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Revista digital de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes Año 1. Número 7. Agosto de 2012

el teatro y sus intersticiosmediointe

MISCELÁNEA Iberescena por Centroamérica / Meno Fortas en Palacio de Bellas Artes ❚ ARTÍCULO XV años celebrando la escena transversal: Transversales 2012 / Incendios y litoral. Ordalía y erosión filogenéticos de un acantilado personal ❚ REPORTAJE El teatro de papel, una ventana a otras posibilidades de representación ❚ BAJO EL REFLECTOR ❚ TEATRÓSCOPOS

Del 7 de agosto al 2 de septiembre

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A la deriva JocA partir de Las Aventuras deHuckleberry Finn de Mark Twain

Jacqueline SerafínAdaptacióny Dirección:

Con: Bernardo Gamboa, Humberto Galicia,Jacqueline Serafín, Aarón Govea y Jesús Díaz

Teatro el Galeón Del 16 de junio al 26 de agostoFunciones: Sábados y domingos 13:00 horasSUSPENDE FUNCIÓN 11 Y 12 DE AGOSTO

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Suzanne LebeauSandra Rosales

Dramaturgia:Dirección:

El grillo

Sala Xavier Villaurrutia Del 7 de julio al 9 de septiembre Funciones: Sábados y domingos 13:00 horas

Con: Lorena Bojórquez y Sandra Rosales.

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COORDINACIÓNNACIONALDE TEATRO

EDITORIAL

Editorial

Este mes de agosto, Intermedio da la bienvenida al segundo semestre del año con gran banquete teatral. No sólo porque estaremos de estreno con más de seis propuestas, sino porque se suman, además, dos festivales de la escena contemporánea: Transversales, que cumple XV años; y DramaFest, que celebra su quinta edición.

Transversales se llevará a cabo en la ciudad de Pachuca, Hidalgo, y Ciudad de México, presentando montajes de Quebec-Canadá, Suiza España, Francia, República Checa, entre otros países, generando así un circuito de montajes contemporáneos que nos llevaran por paisajes inesperados. Por su parte, el DramaFest invita este año a Finlandia, y del interior de la República, al estado de Guerrero. Por lo que Acapulco y D.F., serán testigos del trabajo que se ha ido cohesionando a lo largo de sus cinco ediciones.

La recomendación de este mes en El teatro también se lee es sobre uno de los escritores más conmovedores y cercanos, nos referimos al autor libanés Wajdi Mouwad, y los invitamos a reflexionar sobre su trilogía Incendios, Litoral y Bosques. Será ésta última, presentada en el Teatro Orientación bajo la dirección de Hugo Arrevillaga, a partir del 13 de agosto.

No podemos dejar de mencionar el próximo estreno de Alejandro Ricaño, El amor de las luciérnagas, no sólo porque es un bello encuentro con uno mismo, sino por su Premio Bellas Artes Mexicali de Dramaturgia en 2011.

Además, les presentamos una mirada histórica y contemporánea al Teatro de Papel, con la compañía Facto Teatro. Así como, a nuestros ya clásicos Teatróscopos.

Los invitamos pues, a este gran banquete de obras teatrales que seguramente conquistarán a más de uno.

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Consejo Editorial Juan Meliá y Alicia Martínez Editora General Angélica Moyfa García Reporteros Irving Rivas, Raúl Medina Diseño Editorial Gustavo Hernández Colaboradores Agosto Vera Milarka y Gabriel Yépez Fotografía Acervo fotográfico del INBA.

Agradecemos la colaboración de todos los que hicieron posible este número.

Contacto: gentedeteatro@inba.gob.mx

CONTENIDO

EDITORIAL 1

MISCELÁNEA 3

• Iberescena por Centroamérica

• Se presenta en Sala Xavier Villaurrutia texto ganador de Premio Bellas Artes de Dramaturgia

• Llega un clásico de la literatura rusa al Palacio de Bellas Artes

ARTÍCULO

• XV años celebrando la escena transversal Transversales 2012 5

ENTREVISTA

• DramaFest, un intercambio de teatro y cultura 7

BAJO EL REFLECTOR 10

MUCHA MIERDA 12

ARTÍCULO

• Incendios y litoral. Ordalía y erosión filogenéticos de un acantilado personal 15

REPORTAJE

• El teatro de papel, una ventana a otras posibilidades de representación 23

EL TEATRO TAMBIÉN SE LEE

• Incendios y litoral 27

TEATRÓSCOPOS 28

TEATTER 30

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MISCELÁNEA

Iberescena por Centroamérica

La incentivación por medió de la unión

Por: Raúl Medina

Del 10 al 12 de agosto en la ciudad de San José, Costa Rica, se llevará a cabo el encuentro “Iberescena por Centroamérica”. El fondo de ayuda, con casi seis años de existencia, buscará contribuir al fortalecimiento de la producción, promoción y consolidación de espacios para la presentación de grupos de teatro y danza en Centroamérica.

El encuentro contará con diferentes autoridades gubernamentales del sector Cultura de la región centroamericana, como Ana Magdalena Granadino, Secretaria General de Cultura de El Salvador; Carlos Batzin, ministro de Cultura de Guatemala; Tulio Mariano González, ministro de Cultura de Honduras; Luís Morales Alonso, encargado de cultura por el Ministerio de Cultura y Deportes de Nicaragua; Manuel Obregón, ministro de Cultura y Juventud de Costa Rica; y María Eugenia Herrera de Victoria, directora del Instituto Nacional de Cultura de Panamá. Así como Juan Meliá, director mexicano de Iberescena y el secretario Técnico del programa, el español Guillermo Heras. Adicionalmente, la actividad contará con participación de directores de Teatros Nacionales y representantes del sector independiente de las artes escénicas centroamericanas.

En este ámbito se discutirán y proyectarán políticas culturales para el crecimiento de las redes centroamericanas de teatro y danza, con el fin de profundizar la profesionalización de la producción y la circulación escénica.

Hasta ahora, Costa Rica es el único país centroamericano que pertenece a Iberescena y se busca que países como Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua y Panamá se integren y formen parte de este fondo de ayuda. Si se logra que estos países entren al programa, se formaría un corredor regional que permitiría un intercambio y surgimiento de proyectos entre países vecinos y una mejor colaboración en la producción de los trabajos, facilitando la realización de giras en aquella región, además de favorecer la formación de profesionales del teatro y danza en el ámbito de producción y gestión.

”Iberescena por Centroamérica” es un proyecto aprobado por el Consejo Intergubernamental de este programa, y sin duda, demuestra que la unión es la base del crecimiento, sobre todo, entre el sector profesional independiente y las instituciones que fomentan la cultura.

Se presenta en Sala Xavier Villaurrutia texto ganador de Premio Nacional de

Dramaturgia 2011El amor de las luciérnagas de Alejandro Ricaño se presentará en temporada del 23 de agosto al 30 de septiembre

Por: Irving Rivas

El amor de las luciérnagas, texto más reciente del joven dramaturgo Alejandro Ricaño, escrito entre 2010 y 2011, y ganador del Premio Bellas Artes Mexicali de Dramaturgia 2011, está por publicarse en la editorial Libros de Godot en coedición con el INBA y próximo a estrenarse en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque. “Es una historia de amor, inscrita en el realismo mágico. Es una comedia sobre la búsqueda de uno mismo, no metafórica, sino literalmente. Una obra que reflexiona sobre la necesidad de soltar para poder seguir adelante”. Así describe el autor su texto.

La obra se desarrolla en los noventa y la primera década del dos mii; Ricaño habla de la época donde creció y que ya es un clásico. Elementos como la aparición de los teléfonos celulares, el internet, la crisis del 94, el asesinato de Luis Donaldo Colosio, enmarcan el texto.

“Quería hablar sobre el choque cultural entre el norte y el sur del país. En general, de cómo viví mi país en la adolescencia. Y dentro de ese marco cuento esta historia de amor de la que hablo, la de María, una escritora de teatro para niños, que se enamora de un laureo de jaranas, pero que se resiste a dejar a su novio, un fotógrafo de luciérnagas que le ha jodido la vida los últimos diez años. Todo en medio de una frenética búsqueda de un duplicado suyo que va por el mundo adueñándose de su vida”.

La obra también es dirigida por él mismo: “Cuando escribo ya estoy pensando en la escena. Y en escena siempre hago una reescritura”.

El elenco lo conforman Sonia Franco / Gabriela Ochoa, Ana Zavala / Brenda Hernández, Sofía Silwin / Sara Pinet y Hamlet Ramírez / Rodolfo Nevárez. En el equipo creativo están: Matías Gorlero en iluminación y Mario Marín en vestuario.

El amor de las luciérnagas se presentará en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque, del 23 de agosto al 30 de septiembre. Funciones: jueves y viernes 20:00 horas, sábados 19:00 horas y domingos 18:00 horas. Suspende 15 y 16 de septiembre.

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MISCELÁNEA

Llega un clásico de la literatura rusa al Palacio de Bellas artes

Únicas funciones, El idiota se presenta 4 y 5 de agosto

Por: Irving Rivas

El idiota de Fiodor Dostoievsky, dirigida por el aclamado director lituano Eimuntas Nekrosius, se presenta 4 y 5 de agosto en el Palacio de Bellas Artes, a las 17:00 horas.

Eimuntas Nekrosius, al frente de la compañía Meno Fortas, creó esta producción en 2009, la cual fue galardonada con La Cruz Escénica Dorada, máximo reconocimiento artístico de Lituania, y que ha sido recibida con gran éxito en sus giras internacionales.

El idiota es un viaje por la mente del último heredero de una gran familia en decadencia; personaje en el que conviven una superioridad espiritual y generosidad, con una completa falta de experiencia de vida y parálisis de la voluntad.

La narración escénica creada hace de esta adaptación literaria, una obra dinámica llena de expresividad física y visual, no sólo por las actuaciones, sino también por los objetos que se alojan en el escenario. Además, es acompañada por una línea musical que lejos de ser un complemento, se conforma como un lenguaje autónomo.

Meno Fortas (La fortaleza del Arte), fundada por Nekrosius en 1998, aportan nuevas miradas y medios de expresión alegóricos y fantasiosos para abordar a autores clásicos como Chéjov o Shakespeare. Su trilogía Hamlet, Macbeth y Otelo fue ampliamente premiada.

El Idiota se presentará en el Palacio de Bellas Artes el 4 y 5 de agosto a las 17 horas. Localidades: $670ºº, $515ºº, $410ºº, $310ºº y 205ºº.

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MISCELÁNEAMISCELÁNEAARTÍCULO

A lo largo de 14 emisiones, el Encuentro Internacional de Escena Contemporánea, Transversales, ha logrado presentar, en nuestro país, una extensa serie de trabajos escénicos producidos en el ámbito internacional. Tras un cambio de nombre (inicialmente: Encuentro Internacional de teatro del Cuerpo) este evento ha promovido un intercambio de lenguajes artísticos relevantes para la creación de la escena transversal. Con cada emisión, sus alcances se han ampliado gracias al apoyo de personas e instituciones. De esta manera, Transversales ha logrado incidir directamente en las creaciones de artistas escénicos nacionales. Ejemplo de ello es el trabajo de varios hacedores que, a partir de su experiencia en el encuentro y el trabajo directo con los creadores y compañías invitadas, han logrado integrar, en sus producciones, lenguajes inspirados en este tipo de procesos.

La presencia de creadores de talla internacional en nuestro país como Josef Nadj, Rodrigo García, Stefan Kaegi (Rimini Protokoll), Angélica Liddell y Pippo Delbono, por mencionar algunos, ha sido relevante por dos razones principalmente: por la presentación de sus innovadores trabajos y, más aún, por los talleres que han impartido, en los que comparten sus metodologías de creación; abriendo así distintas posibilidades de entender la escena teatral contemporánea.

En los últimos años, una serie de conferencias, mesas redondas y seminarios teóricos se han sumado a este evento con varios objetivos: reflexionar en torno a las diversas maneras de creación; analizar el discurso

práctico de la escena desde una perspectiva teórica y, de esta manera, generar un marco que permita un amplio entendimiento sobre la creación escénica actual.

En agosto de 2012 Transversales celebra sus XV años en las ciudades sedes: Pachuca y México, DF. Con este motivo se presentarán espectáculos y talleres impartidos por Julie Andrée, Gilles Jobin, Mariano Pensotti, Ex nihilo, Howard Lotker, y La Ribot. De manera paralela a los espectáculos y talleres, y con la colaboración del Centro de Investigación Teatral, CITRU, realizaremos un ciclo de diálogos de especialistas enfocados al pensamiento crítico de la escena contemporánea sobre tres líneas temáticas: “Recuento: espacio y memoria”; “Festividad: celebración y olvido” y, finalmente, “Utopía: la escena por venir”.

En esta XV emisión de Transversales tendremos la oportunidad de reflexionar sobre la incidencia, el diálogo y la repercusión del encuentro en el contexto artístico nacional. Será un momento para trazar y aventurar una serie de perspectivas de desarrollo y creación de vínculos para el futuro próximo.

Después de XV años de propuestas escénicas, te invitamos a unirte a los festejos quinceañeros. Visita las páginas www.transversales.mx y http://www.teatrolineadesombra.org en ellas podrás consultar la programación y participar en este gran festejo de la escena transversal. ¡Ven a celebrar con nosotros!

* Coordinador de Investigaciones del CITRU.

XV años celebrando la escena transversal

XV años celebrando la escena transversal

Transversales 2012Por: Gabriel Yépez*

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ENTREVISTA

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ENTREVISTA

Aurora Cano, en entrevista con Intermedio, nos cuenta sobre el origen del festival: “El Dramafest surge de un cuestionamiento por parte de la gente que hacemos teatro. Había una necesidad de montar textos extranjeros o teatro extranjero, además existía una distancia muy grande entre la gente que escribía teatro y la gente que hacía teatro en México. El porcentaje de montajes de autores extranjeros era mucho más alto del que hay ahora, y de alguna manera no había una relación o un vínculo entre ambas partes; razón por la cual, los que hacemos teatro en general queríamos montar obras inglesas, canadienses o un repertorio clásico de los países del norte: Noruega o Suecia; incluso y desde luego, textos estadounidenses. A partir de ese cuestionamiento uno se empieza a preguntar por qué se escribe tan poco en México, porque no parecía que hubiera tantos escritores. Sigo pensando que hay muy pocos escritores de teatro en México, aunque existe mayor comunicación y se ha estrechado la relación entre los escritores y los hacedores de teatro”, compartió la creadora. DramaFest es un festival de formato único, la temática consiste en tener como invitados a un país y a un estado de la República. Un director extranjero montará

DramaFestUn intercambio

de teatro y culturaPor: Raúl Medina

En 2004 surgió el Festival Internacional de Dramaturgia Contemporánea DramaFest, proyecto creado por Aurora Cano con el fin de alentar el interés, sobre todo de los jóvenes, dedicados al quehacer teatral en México. El principal objetivo es estimular, producir y difundir la dramaturgia nacional en comparación con la de los países más importantes del ámbito teatral. De esta manera, el Dramafest brinda a los jóvenes dramaturgos la posibilidad de escenificar y dar a conocer sus textos, y por otro lado, promover en nuestro país los textos que están impactando al público en los escenarios del mundo.

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ARTÍCULOENTREVISTA

una obra de un texto mexicano y viceversa. Por otro lado, los textos de los dramaturgos del estado invitado, serán presentados en lecturas dramatizadas leídas por actores profesionales. También se imparten talleres y mesas redondas. Todo esto se lleva a cabo, primero, en importantes recintos de la Ciudad de México, para después, trasladarse y presentar el Festival completo en los teatros del estado invitado.

