuador. Le expliqué que no podía y me contestó que el día en que me pusiera a tatuar él se dejaría. Esto me puso la mosca detrás de la oreja, hablé de la posibilidad de tatuar a amigos y ahí comenzó todo porque realmente ya había demanda. Finalmente me dí cuenta de que ser tatuador hoy en día entra en la lógica de las cosas ya que toda mi trayectoria artística y profesional

me ha llevado hacia esta nueva práctica.11. WM: ¿Te gustaría diseñar la portada de un disco o de algún libro?SIXO: Sí, me encanta el libro “American Gods” de Neil Gaiman. Cuenta la lucha entre los antiguos dioses traídos por los primeros emigrantes americanos y los nuevos como la televisión y el capitalismo. Es un combate entre las antiguas y las nuevas creencias. Además soy un gran admirador de los super héroes y me gusta hablar de religión. ¡Ese libro estaba hecho para mí! Su historia me pareció muy interesante, no se trata solamente de una historia épica, el libro suscita al mismo tiempo preguntas ligadas a la evolución de la religión en relación a nuestra sociedad contemporánea.

12. WM: Finalmente, ¿Futuros proyectos además de tu última exposición?SIXO: Por ahora trato de concentrarme en los tatuajes, pero también tengo un proyecto de una selección de ilustraciones serigrafiadas. No sé cuándo saldrá, el año que viene, espero. En cuanto a lo que son exposiciones, no voy detrás de ellas, dejo que lleguen las propuestas, las voy gestionando día a día.

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Texto: LOS POSSIBLYS DE MAYBE

LOCURA ASIÁTICA

Tras sentirme reconciliado con Buda, habiendo possibly conseguido la fuente de bondad espiritual para todo el universo (o lo que me queda de vida, que para el caso, para mi, es lo mismo) adentrándome en algunos templos, y degustado platos tradicionales con silenciosa compañía, me dispongo a adentrarme en la urbe, pasear por sus barrios más extravagantes, dentro del tiempo que me queda, que al igual que al “maravilloso” conejo blanco, corriendo a todas partes, no vaya, maybe, a llegar tarde...

II PARTE

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Soy consciente de que el tiempo me va pisando los talones. Aquí en Hong Kong tenemos una noche que intenta envolvernos y que ya hace que el sol se decline y baje de su resplandeciente trono.Estoy en el Soho hongkonés pero realmente no estoy viendo nada que realmente me llame mucho la atención. Tengo ganas de dirigirme a Nathan Road, una de las arterias principales de Hong Kong muy cerca del Museo de Arte y del Centro Cultural de Hong Kong....bueno, cerca de casi todo porque la calle es una de las más grandes de esta ciudad. Me acompaña una mini guía, que he preparado estratégicamente la noche anterior...pero mi anhelo es perderme un poco callejeando por esta ciudad.

A medida que me adentro por las calles principales de Hong Kong voy descubriendo como se estructura esta gran urbe. Calles principales de muchos carriles donde circulan miles y miles de taxis de color rojo, de un modelo de Toyota muy retro, autobuses de dos pisos rojos con miles de turistas, influencia éste de la colonización británica, por ciertas zonas circula el tranvía, y como no, hambrientas bocas de metro se abren expectantes para recibir a miles de personas diariamente.

Llego al barrio Tsim Sha Tsui, y mucho más que ser un simple barrio, Tsim Sha Tsui es un bazar oriental mundial gigante, donde convergen, tiendas, mercados e impresionantes centros comerciales. Rascacielos hasta donde la mirada alcanzan envuelven mi paseo mientras voy descubriendo cómo les gustan adentrarse en lugares multiespaciosos-culturales conocidos vulgarmente como centros comerciales pero que aquí en Hong Kong

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alcanzan una categoría superior ya que arte, moda y ocio se combinan a la perfección con tiendas de marcas internacionales y boutiques asiáticas de ropa urbana. Para escapar del autentico ajetreo y bullicio de la llamada “milla de oro”, los hongkoneses apuestan por escabullirse en sus lujosos centros comerciales, entre los que se incluyen iSQUARE, The One y K11.

