REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA

INSTITUTO UNIVERSITARIO POLITÉCNICO

“SANTIAGO MARIÑO”

EXTENSIÓN BARINAS

Elementos Arquitectónicos

Karen Aguero

C.I. 16.402.401

TUTOR: Estela Aguilar

MATERIA: Historia de la Arquitectura II

ESCUELA: Arquitectura

BARQUISIMETO, 30 DE MAYO DE 2014

Arquitectura Elementos sustentantes: muros y columna. •El elemento sustentante por excelencia es el muro. La columna siempre soporta arcos de medio punto. El estilo de capitel más empleado es el corintio y junto al el aparecen el dórico, jónico y compuesto. Elementos sustentados: •Se utilizan las bóvedas de arista o de cañón, aunque es la cúpula la solución más representativa ya sea para cubrir partes del edificio o el edificio entero. También se utilizan adinteladas tanto unas como otras suelen aparecer decoradas con casetones entre los materiales se utilizan el ladrillo el mármol, y aparejos menudos. Los sillares en algunos casos son almohadillados, los elementos decorativos destacan áureas ( en forma de corona u orla de hojas de laurel), guirnaldas, amorcillos, grutesco (motivo decorativo compuesto por seres fantásticos con formas humanas vegetales y animales complejamente enlazados), candelieri (inspirado en la forma de los candelabros) y balaustradas. También son importantes los elementos arquitectónicos del arte clásico como frontones, entablamentos, las plantas desaparece la concepción medieval que se basa en una visión longitudinal hacia el altar mayor. Partiendo de una planta basilical se llega a las plantas centrales que son las más características a partir del cinquecentto. En la arquitectura religiosa se utiliza la planta longitudinal o central. El interior es ancho buscando la unidad espacial. Se propugna la pared la pared limpia y luminosa, sin vidrieras, con pequeñas ventanas que dejan pasar la luz natural. El exterior es muy cuidado buscando la belleza y el interés por el urbanismo, la arquitectura civil adquiere gran importancia con respecto a la religiosa. El palacio se organiza en torno a un patio y la fachada se articula en tres plantas separadas por cornisas y rematadas con una por una gran cornisa. Se utiliza sobre todo el aparejo de sillar almohadillado y se abren un gran número de ventanas.

Escultura: Durante el renacimiento fueron retomados distintos estilos antiguos en cuanto a escultura, entre los que se encontraba la escultura griega y romana, la representación del cuerpo humano la veracidad y el naturalismo, se muestra el estudio sobre la anatomía humana (antropocentrismo), así como también la recuperación del desnudo, renace el sentido de la proporción “proporcionalidad”, se manifiesta la representación del espacio, la perspectiva geométrica y la representación de la naturaleza con sentido narrativo el relieve pictórico y los temas de la mitología clásica es recreada desde la significación cristiana. Los materiales más utilizados soe: marmól, bronce, madera, piedra, terracora. Estilos: estatua, busto, relieve, medallones,tondos.

Pintura: La pintura renacentista está plena de religiosidad, sin embargo, cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia. Durante el renacimiento surgen diversas escuelas, estas adquieren el nombre de la ciudad donde se desarrollan, entre estas se citan: la Escuela Florentina, la Veneciana, la de Siena, la de Umbría, la de Parma, la de Verona, la de Padua, la de Milán y la de Carrara.

Consolidación de la técnica del oleo y del lienzo como soporte, manteniendo la técnica del

fresco y el muro como soporte, se desarrollo el claroscuro, se introduce del Sfumato y la

perspectiva aérea, existiendo un cuestionamiento de la perspectiva lineal en la representación

del espacio, la convergencia entre el dibujo y el color así como tambien las soluciones

manieristas (movimiento y dramatismo) que se van distanciando del clasisismo, la variedad

temática como el retrato, religioso, mitologíco y alegorico.

Se maniefiesta la perdida de los contornos en la figura, a favor del color , riqueza y unidad

cromatica, la exaltación del lujo y la riqueza en relación a los ambientes palaciegos, personaje,

joyas y telas, las texturas.

