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RESEÑASCHETESCAFRESFESTIVAL SONAR

THE gaslightanthem

THE gaslightanthemPLAYING EVERY SAD SONG

ARTÍCULOSMIXTAPES

CINETOY STORY 3WALK THE LINE

JULIO 2010

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JULIO 10

CONTENIDO

JUST A LIL’ OF

CONTENIDO

OUR FEELINGSEDITORIAL

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EN VIVOLOS CAFRES

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¿QUIÉN ESTÁ HACIENDO QUÉ?R4ROCK EVENTS

06EN PORTADATHE GASLIGHT ANTHEM

WORLDWIDEFESTIVAL SONAR

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18GADGETSGEEK IS THE NEW SEXY

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LIVECHETES

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GIMME COFFEE AND TVBREAKING BAD

R FOR REVIEWS:CALAMARO, WOLF PARADE, MINUS THE BEAR

EXIT MUSIC (FOR A FILM):WALK THE LINE

ARTÍCULOMIXTAPES

3O

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SILVER SCREEN:TOY STORY

LIVECHETES

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JULIO 10

R FOR START

R FOR RELEASEEditores

EDITORIAL

~ for ~

RforRELEASE | TheAestheticRockMagazine

JULIO 2010 | ISSUE 12Your name tattoed inside of my arm

~ for ~

“Todo en exceso es malo” es una de las máximas que nuestras madres suelen decir, y vaya que aplica para todo. Este mes tenemos una extraña ironía en Monterrey: estamos en sequía de eventos, no ha habido conciertos de talla internacional que nos deleiten con su música; sin embargo en los años venideros recordaremos los inicios de julio de 2010 por “Alex”. Una tormenta que vino a, literalmente, inundarnos con agua.

Monterrey ha cambiado, desaparecieron avenidas completas, millones de pesos en daños materiales, gente sin vivienda y sin servicios básicos. Y eso es sólo el principio, durante los siguientes meses vendrán las tareas de reconstrucción, mientras tanto debemos aprender a vivir en este nuevo panorama. Quizá debamos escuchar de nuevo esa canción del Jefe que nos habla de su ciudad en ruinas.

Incluso a R for Release le pegó la tormenta y nos retrasó (se dice que la tinta no se podía secar por la humedad), pero aquí estamos, compartiendo de nueva cuenta nuestro punto de vista. En esta ocasión tenemos en portada a The Gaslight Anthem, los invitamos a que la conozcan, en cine regresamos a las salas a cumplir una deuda de quince años y en conciertos reseñamos tocadas locales y festivales internacionales.

Aquí estamos, desde la reconstrucción.Daniel PizarroDaniel GuzmánLuis GonzálezJesús de Hoyos Falcón

FOTOGRAFÍAS:Krlos PrietoMayoliya Ayala

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fonrouge@r-for-release.comFonrougeDESIGN DIRECTOR

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JULIO

ROCK EVENTS

GRAN CIRCO DE LOS BEATLESTodos los domingos de julio y agostoLugar: Woodstock Plaza, Monterrey

www2.superboletos.com

XV HELL FEST14 de julioLugar: Café Iguana, Monterrey

www.cafeiguana.com.mx

JOSÉ FORS, FORSEPS 16 de julioLugar: Lunario del Auditorio Nacional, México, D.F.

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LOS CAFRES CAFÉ IGUANA @ 25 DE JUNIO

Con más de 20 años de carrera artística y una vez más tocando frente a la bandita regiomontana, regresaron Los Cafres al Café Iguana.

POR: Alfonso Ramos FOTOS: Krlos Prieto

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Llenaron los rincones del recinto con su reggae, ragamuffin e incluso un poco de hip hop, pero nun-ca dejando de lado las roots tan tradicionales que los dio a conocer en Argentina. Empezaron un tanto inciertos por problemas con el sonido del local, que en diferentes ocasiones les interrumpió el reperto-rio preparado. Con “Momento”, último sencillo de Barrilete, se vieron interrumpidos por enésima vez y más que molestarlos les dio pie a un poco de frees-tyle e interacción con su público. Temas viejos como “Velas y Sahumerios”, “Suena la alarma”, “Hace Falta” y “Sinsemilla”, hicieron bailar y cantar a sus seguidores que no precisaron de cannabis para en-tregarse al baile y a un ritmo realmente potente.

Bob Marley hizo su aparición con el cover “Pimper’s Paradise”, así como John Lennon con “Woman”, extraídas de su último disco, el cual está integrado

por covers y fue grabado en vivo el año pasado. Los Cafres son hoy la punta de lanza del reggae no sólo en Argentina sino en el resto de América latina.

Después de un descanso de la banda, y con litros y li-tros de cerveza consumida en el lugar -ya que el calor comenzaba a ser insoportable- se aventaron “Loco”, “Bastará” y “Vos Sabés” de los Fabulosos Cadillacs. Convocando a un nuevo esfuerzo de la banda reuni-da, que con el último aliento de la noche entonaron “La receta”, su peculiar himno de despedida.