La devoción por las compras en Hong Kong es un espectáculo en sí mismo. A través de Canton Road he encontrado una gran variedad de tiendas artículos de lujo de diseño, marcas como Luis Vuitton, YSL, Prada, Hermés. Estas tiendas, suelen tener una sustanciosa cantidad de personas sedientas de consumismo y ordenadas rigurosamente una por una fila que va de una marca prácticamente a otra. Impresionante ver la variedad no tanto en sexo sino de edades entre las, mayoritariamente mujeres, elegantemente deseosas de entrar. En este barrio me encontré el que mi guía considera “el centro comercial más grande de Hong Kong”, el enorme edificio Harbour City, que, aunque me da cierta sensación de que nada más poner un pie dentro me saldrá urticaria para lo que me queda de vida, me dispongo a adentrarme, pero....here I go!Entre imponentes paredes de vidrio y acero, pasillos interminables, blancos, pulidos...un juego geométrico con diferentes localizaciones y pisos que parece salido de una ilustración de MC Escher.Me hice un recorrido bastante rápido por este centro comercial y a continuación me dispongo a llegar al Paseo Tsim Sha Tsui, que me lleva hacia el área de la ciudad donde conviven el Centro Cultural, el Museo del Espacio y el Museo de Arte con la Avenida de las Estrellas, lugar idóneo para disfrutar del designado como el “Espectáculo permanente de luz y sonido más grande del mundo” por el Guinness de los récords, Symphony of Lights

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Elegante, exótico y moderno, el antiguo barrio de Tsim Sha Tsui es una combinación ecléctica de experiencias de compra dominadas por los

De izquierda a derecha; Museo de Arte, Museo del Espacio, y el Centro Cultural

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Corriendo al máximo como cada uno de los minutos pasados en esta ciudad, llego a las 19:45 al lugar mejor situado para disfrutar del espectáculo lumínico y sonoro más conocido de Hong Kong, Symphony of Lights. Ya es de noche cerrada, y había leído que el espectáculo comienza diariamente a las 20, con una puntualidad rigurosa adoptada del paso británico por esta gran Isla. Así es, tras el impresionante Centro Cultural de Hong Kong, en pleno paseo marítimo y 15 minutos antes de las 20, ya estaba el lugar lleno de gente preparando su gacheta de última tecnología para poder sacar la mejor fotografía del momento. De repente se escucha una voz, que tal como si estuvieras en el teatro, anunciaba el tiempo que resta antes de disfrutar del “gran” espectáculo. En esos 10 minutos estaba ensimismado observando la expectación colectiva de todos los turistas allí reunidos, a la vez que al otro lado del paseo marítimo, nos embriagábamos con diversas marcas de aparatos eléctricos, marcas de móvil, coches de lujo, y un largo etcétera, que brillaban armoniosa en cada uno de los edificios, a la par que ellas mismas -las marcas- iban anunciando el tiempo restante al inicio del evento. Publicidad altamente tóxica.

El espectáculo lo forman 45 edificios repartidos por Hong Kong y Kowloon y comprende cinco fases con significados diferentes: Despertar (crecimiento de Hong Kong), Energía (la fuerza), Herencia (su cultura y tradición), Colaboración (la unión de las dos partes de la bahía en una sola) y Celebración (el próspero futuro de la ciudad.

Comienza el espectáculo multimedia nocturno: las luces de colores, los rayos láser y los proyectores ofrecen un espectáculo polifacético, sincronizado con la música y la narración. Sinceramente, impresiona en parte, pero es decepcionante debido a las expectativas que tienes puestas en algo que al final te deja un poco confuso y con cierta desilusión...al menos aproveché para descansar viendo este juego de luces de neón.

