Die 6. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst präsentiert ★The 6th Berlin Biennale for Contemporary Art presents

La monnaie vivante ★ The Living Currency ★ Die lebende MünzeNach ★ After Pierre KlossowskiInszeniert von ★ Staged by Pierre Bal-Blanc 17., 18., 19. Juni 2010, 19.30–00.30 Uhr ★ June 17, 18, 19, 2010, 7.30 pm–00.30 amHAU 1, Stresemannstraße 29, 10963 Berlin

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Das sich wandelnde und wandernde Ausstellungsprojekt La monnaie vivante ist demVorhaben gewidmet, die vielfältigen gegenwärtigen, aber auch historischen Thema-tisierungen des Körpers in der bildenden Kunst mit den Körperauffassungen im Bereichvon Tanz, Musik und Theater in Dialog treten zu lassen. 2006 in einem Pariser Tanzstudiokonzipiert, war die Ausstellung bereits 2007 auf der Bühne des STUK kunstencentrumin Löwen, Belgien, sowie 2008 in der Turbinenhalle der Tate Modern in London zu sehen.In Kooperation mit dem Museum für Moderne Kunst in Warschau entstand Anfang 2010eine neue Version für das dortige Teatr Dramatyczny, eine klassische Guckkastenbühne.Im Rahmen der 6. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst wird eine Weiterentwicklungvon La monnaie vivante im Hebbel am Ufer präsentiert, einem Theater, das vergleich-bare Bühnenverhältnisse aufweist.La monnaie vivante liegt eine Praxis des Ausstellungsmachens zugrunde, die dasGedächtnis nicht als Archiv auffasst. Das Projekt hat zum Ziel sich gesetzt, dies amBeispiel der Performance aufzuzeigen sowie anhand älterer und neuerer Arbeiten vonKünstlerinnen und Künstlern aus dem Bereich der bildenden Kunst, die sich mit demVerhältnis des Körpers zu einer ökonomisch geprägten Lebenswirklichkeit auseinander-setzen. Es sind Werke, die sich nicht auf das Prinzip eines materiellen Objekts oderDokuments als Zeugnis einer Aktion reduzieren lassen, sondern durch ihre körperlichePräsenz im Jetzt in die Gegenwart gebracht werden. Die Künstlerinnen und Künstler,

Die 6. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst präsentiert ★

The 6th Berlin Biennale for Contemporary Art presents

La monnaie vivante ★ The Living Currency ★ Die lebende Münze

Nach ★ After Pierre KlossowskiInszeniert von ★ Staged by Pierre Bal-Blanc 17., 18., 19. Juni 2010, 19.30–00.30 Uhr ★ June 17, 18, 19, 2010, 7.30 pm–00.30 am

HAU 1, Stresemannstraße 29, 10963 Berlin

Mit Performances und anderen Arbeiten von ★ Featuring performances and

other works by Marie Cool Fabio Balducci, George Brecht, Robert Breer,

Pier Paolo Calzolari, André du Colombier, Ceal Floyer, Simone Forti, Prinz Gholam,

Jens Haaning, Sanja Ivekovic, Tadeusz Kantor, Jirí Kovanda, Teresa Margolles,

Roman Ondák, Christodoulos Panayiotou, Gianni Pettena, Pratchaya Phinthong,

Santiago Sierra, Annie Vigier & Franck Apertet (les gens d’Uterpan),

Franz Erhard Walther, Franz West, Artur Zmijewski; sowie mit Partituren von ★

as well as scores by Cornelius Cardew und ★ and Christian Wolff,

dirigiert von ★ conducted by Jean-Jacques Palix

3die sich einer linearen Sicht von Geschichte verweigern, reagieren auf den „unreinen“,unfertigen Charakter des Jetzt, indem sie Objekte, Protokolle, Szenarien, Partiturenoder Regeln thematisieren, die in unserem Alltag wiederkehren, und den Betrachter injene paradoxe Situation der sozialen „Interpassivität“ verstricken, die unsere Gegen-wart prägt. Das Konzept der Ausstellung erforscht diese aktive Dimension der Werke –ein Ansatz, der zur Überwindung musealer Zwänge führt, die den Zugang zu denKunstwerken „neutralisieren“, um ihre Überlieferung zu garantieren, und der außerdemeine Umgehung der Kriterien des Marktes darstellt, der den Einsatz solcher künstleri-schen Strategien zugunsten marktkonformer Produkte zu verhindern sucht. Die durchdas Ausstellungsprojekt herbeigeführte Situation stellt sich einer normativen Realitätentgegen, die sich als alleingültiges Modell ausgibt. Mit der Vervielfachung desReservoirs an Vorgaben, vermittelt über die Objekte, Protokolle, Szenarien und Parti-turen, weist es über die Dekonstruktion der Realität hinaus und plädiert stattdessenfür eine Strategie der Wirklichkeitskonstruktion.La monnaie vivante hebt die Trennung zwischen Zuschauer- und Bühnenraum desTheaters auf. Die Präsentationsweise der Werke unterläuft die traditionellen Codes einerAufführung zugunsten einer unmittelbaren Erfahrung. Die Inszenierung wird zu einemGemeinschaftsakt, einem Werk, das in Echtzeit von Kurator, Künstlerinnen und Künstlernund Mitwirkenden entwickelt wird, bestimmt von dem Rhythmus, in dem das Publikumsich durch den Raum bewegt. Sie findet im Hier und Jetzt statt, ohne Rücksicht auf eineChronologie der Werke; auch die übliche Trennung zwischen Proben und Aufführungauf der Bühne wird nicht vollzogen. Die Ereignisse können aufeinanderfolgen odersimultan geschaltet sein, das Ausmaß ihrer Sichtbarkeit sowie ihre Interpretation hängenvon der Aufmerksamkeit ab, die ihnen von den Mitwirkenden entgegengebracht wird.Der Betrachter wird zum Akteur eines Prozesses, dessen Dauer er selbst bestimmt –eine Stunde oder ein ganzer Abend, an einem einzigen oder auch noch am darauf-folgenden Tag.

Pierre Bal-Blanc

The evolving and itinerant exhibition project La monnaie vivante, characterized by anunstable format and an open content, strives to establish a dialogue between themanifold current and historic examinations of the body in the fine arts as well as withnotions of the body within the domains of dance, music, and theater. Developed in 2006in a Paris dance studio, the exhibition was presented in 2007 on the stage of STUKkunstencentrum in Leuven (Belgium) as well as in 2008 in London, at Tate Modern’sTurbine Hall. In early 2010, a new variation was created in cooperation with Warsaw’sMuseum of Modern Art for the local Teatr Dramatyczny, a classic proscenium stage.This version will be performed as part of the 6th Berlin Biennale for Contemporary Artat Hebbel am Ufer, a theater that offers a comparable stage set-up.La monnaie vivante is based on a practice of exhibition making that postulates thatmemory is not an archive. The project’s goal is to demonstrate this through performanceas well as through both older and more recent works by visual artists that explore therelationship between the body and a reality shaped by economic systems. These areworks that cannot be reduced to material objects or to the documentation of an action.Instead, they are brought into the present through their bodily presence in time and

space. The artists, who refuse a linear view of history, react to the “impure” and un-finished character of the present by exploring objects, protocols, scenarios, scores, orregulations that recur in our daily routine. Thus the artists bring the viewers into theparadoxical situation of a social “inter-passivity,” which influences our present. Theexhibition’s concept investigates the works’ active dimension—an approach that resultsin overcoming museum constraints that “neutralize” access to the artworks in order toguarantee their historical record. In addition, this is also a way to circumvent marketcriteria. The latter attempts to prevent such artistic strategies in favor of products thatdo conform to the market. The situation that the exhibition project creates is opposed toa normative reality that claims to be the only valid model. By multiplying the reservoirof parameters—conveyed through the objects, protocols, scenarios, and scores—theproject points beyond the deconstruction of reality and instead pleads for a constructionof reality.La monnaie vivante unsettles the division between audience and stage in the theater.The mode of appearance of the works dissolves the codes of theater through the realityof a live experience. The staging becomes a collaborative work in real time between thecurator, the artists, and the participants, one which is determined by the rhythm withwhich the audience moves through the space. The exhibition takes place in the “hereand now,” divorced from the chronological relationship with the works and in distin-guishing the successive stages of production, from the rehearsal to the live performance.The events either follow one another or take place simultaneously; their visibility andtheir reading depend on the intensity of the relations between the participants. Thevisitor becomes the actor in a process, and he or she decides its duration—an hour, anentire day, or perhaps returning the next day.