Todos nos quedamos con un excelente sabor de boca, ya que a pesar del difícil comienzo, la banda pudo llevarse a la bolsa a su gente, ya que con ban-dera de México y otra con el nombre de la banda en el escenario, nos prometieron regresar. ~ for ~

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ESTAR EN CONTROL

SÓLO ES UNA IDEA

QUE TE HACE

SENTIR FELIZ

CHETES, ESCÉNICA @ 25 DE JUNIO

Hace ya varios años en Monterrey se dio la llamada “Avanzada regia” que no era otra cosa que las bandas que tenían años formándose en la ciudad dándose a conocer en el resto del país, de aquello ya sólo quedan los recuerdos, algunas de estas bandas aún persisten y siguen entregando de forma regular discos, algunas han cambiado, el personaje de esta reseña formó parte de Zurdok, una banda que vimos crecer, evolucionar y convertirse en algo totalmente diferente, mucho tiene que ver el peso de Chetes en esa transformación.

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El 25 de junio nos reunimos en el Escénica para que Chetes nos presentará de forma oficial su tercer disco solista, Hipnosis. Muchas de las entradas para este concierto fueron entregadas de forma gratuita, lo que algunos podrían decir que fue un factor importante para que el lugar se viera más lleno que en otros conciertos, lo que sí hay que mencionar es que puedes regalar todos los boletos, pero si a la gente no le interesa no asistirá. En esta ocasión los boletos se vendieron, se regalaron y la gente asistió porque así lo quiso.

En punto de las 11:35, sin actos abridores de por medio, Chetes tomó el escenario, entonando “El siguiente nivel”, canción movida para darle la bienvenida al público, después siguió “Arena”, su más reciente sencillo, una canción larga, que se divide en actos, con el video de fondo la canción va creciendo y la gente le respondió, ¿es tempra-no para decir que Chetes es profeta en su tierra? quizá sí.

“Efecto Domino” se escucha y todos la coreamos, su melodía es fácil de seguir y así lo hacemos. “Poco a poco” emociona, la música de Chetes es sencilla, quizá ahí radica su éxito, de una clara influencia beatlesca es agradable al oído, la melo-día tiene una parte muy importante y sus letras nos hablan del amor, de la soledad, del viaje que es la vida misma.

Para la siguiente canción se mueve al piano, otro recuerdo de Zurdok, de la evolución de la banda, el incremento de sonidos, de instrumentos, esta capacidad lo ha llevado a colaborar con gente de la talla de Memé del Real, o con Zoé, es un res-

petado músico que nos presenta sus creaciones. En “Fuera de lugar” nos encontramos con la idea que Bunbury ya nos ha mencionado antes, ese “no soy mala hierba, sólo hierba en mal lugar”, arropada por un ritmo nashviliano, mención especial para Alán Robles en la guitarra, que puntea de forma efectiva en cada verso. Otra rola conocida se hace presente en “Que me maten”, gran canción en que los nervios se hacen presen-tes pues se equivoca en el orden de las estrofas.

El momento down se siente en “Querer” canción que desnuda sentimientos intrínsecos a todos los presentes, cada uno de nosotros recordamos o vemos a esa persona especial, ¿qué es querer? ¿porqué es tan fácil o difícil? Disfrutamos la can-ción y cantamos el juego más difícil de aprender…

Los clásicos no pueden faltar y como si fuera estación del recuerdo oímos “Cuántos pasos” en una versión en solitario, para luego continuar con “Abre los ojos”. Cada una de las canciones ha sido acompañada por diversos gráficos en las pantallas, algunos más elaborados que otros, pero siempre diferentes, un punto más para la producción. Para “Camino a casa” nos pide que lo ayudemos a cantar y así lo hacemos, el final se acerca, después de un corto encore su primer sencillo solista se materializa, cantamos “Com-pletamente” y entendemos en tres minutos el sonido que este cantautor nos ofrece. Ya no es temprano para decir que Chetes se ha convertido en Profeta en su tierra, bien por él, se lo merece. ~ for ~

Por: Simón Cárdenas Fotos: Mayolina

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FOR SOMETHING TO HAPPEN

WE WERE ALWAYSwaitingTHE GASLIGHT ANTHEM

POR: Simón Cárdenas

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WE WERE ALWAYS

En R for Release ya hemos hablado de algunas

situaciones temporales-espaciales en particular.

Recordemos el Seattle de los 90, cuando el grunge

empezaba a sonar en todos lados; Nirvana, Pearl

Jam, Alice in Chains y Soundgarden fueron las

bandas encargadas de darle voz a la Generación

X, con propuestas y sonidos disímiles, pero con la

desesperanza en común. En el nuevo milenio New

York se convirtió en la nueva esperanza del rock,

bandas como The Strokes, Interpol, los Yeah Yeah

Yeahs y The National demostraron que el rock

podía ser oscuro y artístico, pero entrar al mains-

tream sin perder su integridad. Así como podemos

hablar del sonido Seattle o el sonido de New York,

también podemos hablar del sonido de la costa de

Jersey, o bien, Jersey Shore Sound.

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“There is redemption in every song”Brian Fallon

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El Jersey Shore sound es precisamente como se denomina al género que nace en el estado al sur de New York, el nombre quizá les sue-ne conocido debido al programa de MTV, es la misma región geográfica. Con una fuerte influencia américo-italiana, la definición enciclopédica nos dicta que este movimiento es representado por una preponderancia de los teclados. En el rock su más grande expo-nente es sin duda Bruce Springsteen, el cual es un excelente parámetro para saber a qué suena el Jersey Shore sound.

Las temáticas de este movimiento son sim-ples, quizá de allí venga el secreto de porqué es tan fácil identificarse con esas canciones. Para empezar hablan de los sentimientos de las personas que viven en estas grandes ciudades industrializadas, del día a día de las personas que trabajan, literalmente, para conseguir lo que quieren en la vida, desde cosas materiales hasta relaciones sentimen-tales. La otra característica complementa a la primera, me refiero a la sensación de ser un perdedor, “the underdog” como dirían nuestros vecinos del norte. Sí, estamos en la competencia, trabajamos, peleamos durante días, meses, incluso años por conseguir eso que queremos, pero nadie espera que po-damos conseguirlo. Más allá de un temario adolescente, estas preocupaciones suelen acompañarnos a lo largo de toda nuestra vida, cambiando de escenarios quizás, pero con los mismos temores.

The Gaslight Anthem es una banda que recoge la tradición del Jersey Shore sound y lo actualiza. Su primer disco, Sink Or Swim, fue aceptado muy bien tanto por la prensa independiente como por revistas reconocidas del nivel de Spin, a este trabajo le siguió el EP Señor And The Queen. Las giras que acompaña-ron a estos discos fueron el detonante de su fama, la publicidad de boca en boca los llevó a convertirse en una banda de conocedores, por lo cual su siguiente material era esperado con mucha expectativa, en agosto de 2008 The 59 Sound apareció impresionando a los medios, incluso eMusic lo consideró el “disco del año” en su conteo del 2008. American Slang es su nuevo material, contiene poderosos riffs y exclentes letras, evolucionan pero siguen en su viaje.

Ya mencionamos que las influencias en The Gaslight Anthem son una parte importante de su identidad, entre los homenajes que han rendido a sus héroes (y que nos hablan de su formación musical) está la canción “God’s Gonna Cut You Down”, original de Johnny Cash, “Refugee” de Tom Petty, o bien, “No Surrender”, original de “El Jefe”.

“Sólo por el hecho de que lo intentes no quie-re decir que vas a conseguir el éxito” dice el vocalista Brian Fallon, en referencia al sueño americano, The Gaslight Anthem se ha abierto camino en el mundo de la música, haciendo música de calidad y canciones memorables, sin embargo no han obtenido el dinero ni el estatus de superestrellas de otras bandas. Siguen trabajando en eso, día a día, canción a canción, a lo mejor el Jefe se equivocó y no todos nacimos para huir. ~ for ~

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La nece

sidad de cr

ear un esp

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MUSIC FROM THE FUTURE, TODAY!

Festival I

nternacional de M

úsica

Avanzada y Arte M

ultimedia

17-19 JU

NIO @

BARCELONA

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Sonar 2010 estuvo repleto de co-lor, intensidad, propuesta y mucha buena onda. Al igual que todos los años, el Sonar advierte su llegada desde días antes. En Ciudad Con-dal, se respira ya un aire de fiesta y emoción, que en esta ocasión se llevó a cabo del 17 al 19 de junio.

El festival da inicio el jueves a mediodía, ríos de gente se dirigen al MACBA (Museo Arte Contem-poráneo) que junto con el CCCB albergan durante el día al festival. Dentro del museo se llevan a cabo exposiciones de arte audiovisual y conferencias y presentaciones de hardware y software. En los exterio-res del museo hay varios escena-rios y la propuesta es muy variada, desde un ultra bailable set de Pete Tong donde podían encontrarse los personajes más increíbles dándole en la pista con sus mejores pasos; hasta a gente de todos lados del mundo con una vibra muy pecu-liar, tantos idiomas, tantas ideas, maneras de pensar y claro, tanta música...

En otro escenario al otro lado del museo, se pudo disfrutar de Los Amparito que pusieron al público a bailar y gozar. Ya casi para cerrar el día se presentó Caribou, destacable presentación que hicieron, haciendo gala de un audio demoledor y una propuesta musical bastante inte-resante, implementando bastantes elementos rítmicos y presumiendo también de su excelente bataco.

Imposible hablar de todas las ban-das y toda la propuesta que tiene lugar a lo largo de todo el día, pero después del 1er día uno piensa, ¿qué demonios sigue mañana? El festival termina a las 10, pero Bar-celona está ahí afuera, y el verano y ambiente de festival se hacen sentir en todos los bares y clubes de la ciudad.

El viernes el festival empieza a las 12, la propuesta es muy exten-sa, entre otros se encuentran los New Young Pony Club, con buena propuesta, son lo que algunos ya llaman electrorock...para mí son una muy buena banda de rock alterna-tivo (ya todo es alternativo) que se está adaptando a las nuevas for-mas de hacer música, creo que en el futuro veremos muchas bandas como ésta.