Arquitectura: La arquitectura renacentista española pasó por tres fases. La primera es la del estilo plateresco y se puede considerar como una combinación de elementos del mudéjar y del gótico. El plateresco se caracteriza por edificios cuyas fachadas están ricamente decoradas con adornos almohadillados, medallones, escudos, columnas con capiteles corintios y pilastras decoradas con insectos, hojas, etcétera. Esta mansión puede considerarse como el edificio civil más representativo de la arquitectura renacentista de tendencia plateresca. Su fachada está decorada por unas 300 - 350 conchas de peregrino, símbolo de la Orden de Santiago. Las ventanas también revelan la influencia mudéjar y gótica del estilo plateresco.

Escultura: La escultura renacentista llega a España gracias a artistas italianos o a los españoles que viajan a Italia a formarse, la escultura del Renacimiento español es de gran originalidad por el fuerte sentimiento religioso del que está impregnado, siguiendo la línea anterior del gótico. Además de da mucha importancia de la expresividad, También es original por los materiales empleados. Por ejemplo, se utiliza mucho la madera policromada de pino con la técnica del estofado, en la que se aplica una fina capa de pan dorado y luego se pinta encima y se raspa para que se vea el dorado. Se siguen construyendo sepulcros, retablos, sillerías de coro y retratos.

Pintura: Es una obra de gran belleza, donde se produce un alargamiento de las figuras. Se muestran importantes contrastes lumínicos (transparencias, sombras...) En el rostro de la Virgen, Luis Morales pintó grandes ojos abultados, la ausencia de temática profana y predominio de la religiosa, la clientela será fundamentalmente la Iglesia, la técnica preferida es el óleo sobre tabla, o sobre lienzo con escaso desarrollo del fresco, dependencia de las formas italianas que conviven con restos góticos y caracteres populares, en Época de Felipe II, El Escorial se convierte en el centro de la producción pictórica más importante, mención aparte merece el genio individual del Greco.

La arquitectura francesa es modelo a seguir en el diseño de edificios a nivel mundial. El arte francés es de carácter elegante y refinado, cosa que se proyecta en sus obras arquitectónicas. Los arquitectos franceses del Renacimiento y del período neoclásico son especialistas en construcciones palaciegas, poseen los castillos más bellos del mundo, miles de turistas acuden para admirar estas edificaciones monumentales, que aun se encuentran en perfectas condiciones. La mayoría de castillos de Francia están en la región del Loira, allí existen numerosas construcciones palaciegas. La mayoría de ellas fueron edificadas durante el Renacimiento, época de gloría para los arquitectos franceses concentrados en París. Para conseguir levantar estas construcciones magníficas aplicaron su fina creatividad estética y técnicas de ingeniería avanzada. Dentro de esta zona se ubica la castillo monárquico más famoso de Francia, el Chambord. Una parte del valle del Loira, con 42 castillos, ha sido nombrada patrimonio de la humanidad por la UNESCO

El arte de la pintura en Francia se desarrolló en el Renacimiento, movimiento cultural europeo que dio a las artes el primer plano que ocupan todavía hoy en día. Inicialmente favorecida por los reyes, la pintura se emancipó poco a poco del poder y encontró su fuerza en la audacia de los pintores. Francia no tuvo grandes creadores, hay algunos que merecen estar en la memoria de las personas, por lo que daremos una pequeña pincelada a dos de los grandes. Es la unidad de la composición, de la perspectiva, de la anatomía y mobidez muscular y de la belleza exterior física tendiendo a imitar la naturaleza con desenvoltura e inspirándose a la vez los artistas en las obras clásicas escultóricas.

Por razón de los asuntos, en la universalidad de ellos, dando mucha entrada a los mitológicos apenas tratados en la época anterior y cultivando singularmente el retrato y las historias. Y aunque no se olvidan los cuadros religiosos, carecen éstos por lo común de la idea y unión mística de la época precedente (sobre todo, en las Vírgenes o Madonnas) y hasta desvían con frecuencia el ánimo de la verdadera piedad. Aunque está plena de religiosidad, cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia.