REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA

INSTITUTO UNIVERSITARIO POLITÉCNICO

“SANTIAGO MARIÑO”

EXTENSIÓN BARINAS

Elementos Arquitectónicos

Karen Aguero

C.I. 16.402.401

TUTOR: Estela Aguilar

MATERIA: Historia de la Arquitectura II

ESCUELA: Arquitectura

BARQUISIMETO, 30 DE MAYO DE 2014

Arquitectura

Elementos sustentantes: muros y columna.

•El elemento sustentante por excelencia es el muro.

La columna siempre soporta arcos de medio punto. El

estilo de capitel más empleado es el corintio y junto al el

aparecen el dórico, jónico y compuesto.

Elementos sustentados:

•Se utilizan las bóvedas de arista o de cañón, aunque es

la cúpula la solución más representativa ya sea para

cubrir partes del edificio o el edificio entero. También se

utilizan adinteladas tanto unas como otras suelen aparecer

decoradas con casetones entre los materiales se utilizan

el ladrillo el mármol, y aparejos menudos. Los sillares en

algunos casos son almohadillados, los elementos

decorativos destacan áureas ( en forma de corona u orla

de hojas de

laurel), guirnaldas, amorcillos, grutesco (motivo

decorativo compuesto por seres fantásticos con formas

humanas vegetales y animales complejamente

enlazados), candelieri (inspirado en la forma de los

candelabros) y balaustradas. También son importantes los

elementos arquitectónicos del arte clásico como

frontones, entablamentos, las plantas desaparece la

concepción medieval que se basa en una visión

longitudinal hacia el altar mayor. Partiendo de una planta

basilical se llega a las plantas centrales que son las más

características a partir del cinquecentto.

En la arquitectura religiosa se utiliza la planta

longitudinal o central. El interior es ancho buscando la

unidad espacial. Se propugna la pared la pared limpia y

luminosa, sin vidrieras, con pequeñas ventanas que dejan

pasar la luz natural. El exterior es muy cuidado

buscando la belleza y el interés por el urbanismo, la

arquitectura civil adquiere gran importancia con respecto

a la religiosa. El palacio se organiza en torno a un patio

y la fachada se articula en tres plantas separadas por

cornisas y rematadas con una por una gran cornisa. Se

utiliza sobre todo el aparejo de sillar almohadillado y se

abren un gran número de ventanas.

Escultura:

Durante el renacimiento fueron retomados

distintos estilos antiguos en cuanto a

escultura, entre los que se encontraba la

escultura griega y romana, la representación

del cuerpo humano la veracidad y el

naturalismo, se muestra el estudio sobre la

anatomía humana (antropocentrismo), así

como también la recuperación del desnudo,

renace el sentido de la proporción

“proporcionalidad”, se manifiesta la

representación del espacio, la perspectiva

geométrica y la representación de la

naturaleza con sentido narrativo el relieve

pictórico y los temas de la mitología clásica

es recreada desde la significación cristiana.

Los materiales más utilizados son: mármol,

bronce, madera, piedra, terracota.

Estilos: estatua, busto, relieve, medallones

tondos.

Pintura:

La pintura renacentista está plena de religiosidad, sin embargo,

cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la

representación del paisaje tienen mucha importancia. Durante el

renacimiento surgen diversas escuelas, estas adquieren el nombre

de la ciudad donde se desarrollan, entre estas se citan: la Escuela

Florentina, la Veneciana, la de Siena, la de Umbría, la de Parma, la

de Verona, la de Padua, la de Milán y la de Carrara.

Consolidación de la técnica del oleo y del lienzo como soporte,

manteniendo la técnica del fresco y el muro como soporte, se

desarrollo el claroscuro, se introduce del Sfumato y la perspectiva

aérea, existiendo un cuestionamiento de la perspectiva lineal en la

representación del espacio, la convergencia entre el dibujo y el

color así como también las soluciones manieristas (movimiento y

dramatismo) que se van distanciando del clasicismo, la variedad

temática como el retrato, religioso, mitológico y alegórico.

Se manifiesta la perdida de los contornos en la figura, a favor del

color , riqueza y unidad cromática, la exaltación del lujo y la

riqueza en relación a los ambientes palaciegos, personaje, joyas y

telas, las texturas.