Todo se traslada entonces a las afueras de la ciudad a la Feria Gran Vía 2, que es un centro de conven-ciones y demás actividades enorme, aquí tiene lugar el mundialmente famoso Sonar de noche. Ese día los afortunados presentes pudimos ver a los increíbles Air, estos franceses pusieron a los miles de presentes a delirar con su melodía y su estilo tan peculiar de interpretar sus te-mas, fueron subiendo de tono hasta llegar a la ya tan coreada “Sexy Boy”. LCD Soundsystem ofreció un concierto demoledor, a sabiendas del escenario donde se presen-taban hicieron un show lleno de

elementos innovadores y por mo-mentos James Murphy me recordó la vitalidad y energía del Bowie de los 80 en el escenario. Simplemente arrollador.

Ya entrada la mañana, a las 5 am, en el escenario exterior se presen-tó Booka Shade siendo otro de los grandes momentos del festival. El Sonar estaba ya en su punto alto...

Llega la noche del sábado y em-pezamos con una sobrecogedora actuación de Roxy Music. ¿Qué se puede decir de esta banda de culto ya clásica de los 70?, simplemente bellísimo y nostálgico: Bryan Ferry y Brian Eno en el escenario.

El momento había llegado, Chemi-cal Brothers estaban frente a miles de personas ansiosos por verlos, to-caron durante casi 2 horas. Dignos de mención los visuales y toda la producción en general. Hicieron un live impresionante, tocando temas de su nuevo disco y los obligados clásicos, miles de personas no pararon de gritar y bailar. Así como empezó, termino. Nuevamente el Sonar cimbró Barcelona y los miles de visitantes de todos lados del mundo se van con la ilusión de volver el próximo año.

Sonar es fiesta...es baile, música, amor, mezcla y comunión. ~ for ~

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La nostalgia es el dolor por lo que ya no

es. Y el mercado de la nostalgia es uno

de los más redituables, todos tenemos

alguna pieza coleccionable de antaño que

adquiere su valor precisamente por ser

un recuerdo.

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Vivimos en la época del MP3, del iPod, ya no se compran discos, se descargan, muchas veces sin tener que pagarle al artista por su trabajo. Esto precisa-mente ha llevado a que muchas veces no se escuche todo el álbum sino sim-plemente el sencillo de moda. Esto no es algo nuevo, lo único que ha cambia-do es la presentación en que se hace, hoy quemamos discos y cargamos nuestro iPod, antes era algo más arte-sanal, antes hacíamos mixtapes. Los cuales no eran más que cassetes con las canciones que nosotros queríamos, acomodadas en un orden específico con el fin de lograr que nos dieran una sonrisa. Los cassettes de cinta magnetica se crearon

con el fin de utilizarse en los dictados. Su ni-vel de sonido hizo que pronto reemplazaran a las cinta de carrete, pues eran mucho más fáciles de usar, de transportar, de grabar y sobre todo, de adquirir. Otra característica importante de los cassettes era lo fácil que era grabar en ellos, no era necesario tener un equipo sofisticado para poner algún soni-do en ellos, un stereo de doble casetera era lo que se necesitaba para grabar de un

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cassete a otro. O bien, se podía grabar directamente de la radio, ¿ven cómo no ha cambiado nada? Sólo se graba-ban los sencillos…

Actualmente hacemos playlists con diversos temas, para alguna fiesta, de algún género en particular, covers, etcétera. En aquellos años cuando la vida era en blanco en negro y no existía el Internet también queríamos poner todas las canciones que signifi-caban algo en un orden específico, por eso hacíamos nuestros mixtapes. Lo primero era seleccionar la cantidad de tiempo, había cassetes de grabación de 60, 90 y 120 minutos, los últimos

no eran tan recomendables porque se apre-taban al poco tiempo de uso y se conver-tían en una sinfonía de ardillas cantando. Incluso si no contábamos con un cassete en blanco bien podíamos borrar cualquiera que ya no nos gustara, ¿cómo? Poniendo cinta o algodón en las hendiduras que se encontra-ban en la parte superior de la caja.

Ahora venía lo bueno, ya que teníamos la duración venía el decidir el orden, qué rola le debe seguir a otra, con cual empezar, cuándo sube el ritmo cuando baja, como terminar un lado. Suena sencillo pero la verdad era un arte, teníamos que respetar el tiempo de cada uno de los lados por-que si no lo hacíamos correctamente nos quedaría un lado con un minuto de silencio que tendríamos que aguantar cada vez que pusiéramos dicho cassette. Por eso ahí estábamos anotando el tiempo que duraba cada canción, para ir sumando los segun-dos, los minutos.

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Una vez concluida la selección era el mo-mento de grabarlo, lo que significaba estar metiendo cassette tras cassette en el orden que queríamos, confiar en que la grabadora funcionara bien y no se comiera la cinta. Des-pués de haberlo grabado había que probarlo, escucharlo completamente y checar que no hubiera fallas.

Como los discos que venden actualmente, aquellos cassettes venían con un pequeño pe-dazo de papel para anotar su contenido, uno se podía poner muy serio y escribir las cancio-nes en el orden que venían, o bien, pegarle al artista y crear todo “un booklet” que acompa-ñara el trabajo; los más pros podían hacerlo incluso doblando un papel y así tener diversos pliegos con sus anotaciones, citas, dibujos y más.