“A titulo personal me interesó investigar qué se estaba escribiendo aquí y hacer un comparativo, se me hacía divertido establecer puentes de comunicación. Por eso el DramaFest desde el día uno, surge como un festival de dramaturgia, pero no es como todos los festivales. Para mi era muy importante que fuera un festival que produjera dramaturgia contemporánea, esa fue la primera premisa, que tiene que ver con que los directores de aquí siguiéramos montando textos de fuera, que es algo que siempre se ha hecho, pero lo que nunca habíamos hecho era traer a la gente de fuera a montar nuestros textos. De alguna manera se buscó ese equilibrio, se trató de traer gente de países invitados a impartir talleres sobre escritura a la comunidad y hablar de cómo funciona el teatro contemporáneo en cada uno de sus países. También se incluyó el formato de lecturas dramatizadas, y desde el principio se buscó que funcionara de la misma forma, así como tenemos puentes hacia otros países, tener también puentes dentro de nuestro propio país, porque México es un país terrenamente centralizado

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ENTREVISTA

su quinta edición teniendo como invitados de honor a Finlandia y al estado de Guerrero. Pero, ¿qué hace diferente a esta nueva edición del festival?

“Lo divertido del Dramafest es que parece que todo es igual, pero cambia mucho idiosincrásicamente, el hecho de que cambien los países y los estados en cada emisión, lo hace completamente diferente a pesar de que está fundamentado en la misma estructura, es decir, este no es un festival que va montando en términos estructurales. La cuestión de que el festival crezca, en lo personal no me interesa, yo he defendido muchísimo que el formato es ideal y que se debe mantener. ¿En qué sentido queremos que crezca? Queremos que crezca en el sentido de poder trabajar en diferentes condiciones, porque es un festival independiente, que si bien tiene fondos públicos, opera desde la periferia y en condiciones básicas, y eso, más allá de ser una condición impuesta por las circunstancias, es una condición que se buscó, es decir, considero que el teatro debe tener una relación de costo-beneficio y me parece que el festival cumple su función, es un festival que cuesta muy poco, cuesta el equivalente a un montaje de los grandes y el beneficio es enorme. Lo que sí quiero, es que tenga un impacto hacia públicos más jóvenes, que llegue a públicos que no hemos logrado llegar.

“Con cada país es muy diferente la experiencia, en este caso, trabajar con Finlandia y siendo Guerrero nuestro estado invitado, es un

intercambio de climas, lo llamo un encuentro climatológico, de climas del alma y de climas de atmósfera. Lo divertido de estas experiencias es encontrar qué hay en común, en dónde hay complicidad a pesar de que parezca que somos de otro planeta en nuestras formas de trabajo. En términos de estructura vamos a hacer la misma que ha tenido el festival, añadir algunas actividades a las que llamaría exóticas”, finalizó la creadora intelectual del DramFest.

en donde casi toda la actividad cultural ocurre de una manera dramática en esta ciudad, y así como me intrigaba conocer qué estaban haciendo Alemania o Inglaterra en Polonia o en Argentina, también me interesaba saber qué estaban haciendo en Huauchinango, Puebla o quién estaba escribiendo en Sonora o en Chihuahua. Entonces desde el día uno tuvo esa doble misión, conectar con el exterior y conectar con el propio país, siempre a través de la escritura, siempre a través del teatro contemporáneo”, comparte Aurora.

En su primera edición, el festival estuvo dedicado al intercambio entre el teatro mexicano y el británico. En 2006 el intercambio sucedió con Alemania y Puebla como país y estado invitados. En su tercera edición, en el 2008 el intercambio se propicio entre Estados Unidos y el estado de Jalisco y tras el éxito de las ediciones anteriores, DramaFest se consolida como un medio que abre caminos hacia la difusión, mejor comprensión y un adecuado trato a la dramaturgia. Para el 2010, debido a la conmemoración del Bicentenario de la Independencia y Centenario de la Revolución Mexicana se incrementaron las actividades relacionadas con la dramaturgia en español. Ese año, DramaFest incluyó cuatro obras de dramaturgos mexicanos con la participación de directores de Argentina, Chile, España y México.

Este año, durante el mes de agosto y septiembre, Dramafest presentará

El Festival Internacional de Dramaturgia Contemporánea en su quinta edición, presentará sus montajes del 7 de agosto al 2 de septiembre en el Teatro El Granero, Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque. La obra Connectin People escrita por Elena Guiochins bajo la dirección de la finlandesa Hili Iivanainen, se presenta los días martes, miércoles y jueves a las 20:00 horas; y Horror Móvil de Juha Jokela, dirigida por Mario Espinosa, lo hará los viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas y domingos 18:00 horas.

Un festival que no debemos dejar pasar

de largo.

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BAJO EL REFLECTOR

Estreno de

Ubú Rey

Clausura de la obra

Martina y loshombres Pájaro

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BAJO EL REFLECTOR

FESTIVAL DE MONÓLOGOS,TEATRO A UNA SOLA VOZ

2012

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El primer montaje es dirigido por Antonio Algarra, con un texto de Shakespeare, se trata de ¡Mucho ruido!, se presenta del 2 al 5 de agosto. Es una conversación de resonancias de inteligencia e ingenio que en medio de amores cruzados, el dramaturgo isabelino plantea lo individual y universal del hombre.

Le sigue del 9 al 12 de agosto, Pentesilea, dirigida por Martín Acosta, la reina del bélico pueblo de las amazonas, la guerrera que desafió la posición social de la mujer.

Para concluir con la puesta en escena El cerco de Numancia, del 16 al 19 de agosto, dirigida por Alicia Martínez Álvarez. De Miguel de Cervantes, esta obra conserva su eterna actualidad: los tiranos de hoy siguen usando la fuerza y el hambre para someter a los pueblos.

¡MUCHA MIERDA!

ENAT a Escena

La Escuela Nacional de Arte Teatral trae a escena tres diferentes montajes este mes, que se presentan del 2 al 19 de agosto en el Teatro Julio Jiménez Rueda, de entrada gratuita, jueves y viernes 20:00 horas, sábados 19:00 horas y domingos 18:00 horas.

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¡MUCHA MIERDA!

A raíz de un mal incurable, Lobo, la más pequeña de una familia, y un paleontólogo llamado Douglas Dupontel, deciden buscar el origen de esa enfermedad. Es así como a través de promesas no cumplidas, de generación en generación, su viaje nos llevará hasta 1917, año en el cual un soldado desertor, Luciano, se refugia en el corazón de un bosque para descubrir un zoológico y al amor de su vida, Léoni. Ellos vivirán una historia de amor, pero quedarán atrapados en un laberinto lleno de guerras, catástrofes y traiciones que se extenderá por todo el siglo XX y del que sólo podrán salir cuando las promesas traicionadas sean cumplidas.

Se trata de Bosques, de Wajdi Mouawad, dirigida por Hugo Arrevillaga, que tendrá temporada del 13 de agosto y hasta el 19 de septiembre, en el Teatro Orientación, lunes, martes y miércoles a las 19:00 horas

De Eugéne Ionesco, Juliana Faesler y Clarissa Malheiros traen a escena, El rey se muere, del 18 de agosto al 23 de septiembre, jueves y viernes 20:00 horas, sábados 19:00 horas y domingos 18:00 horas, en el Teatro El Galeón.

“Ya no tenemos tiempo de perder tiempo. Se acabó. Nos quedan algunos instantes para hacer lo que habría debido hacerse durante años y años”, advierten los personajes de la farsa, con mucho humor La Máquina Teatro nos invita a una ceremonia donde los espectros, las catástrofes y el poder bailan al ritmo de la impermanencia.

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Del 20 de agosto al 25 de septiembre se presenta Monster Truck, se trata de una ópera vial basada en un hecho real en este México irreal: una elefanta escapa del circo. Al cruzar la autopista, choca contra un autobús de pasajeros. Es un triángulo de personajes: Chofer, Elefanta y Motor del autobús; animal, humano y cosa que colisionan pero nunca se encuentran del todo. Sólo la elefanta y el chofer mueren, sin saber si fue un accidente o sólo una historia más de desamor.

La historia está escrita como una involuntaria historia de amor narrada por un triangulo de personajes en donde los pensamientos, seres y cosas colisionan y a la vez nunca se encuentran del todo. Se presenta en la Sala Xavier Villaurrutia, lunes y martes a las 20:00 horas.