Arquitectura:

La arquitectura renacentista española pasó por tres fases.

La primera es la del estilo plateresco y se puede

considerar como una combinación de elementos del

mudéjar y del gótico. El plateresco se caracteriza por

edificios cuyas fachadas están ricamente decoradas con

adornos almohadillados, medallones, escudos, columnas

con capiteles corintios y pilastras decoradas con insectos,

hojas, etcétera.

Esta mansión puede considerarse como el edificio civil

más representativo de la arquitectura renacentista de

tendencia plateresca. Su fachada está decorada por unas

300 - 350 conchas de peregrino, símbolo de la Orden de

Santiago.

Las ventanas también revelan la influencia mudéjar y

gótica del estilo plateresco.

Escultura:

La escultura renacentista llega a España

gracias a artistas italianos o a los españoles

que viajan a Italia a formarse, la escultura del

Renacimiento español es de gran originalidad

por el fuerte sentimiento religioso del que está

impregnado, siguiendo la línea anterior del

gótico. Además de da mucha importancia de la

expresividad, También es original por los

materiales empleados. Por ejemplo, se utiliza

mucho la madera policromada de pino con la

técnica del estofado, en la que se aplica una

fina capa de pan dorado y luego se pinta

encima y se raspa para que se vea el dorado.

Se siguen construyendo sepulcros, retablos,

sillerías de coro y retratos.

Pintura:

Es una obra de gran belleza, donde se produce un

alargamiento de las figuras. Se muestran

importantes contrastes lumínicos (transparencias,

sombras...) En el rostro de la Virgen, Luis Morales

pintó grandes ojos abultados, la ausencia de

temática profana y predominio de la religiosa, la

clientela será fundamentalmente la Iglesia, la

técnica preferida es el óleo sobre tabla, o sobre

lienzo con escaso desarrollo del fresco,

dependencia de las formas italianas que conviven

con restos góticos y caracteres populares, en

Época de Felipe II, El Escorial se convierte en el

centro de la producción pictórica más importante,

mención aparte merece el genio individual del

Greco.

La arquitectura francesa es modelo a seguir en el diseño de edificios a nivel mundial. El arte francés es de

carácter elegante y refinado, cosa que se proyecta en sus obras arquitectónicas. Los arquitectos franceses del

Renacimiento y del período neoclásico son especialistas en construcciones palaciegas, poseen los castillos más

bellos del mundo, miles de turistas acuden para admirar estas edificaciones monumentales, que aun se

encuentran en perfectas condiciones. La mayoría de castillos de

Francia están en la región del

Loira, allí existen numerosas

construcciones palaciegas. La

mayoría de ellas fueron edificadas

durante el Renacimiento, época de

gloría para los arquitectos

franceses concentrados en París.

Para conseguir levantar estas

construcciones magníficas

aplicaron su fina creatividad

estética y técnicas de ingeniería

avanzada. Dentro de esta zona se

ubica la castillo monárquico más

famoso de Francia, el Chambord.

Una parte del valle del Loira, con

42 castillos, ha sido nombrada

patrimonio de la humanidad por

la UNESCO

El arte de la pintura en Francia se desarrolló en el Renacimiento, movimiento cultural europeo que dio a las artes el

primer plano que ocupan todavía hoy en día. Inicialmente favorecida por los reyes, la pintura se emancipó poco a

poco del poder y encontró su fuerza en la audacia de los pintores. Francia no tuvo grandes creadores, hay algunos

que merecen estar en la memoria de las personas, por lo que daremos una pequeña pincelada a dos de los grandes. Es

la unidad de la composición, de la perspectiva, de la anatomía y mobidez muscular y de la belleza exterior física

tendiendo a imitar la naturaleza con desenvoltura e inspirándose a la vez los artistas en las obras clásicas escultóricas.

Por razón de los asuntos, en la universalidad de ellos, dando mucha entrada a los mitológicos apenas tratados en la

época anterior y cultivando singularmente el retrato y las historias. Y aunque no se olvidan los cuadros religiosos,

carecen éstos por lo común de la idea y unión mística de la época precedente (sobre todo, en

las Vírgenes o Madonnas) y hasta desvían con frecuencia el ánimo de la verdadera piedad. Aunque está plena

de religiosidad, cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha

importancia.