Hoy no es raro que haya gente que haga discos, que incluso les dibuje una portada y más, pero el proceso es mucho más frío, quizá porque en aquellos tiempos había que dedi-carle más tiempo y prácticamente podías ver el proceso mediante el cual creabas un set completo de música. Sí, es nostalgia, pero no hay nada nuevo bajo el sol y a veces es bueno recordarlo.

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ON THE ROCK

R FOR REVIEWS

~ Andrés Calamaro ~

1.-Barcos, con El Cigala y Niño Josele

2.-Te extraño, con el Langui3.-El Pasodoble de los amigos

ausentes4.-Todos se van5.-Los divinos

6.-Flor de samurai7.-Insoportablemente cruel, con

Calle 13 y J. González 8.-Tres marías

9.-Te solté la rienda, con Enrique Bunbury

10.-Me envenenaste11.-Gomontonera

12.-El perro

2 01 0

Exactamente hace un año, en el núme-ro uno de R for Release, reseñamos el concierto que Andrés Calamaro ofreció en la ciudad, sin duda uno de los mejores conciertos de mi vida, pues tuve la oportunidad de presenciar en vivo a uno de mis cantantes favoritos (a pesar de que tenía poco tiempo de escucharlo por esos días me aventé toda su discogra-fía y me convertí en fiel seguidor). A un año de ese evento, el Salmón regresa con un nuevo disco, On The Rock. Tal vez Calamaro no gane nuevos adeptos a su causa, pues el disco suena a él, no tiene esas canciones pegajosas que puedan servir como sencillos -la única excepción sería quizás el single que actualmente tiene “Los Divinos”- sino que son una serie de canciones íntimas

que se mueven entre los terrenos que Andrés conoce. Desde las baladas lentas con tintes flamencos como “Barcos”, en la que lo acompaña El Cigala, la genial “Te extraño”, hasta “Insoportablemente cruel” en la que se hace presente el ajon-jolí de todas las colaboraciones, Calle 13. Éste es un tema a resaltar, en la amplia discografía de Calamaro abundan las colaboraciones, este nuevo disco no es la excepción pues además de los ya mencionados también se puede escuchar la característica voz de Vicentico en “Tres Marías” y Enrique Bunbury en el cover de José Alfredo Jiménez “Te solté la rienda”. Además de estas rolas tranquilonas, también aparecen en el disco canciones más guitarreras, pero para ser honestos menos trascendentes. Si consiguen la

edición especial del disco contarán con algunos remixes, así como las cancio-nes de “Perdóname” y “Vasos Vacíos”, original de los Fabulosos Cadillacs, que en solitario Calamaro le quita velocidad y alegría, pero la compensa con sentimien-to. El Salmón ha vuelto, escuchémoslo de nuevo, es agradable regresar con él.

Héctor Pérez

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BLACK SHEEP

R FOR REVIEWS

~ Suckers ~

1.- Save Your Love For Me

2.- Black Sheep

3.- Before Your Birthday Ends

4.- You Can Keep Me Runnin’ Around

5.- A Mind I Knew

6.- Roman Candles

7.- It Gets Your Body Movin’

8.- Martha

9.- King of Snakes

10.- 2 Eyes 2 C

11.- Loose Change

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Suckers se colocó en el mapa de la misma manera que Fleet Foxes o Sleigh Bells: Pu-blicando un EP brutalmente chingón. Wild Smile es un reflejo amplificado de su EP: un juego divertido de singalongs frenéticos, trompetas rechinantes, influencias africa-nas, y otros pedos que nomás no vale la pena enlistar. Suckers es una banda bien original, sin embargo, hay dos artistas que quiero tomar como puntos de referencia: Modest Mouse y Sunset Rubdown. La voz es inevitablemente parecida a la de Isaac Brock de Modest Mouse. La manera en la que juega en una delgada línea entre cantar y gritar es arriesgada, sin embargo, Quinn Walker lo lleva un paso más lejos. Su voz se estira sin límites, alcanzando false-tes altísimos, subiendo o bajando de octa-va en un instante, ¡y todavía se las arregla

para que parezca que está pendejeando! En cuanto a Sunset Rubdown, la compara-ción es más directa. Al igual que Suckers, Sunset experimenta con estructuras poco tradicionales, hacen música con bastantes elementos, cambios y capas. Sin embar-go, existe una diferencia básica entre las dos bandas, y ésta es que los últimos hacen música pop, con lo que quiero decir ear-friendly. A pesar de toda la bola de percusiones, sintetizadores, trompetas, marimbas y los constantes cambios que integran las canciones de Wild Smile, éste es un disco bastante divertido. Un punto que quiero resaltar del disco es su intro, “Save Your Love For Me”. Abrir un disco con una rola larga es una jugada bastante arriesgada porque ésta deja de ser una carta de presentación y se convier-

te en un pasillo de introducción a lo que será el disco. Son contadas las ocasiones en que los artistas se salen con la suya (“Knocked Up” de Kings of Leon, o “A More Perfect Union” de Titus Andronicus). es la rola más larga de Wild Smile y es a su vez la elegida para abrir. “Hands down” es una melodía arrullante compuesta de coros que instantáneamente se convierte en una frenético talent show de los miembros, lle-vando la voz, los coros y el sentimiento al límite. Después de esta canción se desata todo el circo, un freakshow total, sin orden relevante ni más estructura… después de todo se llama Wild Smile, ¿ya se entiende el cuadro completo?