De Alejandro Ricaño, llega El amor de las luciérnagas, texto ganador del Premio Bellas Artes Mexicali de Dramaturgia 2011. En palabras del autor y director, trata sobre cómo se busca la pertenencia en un lugar en el mundo, y ese lugar está en la familia”.María, una joven escritora, viaja a Noruega luego de una decepción amorosa. Allí compra una máquina de escribir en un mercado de pulgas, escribe sobre un encuentro ficticio que tiene con una doble suya, a la cual le pide que se haga cargo de su vida. A la mañana siguiente se encuentra con una doble de sí misma, descubriendo que lo que escribe en esa máquina se vuelve realidad.

Se presenta del 23 de agosto al 30 de septiembre, en la Sala Xavier Villaurrutia, los jueves y viernes a las 20:00 horas; sábados 19:00 horas y domingos 18:00 horas.

¡MUCHA MIERDA!

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ARTÍCULO

Las observaciones de las obras Incendios y Litoral de Wadji

Mouawad (Líbano, 1968) son acotaciones al margen, producto de la

gratificante lectura del texto que hoy podemos disfrutar en español,

por el oficio y la sensibilidad de Humberto Pérez y Boris Schoemann,

cuya impecable traducción y comprensión del teatro y del autor han

hecho posible mi conexión estética, intelectual, sentimental y noética

con el autor. Son meras evocaciones sobre las líneas, los versos y

los párrafos de este autor con el que me identifiqué hasta la médula

en el dolor, y me perturbé hasta la náusea en la barbarie. Cada idea

sagaz, cada gesto de humor negro y recalcitrante me llevaron a

desentrañar un pasado individual y colectivo. Su obra me condujo

hacia los orígenes del ser, hacia las transformaciones ontológicas

de las edades psicológicas y mágicas del hombre; pasando por las

mitologías modernas de la familia, la progenie y los horrores del exilio;

la muerte de pueblos enteros, la mutilación de las naciones y de sus

habitantes; la risa macabra de un coraje legendario y patriótico que

co-gobierna el mundo con las leyes antinaturales del absurdo.

Por: Vera Milarka

Incendios y LitoralOrdalía y erosión filogenéticos

de un acantilado personal

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Los textos de Mouawad tienen una estructura diversificada. Son obras de teatro, sí, en principio, pero tienen mucho de guión cinematográfico, de prosa poética y llegan a alternar con la narrativa, la novela gráfica, el videoarte y el radioteatro. Se trata de un horizonte de escritura abierta y lenguajes multimodales que transitan por una tersa trama de habla cotidiana que cuenta pausadamente un historia, pero que poco a poco se crispa y la densidad de las palabras se aprieta encausando la emoción hacia verdades reveladoras. En el instante en que la acción se va haciendo más tupida y cerrada, Wadji puede introducir súbitamente en un parlamento, el desvelamiento histórico de todo un árbol genealógico. Es tras esos diálogos apaisados que irrumpe vertical y radicalmente una realidad atroz, un discurso metafísico, un pensamiento torturado para continuar con una voz tenue como una ola, que todo lo sabe y todo lo comprende. No hay nada predecible en sus textos, la sorpresa que nos ofrece es la que él mismo tiene de la vida; aún con todo y el hecho de que su obra se hunde en las arenas movedizas del desencanto, empezando por lo que ha quedado misteriosamente truncado durante la infancia.

Más allá de las particularidades culturales o geográficas, que sin duda las tiene y comparte créditos con el movimiento teatral contemporáneo de Líbano (Henri Belin, Susana Arbizu: 2007 ) su trabajo abunda en aspectos que tienden a un territorio de orden

humano, uniendo arquetipos antiguos y modernos, orientales y occidentales, existencialistas y románticos, bárbaros y “civilizados”. Juegan a la alternancia diacrónica y sincrónica de los opuestos, incluso en las emociones, ya que el lector puede pasar de la risa al llanto con singular alegría. En esta sucesión imprevista de cambios climáticos (literales y literarios), en los que se mueven los diálogos y los paisajes de Wadji, distingo su drama emergiendo siempre de la radicalidad. El movimiento de su narrativa avanza en continuo, pero hay estaciones especiales --parlamentos clave-- donde de pronto, tajantemente se cuenta algo que puede precipitar los hechos hacia una historia paralela a la que se está contando. La radicalidad consiste en que la contundencia de las palabras no dan opción de mirar hacia otro lado, como ese parlamento de Nawal en una carta que les deja a los gemelos Jeanne y Simón en Incendios que dice: “La infancia es un cuchillo clavado en la garganta. No se saca fácilmente” (p.¿?) o del padre en Litoral: “ Escuchar el mar levantarse en cólera , loco de deseo , imaginar que es el sexo del mundo volteado hacia el cielo . Luego, ir a sumergirse a su profundidad, hundirse todavía más lejos, ahí a donde nadie ha sabido ir . Bajar, bajar, bajar, bajar . Bajar todavía hasta el silencio de Dios.

Frente a este tipo de imágenes insuperables de primera impresión, se dan otras metáforas pletóricas de vida, refugiadas en posibilidades luminosas para reflexionar. Wajdi da tono y timbre a sus personajes

ARTÍCULO

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capacitándolos para abrir puertas al más allá; les posibilita entrar en aquel tiempo que quiso vivir y que no vivió, así como retirarse hacia mundos internos inexplorados tanto por el propio personaje que los vive como para el espectador. Sus diálogos sumidos de tristeza y nostalgia no les impide seguir viviendo y amando. Se trata de una melancolía que lucha, que busca respuestas de todo tipo: culturales, históricas, míticas, mágicas, científicas, religiosas, bélicas, oníricas o de caricatura. Los personajes no se dan por vencidos, primero recurren a la comunicación entre imaginarios que dejarse vencer por la adversidad. Incluso la muerte, trátese de la muerte simbólica o imaginaria, real o misteriosa es tratada como un acontecimiento vital. Los muertos de Mouawad “gozan de cabal salud”, como sucede en Litoral, donde Wilfrid es avisado de la muerte del padre mientras éste eyacula. Se podría decir que este acontecimiento es una ironía, pero no, hay algo profundo, vital, cíclico; un sensible empeño por mostrar el sino del hombre. El coito interruptus precipita su venida cuyos efluvios de sangre y semen se coordinan con el timbre del teléfono. Todo pasa al mismo tiempo, la llamada del placer, de la vida y la llamada que anuncia lo fatídico, el fin, la muerte del progenitor. Wilfrid decide llevar a enterrar al padre a su lugar de nacimiento, y para ello no sólo cruza el mar, el desierto, los valles y los pueblos con el finado a cuestas, sino que el padre habla y hasta discute con su hijo. El cadáver se pudre, al no encontrar un pedazo de

tierra libre para enterrarlo, porque de tantos muertos que hay en los cementerios por la guerra, ya no hay sitio para un muerto más, así que, podrido y todo, el padre sigue “viviendo”. Interactúa en calidad de bulto con otros personajes, que ven en él a sus propios padres (no sabemos si muertos por ausencia, por desprecio, por muerte natural o por olvido...) el autor parece decirnos que esos padres, aún vivos, son fantasmas; o que aún muertos, los llevamos deshoyados en los hombros y sus palabras nos recalcitran dentro. De hecho, el padre de Wilfrid, va más allá de la presencia virtualmente subconsciente y paranoica del hijo, el padre vive en el más genuino sistema patafísico de existencia. A sabiendas de que ya apesta y se le cae la piel a pedazos maniobra sus propias soluciones para seguir presente: simplemente se rehúsa a morir para siempre, a ser enterrado o arrojado al mar.