Pierre Bal-Blanc

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Marie Cool Fabio Balducci*1961 in Valenciennes, Frankreich ★ France; lebt und arbeitet ★ lives and works in Paris*1964 in Ostra, Italien ★ Italy; lebt und arbeitet ★ lives and works in Pergola, Italien ★ Italy

Untitled (Baumwollfaden, Feuer ★ cotton thread, fire), 2004Untitled (4 DIN-A-4-Blätter, Tisch ★ 4 x DIN A4 paper sheets, table), 2005Untitled (2 DIN-A-4-Blätter, Biafine ★ 2 x DIN A4 paper sheets, biafine), 2004 Untitled (Klebeband, Tisch ★ adhesive tape, table), 2004

Die französisch-italienischen Künstler Marie Cool Fabio Balducci, die seit 1995 zusam-menarbeiten, präsentieren eine Serie von Arbeiten, die einen schlichten, einfachenMoment erfassen und dabei mit dem Banalen und Profanen spielen. Dennoch sind dieStücke keine Aktionen des täglichen Lebens, da sie sich weder auf erlebte Erfahrungennoch auf systematische Reproduktionen routinierten Verhaltens beziehen. Die Präzision,mit der sie umgesetzt werden, erinnert vielmehr an mathematische Gleichungen.

Das Dreieck, der Kreis, das Quadrat, das Rechteck sind die Formen, in denen sich dieStücke artikulieren. Während die Arbeiten auf der einen Seite als einfache, im Labordurchgeführte Experimente betrachtet werden könnten, wird der wissenschaftlicheImpuls auf der anderen Seite dadurch außer Kraft gesetzt, dass weder der Versuchunternommen wird, zu irgendeinem Ergebnis zu gelangen, noch die Notwendigkeitbesteht, den Nachweis für eine Hypothese zu erbringen. Eine mögliche Entdeckungschafft Raum für Beweise. ★

Working together since 1995, the French-Italian artists Marie Cool Fabio Balduccipresent a series of pieces that capture a simple moment while flirting with the banaland the mundane. Still, the pieces are not actions of everyday life since they do notrelate to a lived experience or to a systematic reproductibility of routine behavior. Thepainstakingly precise choreography rather alludes to mathematical equations. Thetriangle, the circle, the square, the rectangle are the forms in which the pieces arearticulated. Still, if on one hand the works could be seen as simple experiments carriedout in a lab, on the other the scientific impulse is negated as no attempt is made toarrive at any kind of result, neither is there the necessity to demonstrate an assumption.A possible discovery leaves place to evidence.

Courtesy Marie Cool Fabio Balducci

George Brecht*1926 in New York, USA; † 2008 in Köln, Deutschland ★ Cologne, Germany

Drip Music (Drip Event), 1959–1962Incidental Music, Sommer ★ summer 1961Piano Piece n°1 / Composition pour piano n°1, 1962String Quartet, 1962Solo for Violin, 1962

Drip Music (Drip Event), 1959–1962Für eine einfache oder mehrteilige Performance. Eine Quelle fließenden Wassers und einleeres Gefäß, das so platziert ist, dass das Wasser hineinfließen kann. ★ For a simpleor multiple performance. A source of flowing water and an empty recipient posed in away that allows the water to fall into the recipient.

Incidental Music, Sommer ★ summer 1961Fünf Klavierstücke, eine beliebige Anzahl davon wird nacheinander, gleichzeitig, in be-liebiger Reihenfolge und Kombination, miteinander oder mit anderen Stücken gespielt.1. Der Klavierhocker ist geneigt und an einen Teil des Klaviers gelehnt.2. Incidental Music, Teil 2. Hölzerne Blöcke: Ein einzelner Block wird im Klavierplatziert. Ein Block wird auf diesen Block gestellt, dann ein dritter auf den zweiten,und so weiter, bis mindestens ein Block von der Säule fällt. 3. Fotografieren der Klavier-Situation.

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4. Drei getrocknete Erbsen oder Bohnen werden nacheinander auf das Klavier ge-worfen. Jede Hülsenfrucht, die auf dem Klavier liegen bleibt, wird mit Klebeband ander Taste oder den Tasten in ihrer Nähe befestigt.5. Der Klavierhocker wird passend eingestellt, und der Performer setzt sich darauf.★

Five piano pieces, any number of which may be played in succession, simultaneously,in any order and combination, with one another or with other pieces.1. The piano seat is tilted on its base and brought to rest against a part of the piano.2. Incidental Music, Part 2. Wooden blocks: A single block is placed inside the piano.A block is placed upon this block, then a third upon the second, and so forth, singly,until at least one block falls from the column.3. Photographing the piano situation.4. Three dried peas or beans are dropped, one after another, onto the keyboard.Each such seed remaining on the keyboard is attached to the key or keys nearest itwith a single piece of pressure-sensitive tape.5. The piano seat is suitably arranged and the performer seats himself.

Piano Piece n°1 / Composition pour piano n°1, 1962Eine Blumenvase auf einem Klavier. ★ A vase of flowers on a piano.

String Quartet, 1962Hände schütteln. ★ Shaking hands.

Solo for Violin, 1962Polieren. ★ Polishing.

George Brecht, amerikanischer Konzeptkünstler und Avantgarde-Komponist, war einerder Begründer der Fluxus-Bewegung. Am bekanntesten sind seine „Event-Partituren“,in denen er sich auf triviale Objekte oder Situationen konzentrierte und dadurch dieGrenzen zwischen der künstlerischen und der realen Sphäre verwischte. ★

Considered one of the creators of the Fluxus movement, George Brecht was anAmerican conceptual artist and avant-garde composer most famous for his “eventscores” through which he focused on trivial objects or situations thus blurring theboundaries between the artistic and the real.

Courtesy Herta Brecht

7Robert Breer*1926 in Detroit, USA; lebt und arbeitet ★ lives and works in Tucson, USA

Rug, 1968

Robert Breer ist sowohl Filmemacher als auch Bildhauer. Seit den 1960er Jahren hat ereine beeindruckende Bandbreite und Vielfalt kinetischer Skulpturen mit scheinbar harm-los klingenden Titeln wie „creepy“ (gruselig), „rug“ (Teppich) oder „float“ (Floß)geschaffen. In der Gestalt umgestürzter Teetassen, zerknitterter Folie oder andererabgenutzter Gebrauchsgegenstände schlängeln sie sich automatisch im Schnecken-tempo voran und ändern ihre Richtung, wenn ihnen etwas im Wege steht. In allenKonstruktionen Breers lässt sich eine leidenschaftliche Hinwendung zum Technischen,zu Material und Handwerk ablesen, wie bei anderen minimalistischen und seriellenSkulpturen seiner Zeit. Im Gegensatz zu diesen tendiert Breers Werk jedoch zumUnerwarteten und Parodistischen, dem spielerisch außer Kontrolle Geratenen. ★

Robert Breer is both a film-maker and a sculptor. Using innocent names like “creepy,”“rug,” or “float,” Breer has, since the 1960s, created kinetic sculptures in a dazzlingarray of scale and multiplicity. Designed to resemble overturned teacups, crumpledsheeting, or other vaguely utilitarian detritus, the objects meander automatically ata snail’s pace, altering direction when obstructed. In all of Breer’s constructions wesee both a keen attention to engineering, materials, and craft, like other minimalistand serial sculpture of his time. But Breer’s work tends toward the unexpected, theparodic—playfully out of control.

Courtesy Robert Breer; gb agency, Paris

Pier Paolo Calzolari*1943 in Bologna, Italien ★ Italy; lebt und arbeitet ★ lives and works in Fossombrone, Italien ★ Italy

La Sveglia [Day after Day. A Family Life], 1972 Una rosa legge un libro ad un’altra rosa ★ Eine Rose liest einer anderen Rose einBuch vor ★ A rose reads a book to another rose Una donna attende una sveglia ★ Eine Frau wartet auf den Wecker ★ A womanawaits the alarm clock Un bambino suona l’armonica ★ Ein Kind spielt Akkordeon ★ A child plays the accordion

Lettere di Tiziano [Day after Day. A Family Life], 1974Aeroplano [Day after Day. A Family Life], 1973–1974

Day after Day. A Family Life von 1972 ist ein Lexikon alltäglicher Vorkommnisse und Teilvon Pier Paolo Calzolaris wachsamen Selbstbeobachtungen. In diesem Canto sospeso(unterbrochenes Lied) beschreibt Calzolari mittels Schnappschüssen und kurzenFilmstreifen eine Sequenz elementarer Abläufe sowie die Art und Weise, wie dieseausgeführt werden. In der Folge wurde das gesammelte Material durch kollektiveAktionen, die in den frühen 1970er Jahren in verschiedenen italienischen Museen durch-geführt wurden, zu einem organischen Vorgang transformiert. Seitdem sind die

8 performativen Arbeiten Calzolaris, einer Randfigur der Arte Povera, trotz oder geradewegen ihrer leichten, unspektakulären und nahezu universalen Erzählweise größten-teils unerforscht geblieben. ★

Day after Day. A Family Life of 1972 is a lexicon of everyday occurrences registered aspart of Pier Paolo Calzolari’s watchful self-observations. Through this Canto sospeso(suspended song) Calzolari recounts, with snapshots and short filmstrips, a sequenceof elementary actions and ways of performing them. The material collected became anorganic procedure in subsequent collective actions that were implemented at differentItalian museums in the early 1970s. Since then the performative works by Calzolari,a peripheral figure of the Arte Povera, have stayed largely unexplored, despite ormaybe exactly because of their light, unsensational, and almost universal narration.