Daniel Guzmán

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JULIO 10

EXPO 86

R FOR REVIEWS

~ Wolf Parade ~

1.- Cloud shadow on the mountain

2.- Palm Road

3.- What did my lover say? (it always had to go this way)

4.- Little Golden Age

5.- In the Direction of the Moon

6.- Ghost Pressure

7.- Pobody’s Nerfect

8.- Two Men in New Tuxedos

9.- Oh You, Old Thing

10.- Yulia

11.- Cave-o-Aapien

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Existen más de 180 canciones con autoría acreditada a Lennon/McCartney,. En Pink Floyd, la dualidad Gilmour/Waters llegó a su fin con The Final Cut, disco en el que Waters insistió que se acreditara sólo a su nombre. Con este par de ejemplos, pregunto: ¿Es La dualidad creativa en el género musical un plus? . En teoría, sí, es un plus. Para crear algo, un artista saca lo que tiene dentro, por lo que, un trabajo artístico está destinado a ser el espejo de su creador. Al crear un objeto artístico en equipo, surgen preguntas. ¿Qué miembro predomina? ¿Quién se adaptó a quién?Todo esto viene al caso para hablar de Wolf Parade, un experimento que nace de la dualidad musical Krug/Boeckner. Expo 86 es su nuevo álbum, y si algo se les debe de reconocer, es que los dos han dado un gran

paso hacia adelante en el manejo de este factor. Su disco previo, es precisamente lo que hace que Expo 86 sea un trabajo tan íntegro y equilibrado. Lo diré, At Mount Zoo-mer es un gran disco, pero le falta el carác-ter íntegral. Es evidente que fue un disco dividido en dos estilos, voces y estructuras totalmente diferentes. Bien pudieron haber sido dos EP’s chingonsísimos, uno de Krug y uno de Boeckner. Expo 86 nos agarró desprevenidos. La banda abre y cierra el disco sin pretensiones de hacer algo loco. Comparando el cierre de este disco, “Cave-O-Sapien”, con el del pasado, fluye un feeling más natural. “Cave-O-Sapien” es simplemente un cierre más dinámico y rockero, menos “artsy” y pretensioso. La comparación de las dos canciones de cierre explican cómo funciona todo el disco en re-

lación a su predecesor, “Oh You, Old Thing” es la canción en la que más se puede apreciar la interacción teclados-guitarra. La interacción se da de la siguiente manera: un instrumento se encarga de un riff y el otro entra a complementarlo con otro riff, armonizándose juntos. Wolf Parade está tomando una identidad bastante definida y atractiva, y lo más interesante es acreditar esta identidad individual de banda a dos cabezas diferentes. Krug y Boeckner tratan a Wolf Parade como su side project, sin embargo, es este punto de convergencia creativa lo que los ha hecho más grandes que sus proyectos originales.

Daniel Guzmán

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THE TWILIGHT SAGA: ECLIPSE

R FOR REVIEWS

~ Varios~

1.- Metric – “Eclipse (All Yours)”2.- Muse – “Neutron Star Collision (Love

Is Forever)”3.- The Bravery – “Ours”

4.- Florence + The Machine – “Heavy In Your Arms”

5.- Sia – “My Love”6.- Fanfarlo – “Atlas”

7.- The Black Keys – “Chop And Change”8.- The Dead Weather – “Rolling In On A

Burning Tire”9.- Beck and Bat For Lashes – “Let’s Get

Lost”10.- Vampire Weekend – “Jonathan Low”

11.- UNKLE – “With You In My Head (featuring The Black Angels)”

12.- Eastern Conference Champions – “A Million Miles An Hour”

13.- Band Of Horses – “Life On Earth”14.- Cee-Lo Green – “What Part Of

Forever”15.- Howard Shore – “Jacob’s Theme”

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Siendo un hombre de 25 años, me siento bastante extraño reseñando un producto que lleva la palabra “Twilight” en la porta-da, pero cuando leí que grupos como Muse, Metric y Vampire Weekend compondrían canciones para el soundtrack de la tercera película de la serie, no pude contra la curio-sidad de escuchar esa compilación.Producido por Alexandra Patsavas, ECLIPSE cuenta con una de las selecciones más impresionantes que he visto para un soundtrack en los últimos años, contando con bandas de la talla de The Bravery, Black Keys, Beck (con Bat for Lashes), Band of Horses, Sia, The Dead Weather, Florence + The Machine, Cee-Lo Green (Gnarls Barkley) y UNKLE (con Black Angels), además de las que mencioné al

inicio de la reseña; pero por si esto fuera poco, la mayoría de los temas aportados por las bandas (si no es que todas) son canciones originales o nunca editadas, lo que le otorga un valor de compra segura a este soundtrack, sobre todo si eres fan de alguna de las bandas (o de la mayoría, como yo) y tienes una hermana o prima que lo pueda comprar por ti, para que tu reputación siga intacta.Basta con leer la lista de los grupos que conforman este disco para saber lo que puedes esperar, aunque si necesitas recomendaciones, yo diría que “I`m Yours” de Metric, “Neutron Star Collision” de Muse, “Heavy In Your Arms” de Florence + The Machine y “Atlas” de Fanfarlo destacan un poco del resto, pero con la calidad que esta