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A escasos 5 minutos de donde estaba comienza La Avenida de las Estrellas de Hong Kong, una copia de la Avenida de las Estrellas de Los Ángeles pero con los nombres de las estrellas de actores chinos. Las estrellas que nosotros podamos reconocer son la de Jackie Chan y la de Bruce Lee.

Este lugar rinde tributo a aquellos que contribuyeron a convertir Hong Kong en el “Hollywood de Oriente”, ofreciendo al mismo tiempo una panorámica del lugar más emblemático de la ciudad. Con placas conmemorativas, huellas de manos de personalidades famosas del cine, momentos históricos, objetos de interés cinematográficos, una escultura de tamaño natural del legendario Bruce Lee así como una estatua en bronce del popular personaje de animación, el cerdito McDull. La Avenida de las Estrellas integra con acierto el glamour de la industria cinematográfica de Hong Kong en el deslumbrante encanto del Puerto Victoria.

Ya son las 22 pm y quiero pasar mis últimas horas antes de irme al aeropuerto por el Mercado Nocturno de Temple Street.

Ecléctico y kitsch, el mercado nocturno de Temple es uno de los mercados más conocidos de Hong Kong, localizado en la calle que le da nombre.Anochece y los comerciantes ya han sacado su mercancía y empiezan a llegar los cantantes de ópera, los transeúntes, los adivinos a la espera de predecir el futuro y revelar lo desconocido...un popular mercadillo callejero, que recibe su nombre por el templo Tin Hau, situado en el centro de su calle principal.

Se examinan baratijas, vajilla para el té, productos electrónicos, relojes, ropa y complementos de marca de imitación, antigüedades y otros artículos de dudosa utilidad, ¡si hasta en ciertos los puestos podemos pedir imitaciones por catálogo! Todo esto mientras se consumen con apetito cuencos de arroz, marisco, fideos y dulces a su alrededor escuchando el Gangan style.

Es la 1 am y mi avión sale a las 5; es hora de coger el último metro que pasa dirección al aeropuerto y empezar a digerir toda esta información que acabo de experimentar. En menos de 24 horas he conocido una ciudad con un contraste interesante en el que Oriente y Occidente se dan la mano, pero no para ir al unísono, sino para echarse un pulso a ver quien es la ganadora... ¡Hagan sus apuestas!

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La reciente exposición de JUERGEN TELLER en el luminoso Institute of Contemporary Arts de Londres inspiró la publicación de su último libro “WOO!” (STEIDL). Ideado como un gigantesco wallpaper que recopila lo mejor de sus editoriales y trabajos comerciales más famosos -como las campañas para Helmut Lang, Céline o Marc Jacobs-, el libro incluye además el portfolio íntegro “Irene im Wald” , un retrato íntimo y familiar que el fotógrafo alemán fotografió en Suffolk, su ciudad natal.

Texto Xandre Rodríguez

Fotos Editoriales

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Si el año pasado MARTIN PARR causó sensación con la espectacular edición del álbum fotográfico “LIFE’S A BEACH” consagrado a las playas y sus inclasificables visitantes, esta vez presenta “INSTANT PARR”, una nueva edición limitada de 200 copias firmadas y numeradas por el enfant terrible británico que seguro no tardará mucho en agotarse.

Con su calidad habitual, los estudios Acne presentan su nueva apuesta editorial “RODEO”. Tal y como su nombre sugiere, el libro propone un recorrido por la estética de los cow-boys americanos desde la década de los 50 hasta los setenta. Con un packaging cuidado hasta el más mínimo detalle, BRUCE OF LOS ANGELES puede presumir de haber firmado la obra definitiva sobre estos vaqueros 100%