Courtesy Pier Paolo CalzolariDank an ★ Thanks to Marie Cool Fabio Balducci

Cornelius Cardew*1936 in Winchcombe, Großbritannien ★ United Kingdom; † 1981 in London

Auswahl aus ★ Selection from Nature Study Notes, 1969:HSDN01MC11CCAR17HSBR34The Great Learning, “Paragraph 7,” 1971Treatise, 1963–1967

Nature Study Notes, 1969 Für das Scratch Orchestra komponierte Stücke, von Cornelius Cardew und anderenMitgliedern der Gruppe, unter anderem: Howard Skempton, Phil Dadson, ChristopherHobbs, Michael Chant und Carole Finer. ★ Pieces composed for the Scratch Orchestra byCornelius Cardew and other members of this group, amongst others: Howard Skempton,Phil Dadson, Christopher Hobbs, Michael Chant, and Carole Finer.

HSDN01, 1969Eine beliebige Anzahl an Trommeln. Takteinführung. Halten des Takts. Abweichung durchBetonung, Dekoration, Kontradiktion. ★ Any number of drums. Introduction of thepulse. Continuation of the pulse. Deviation through emphasis, decoration, contradiction.

MC11, 1969Nimm die Maße von Länge, Breite und Höhe des Raums der Performance unter Berück-sichtigung aller vorhandenen Vorsprünge. Verwende die Maße auf alle möglichenArten, um Töne zu erzeugen. ★ Measure length, breadth and height of room of per-formance, taking account of any consistent prominences. Use the figures in any wayto organize sounds.

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CCAR17, 1969Nach Aufforderung fangen alle Musiker an, eine kontinuierliche Begleitung zu spielen.Ihrer Empfindung entsprechend, stehen einzelne Musiker auf und beginnen, Solos zuspielen. Nach dem Solo ausruhen. Nach dem Ausruhen erneutes Spielen der Begleitung(dieselbe wie zuvor oder eine andere). Auf ein Signal hin, aufhören zu spielen.Definition: Eine Begleitung ist Musik, die ermöglicht, dass ein Solo – während esgespielt wird – als solches wertgeschätzt wird. ★ At a signal, all players commenceplaying a continuous accompaniment. As the spirit moves them, individual players riseand play solos. After soloing, rest. After resting, play more accompaniment (the sameas before or different). Cease playing at a signal. Definition: An accompaniment is musicthat allows a solo—in the event of one being played—to be appreciated as such.

HSBR34, 1969Sechs tiefe Atemzüge … ★ Six deep breaths …

The Great Learning, “Paragraph 7,” 1971Gesangsstück um einen Konfuzius-Text, für eine unbegrenzte Zahl von Sängern undNicht-Sängern komponiert. ★ Vocal piece composed for unlimited number of singersand non-singers, around a Confucius text.

Treatise, 1963–1967Grafische Partitur für eine unbegrenzte Anzahl von Musikern, unbestimmte Dauer. ★Graphic score for unlimited number of musicians, undeterminated duration.

Cornelius Cardew ist zweifelsohne einer der bedeutendsten Komponisten, den diezweite Hälfte des 20. Jahrhunderts hervorgebracht hat. Sein radikaler Umgang mit derKomposition machte ihn zum Initiator einer der wichtigsten Versuche, die demokra-tischen Ansprüche der Avantgarde zu etablieren. Das Scratch Orchestra, welches ausCardews Unterricht 1968 am Morley College in Süd-London hervorging, stellte diesozialen Bedingungen und Reglements von Kunst- und Musikproduktion als Domänevon spezialisiertem Wissen und Erfahrung grundsätzlich infrage. Indem ausgebildeteMusikerinnen und Musiker mit Nicht-Musikerinnen und -Musikern zusammenarbeiten,überschreitet das Scratch Orchestra heute die traditionellen Grenzen und Hierarchien,die Komponisten, Performer und Zuhörer voneinander trennen. ★

Cornelius Cardew is undoubtedly one of the major composers to have emerged in thesecond half of the twentieth century. His radical approach to composition led him toinstigate one of the most important attempts to establish the democratic claims ofavant-garde culture. The Scratch Orchestra, which grew out of classes Cardew taughtat Morley College (South London) in 1968, radically questioned the social limitations ofart and music making as realms of specialized knowledge and experience. Combiningboth trained musicians and non-musicians, the present Scratch Orchestra transgressesthe traditional boundaries and hierarchy separating the composer, performer, andlistener.

Courtesy Horace Cardew

10André du Colombier*1952 in Barcelona, Spanien ★ Spain; † 2003 in Paris

La farine et la bouillote, 1976

André du Colombier könnte als einer der letzten Vertreter der künstlerischen Bewegungnamens Dada betrachtet werden. Während seiner gesamten Laufbahn war das PariserLeben der unmittelbare konzeptuelle Bezugsgrund seiner künstlerischen Praxis. Invielen Fällen basieren seine Arbeiten auf Gesprächen in Bars, alltäglichen Gesten undObjekten. La farine et la bouillote von 1976 folgt einer visuellen Anleitung, abgebildetauf drei Fotografien: Die erste zeigt eine Mehltüte (farine) und eine Wärmflasche(bouillote). Auf dem zweiten Foto füllt eine Hand akribisch Mehl in die Wärmflasche.Die dritte Aufnahme zeigt, wie die Wärmflasche, die nun mit Mehl gefüllt ist, zusam-mengedrückt und dadurch eine weiße Staubwolke produziert wird. ★

André du Colombier could be considered as the last exponent of the artistic movementnamed Dada. Throughout Colombier’s career Parisian life formed the direct contextualbasis of his overall artistic practice. In many cases his works were thus based on con-versations in bars, everyday life gestures and objects. La farine et la bouillote (1976)follows a visual instruction conveyed over three photographs: the first image shows aflour package (farine) and a hot-water bottle (bouillote), on the second photo a handmeticulously puts the flour in the hot-water bottle, whereas the third image shows theact of pressing the hot-water bottle, now full of flour, thus producing white clouds ofdust.

Courtesy Galerie Patricia Dorfmann, Paris

Ceal Floyer*1968; lebt und arbeitet ★ lives and works in Berlin

Garbage Bag, 1996

Ceal Floyers Kunst versetzt häufig unauffällige oder einfache Materialien in einen neuenZustand, stellt so ihren Status zur Diskussion und bringt das Publikum dazu, über ihreForm nachzudenken. Garbage Bag von 1996 besteht aus einer Mülltüte, gefüllt mit Luftaus dem Raum, in dem sie ausgestellt wird. Diese Arbeit kann als das unangemesseneEindringen eines gewöhnlichen Gegenstandes in den Ausstellungsraum verstandenwerden. Sie kann aber auch dazu anregen, über die Doppeldeutigkeit der Tüte, dievoll und gleichzeitig leer ist, nachzusinnen; eine Situation, die wiederum Licht auf dieÖkonomie des Ausstellungsraums als Ort des Überflüssigen (garbage) wirft. ★

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Simone Forti*1935 in Florenz, Italien ★ Florence, Italy; lebt und arbeitet ★ lives and works in Los Angeles, USA

Inszeniert von Annie Vigier & Franck Apertet und les gens d’Uterpan: Sophie Demeyer,Déborah Lary, Stève Paulet, David Zagari und Denis Robert, beraten von Claire Filmon ★Performed by Annie Vigier & Franck Apertet and les gens d’Uterpan: Sophie Demeyer,Déborah Lary, Stève Paulet, David Zagari, and Denis Robert, with the advice of Claire Filmon

Huddle (dance construction), 1961

In der Arbeit Huddle von 1961 kommen sechs bis sieben Tänzerinnen und Tänzer zu-sammen, um eine menschliche Skulptur zu formen. Indem sie sich gegenseitig festhaltenund mit den Füßen stabil auf dem Boden stehen, bilden sie eine Art Gitter. An einembestimmten Punkt verlässt eine Tänzerin/ein Tänzer die Gruppe, die sich als Reaktiondarauf scheinbar noch weiter verdichtet, und beginnt, auf die Gruppe zu klettern. Ingleichmäßigem Tempo klettern die Tänzerinnen und Tänzer einer nach der/dem anderenüber die dichte Gruppe und schaffen damit eine organische Skulptur aus sich bewe-genden Körpern. Es wird mit dem Geben und Nehmen von Gewicht gearbeitet, wieauch mit dem gegenseitigen Tragen und Halten. Simone Forti wurde in Italien geboren,zog jedoch bereits in jungen Jahren in die USA und gilt als eine der wichtigsten post-modernen Choreografinnen. Sie arbeitet mit einfachen Alltagsgesten und groben oderfast nicht vorhandenen Anweisungen für die beteiligten Tänzerinnen und Tänzer. ★

In Huddle (1961), a group of six to seven dancers gather to form a human sculpture.While making a grid by holding each other tight and having their feet planted solidlyon the ground, at a point a dancer separates from the crowd seemingly making thesculpture tighten further as a response, and starts climbing the huddle. The dancers,one after the other, climb over the packed group at a steady pace, thus creating anorganic sculpture of moving bodies. Huddle is working with the giving and taking ofweight, and the simple carrying of each other. Born in Italy, Simone Forti moved to theUSA at a young age and is considered one of the core postmodern American choreo-graphers working with basic everyday gestures and rough, or almost non-directionsfor the involved dancers.