Así las cosas. Este complejo desarrollo dramático y forma de concebir los personajes es lo que les confiere una vitalidad emergente en cada diálogo y su carácter pervertido, alejado de la realidad. Yo miro a Wajdi como un digno heredero del teatro de Ionesco e incluso de los “neo-absurdistas”: Pinter, N.F. Simpson, Kopit y Jack Richardson, éste último denuncia que la rutina social despoja a los hombres de su individualidad al grado de que ya resulta “difícil distinguir a los vivos de los muertos” (Wellwarth, 1964). El drama de Mouawad, sin

ARTÍCULO

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también conlleva la desviación “cromosómica” de la tragedia. El amor no engendra amor sino odio. El horror de la guerra consiste precisamente en la infamia del incesto como catástrofe inevitable.

En Litoral la muerte es psicológicamente agónica. Observamos que Wilfrid acaba de ser avisado en la madrugada --mientras cogía fenomenal--, que su padre ha muerto y narra: “Había que reconocer el cuerpo, el cuerpo estaba en la morgue ¡y la morgue estaba cerrada por un problema técnico! (…) ¡ Había que esperar, pero ¿cómo esperar cuando el mundo se cae? No me quedé en casa porque Ringbuenovengasupadrefalleció entonces ya no quería estar en ninguna parte; salí a buscar a otra parte, pero no es algo fácil cuando traes el alma en vilo, ¡qué expresión tan estúpida!” (obsérvese, que dentro de su monólogo interior se abrió otro monólogo que lo juzga) y prosigue… “Busqué otra parte por todos lados pero no encontré nada: ¡por todos lados siempre era aquí, y eso era agotador!”

En Incendios, una lectura de testamento sobre la herencia que una madre ha dejado a sus hijos gemelos desdobla una historia. Se trata de una carta que en realidad es un mapa y la sorpresa consiste en que el tesoro a encontrar irónicamente es un crimen del que sin saberlo ellos forman parte; son su propio eslabón perdido en ese encadenamiento familiar. Se trata de un códice oracular donde, como en las tragedias griegas y shakespearianas, el ser humano

embargo, no desemboca en un lenguaje agotado en la anécdota de lo risible, por eso la ironía se ve trascendida. El tejido dramático se trenza dialógicamente dando giros heréticos e insospechados hacia tensiones que pueden alcanzan la tragedia pura y dura, y no únicamente la farsa trágica o paradojal. Hay tantas micro-historias dentro de las historias que se nos hace familiar, porque la vida no es lineal, nada es lo suficientemente cómico, ni trágico, como para que una vida lo tolerase todo el tiempo. Por el contrario, el señalamiento de fragmentación prevalece, incluso unido a la tendencia de encontrar la identidad (exilio personal y extraterritorialidad que siente el autor aún dentro del teatro).

La dicotomía existencial de sus personajes es que viven en el abismo “limítrofe” de una búsqueda permanente entre la identidad de la sangre (que dicen que “llama”) y la identidad volitiva construida en el presente (que trata de autoafirmarse pero que sigue en proceso en tanto no redima su conexión con ese pasado revivido e inmortal). En Incendios es la indagación de los hijos por hallar entre los escombros de una guerra, la hebra de la cadena genética que los une a su madre. Tras la muerte de Nawal se desvelan los enlaces emocionales “proteínicos” de su ADN, traducidos como amor incondicional: al amante, al hijo arrebatado, a la amiga, a la abuela (primera mutación filogenética que la redime de la ignorancia femenina), pero que más adelante

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termina por ser un objeto del destino. Nazira, la abuela de Nawal se despide de su nieta diciéndole: “Me voy, Nawal. Para mí esto se terminó, la luz llegará muy pronto, pero tú Nawal, tú… para ti no es más que el principio… Nosotros, nuestra familia, las mujeres de nuestra familia, fuimos devoradas por la rabia desde hace mucho: yo sentía rabia hacia mi madre y tu madre sentía rabia hacia mí, así como tú sientes rabia hacia tu madre. Tú también le heredarás a tu hija la rabia. Hay que romper el hilo. Así que aprende a leer, aprende a escribir, aprende a contar, aprende a hablar. Aprende. Y después vete. Escucharás mi voz que te dirá: “¡Vete, Nawal, vete! Toma tu juventud y toda la felicidad posible y deja el pueblo. Tú eres el sexo del valle, Nawal. Tú eres su sensualidad y su olor. Tómalos contigo y arráncate de aquí como uno se arranca del vientre de su propia madre. Aprende a leer, a escribir, a contar, a hablar: aprende a pensar. Nawal. Aprende.”

En un párrafo como éste, tal como se puede leer en la teoría holográfica de los fractales se encuentra la totalidad de la obra de Mouawad. Y es que él abre historias donde sus personajes –como en este caso—se citan en el pasado o en el futuro; y de paso, nos explican la tragedia del Medio Oriente. Mientras que para Occidente el consejo de esta abuela que insiste en que la nieta se eduque puede pasar desapercibido, en Líbano puede significar la emancipación de la existencia femenina de cuatro generaciones seguidas. Así se las

gasta… este hombre con el quien yo siento una afinidad sublime y, desde ahora, una amor enfermo, porque ha logrado que me enamore de personajes tan dignos y al mismo tiempo mancillados como Nawal, pero también de su brutal torturador, por la honestidad con la que cada personaje expresa su verdad. Sus palabras nos estrujan por causas diferentes, pero sobre todo, porque son igualmente bellas en su construcción literaria.

Nawal le habla a Abou Tarek (su torturador): “Nosotros dos venimos de la misma tierra, de la misma lengua, de la misma historia, y cada tierra, cada lengua, cada historia es responsable de sus personas, y cada persona es responsable de sus victorias y de sus derrotas. En este sentido, yo soy responsable de mí. Nosotros no quisimos la guerra ni la violencia, pero hicimos la guerra y fuimos violentos. Lo único que nos queda es nuestra dignidad. Hemos fracasado en todo, quizá lo único que podamos salvar sea la dignidad. Hablándole como le hablo, doy testimonio de mi promesa a una mujer que un día me hizo comprender la importancia de abandonar la miseria: “Aprende a leer, a escribir, a contar, aprende a pensar”… (Simone sigue leyendo en el cuaderno rojo).. Mi testimonio es el fruto de ese esfuerzo. Callarme sobre lo que usted hizo, me haría cómplice de sus crímenes.”

Y mientras aquí el honor, la ética de la palabra empeñada nos ayudan a comprender que no sólo puede ser Líbano, sino Sarajevo o Chiapas, y que heroínas de guerra las hay si se

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realidad imaginada. En la obra es el caballero Guiromelan (su héroe imaginario) que en una de tantas escenas tendrá que despedirse de Wilfrid a petición de éste; no es que ya no lo necesite, él requiere comprobarse así mismo que ha “madurado”, el personaje entonces quedará indefectiblemente unido a él, a partir de entonces, en el plano onírico. Allí, precisamente en los “acuerdos” que establecen ciertos personajes con otros, --sean producto de su mente o de su recuerdo—es donde se religa la tetralogía (Incendios, Litoral, Bosques y Cielos) denominada como: “Las promesas de la sangre”. No se trata sólo de filiaciones consanguíneas, sino de un código poético filogenético, odisea que emprenden los personajes centrales por obligación filial y como destino, para buscar la evolución propia y la genealógica de los padres y, de paso, en el caso del autor, la de su propio discurso estético. En Wajdi encontramos la comprensión irónica de la realidad, donde queda algo de humanidad diferenciada, y en donde es fácil identificar que aún existen pruebas de lealtad inalterada, promesas individuales tan radicalmente positivas para quien las hace como dañinas para sus oponentes.

Y aquí entramos al escabroso y divertido mundo de las revelaciones del dramaturgo, quien a la manera del suspense cinematográfico y de la novela por entregas (incluso de un programa de cómputo con mucha ventanas abiertas) tiende a generar muchos frentes anecdóticos y sus respectivos personajes. Esto obliga a

las mira, por doquier; más adelante el autor nos lleva a los terrenos del opuesto. Nihad es un francotirador que a su vez es un estupendo fotógrafo. Quien en el goce de la indolencia total afirma: “Tomar una foto de alguien que va a morir es fácil. Tomar a alguien que acaba de morir es fácil y aburrido. Tomar una foto de alguien que está muriendo. Es difícil. Más rara. Más hermosa”.