compilación tiene, es muy difícil decidir por una canción que opaque a las demás. Cabe destacar que la edición de lujo contiene tracks de Battles, Bombay Bicycle Club y remixes de los tracks de Cee-Lo Green (“What Part of Forever”) y Fanfarlo. Con una de las selecciones indie más im-presionantes en mucho tiempo y con más calidad de con la que la película en cues-tión podría soñar con gozar, THE TWILIGHT SAGA: ECLIPSE SOUNDTRACK es una de las compras más recomendables en estos días y lo mejor de todo, te ahorra el tener que ver la película para disfrutar de las canciones; sin duda, la mejor parte.

Daniel Pizarro

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FURTHER

R FOR REVIEWS

~ The Chemical Brothers ~

1.- Snow

2.- Escape Velocity

3.- Another World

4.- Dissolve

5.- Horse Power

6.- Swoon

7.- KDB

8.- Wonders Of The Deep

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Pocos son los grupos electrónicos que gozan de la trayectoria y el respeto del dueto conformado por Tom Rowlands y Ed Simmons, quienes han encabezado el mo-vimiento de la música electrónica por casi 20 años, razón por la que el lanzamiento de nuevo material del grupo siempre es gran noticia entre los que gustamos del género.Further es un disco peculiar; por un lado se escucha como los primeros discos del dúo, con un énfasis marcado en la melodía y más psicodélico, pero a la vez desecha las acostumbradas colaboraciones de artistas (después del gran número de invitados en We Are The Night) dejando a Rowlands a cargo de las voces del álbum (con ayuda de Stephanie Dosen en algunos tracks),

algo que en verdad se nota al momento de escuchar el disco, pero de manera positiva, ya que en esta placa los sonidos vuelven a ser los protagonistas de las canciones, de-jando que los DJs experimenten más que en ocasiones anteriores con el fin de suplir la falta de invitados y den esos destellos de genialidad que los hicieron tan famosos. A su vez, el dúo amplia el espectro de Fur-ther por medio de vídeos hechos especial-mente para el disco y que lo complemen-tan de una manera excelente.Si bien Further no cuenta con tracks del tamaño y genio de “Star Guitar” o “Block Rockin’ Beats” y es casi indiferente al drum and bass característico de The Chemical Brothers, si nos muestra que el par buscó renovarse, adaptando su estilo a uno que

diera más cabida a la experimentación y al juego de sonidos, decisión que se mues-tra como la correcta cuando tracks como “Another World”, “Wonders of the Deep” y “Swoon” hacen su aparición y nos dejan en claro que Further es un digno repre-sentante del legado musical de la banda, acercándose al que, en mi opinión, el disco definitivo de los Brothers, Come With Us. Excelente material.

Daniel Pizarro

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JULIO 10

Omni

R FOR REVIEWS

~ Minus The Bear ~

1.- My Time

2.- Summer Angel

3.- Secret Country

4.- Hold Me Down

5.- Excuses

6.- The Thief

7.- Into the Mirror

8.- Animal Backwards

9.- Dayglow Vista Road

10.- Fooled By the Night

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Simple exquisitez musical nos trae esta veterana banda llamada Minus The Bear en este octavo disco de su carrera. Ahora firmados con Dangerbird Records, (que también maneja bandas como Hot Hot Heat y Sea Wolf) dan un salto enorme; el ser una típica banda underground pasa a segundo plano, aunque conservan la misma sencillez y humildad que los ha caracterizado durante su carrera. Dentro de Omni dejan fluir su creatividad a un grado muy ameno y único, ya que le han dis-minuido un poco al fiel estilo de usar muchos delays en las guitarras que

tanto hicieron notar en sus máximos referentes Planet Of Ice y Menos El Oso, pero lo considero como un elemento de madurez, ya que ahora las canciones se ven más estructuradas y con letras mejor pensadas. Por ejemplo, la can-ción de “My Time” -que fue su primer sencillo- nos trae un ritmo sumamente pegajoso al son de una letra un tanto sexualona, algo no usual de Minus The Bear y la seriedad que siempre habían proyectado. Han hecho la inclusión del teclado como un elemento casi esencial dentro del disco, el cual nunca cae en el supuesto de ser empalagoso,

dándole un valor agregado y armónico con los demás instrumentos. Sin duda un disco muy agradable y que sigue manteniendo en el camino del éxito a esta banda que con el transcurso de los años sólo ha ido en progreso y de la cual podremos esperar más sorpresas próximamente.

Luis González

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“Yo soy yo y mis circunstancias” dijo José Ortega y Gasset, una máxima que se aplica al tratar de entender las motivaciones personales, qué es lo que buscamos y cómo lo buscamos, qué es lo importante en nuestra vida y lo que estamos dispuestos a hacer para conseguir lo que nos proponemos. Breaking Bad es una serie de televisión que explora lo que un hombre es capaz de hacer para garantizar el bienestar de lo que considera más importante.