Courtesy Simone Forti

Ceal Floyer’s art often brings humble or ordinary materials to a different stage throughquestioning their status and making the audience contemplate their form. The workGarbage Bag (1996) consists of a rubbish bag filled with air from the space in which itis presented. It can thus be perceived as an incongruent intrusion of an ordinary objectinto the exhibition space. However, it can also allow one to ponder on the bag’sduplicity of being full and at the same time void—a situation that yet again shedslight on the economy of the exhibition space hosting the superfluous, the garbage.

Courtesy Ceal Floyer; Galerie Esther Schipper, Berlin

12 Prinz Gholam*1969 in Leutkirch, Deutschland ★ Germany; *1963 in Beirut, Libanon ★ Lebanonleben und arbeiten ★ live and work in Berlin

Ein Ding mehr (One More Thing), 2006

Das Künstlerduo Prinz Gholam arbeitet seit 2000 zusammen und beschäftigt sich häufigmit ikonischen Bildern der Kunstgeschichte, wobei deren statisches visuelles Erbe stetsauf Neue hinterfragt und verhandelt wird. In La monnaie vivante wird die PerformanceEin Ding mehr (2006), die eigens für diese Veranstaltung konzipiert wurde, jeden Tagwiederholt. Die Künstler übernehmen Posen und Ausdrucksweisen, die in Traditionenvon Bildrepräsentation und anatomischem Idealismus verwurzelt sind, und reaktivierenderen Konventionen. Das Resultat ist ein künstlerisches Spiel, das sich im Spannungs-feld zwischen der Notwendigkeit, etwas erneut nachzustellen, und der physischenUnmöglichkeit, dies zu tun, bewegt. Während die Körperhaltungen der Künstlerkünstlerische Traditionen zitieren, wird dennoch deutlich, dass die Posen aus ihremursprünglichen Kontext gelöst sind. ★

Working together since 2000, the artist duo Prinz Gholam often works around theiconic imagery of art history, negotiating and reviving this often static visual legacy.In La monnaie vivante, a performance especially created for this exhibition event,Ein Ding mehr (One More Thing) (2006), is repeated each day. The artists adopt posesand expressions rooted in traditions of pictorial representation and anatomical idealism,reinstating their conventions. It results in an artificial game, playing out the tensionbetween the urge to reconstruct something and the physical impossibility to do so.While the artists’ postures evoke artistic traditions, it remains clear that the poses areout of context.

Courtesy Prinz Gholam; Galerie Jocelyn Wolff, Paris

Jens Haaning*1965 in Hørsholm, Dänemark ★ Denmark; lebt und arbeitet ★ lives and works in Kopenhagen ★ Copenhagen

Näherei Nebtex, 2010Kabul Time, 2010

Die Gesellschaft mit ihren unterschiedlichen Rhythmen, Funktionen, Gesetzen undsozialen Sitten steht im Mittelpunkt von Jens Haanings künstlerischem Schaffen. InLa monnaie vivante präsentiert er zwei Werke: Mit der Arbeit Näherei Nebtex (2010),die speziell für die 6. Berlin Biennale produziert wurde, bringt er einen Teil einerBerliner Schneiderei in den Theaterraum. Die Näherinnen, die ihre tägliche Arbeit, zeit-lich leicht versetzt, auf der Bühne ausführen, bilden mit ihrer andauernden Produktioneine Readymade-Routine, die sich über den Tag hinweg entwickelt und den Zuschauermit Bedeutungen und Maßstäben, die außerhalb des Theaterraums gelten, konfrontiert.In einer weiteren Arbeit, Kabul Time (2010), spielt Haaning damit, geografisch undpolitisch unterschiedliche Orte miteinander zu verbinden, indem er die afghanische Zeit

13in unseren temporalen Kontext einführt. Damit ermöglicht er es den Zuschauern, in ihrerVorstellung in diese Stadt und ihren individuellen und kollektiven Zustand einzutauchen.★

Society and its various rhythms, functions, legislations, and social mores are focal toJens Haaning’s artworks. In La monnaie vivante he presents two pieces: In the workNäherei Nebtex (2010), produced especially for the 6th Berlin Biennale, he shifts a partof a Berlin sewing factory into the theater space. Laboring their daily hours on stage,slightly altered in time, the seamstresses and their continuous production thus forma readymade routine developing throughout the day that is again confronting thespectator with means and measures dealt with outside the theatrical setting. In hisother work, Kabul Time (2010), Haaning plays with connecting geographical and poli-tical diverse locations by introducing, in our temporal context, the Afghan hours, thusoffering the viewers a chance to immerse themselves in their imaginations of thiscity and its individual and collective standards.

Courtesy Jens Haaning; Galleri Nicolai Wallner, Kopenhagen ★ CopenhagenDie Arbeit Näherei Nebtex wird realisiert in Zusammenarbeit mit Nebtex Berlin. ★ The work Näherei Nebtex isrealized in cooperation with Nebtex Berlin.

Sanja Ivekovic*1949 in Zagreb; lebt und arbeitet ★ lives and works in Zagreb

Eve’s Game, 2009

Seit Mitte der 1970er Jahre beschäftigt sich Sanja Ivekovic mit zeitgenössischen poli-tischen und sozialen Machtverhältnissen und bedient sich dabei einer Vielzahl anFormaten, vor allem Performances sowie Aktionen im öffentlichen Raum. IvekovicsPerformance Eve’s Game (2009) für La monnaie vivante basiert auf einer 1963 imPasadena Art Museum aufgenommenen Fotografie, die Marcel Duchamp beim Schach-spiel mit der jungen, nackten Eve Babitz zeigt. Dieses ikonische Bild wird reaktiviertund die Rollen werden vertauscht, indem die Künstlerin physisch den Platz von Duchampeinnimmt und der für ihre Einladung zur Ausstellung verantwortliche Kurator ihr nacktgegenübersitzt. Für die Aktion wurde das Schachspiel durch einen Dialog ersetzt,der auf einem späten Interview mit Babitz basiert und durch das Ticken einer Schach-uhr getaktet ist. In diesem Spiel mit dem Rollentausch schafft Ivekovic eine Live-Archäologie, die die vielen Schichten, welche im ursprünglichen Bild verborgen sind,freilegt. Die Performance endet mit der Projektion eines YouTube-Amateurvideos desLiedes „Strange Idea of Love“, gesungen von Eve Babitz. ★

Since the mid-1970s, Sanja Ivekovic has worked around contemporary power relationsthrough a variety of media with a main emphasis on performance and actions in publicspace. For La monnaie vivante, Ivekovic’s performance Eve’s Game (2009) is based ona photograph of Marcel Duchamp playing chess with a young, naked Eve Babitz takenin 1963 at the Pasadena Art Museum. This iconic image is reactivated and the roles are

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Tadeusz Kantor*1915 in Wielopole Skrzynskie, Polen ★ Poland; † 1990 in Krakau, Polen ★ Cracow, Poland

Dividing Line, 1966

Aufgeführt von ★ Performed by Anka Ptaszkowska

(left-hand side)underdevelopedself-righteousseatedsittingjudgesjurorsopinionatingadjudicatingcontinuingnursingtheir lineand theirindividualitycoquettespseudo avant-garde …(right-hand side)what is scarceunofficialneglecteddefying prestigeunafraidof ridiculousnesstaking risk …Draw the dividing line immediately and irrevocably! Making the line of 4 meters during45 minutes, I mainly felt satisfaction from this generalized but also ruthless fact, 1966

switched as the artist physically takes the place of Duchamp and places the curator,responsible for inviting her to exhibit, naked in front of her. For this action, the gameof chess has been replaced with a dialogue taken from a late interview made withBabitz, which in turn is punctuated by clicks on a chess clock. In this play of changingroles, Sanja Ivekovic offers a live archeology of the many levels concealed in theoriginal image. The performance concludes with the projection of an amateur YouTube-stream of the song “Strange Idea of Love,” sung by Eve Babitz.