Más allá de que Nihad me recuerda los premios de Photo Press, este personaje se regodea en toda una teoría estética al integrar la cámara a su fusil. Después será entrevistado en un show televisivo, y el autor nos va metiendo en esa ficción adicional que es la del espectáculo de la guerra. No conforme con recurrir a diversas fuentes de parlamentos que funcionan como documentales, testimonios vivos y terroríficos de los destrozos de la guerra, nos va a llevar a un terreno aún más radical y peligroso: los medios. En Litoral un director de cine filma la vida de Wilfrid, se trata de su director de cine imaginario que sirve al protagonista para “estelarizar” su propio papel y juzgarse al mismo tiempo. Con este recurso los personajes alcanzan momentos realmente jocosos. En la cabeza del protagonista viven varios de estos “amigos imaginarios” que nos hablan de una personalidad dramática desdoblada en sus ficciones. En Litoral, lo que empieza como la solicitud jurídica de un hijo para trasladar el cadáver de su padre a su país de origen, se va convirtiendo en un cine-documental, en un reality show, en la convivencia de muchos planos de

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que las historias corran en paralelo, a que las escenas se sucedan al unísono, no importa si provienen de pasado y van y vienen al presente sin mediar mayor explicación. Éstas pueden provenir y originarse en la cabeza del personaje que las imagina, o incluso del imaginario propio del personaje imaginario. ¿Puede haber superior manierismo? En simultaneidad pone a discutir a los personajes sobre el lugar donde están actuando. Así pues, se abre un espacio dentro de la representación que se sale ya, de lo que están hablando, para decidir en qué lugar se lleva la escena. En Litoral el Tío Emile discute con el tío Francoise, el Tío Michel, la Tía Marie, la Tía Lucie y Wilfrid, el lugar donde se está llevando a cabo la discusión, si en su departamentito o en la funeraria.

En su obra encontramos que un personaje puede revelarle a un desconocido sentimientos íntimos, y esos parlamentos son claves para el lector; el desconocido sólo sirve como transporte de una información que se introduce, en apariencia de forma imprevista y circunstancial. A veces, damos con el fondo de esas historias como en hipertexto, a través de esos “links” (parlamentos). Las obras están plagadas de secretos, el protagonista y el espectador se van enterando de la verdad como en capítulos, por fragmentos, y los diálogos internos pueden llegar al delirio… “Wilfrid:… Sí. Todas esas cartas que me escribió mi padre, ¿qué serían sino la prueba de que nunca existí realmente, ya que esas cartas no estaban dirigidas

a mí sino a otro yo, a otro chavo, que se parece mucho a mí, que tiene mi edad, que también se llama Wilfrid y que, por las más grandes coincidencias vive en mi piel…(Litoral.)

El distintivo que da una fortaleza inusitada a la realidad que denuncia el autor en sus obras es que pese a todas las tristes, cruentas y absurdas epopeyas que plantea entre los horrores humanos, le apuesta a resignificar la vida e incluso hacerle un hueco al amor. Los personajes han de encontrarle sentido al mundo, aunque éste en realidad haya dejado de tenerlo hace mucho tiempo.

La vida del autor y la de sus personajes pasó junto a la mía con esta bella y sobria edición de Los Textos de la Capilla coeditada con la Universidad de Guadalajara, amén de que no puede haber mejor regalo para complementar la consistencia de un texto, que tener en nuestra filas de talentos mexicanos a Hugo Arrevillaga, un director que con toda dedicación, amor y pulcritud escénica se ha abocado a la titánica tarea de montar de manera trascendente las obras de este autor de largo alcance.

Sólo queda subrayar una distinción: y es que ante cualquier guerra, sea la del Líbano o la llamada guerra contra el narcotráfico en México, y con todo lo que apesta en el planeta, Wadji Mouawad --y yo con él-- queremos aún en nuestra ajenidad pertenecer por convicción a éste: el arte es y seguirá siendo una trinchera de resguardo incorruptible para el espíritu de la humanidad.

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REPORTAJE

Por: Nora Castrejón

Una ventana a otras posibilidadesde representación

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REPORTAJE

Más vivo que nunca, el Teatro de Papel o Teatro de

Juguete como también se le conoce, ha ido ganando

terreno en la escena teatral mexicana, el Centro

Cultural del Bosque no ha sido ajeno a esta lúdica

vertiente de representación, de tal modo que este año

la Coordinación Nacional de Teatro ha programado

obras como El Grillo de la compañía Teatro Luna de

Papel; y la dirección del Centro Cultural del Bosque,

Cocinando con Leonardo de la compañía Facto Teatro.

El Teatro de Papel refresca la escena artística con propuestas novedosas que tienen como herramientas principales el papel y el cartón para crear figuras planas, teniendo como límite la imaginación y la creatividad del artista para crear todo tipo de historias, desde adaptación de clásicos de la literatura, hasta ideas originales que surgen a partir del simple juego o anécdota.

Teatro de Papel en la historia

La historia del Teatro de Papel tiene sus orígenes en la primera mitad del siglo XIX, en ese tiempo los dispositivos eran obras de teatro completas en miniatura. La gente podía comprar los personajes y escenografías de las historias para después recortarlos y pegarlos en cartón y así hacer su propia representación en maquetas a escala de los principales teatros de la época. Los mecanismos de estos teatros llegaron a ser muy complejos, con abundantes efectos especiales y visualmente impactantes, que al principio tenían nada o muy pocos diálogos. Eran adquiridos y operados por jóvenes y adultos, no sólo niños y en muchos casos fueron un primer acercamiento a la experiencia teatral para futuros escritores y directores de escena como Charles Dickens, Edward Gordon Craig, Aubrey Beardsley, G. K. Chesterton, Lewis Carrol y Orson Welles.

En países como Inglaterra, los teatros de juguete también fueron un valioso testimonio histórico del aspecto visual del teatro inglés del siglo XIX, pues los artistas que diseñaban los decorados de estos dispositivos eran enviados a las producciones para que dibujaran las escenografías, vestuarios y expresiones de los actores; estos dibujos se imprimían posteriormente en hojas de papel o cartón y se empacaban con versiones reducidas del guión original. La gente los podía

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REPORTAJE

representado en teatros de juguete. El advenimiento del cine fue desplazando poco a poco al teatro de papel, sin embargo, el surgimiento de movimientos vanguardistas como el simbolismo le dio un nuevo auge a esta tradición. A principios de siglo, diseñadores de escena como el inglés Gordon Craig, W.B. Yeats, e incluso el Italiano Filippo Marinetti, fundador del movimiento futurista, que llegó a incluir un teatro de juguete en su obra The Little Theater for Love, encontraron en esta tradición nuevos recursos de experimentación escénica.

La aparición de la televisión en la industria del entretenimiento y la masificación del cine, acapararon la atención del público y le restaron adeptos al teatro de papel, que por su naturaleza no es un arte para grandes audiencias. Sin embargo, esta misma cualidad, aunada a las las infinitas posibilidades de representación a partir de un recurso tan accesible como el papel, lo pone al alcance de todos, invitando a un constante ejercicio de la creatividad y la imaginación, tanto del creador como del espectador.

El resurgimiento

Actualmente, el teatro de papel está de regreso para reclamar su justo

adquirir en librerías y llevarlos a sus casas para disfrute de toda la familia. Estas representaciones eran un auténtico ejercicio de creatividad, pues la imaginación del dueño u operador del teatro a menudo cambiaba o modificaba las escenografías y los vestuarios de los personajes para tener su propia versión de la obra que habían visto. Puede decirse que el teatro de juguete fue el entretenimiento más popular entre la burguesía.

Fue hasta la segunda mitad del siglo XIX cuando los teatros de juguete cruzaron el Atlántico y llegaron a América. Nueva York fue el primer punto de distribución. Los teatros de juguete americanos copiaron los repertorios de teatro inglés, pero poco a poco fueron editando historias americanas como The Pirates of the Florida Keys y The Fiend of the Rocky Mountains.