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Quien más y quien menos, casi todos hemos llevado alguna canción de Pete Doherty, Jarvis Cocker o Kurt Cobain sonando por los cascos, cantantes cuyo talento ha trascendido más allá de lo musical para convertirse en auténticos iconos generacionales. Por tanto, no es extraño que la artista ELIZABETH PEYTON haya decidido retratar a estos y otros influyentes personajes de la cultura contemporánea seleccionando las obras de los últimos 20 años en el libro “HERE SHE COMES NOW” (Walther König)

Triunfando en su segunda edición, “A PERIOD OF JUVENILE PROSPERITY” (TWIN PALMS) se ha consolidado ya sin ninguna duda como uno de los libros del año. Combinando una estética que mezcla “la Gran Depresión con el punk”, las fotografías de MIKE BRODY invitan al espectador a contemplar la trastienda del sueño americano a través de un viaje a ninguna parte. Imprescindible.

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“MADONNA NYC 83” es, ante todo, el documento de una época irrepetible. Y es que, por una parte, en la obra de RICHARD CORMAN se palpa el ambiente de la emergente escena artística del Nueva York de los ochenta -con Jean Michel Basquiat y Keith Haring a la cabeza-, y por otra, se inmortaliza como nunca el (inusual) nacimiento de la estrella mundial del pop por excelencia en la que pronto se convertiría Madonna.

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Texto: LUÍS LÓPEZ

Goldfrapp – Tales of Us

Este (invisible) otoño nos llega el sexto trabajo del dúo inglés Goldfrapp que, como manda la tradición, tocaba un repertorio de pistas lentas de carácter reflexivo y espiritual. Y han conseguido crear una obra excelente, en la que nos narran diez historias introspectivas acompañadas de una compleja fórmula entre trip-hop y lounge. El resultado es tan espectacular que casi llegan a la altura de su obra maestra “Felt Mountain”. Sin duda alguna, nos encontramos con uno de los discos más bellos y sensitivos de este año.

Summer Camp – Summer Camp

Tras “Young”, aquel fantástico EP que les dio a conocer, y posteriormente su debut “Welcome to Condale”, Summer Camp reaparecen con su segunda creación compuesta por 11 temas en las que se percibe una presencia sonora y técnica más madura y consolidada. Sin dejar de lado su personalidad naif y su marca pop-disco, Summer Camp demuestran a través de su disco homónimo que han hecho un gran trabajo lleno de canciones elegantes y coloridas ideales para despedir este verano que nunca acaba.

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FM Attack – Deja Vu

Cuatro años hemos tenido que esperar para poder recibir un nuevo trabajo de FM Attack, el productor afincado en Vancouver conocido por sus temas nu wave-disco que recuerda a los ritmos electrónicos de los 80 y 70. Aun recurriendo a los sonidos de décadas pasadas, sus sonido es fresco y cristalino, dando lugar a un álbum lleno de ingenuidad. Con su capacidad de creación musical y ayudado en algunos temas por la voz retro pop de Kristine y Julian Sanza, FM Attack te invita con sus canciones a dar una vuelta por el espacio exterior.

Volcano Choir - Repave

Justin Vernon, a pesar de revelarnos que quizá no volvería con un tercer álbum de Bon Iver, podemos disfrutar otra vez de Justin Vernon, gracias a este proyecto en paralelo acompañado de miembros de Collections of Colonies of Bees. Con su sonido folk-rock, no podemos esperar otra cosa que un disco excelente, firme y bien realizado, que ha conseguido embriagarnos con su forma de ver y transmitir la música.

NO CEREMONY/// - NO CEREMONY///

Tres artistas de Manchester han decidido unir su creatividad para crear este álbum, que puede calificarse de obra maestra. A través de un preciso synth-pop, han construido una lista de 9 canciones perfectamente elaboradas, con un solo fallo: su brevedad, lo que te conducirá a una escucha repetida pero sin queja, pues te envolverá su sublime sonido, consiguiendo que te atraiga y te deje fascinado como ningún otro álbum llegará a hacerlo.

MÚSICA

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