Courtesy Sanja Ivekovic

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Tadeusz Kantor arbeitete mit künstlerischen Theorien der Avantgarde und ist bekanntfür seine revolutionären Theater-Performances sowohl in Polen als auch im Ausland.Die Partitur für Dividing Line von 1966 (siehe oben) wurde als Teil von KantorsHappening-Cricotage auf der Krakauer Konferenz der Kunsthistoriker-Vereinigung imJanuar 1966 aufgeführt. Sie dauerte 45 Minuten. Für La monnaie vivante wird dieIdee, die hinter Dividing Line steckt, von seiner langjährigen Kollegin und FreundinAnka Ptaszkowska neu belebt. ★

Working with vanguard artistic theories, Tadeusz Kantor is renowned for his revolutio-nary theatrical performances in Poland and abroad. The score for Dividing Line (1966),that is inserted above, was carried out as part of Kantor’s Happening-Cricotage atCracow’s conference for the Association of Art Historians in January 1966. It lastedfor forty-five minutes. For La monnaie vivante the idea behind Dividing Line is revivedby his long-term colleague and friend, Anka Ptaszkowska.

Jirí Kovanda*1953 in Prag ★ Prague; lebt und arbeitet ★ lives and works in Prag ★ Prague

Untitled, 2009

Jirí Kovanda ist vor allem durch seine minimalistischen Aktionen und „Aktions-Interventionen“ aus den 1970er Jahren bekannt, die oftmals so subtil waren, dass siefast unbemerkbar blieben. Für La monnaie vivante wird der Inhalt einer in der Nach-barschaft gekauften Cognacflasche in einer Ecke des Ausstellungsraums ausgeschüttet.Die Arbeit wurde ursprünglich konzipiert für die Ausstellung The Death of the Audience2009 in der Wiener Secession, kuratiert von Pierre Bal-Blanc. ★

Jirí Kovanda is mainly known through his minimalist actions and “action-interventions”from the 1970s, often so subtle that they were almost imperceptible. For La monnaievivante the contents of a bottle of cognac bought in the neighborhood is spilt in acorner of the room where the work is exhibited. The work was originally created forthe exhibition The Death of the Audience at Secession in Vienna in 2009, curated byPierre Bal-Blanc.

Courtesy Jirí Kovanda; gb agency, Paris

16Teresa Margolles*1963 in Culiacan, Mexiko ★ Mexico; lebt und arbeitet ★ lives and works in Mexiko-Stadt ★ Mexico City

En el Aire / In the Air, 2003

In zahlreichen Arbeiten von Teresa Margolles werden Flüssigkeiten aus dem Leichen-schauhaus von Mexiko-Stadt benutzt, um die gewalttätige Realität der Stadt zu kom-mentieren. In La monnaie vivante bläst eine Maschine Seifenblasen in den Ausstellungs-raum, hergestellt aus einer Mischung, die Wasser enthält, mit denen die Körper vonMordopfern nach ihrer Autopsie gewaschen wurden. Die Seifenblasen, die im Bühnen-raum schweben, entstehen aus Wasser, das die Spuren von politischer und sozialerBrutalität in sich trägt. Durch die Benutzung dieses speziellen Mediums kreiert dieKünstlerin ein flüchtiges Monument für den beständigen Strom und die steigende Zahlvon Opfern, die aufgrund ihrer niedrigen sozialen Position in der Regel wenig oderkeine Aufmerksamkeit erhalten. ★

In numerous works by Teresa Margolles, fluids from the laboratories of the Mexico Citymorgue are utilized as statements on the city’s violent reality. For La monnaie vivante,a machine blows bubbles into the exhibition space using a mixture made with waterused to wash the bodies of murder victims following their autopsies. The soap bubblesthat spill on to the stage thus have been made with water that bears traces of politicaland social brutality. By using this specific medium, the artist creates an ephemeralmonument for the continuous flow, and increasing number of victims, who usuallyreceive little or no attention due to their fragile, social position.

Courtesy Teresa Margolles; Galerie Peter Kilchmann, Zürich, Schweiz ★ Zurich, Switzerland

Roman Ondák*1966 in Zilina, Slowakische Republik ★ Slovak Republic; lebt und arbeitet ★ lives and works in Bratislava

Teaching to Walk, 2002

Mit seinen künstlerischen Eingriffen verwischt Roman Ondák häufig die Grenzenzwischen Kunst und Realität. Für Teaching to Walk (2002) wird während der Veranstal-tungslaufzeit täglich eine Mutter in den Theaterraum eingeladen, um mit ihrem Kinddie ersten Schritte zu üben. Die Arbeit erinnert an einen kurzen, aber essenziellenMoment im Leben eines Menschen. Ondák lässt uns diesen Augenblick nicht durchAbbildung ergründen, sondern durch unsere unmittelbare Teilhabe. Deshalb verzichteter auf jedes künstlerische Vermittlungswerkzeug und lässt stattdessen das Leben direktin den Kunstraum Einzug halten. Indem er einen Kontext in einen anderen verschiebt,wird das (bereits zu einem Ausstellungsraum verwandelte) Theater Schauplatz eines

17besonderen, doch gewöhnlichen Bestrebens. Als Publikum sind wir dazu eingeladen,die Bühne als Ort ewigen Lernens zu betrachten. ★

Roman Ondák often uses his artistic interventions to blur the boundaries between artand reality. For Teaching to Walk (2002), every day during this exhibition a mother isinvited to come to the theater space and to help her child to take its first steps. Thework thus evokes a short-lived but essential moment in the life of a human being.Ondák wants us to discover this instant, not by representing it, but by involving us in it.As an artist he therefore declines to use any specific mediatory tool: he prefers to letlife enter the art space directly. By shifting one context to another, the theater (whichin this situation has already been transformed into an exhibition space) becomes thesetting for a particular trivial pursuit; hence, we, the public, are invited to view thestage as the venue of an eternal apprenticeship.

Courtesy Roman Ondák; gb agency, Paris; Galerie Martin Janda, Wien ★ Vienna; Johnen Galerie, Berlin

Christodoulos Panayiotou*1978 in Limassol, Zypern ★ Cyprus; lebt und arbeitet ★ lives and works in Paris

Judy Garland: A Biography, 2007

Die Arbeiten von Christodoulos Panayiotou, der Tanz und darstellende Künste studierthat, sind Performances, die jedoch auch zahlreiche Berührungspunkte mit anderenFormaten haben. In Judy Garland: A Biography (2007) werden die erste und die letzteAufnahme von Judy Garlands symbolträchtigem, 1939 geschriebenem Lied „SomewhereOver the Rainbow“ einander gegenübergestellt. Die Arbeit, die in einem Theater mitgemaltem Bühnenvorhang aufgeführt wird, schlägt eine alternative Garland-Biografievor und spekuliert über die vielfältigen politischen Konnotationen, die dem ikonen-haften Lied im Laufe des 20. Jahrhunderts anhafteten und hier zu bis zu einem gewissenGrad reaktiviert werden. ★

Originally trained in dance and performing arts, Christodoulos Panayiotou’s works areperformance-based yet touch upon a large range of other media. In Judy Garland:A Biography (2007) the very first and last recordings of Judy Garland’s emblematic song“Somewhere Over the Rainbow,” originally written in 1939, are juxtaposed. The work,presented at the theater with the stage curtain drawn, is a proposed biography ofGarland while it speculates about, and to a certain extent reactivates, the variouspolitical connotations that this iconic song had over the twentieth century.

Courtesy Christodoulos Panayiotou; Rodeo, Istanbul

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Gianni Pettena*1940 in Bozen, Italien ★ Bolzano, Italy; lebt und arbeitet ★ lives and works in Fiesole, Italien ★ Italy

Applausi, 1968

Der Künstler trägt einen in identische Hälften geteilten Koffer, beide versehen mitdemselben Schriftzug („APPLAUSI“), aus dem hinteren Bühnenraum in den Vordergrund,öffnet ihn und stellt die Hälften, während die Schriftzüge bereits von hinten beleuchtetaufblinken, an die Seite der Bühne vor das Publikum. Wie andere emblematischeGesten von Gianni Pettena stellt diese Arbeit eine humorvolle und dennoch radikaleArt der Publikumsprovokation dar, indem sie selbiges zu bloßen Fernsehzuschauernreduziert. Zusammen mit Archizoom, Superstudio und Ufo gehört Pettena seit den1960er Jahren einer Kerngruppe der radikalen Bewegung in Italien an, die einen tief-gehenden Einfluss auf aktuelle Experimente in Architektur und Design ausübte undnoch immer ausübt. ★

A suitcase split into two identical halves with the same word (“APPLAUSI”) written oneach. The artist carries it from the back of the stage to the apron and, after openingit, places the two halves with the word already flashing on and off on the sides ofthe stage, in front of the audience. Along with other emblematic gestures by GianniPettena, this work constitutes a humorous, yet radical way of provoking the audienceby reducing it to the mere level of television viewers. Together with Archizoom,Superstudio and Ufo, Pettena has, since the 1960s, belonged to the core group of theradical movement in Italy, which exerted and still exerts a profound influence oncurrent experiments in architecture and design.