No obstante, el teatro de juguete tuvo su máximo esplendor en Alemania, pues las modernas tecnologías de impresión permitieron lograr escenas y personajes de sofisticado realismo, lo que permitió tener una escala fiel de las obras de la época. Aunque el realismo no se prestó para ser reproducido en el teatro de papel, que tiene un acentuado énfasis en lo visual, así que el teatro de Chéjov o Ibsen no era ideal para ser

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REPORTAJE

lugar en las artes escénicas. Desde la década de los ochenta, artistas de reconocida trayectoria como Janie Geiser, Stuart Sherman, Paul Zaloom, Theodora Skipitares, Dan Hurlin, y compañías como Great Small Works y Michael Romanyshin, han llevado a cabo espectáculos impresionantes dentro de la tradición del teatro de juguete.

En Europa su popularidad ha tenido un regreso contundente, dando lugar a festivales y encuentros internacionales de teatro de juguete en Estados Unidos, Francia y Alemania, destacando la labor de creadores e investigadores como John Bell y Alain Lecucq, que han recuperado gran parte de la memoria histórica de este arte y a la vez han propiciado espacios para su aprendizaje y difusión.

Además de sus cualidades espectaculares, los atributos del Teatro de Papel como recurso para estimular la creatividad y la imaginación de todo aquel que decide acercarse a esta experiencia, son aún territorio no explorado en todo su potencial.

Facto Teatro,una compañía de papel

En México, el teatro de papel es poco conocido, pese a que el país cuenta con una larga tradición en el teatro de títeres, hay pocas compañías que se especializan en este arte. Facto Teatro es una de ellas. Inicialmente funcionaron como una compañía de teatro de juguete para después centrar su trabajo e investigación en la creación de espectáculos de teatro de papel. Este 2012 llevaron a cabo el Primer Festival de Teatro de Papel, que reunió espectáculos de México, Alemania, Francia y Estados Unidos, con una gran aceptación por parte del público y de la comunidad teatral, que cada vez muestra más interés por incorporar elementos de este arte a sus espectáculos.

En entrevista con Intermedio, Alejandro Benítez y Mauricio Martínez nos hablan del teatro de papel y su experiencia como creadores escénicos. La primera precisión que nos dieron, es que el Teatro de Papel se realiza mayormente con figuras planas, ya sean de papel y/o cartón, pues si hay una preponderancia de figuras con volumen entonces es Teatro de Objetos.

En relación a otras disciplinas escénicas, Alejandro comenta: “Específicamente en México, esta modalidad aporta una forma nueva de acercarse al fenómeno teatral, pues parafraseando a Alain Lecucq, uno de los pocos especialistas en la disciplina, el teatro de papel se encuentra en la encrucijada de teatro de títeres y el oficio de cuentacuentos.”

“Al ser la mayoría de los espectáculos hechos con títeres planos pero en distintas capas, cuando el espectador entra en la convención, también tiene la posibilidad de recrear lo que ve en una especie de tercera dimensión ficticia”, agrega Mauricio.

Al preguntarles cuáles fueron los motivos que los llevaron a constituirse como una compañía de teatro de papel, Mauricio nos comenta que Facto Teatro optó por esta modalidad debido a una necesidad de contar con una compañía práctica y transportable, con la que fuera más fácil viajar; así pues, encontraron en el papel un material noble, económico y fácil de trabajar, cuando le “hallas el modo”, aclara. De ahí partieron a investigar profundamente sobre las distintas técnicas y materiales disponibles.

Sobre su proceso creativo para generar un espectáculo, lo primero que viene al tema es que Facto Teatro trabaja en colectivo, de tal modo que el mayor reto es saber hacia dónde quieren ir, ponerse de acuerdo en cuál es el discurso o tema que quieren abordar. “Conocernos de hace veinte años

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ENTREVISTAREPORTAJE

¿Te quedaste con ganas de saber más de esta tradición?Aquí te compartimos algunas páginas web relacionadas con

el Teatro de Papel o de juguete

Great Small Works, de NY.http://www.greatsmallworks.org/Lucía Contrerashttp://www.teatritos.com/Facto Teatrohttp://factoteatro.blogspot.com/Troka el poderosohttp://trokaelpoderoso.blogspot.com/Little Blue Moon Theaterhttp://www.magicalmoonshine.org/bluewelcome.htmRobert Poulter’s New Model Theatrehttp://www.newmodeltheatre.co.uk/Chinese Theatre Workshttp://www.chinesetheatreworks.org/Laura Heithttp://homepage.mac.com/laurajheit/LauraHeit2009/Rencontres Internationales de Théâtres de Papierhttp://papierchampagne.canalblog.comPapiertheatertreffenhttp://www.vhs-preetz.de/pptt/index.htmNetwork of Toy Theatre Enthusiastshttp://toytheatre.info/Network/Network.htmWikipediahttp://en.wikipedia.org/wiki/Toy_theater

Agradecemos a Facto Teatro la información y las fotigrfías facilitadas para la elaboración de este reportaje.

ayuda un poco”, bromea Alejandro. Su atención se centra en atender la imaginación del público, no abusar de las imágenes y buscar aquella que sea más precisa, que diga más con mucho menos, pues como precisa Mauricio, “si le das todo al espectador, imagina cada vez menos”.

Por otro lado, la posibilidad de viajar con sus montajes fuera del país les ha dado marcos de referencia más amplios en cuanto al formato de los espectáculos, tanto los grupos donde los titiriteros están detrás de la cortina y sólo manipulan los personajes y escenarios, como otras propuestas con actores a vista del espectador. “Hasta ahora nos funciona estar a vistas del público y que la historia se cuente entre todos, que el espectador tenga la claridad de quién está llevando la historia: si el actor o el personaje que se mueve”, refiere Alejandro.

Dentro de la comunidad teatral, el Teatro de Papel ha despertado un creciente interés, Facto se ha dado a la tarea de impartir talleres además de presentar sus espectáculos, compartiendo así una manera nueva de producir teatro y al mismo tiempo, para las personas que no se dedican al teatro pero que se acercan a tomar los talleres esta experiencia representa otro modo de expresarse, pues como dice Alejandro, “ese es el origen mismo del teatro de papel, que todos pueden recrear una historia, eso le da la posibilidad a cualquier persona de ser un creador”.

En estos tiempos posmodernos, marcados por la virtualidad y el entretenimiento mediático, no está de más darle una oportunidad al Teatro de Papel para despertar la creatividad e imaginación dormida. Así que elige una historia, consigue papel y tijeras, ármate de un arsenal de colores, pinturas, recortes y demás complementos y pon manos a la obra. Te aseguramos una experiencia lúdica y entretenida que –casi podemos asegurar-, querrás repetir e incluir en el menú de tus preferencias.

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EL TEATRO TAMBIÉN SE LEE

La poética de Incendios Incendios es la llama de una vela que alumbra un funeral; dos cubetas de agua simbolizan aquellas lágrimas que se fueron resecando junto al alma de un pueblo como Líbano. El fuego se propagó en la progenie por una pasión encendida, eran los corazones de una pareja que se amaba. No obstante, fue el rencor de la maleza humana la mecha que incendió a los habitantes, exterminio cruento que arrancaba de la herida su alarido. Infierno unido al estridente rocío de ráfagas de viento y balas. ¿Qué guerra no es sino una incesante llamarada? En ese andar y vivir entre dos fuegos: el del odio social enardecido y el de la quemante tragedia personal irreparable, una madre se queda como muerta ardiendo por dentro; ignición por indignación, eso la va extinguiendo hasta sucumbir y quedar en las puras cenizas del silencio. Los hijos sólo pueden saber la verdad que incineró los vestigios de su pasado familiar gracias a una carta surgida de la ordalía genealógica.