Courtesy Gianni Pettena

Pratchaya Phinthong*1974 in Bangkok, Thailand; lebt und arbeitet ★ lives and works in Bangkok

No Patents on Ideas, 2005

Pratchaya Phinthong verweist mit seiner Arbeit auf die kulturelle Kapitalisierung oderKolonialisierung der Bedeutungen und Vorstellungen von Kunst. No Patents on Ideas(2005) bezieht sich auf einen Brief von Thomas Jefferson aus dem 18. Jahrhundert, derdie Frage nach intellektuellem Eigentum und der Vermarktung von Ideen stellt. Das fürdas Poster verwendete Blaudruckverfahren führt zum Verschwinden der Farben, wennes dem Tageslicht ausgesetzt wird. „Ich mag die Idee eines verschwindenden Bildes,das sanft in unsere Erinnerung verlagert wird. Der Blaudruck ermöglicht diesen Effekt.

19Wenn man die Seiten gegen das Licht hält, verschwindet das Bild nach und nach, ab-hängig von der Intensität des Lichtes und der Länge der Belichtung. Sonnenlicht kanndas Bild zum Beispiel schneller verschwinden lassen – das bedeutet, je sichtbarerman es macht, desto schneller verschwindet es.“ ★

Throughout his works, Pratchaya Phinthong points to the cultural capitalization orcolonization of the meaning and the images of art. No Patents on Ideas (2005) refersto a letter written by Thomas Jefferson in the eighteenth century on the question ofthe intellectual property and the marketing of ideas. The blueprint process makes thecolors on the poster vanish when it is exposed to the daylight. As the artist states,“I like the idea of a disappearing image that moves gently into our memory, the blue-print gives that effect; when you hold the page against the ambient light, the imagedisappears little by little, depending on the strength of the light and the length ofexposure. For example, sunlight can make the image disappear quickly, which meansthat the more visible you make it, the more it disappears.”

Courtesy Pratchaya Phinthong; gb agency, Paris

Santiago Sierra*1966 in Madrid; lebt und arbeitet ★ lives and works in Mexiko-Stadt ★ Mexico City und ★ and Madrid

111 CONSTRUCCIONES HECHAS CON 10 MÓDULOS Y 10 TRABAJADORES / 111 CONSTRUCTIONS MADE WITH 10 MODULES AND 10 WORKERS, 2004

111 CONSTRUCTIONS MADE WITH 10 MODULES AND 10 WORKERS (2004) ist beispiel-haft für Santiago Sierras Werk. Für viele seiner Arbeiten engagiert Sierra Menschen,oft Arbeiter, die besonders von Ausbeutung betroffen sind, und bezahlt sie für dieAusführung bestimmter Tätigkeiten. Der Künstler reproduziert die ökonomische Ideedes Kapitalismus, stetig den Profit zu maximieren. Für La monnaie vivante ist dasErgebnis eine kritische und formale Auseinandersetzung mit der Sicht des Künstlersauf die Kunstgeschichte durch die monotone Aktivierung minimalistischer und dabeiprovisorischer Rigips-Module durch eine Gruppe von Arbeitern. Die ursprünglich 2004entwickelte Arbeit ist beeinflusst durch das Werk von Franz Erhard Walther, SierrasLehrer und Mentor. ★

111 CONSTRUCTIONS MADE WITH 10 MODULES AND 10 WORKERS (2004) is represen-tative of Santiago Sierra’s oeuvre. When creating a work, Sierra often hires people orworkers vulnerable to exploitation, and pays them for doing certain jobs. Thus theartist reproduces the economic idea of capitalism constantly seeking to increase profits.For La monnaie vivante, the result is a critical and formal engagement with the artist’sview on art history through the monotonous activation of minimal yet makeshiftplasterboard modules by a group of workers. The originally conceived piece from 2004is further influenced by the legacy of Franz Erhard Walther, Sierra’s teacher and mentor.

Courtesy Santiago Sierra

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Annie Vigier & Franck Apertet (les gens d’Uterpan)*1965 in Gonesse, Frankreich ★ France; *1966 in Flumet, Frankreich ★ Franceleben und arbeiten ★ live and work in Paris

les gens d’Uterpan: Sophie Demeyer, Déborah Lary, Stève Paulet, David Zagari, Denis Robert

Parterre, 2009

Das Stück Parterre (2009) zielt darauf ab, mit einem vorgefertigten Programm überalldort in der Stadt einzugreifen, wo es gerade aufgeführt wird (Theater, Auditorium,Konferenzhalle). Die Performance bleibt unkalkulierbar, und selbst wenn sie in denEinladungen und Informationsmaterialien der Veranstalter angekündigt wird, sollenTag und Ort der Aufführung bis zur letzten Minute geheim bleiben, auch für die Ver-anstalter selbst. Die Performance findet inmitten des Publikums statt. Die Aktion bestehtaus Tänzerinnen und Tänzern, die von hinten über die Stuhllehnen und über die Körperder Zuschauer gleiten, bis sie vor dem Publikum angekommen sind. Die Länge desStücks hängt von dem Umfang der vorhandenen Bestuhlung ab (circa zehn Minuten).Seit einigen Jahren untersuchen die Choreografen Annie Vigier und Franck Apertetmit ihrer Arbeit die Normen, welche Tanz und Live-Kunst definieren, und erforschendabei unter anderem den menschlichen Körper und insbesondere unsere Beziehungzu diesem im 21. Jahrhundert. ★

The piece Parterre (2009) is meant to interfere with a pre-established programanywhere (theater, auditorium, conference hall) in the city in which it occurs. The per-formance remains unexpected, and even if it is announced in the invitation andinformation material provided by the producer, the day and place it will occur shouldremain confidential up until the last minute—for the producers as well as for the public.The performance takes place among the audience. The action consists of the dancersprogressively sliding over the backs of the seats and over the spectators’ bodies,down toward the front of the audience. The length of the piece is determined by thesize of the seating arrangement (around ten minutes). For several years now theworks by the choreographers Annie Vigier and Franck Apertet examine the norms thatdefine dance and the live arts exploring amongst other things the human body, and inparticular our relation to this in the twenty-first century.

Courtesy Annie Vigier & Franck Apertet (les gens d’Uterpan)

21Franz Erhard Walther*1939 in Fulda, Deutschland ★ Germany; lebt und arbeitet ★ lives and works in Halstenbek, Deutschland ★ Germany

Dreiteiliges Standstück (Standing Piece in Three Sections), 1975

Seit den 1960er Jahren betrachtet Franz Erhard Walther die Aktion als Werkform.Die Serie Standstücke betont den Prozess als künstlerischen Gestus. Auf der Theater-bühne werden Teile der Serie Dreiteiliges Standstück (1975) in beliebigen, unregel-mäßigen Anordnungen, jedoch relativ nah aneinander, ausgelegt. Zunächst durch dasPublikum aktiviert, werden die Standstücke zu einem bestimmten Zeitpunkt von zweinackten Modellen betreten. Ein Mann und eine Frau stehen bewegungslos, bis siezusammen in eine andere Sektion wechseln. Die Eisenstücke haben jeweils zwei Flächen,die aufgrund ihrer ungleichen Größe ein Gefühl von Links und Rechts betonen. DiePerson, die im größeren Segment steht, hat theoretisch eine gewisse Bewegungs-freiheit, jedoch wird er/sie in der Praxis eher versuchen, eine stabilere Position einzu-nehmen, und gleichzeitig entscheiden, ob er/sie näher an der anderen Person oderweiter entfernt von ihr stehen will. ★

Since the 1960s, Franz Erhard Walther has been considering the action as the “formof the artwork” (Werkform). The series of Standing Pieces emphasizes the processas artistic gesture. On the theater stage, the parts of the Dreiteiliges Standstück(Standing Piece in Three Sections) (1975) are laid out in optional, irregular forms, butrelatively near to one another. At first activated by the public, the standing pieces areat some point entered by two nude models: male and female standing motionless,till together they move to another section. The iron pieces each have two spaces thatdue to their inequal size pronounce a feeling of left/right. The person who stands in thelarger segment theoretically has a certain freedom of movement, however, in practicehe or she will usually assume a stable posture, although still deciding whether to becloser or further away from the other person.

Courtesy Franz Erhard Walther; Galerie Jocelyn Wolff, Paris

Franz West*1947 in Wien ★ Vienna; lebt und arbeitet ★ lives and works in Wien ★ Vienna

In den frühen 1970er Jahren begann Franz West, kleine Assemblagen aus gefundenenMaterialien wie Karton, Verbandsmaterial und Draht anzufertigen, die er dann miteiner Schicht Gips und weißer Farbe bedeckte. Er nannte diese Skulpturen Paßstücke.West ist der Auffassung, dass der Betrachter sich mit der Skulptur auseinandersetzenoder sie anfassen muss, um ihre „ergonomische“ Natur voll und ganz zu erfassen.Diese frühen Skulpturen stehen stellvertretend für eine initime Version der extremenSpektakel des Wiener Aktionismus der Mitte der 1970er Jahre. ★

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In the early 1970s, Franz West began making small-scale assemblages incorporatingfound materials such as cardboard, bandages, and wire, which he then covered with acoat of plaster and white paint. He called these sculptures Paßstücke. West maintainedthat the viewer must engage with, or handle, the sculptures in order to fully experiencetheir “ergonomic” nature. Subsequently Paßstück has been translated as “adaptive”but this does not fully capture its original source as a technical term meaning “partsthat fit into each other.” These early sculptures function as prosthetics for an intimateversion of the extreme Actionist spectacles of the mid-seventies in Vienna.

Christian Wolff*1934 in Nizza, Frankreich ★ Nice, France; lebt und arbeitet ★ lives and works in Royalton, USA, und ★ and Hanover, USA

Auswahl aus ★ Selection fromProse Collection, 1968–1971: StonesPlayLooking NorthX for Peace Marches

Stones, 1968–1971Erzeuge Töne mit Steinen, hole Töne aus Steinen heraus, verschiedene Größen undArten (und Farben) verwendend; meistens diskret, manchmal in schnellen Sequenzen.Meistens Steine aufeinandergeschlagen, aber auch Steine auf andere Oberflächengeschlagen (zum Beispiel in einer offenen Trommel) oder anderes als geschlagen(beispielsweise gestrichen oder verstärkt). Nichts zerbrechen. ★ Make sounds withstones, draw sounds out of stones, using a number of sizes and kinds (and colors);for the most part discretely; sometimes in rapid sequences. For the most part strikingstones with stones, but also stones on other surfaces (inside the open head of adrum, for instance) or other than struck (bowed, for instance, or amplified). Do notbreak anything.

Play, 1968–1971Spiele, produziere Töne in kurzen Stößen, zum größten Teil klar gegliedert; Ruhe; zweioder drei Mal so laut wie möglich werden, höre jedoch sofort auf, wenn du dich selbstoder einen anderen Spieler nicht mehr hören kannst. Lass verschiedene Lücken imSpiel zu (zwei, fünf Sekunden, unbestimmt); lass manchmal verschiedene Vorgängeüberlappen. Spiele ein, zwei, drei, vier oder fünf Mal einen langen Ton, Komplex oder

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eine Sequenz von Tönen. Spiele manchmal unabhängig, manchmal in Abstimmung mitanderen Spielern (wenn sie beginnen oder aufhören oder während sie spielen odersich bewegen), oder ein Spieler sollte auf ein Signal (Start oder ein langer Ton, Startund Stopp oder nur Stopp) hin spielen (oder innerhalb von zwei oder fünf Sekundeneines Signals), über das er keine Kontrolle hat (nicht weiß, wann es kommen wird).Verwende an einigen Stellen oder durchweg Elektrizität. ★ Play, make sounds, in shortbursts, clear in outline for the most part; quiet; two or three times move toward asloud as possible, but as soon as you cannot hear yourself or another player stop direct-ly. Allow various spaces between playing (two, five seconds, indefinite); sometimesoverlap events. One, two, three, four or five times play a long sound or complex orsequence of sounds. Sometimes play independently, sometimes by coordinating withother players (when they start or stop or while they play or when they move) or aplayer should play (start, with long sounds, start and stop or just stop) at a signal (orwithin two or five seconds of a signal) over which he has no control (does not knowwhen it will come). At some point or throughout use electricity.

Die Arbeiten des weitgehend autodidaktisch ausgebildeten Komponisten ChristianWolff werden mit denen von John Cage, Morton Feldman und Earle Brown assoziiertund gemeinsam mit diesen als New York School gefeiert. Er ist außerdem aktiverPerformer und Improvisateur und arbeitet in Live-Performances mit zahlreichenMusikerinnen und Musikern zusammen. ★

Largely self-taught as a composer, Christian Wolff’s work has been associated withthat of John Cage, Morton Feldman, and Earle Brown, celebrated jointly as the New York School. He is also an active performer and improviser and has collaboratedin live performances with numerous musicians.

Courtesy Christian Wolff

24 Artur Zmijewski*1966 in Warschau ★ Warsaw; lebt und arbeitet ★ lives and works in Warschau ★ Warsaw

William Shakespeare: Sonette, 2010

Auf ebenso abstrakte wie konkrete Weise erforscht Artur Zmijewski die offenkundige

soziale und individuelle Unfähigkeit zur Kommunikation. Zmijewski engagiert unter

anderem eine Person mit türkischem Migrationshintergrund und geringen Deutsch-

kenntnissen, um 16 Sonette von Shakespeare in Übersetzung vorzutragen. Diese Vor-

führung verdeutlicht den Reibungsverlust, der zum einen durch die Veränderung des

Textmaterials bei der Übersetzung vom Englischen ins Deutsche und zum anderen durch

den mündlichen Vortrag entsteht. Die Stimme einer einzelnen Person wird zu konkreter

Musik, die in scharfem Gegensatz zur zeitlosen Perfektion und unerreichbaren Schön-

heit der klassischen englischen Poesie steht.

★

Both abstract and more concrete, Artur Zmijewski investigates the overtly human social

as well as individual hindrances and disabilities of communication. To read sixteen

sonnets by Shakespeare in their translated form, Zmijewski among others engages a

person with a migrant Turkish background, barely speaking German. Thus the perfor-

mance of Shakespeare’s sonnets expresses the friction, changing the text material in

both the written alternation from English to German and when meeting the personal

parole. The singular person’s voice thus assembles concrete music that contrasts sharply

with the timeless perfection and the inaccessible beauty of the classical English poetry.

Courtesy Artur Zmijewski

Musikalische Inszenierung ★ Musical Staging: Jean-Jacques Palix*1952 in Paris; lebt und arbeitet ★ lives and works in Paris

Jean-Jacques Palix ist Komponist, Archivar und Liebhaber seltener Musik sowie realerSounds. Nach seinen radikalen Produktionen für das experimentelle „Radio Nova“ in denfrühen 1980er Jahren in Paris, hat er an zahlreichen Projekten, die von experimentellemTanz bis zu bildender Kunst, Film, Video und Mode reichen, mitgearbeitet. 1992 grün-dete er ein unabhängiges Plattenlabel, bei dem neben anderen David Coulter undVincent Segal veröffentlicht haben. Er hält regelmäßig Vorträge und veranstaltet Ge-sangskonzerte und Noise-Events. In jüngster Zeit ist er als Produzent und Regisseurmehrerer Filme, unter anderem zu John Cages Lecture on Nothing (1949), sowie alsCo-Kurator der Ausstellung Cornelius Cardew and the Freedom of Listening (2009–2010)in Erscheinung getreten.★

Jean-Jacques Palix is a composer, an archivist, and a lover of rare music and real sounds.After making radical productions at the experimental “Radio Nova” in Paris in the early1980s, he has collaborated on projects in a broad variety of genres from experimentaldance to contemporary art, film, video, and fashion. In 1992, he founded an independentrecord label releasing David Coulter, Vincent Segal et. al. Currently lecturing and con-ducting vocal concerts and noise events, he has produced and directed numerous movies,among others a film on John Cage’s Lecture on Nothing (1949), and recently co-curatedthe traveling exhibition Cornelius Cardew and the Freedom of Listening (2009–10).

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Impressum ★ Imprint

Team La monnaie vivante ★ The Living Currency ★ Die lebende MünzeKurator und Inszenierung ★ Curator and Staging: Pierre Bal-BlancKordinatorin ★ Coordinator: Rhea Gaardboe DallProjektassistentin ★ Project Assistant: Henriette SölterAssistenz ★ Assistance: Katrin Dölle, Anna Grossherr, Ulrike Jordan, Iris Ströbel

Mitwirkende ★ Participants111 CONSTRUCTIONS: Polnische Arbeiter ★ Polish workers: Bogdan Bryudor, Adam Geochowski, Michal- Gross,Arkadiusz Horasymowicz, Marian Irynka, Robert Kazusek, Wiktor Kazusek, Zemoitel Lenon, Andrzej Madzia,Artur Paszkiewicz, Sebastian Siekielecki, Grzegorz Wojtaszek, angeleitet von ★ instructed by L-ukasz MojsakBrecht-Stücke ★ Brecht pieces: Maximilian ZahlDreiteiliges Standstück: Aktmodelle ★ Nude models: Josef Berisvili, Karin NilssonLa Sveglia: Frau ★ Woman: Silke Mock, Junge ★ Boy: Julius Petrick, Mann ★ Man: Michi SiebertLesung ★ Reading William Shakespeare, Sonette: Andreas Ivangean, Melehat KaçarNäherei Nebtex: Näherinnen ★ Seamstresses: Sibylle Nebel, Margit SeegerOrchester ★ Orchestra: Benjamin L. Aman, Andreas Führer, Benjamin Heiss, Maria Kamutzki, Richard Lockett,Anders Meldgaard, Laura Mello, Dominik Noe, Margo ZaliteTeaching to Walk: Mütter und Kinder ★ Mothers and children: Christin & Anton Herm, Urte & Eduard Jürgens,Natascha & Anton Soukhova

Team HAUMatthias Lilienthal, Katrin Dod, Susanne Görres sowie ★ as well as Ingo Ruggenthaler, Jörg Fischer, Piotr Rybkowski, Thomas Schmidt, Uli Kellermann, Anna Lienert, Matthias Kirschke

Team CAC Brétigny Isabelle Dinouard, Delphine Goutes, Julien Duc-Maugé, Nadine Monfermé, Sophie Mugnier, Céline Semence, Pierre Simon

Broschüre ★ BrochureRedaktion und Texte ★ Editing and Texts: Pierre Bal-Blanc, Rhea Gaardboe Dall, Ana JanevskiÜbersetzungen ins Deutsche ★ Translations into German: Katrin DölleÜbersetzung ins Englische, S. 27 ★ Translation to English, p. 27: Jeanne HaunschildLektorat, Korrektorat und Übersetzung ★ Copyediting, Proofreading, and Translation:Eileen Daly, Katrin Dölle, Ulrike Jordan, Katrin Sauerländer, Iris Ströbel, Renate Wagner, Tina Wessel

Danksagung ★ AcknowledgmentsLa monnaie vivante hätte nicht realisiert werden können ohne die Unterstützung von ★ would not have been possible without the support of Christophe Martin, Eva Wittocx, Catherine Wood, Vanessa Desclaux, Ana Janevski, Joanna Mytkowska und ★ and Kathrin Rhomberg.

Besonderer Dank an ★ Special thanks to agnès b. und ★ and Christian Boltanski

www.berlinbiennale.dewww.cacbretigny.comwww.hebbel-am-ufer.de

Umschlag ★ Cover: Pratchaya Phinthong, No Patents on Ideas, 2005; Installation, La monnaie vivante,Museum of Modern Art, Teatr Dramatyczny, Warschau ★ Warsaw, April 2010; Foto ★ Photo: Jan Smaga

© 2010 6. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst, KW Institute for Contemporary Art, die Autor/innen

26La monnaie vivante ★ The Living Currency ★ Die lebende Münze, nach Pierre Klossowski, wird inszeniert vonPierre Bal-Blanc für die 6. Berlin Biennale und realisiert in Zusammenarbeit mit dem Hebbel am Ufer (HAU) unddem Centre d’art contemporain de Brétigny (CAC Brétigny).La monnaie vivante ★ The Living Currency ★ Die lebende Münze, after Pierre Klossowski, is staged by PierreBal-Blanc for the 6th Berlin Biennale and realized in cooperation with Hebbel am Ufer (HAU) and Centre d’artcontemporain de Brétigny (CAC Brétigny).

Mit großzügiger Unterstützung von ★ With generous support of CULTURESFRANCE, Paris

und ★ and agnès b. endowment fund, Instytut Adama Mickiewicza, Warschau ★ Warsaw, The Danish ArtsCouncil’s Committee for International Visual Arts, Kopenhagen ★ Copenhagen, The State Corporation forSpanish Cultural Action Abroad (SEACEX), Madrid und ★ and Italienisches Kulturinstitut Berlin.

Das Werk Näherei Nebtex von Jens Haaning wird realisiert in Zusammenarbeit mit Nebtex Berlin. ★ The workNäherei Nebtex by Jens Haaning is realized in cooperation with Nebtex Berlin.

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Für die 6. Berlin Biennale inszeniert Pierre Bal-Blanc gemeinsam mit über zwanzigKünstlerinnen und Künstlern drei Tage lang eine organische Bestandsaufnahme unserervon Ökonomie und Rentabilität bestimmten Gegenwart. Als Teil der von KathrinRhomberg kuratierten Ausstellung was draußen wartet thematisiert das Ausstellungs-projekt La monnaie vivante ★ The Living Currency ★ Die lebende Münze aus unter-schiedlichen Blickwinkeln und durch verschiedene Zugänge zum menschlichen Körperdie Ausrichtung unserer Wahrnehmung. Die 6. Berlin Biennale wendet sich in ihrerKonzeption gegen die eindimensionale Wahrnehmung einer Wirklichkeit, die sich nichtlänger mit einfachen Welterklärungsmodellen beschreiben und erfassen lässt. Techno-logische Entwicklungen sowie die globalen ökonomischen, politischen und sozialenKrisen der Gegenwart haben unserer Wirklichkeit Risse zugefügt, haben den Abstandvergrößert zwischen der Welt, über die geredet wird, und der Welt, die tatsächlichda ist.Die in der 6. Berlin Biennale präsentierten Arbeiten verweigern sich den in der Kunstzunehmend zu beobachtenden Tendenzen zur Abkehr von der Realität und hin zukunstimmanenten und formalen Fragestellungen. Sie widersetzen sich diesen Tendenzendurch die Behauptung eines offenen Blicks auf unsere Gegenwart und ihre Wirklichkeit.La monnaie vivante ★ The Living Currency ★ Die lebende Münze wird in diesemGesamtzusammenhang zum Testfeld für die verschiedenen Ansätze und Manifestationendes künstlerischen Formats Performance und das ihm immanente Wechselspiel zwischenAlltag und künstlerischer Transformation. Drei Tage lang wird im HAU überprüft, wie essich mit unserer Beziehung zu dem Draußen, dem Alltag, der sogenannten Realität„wirklich“ verhält.

For the 6th Berlin Biennale, Pierre Bal-Blanc, together with over twenty artists, isstaging a three-day organic survey of our present that is largely driven by economicsand efficiency. As part of the exhibition what is waiting out there, curated by KathrinRhomberg, the exhibition project La monnaie vivante ★ The Living Currency ★Die lebende Münze thematizes our perceptual orientation from different angles acrossa wide range of ways of viewing the human body. Through its concept, the 6th BerlinBiennale aims to challenge a one-dimensional perception of a reality that today nolonger exists and to which simple explanatory models of the world no longer sufficientlyapply. Technological developments and the current global economic, political, andsocial crises have inflicted cracks on our reality, thus enlarging the gap between theworld we talk about and the world as it really is. The works presented in the 6th Berlin Biennale reject the increasing tendencies in visualart that renounce reality and turn toward aesthetic and formal issues. In a counter-movement, these works go beyond such approaches by establishing an open view ontoour present-day world. In this overall context, La monnaie vivante becomes a test-bed forthe different modes and manifestations of performative practice as well as for investi-gating the immanent interaction between everyday life and artistic transformation.During three days at the HAU, our relationship to the outside world—so-called reality—will be tested as to how it “really” is constituted.

Diese Broschüre erscheint anlässlich der 6. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst, kuratiert von Kathrin Rhomberg.This brochure is published in conjunction with the 6th Berlin Biennale for Contemporary Art, curated by Kathrin Rhomberg.

Orte ★ Venues1 KW Institute for Contemporary Art Auguststraße 69, D-10117 Berlin 2 Oranienplatz 17, D-10999 Berlin 3 Dresdener Straße 19, D-10999 Berlin 4 Kohlfurter Straße 1, D-10999 Berlin 5 Mehringdamm 28, D-10961 Berlin 6 Alte Nationalgalerie | Old National Gallery Bodestraße 1–3, D-10178 Berlin (Museumsinsel)

Öffnungszeiten ★ Opening HoursDienstag bis Sonntag 10 –19 UhrDonnerstag 10 – 22 UhrTuesday to Sunday 10 am – 7 pmThursday 10 am– 10 pm

Öffnungszeiten ★ Opening Hours Alte Nationalgalerie | Old National GalleryDienstag bis Sonntag 10 –18 UhrDonnerstag 10 – 22 UhrTuesday to Sunday 10 am – 6 pmThursday 10 am– 10 pm

Veranstalter / Kontakt ★ Organizer / ContactKW Institute for Contemporary ArtAuguststraße 69, D-10117 BerlinPhone 0049 (0)30-24 34 59-0Fax 0049 (0)30-24 34 59-99office@berlinbiennale.de, press@berlinbiennale.dewww.kw-berlin.de, www.berlinbiennale.de

La monnaie vivante ★ The Living Currency ★Die lebende MünzeTickets: 14 € / 7 € ermäßigt ★ concessionTageskasse ★ Box Office HAU 2Hallesches Ufer 32, D-10963 BerlinPhone 0049 (0)30-25 90 04-27Täglich 12 – 19 Uhr ★ Daily 12 – 7 pmDie Abendkasse im HAU 1 (Stresemannstraße 29) öffnet eine Stunde vor Vorstellungsbeginn.The Box Office at HAU 1 (Stresemannstraße 29) opens one hour before the start of the event.

Die Performances finden zwischen 19:30 – 00:30 Uhr in beliebiger Reihenfolge statt. Der Eintritt ist jederzeitmöglich.Performances run from 7.30 pm – 00.30 am without aregular order. It is possible to enter at any time.

Die Berlin Biennale wird organisiert durch die KW Institute for Contemporary Art und gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes.The Berlin Biennale is organized by KW Institute for Contemporary Artand funded by the German Federal Cultural Foundation.

6. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst6th Berlin Biennale for Contemporary Art11.6.– 8.8.2010

www.berlinbiennale.de