La poética de Litoral Litoral es una obra en cuyas grietas y fisuras se teje una odisea a la orilla de un pasado familiar. La muerte de un padre es la superficie territorial de donde parte la trama, mientras que la promesa del hijo, para devolverle a su país natal, crea el oleaje del mar que tiende a golpear su propio acantilado genealógico. La fuerza de la erosión de las relaciones humanas de un pueblo en ruinas pudo provocar horadaciones en las rocas insalubres de una guerra en la que aún prevalece el grito insepulto de los muertos. Finalmente, cuando la base de las leyendas propias y ajenas ha desgastado la superficie de la realidad, se desploma el ser para hundirse en otras dimensiones; del cuerpo sólo quedan agujeros, del alma la espuma memoriosa de toda una progenie que ha de revivir cuando la marea alta, la haga surgir de entre las aguas y nos la devuelva justo a la orilla del océano.

Litoral / IncendiosParte I y II de la TeatralogíaLa sangre de las PromesasWajdi Mouawad

Textos de La CapillaColección Dramaturgia InternacionalTraducción de Boris Schoemanny Humberto Pérez Montero

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TEATRÓSCOPOS

Por: Raúl Medina

ARIESEl verano está en su apogeo y dicen que después de la tormenta viene la calma, han pasado las elecciones y ahora sólo queda ponerse las pilas para los próximos 6 años. Por el momento, lo ideal es relajarse y tomarse las cosas con calma pero sin dejar de estar informado sobre los acontecimientos que se vayan presentando. En el amor como ya es costumbre estás muy mal, parece que no has aprendido con tantas y tantas experiencias mala onda que te han ocurrido, es bueno ser optimista pero no exageres, recuerda que si te pones de tapete te pueden pisotear.

TAUROHay un dicho que dice: más vale pájaro en mano que ciento volando, esto significa que más vale tener poco pero seguro a tener aparentemente mucho y que en cualquier momento todo pueda desvanecerse como humo entre tus dedos. Eres afortunado por tener trabajo, piensa cuánta gente hay desempleada en este país y que daría todo por estar al menos en tu lugar. Deja de ser tan terco y grillero en la chamba.

GÉMINISLa vida está llena de cambios que se dan día a día, lo importante es saber afrontar y adaptarse a esas situaciones, todo es como el clima, primero sale el sol, luego llueve, a veces con mucho aire, luego se siente calor y de repente frío. Tu responsabilidad y compromiso han hecho que logres todo lo que te has propuesto en el ámbito profesional. La gente te admira y te respeta, pero tú y sólo tú sabes que no estás del todo satisfecho, deja de darle siempre gusto a los demás y piensa en ti.

CÁNCEREste mes es un buen momento para cambiar la rutina, pasamos la mitad del año y parce que a partir de este momento el tiempo avanza más rápido. Si aún estás de vacaciones aprovecha y visita museos, centros culturales, cines, cantinas, plazas públicas, pero algo que no debes dejar de hacer es, si te uniste a una de las mega marchas que últimamente se organizan y recorren la ciudad, es terminar en uno de los seis teatros con programación de la Coordinación Nacional de Teatro.

LEOAndas de fiesta, querido Leo, y es un buen pretexto para olvidar y sacar el estrés de tanto trabajo. Recuerda no exceder los límites, que tal que en una de esas llegas a confundir la libertad con libertinaje y de repente, te encuentres en una situación comprometedora y haciendo cada desfiguro digno de grabarse para subirlo a Youtube y después de aquel penoso momento, todos tus amigos hablarán de ti y lo recordarán por mucho tiempo. Ahora sabrás lo que sintió el Coque Muñiz cuando se equivocó al interpretar el Himno Nacional.

VIRGOEn el fondo sabes que todo lo que te ha sucedido ha sido para bien, mi querido Virgo. Aunque en aquellos momentos pensabas que tu destino era rodar y rodar, ahora te das cuenta que la vida es una rueda de la fortuna y depende de ti mantenerte siempre arriba. El inicio de una nueva era está próxima y seguramente es el inicio de una etapa en tu vida. No siempre lloverá, detrás de las nubes estará siempre el señor sol.

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TEATRÓSCOPOS

LIBRAAlgunas oportunidades sólo se dan una vez en la vida, a veces por pensar tanto las cosas decidimos por lo menos conveniente. Hay señales que te indican que es lo mejor para ti, tómalas en cuenta y decídete pronto, si dejas pasar más tiempo continuarás en el mismo estado sentimental que has hecho una forma de vida, recuerda que una cosa es ser soltero, pero en tu caso la mejor descripción es: sin suerte.

ESCORPIÓNLa pasión, temperamento fuerte, emocional, decidido y poderoso son parte de tu personalidad, al menos eso es lo que dicen los horóscopos comunes y corrientes, bien sabemos que cuando algo nos gusta lo aceptamos, pero cuando no nos favorece el comentario, decidimos pensar que no son ciertos y que seguramente quien lo escribe es un charlatán. Si has leído los números anteriores de Intermedio, te habrás dado cuenta que lo que aquí se dice es la neta del planeta, así que no te sientas la mamá de los pollitos, hay escorpiones que pueden ser todo lo contrario a lo que comúnmente se les dice. Y tú ¿cuál eres?

SAGITARIOLos nacidos bajo este signo se caracterizan por ser versátiles, aventureros y les encanta lo desconocido. Este mes la buena suerte esta de tu lado, el amor está tocando a tu puerta, lo recomendable es abrir tu corazón y dejarlo pasar, si te encuentras en una relación, es probable que percibas mejorías en todos los aspectos, una especie de segundo aire que reanimará las ganas de continuar y ver a tu pareja como alguien casi perfect@. Aprovecha porque el augurio es sólo para el mes de agosto.

CAPRICORNIOTienes es un gran magnetismo, mi entrañable Capricornio, en los últimos meses has tenido una gran atracción de cosas buenas, el trabajo y perseverancia han dado resultados. Y tú que pensabas que tu destino era simple y sin mucho chiste, pues no, ahora te das cuenta que si le sonríes a la vida la vida te sonreirá. De ti depende que todo marche como hasta ahora, no olvides regar diariamente tu hermoso jardín y cuando menos lo esperes, habrá frutos por todos lados y ahora sí a disfrutar de un sabroso coctel.

PISCISEstás como pez en el agua con tanta lluvia que ha caído en el centro y sur del país. Lo malo es que a veces te llueve sobre mojado, los problemas del trabajo te han estresado al límite de querer tirar la toalla, trata de conservar la calma, mi estimado Piscis, piensa que si el problema tiene solución para que preocuparse y si no lo tiene pues también, para qué preocuparse, más se perdió en la guerra y nada era tuyo.

ACUARIOEl mes de agosto pinta muy bien para nuestros amigos nacidos bajo el signo de acuario, será un mes lleno de sorpresas y buenas noticias. Todos los cambios son buenos, hay que aprender en lugar de reprochar. Los planetas se encuentran alineados de manera que favorecen la energía que necesitas, deja de renegar y ser tan Grinch, el optimismo es tu mejor arma, recibe el otoño con los brazos abiertos y verás que la vida es la misma, pero viéndola desde otra perspectiva claro que cambia.

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teatter

@Gente_de_Teatro

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Revista Digital de Teatro Año 1. Número 6. Julio de 2012

el teatro y sus intersticiosmediointe

MISCELÁNEA CCB celebra 50 aniversario ❚ ARTÍCULO Mesa Platicona (o de cómo algo con nombre tan feo, sabe bien y además permanece) / Festival de Monólogos Teatro a una sola voz ❚ ENTREVISTA con Suzanne Lebeau ❚ EL TEATRO TAMBIÉN SE LEE Jarry: nuestro padre ❚ BAJO EL REFLECTOR ❚ TEATRÓSCOPOS

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Gente de Teatro

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ConacultaConsuelo Sáizar / Presidenta

Instituto Nacional de Bellas ArtesTeresa Vicencio Álvarez / Directora GeneralSergio Ramírez Cárdenas / Subdirector General de Bellas ArtesJuan Meliá Huerta / Coordinador Nacional de TeatroJosé Luis Gutiérrez Ramírez / Director de Difusión y Relaciones Públicas

Bellas Artes INBA Oficial @bellasartesinba bellasartesmex

Fomentando la cultura sembramos la semilla de un México próspero para ti y tu familia

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