BREAKING BAD

GIMME COFFEE & TV

Por: Simón Cárdenas

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Antes que nada hay que hacer mención que esta serie no es un estreno, en Estados Unidos ya va para su cuarta temporada, pues desde marzo de 2008 llegó a la pantalla chica. Sin embar-go, es un buen momento para empezar a hablar de ella pues el canal AXN acaba de empezar las transmisiones de la primera temporada.

La serie nos cuenta la historia de Walter White, un profesor de química a nivel preparatoria que para complementar sus entradas de dinero trabaja medio tiempo en un auto lavado, es un buen hombre, pero es menospreciado por sus conocidos: sus alumnos, sus amigos, incluso su esposa Skylar parece no tenerlo en alta estima. Tiene un hijo adolescente discapacitado y su esposa tiene siete meses de embarazo. La historia empieza cuando Walter es diagnosticado con cáncer tér-minal de pulmón, Walter decide que lo mejor que puede hacer

es asegurar el destino financiero de su familia. Su cuñado es un agente de la DEA y le pide la oportunidad de ver un laborato-rio donde fabrican cristales de metanfetamina, ya que utilizan-do sus conocimientos de quími-ca se cree capaz de crear esta sustancia, para esto hace alianza con Jesse Pinkman, ex alumno y dealer de la localidad.

La primera sorpresa que nos llevaremos al ver esta serie es que el papel principal es perso-nificado por Bryan Cranston, un actor de comedia que participió en exitosas comedias como Seinfield, pero que en nuestro país es más conocido por ser Hal,

el papá de Malcolm en la serie de Malcom In The Middle. Ale-jado de este papel, Cranston se luce como un actor dramático, en el inicio de la serie lo vemos como un completo loser que apenas y logra que sus alumnos le presten atención. Al saber de su enfermedad y de tomar la decisión de empezar a vender cristales, empezamos a notar una transformación tanto física como psicológica y emocional. El personaje es consciente de que el mundo no es un lugar agradable, pero quizá nunca se había sentido motivado a decir lo que pensaba, ahora sabe que su tiempo se acaba y que tiene que tomar acciones fuertes para asegurar el futuro de los que más quiere.

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En el primer capítulo (para no arruinarles más detalles) lo vemos renunciar a su trabajo, convencer a un ex alumno de ayudarlo a traficar, cocinar de forma perfecta metanfetamina de alta calidad, golpear a unos estúpidos que se burlaban de su hijo y “eliminar” parte de su competencia.

La serie ha sido ampliamen-te reconocida por la crítica en Estados Unidos, elogiando sobre todo el trabajo actoral de Bryan Cranston y Aaron Paul, quien

tiene el papel de Pinkman. El nombre de la serie viene de una expresión sureña que se utili-za cuando alguien cambia de rumbo y deja de hacer las cosas bien, ya sea por un día o por toda la vida. Walter White dice que después de tantos años por fin está despierto, qué tanto su inminente muerte es justificación de sus acciones es algo que sólo veremos a lo largo de esta serie. Quizá Rousseau estaba equivo-cado, y todos los hombres somos malos por naturaleza y lo único que nos detiene es que tenemos mucho que perder. ~ for ~

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TOY STORY 3

¿Toy Story en R for Release? Bueno, la verdad es que no somos tan viejos, y si se han dado cuenta, algo que nos

apasiona en la revista es el diseño y la tecnología.

AL INFINITO

Y MÁS ALLÁ

SILVER-SCREEN

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Hoy en día pensar en películas dirigidas al público infantil es pen-sar en películas animadas de forma digital, argumentos escritos inteli-gentemente, humor de amplio rango de edad. Es innegable que hay muy buenas películas de este tipo: La Era Del Hielo, Los Increíbles y Wall-E son sólo algunas, recordemos que este tipo de cintas inició hace quince años, cuando en la primavera de 1995 se estrenó la primera película de Toy Story.

La historia de juguetes que cobra-ban vida cuando nadie los veía revo-lucionó la industria de las películas infantiles, ya no eran “caricaturas” en pantalla grande lo que se ofrecía

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como la máxima atracción de vera-no, eran modelos en 3D lo que veía-mos moverse en la pantalla, pero no eran burdos polígonos, sino objetos bien definidos, de calidad impre-sionante. El argumento presentaba personajes y situaciones que eran entretenidos para los niños y adultos por igual, no se trataba de dar un mensaje moralista con calzador, la historia valía la pena por sí misma.

A partir de este momento la ma-yoría de las películas infantiles se hicieron utilizando esta técnica, los creativos de las compañías cayeron en la cuenta que el público infantil era su mercado, pero los papás eran quienes los llevaban al cine.

En 1999, cuatro años después, se estrenó , película que agregó más personajes a la franqui-cia, demostró que el que pega prime-ro pega dos veces pues la animación era impecable y las risas estaban muy bien balanceadas con el nivel emocional de la historia. Pero luego la franquicia quedó en silencio, los estudios Pixar se dedicaron a darle vida a otros proyectos, perfeccionar la animación de humanos en sus películas y demás; hicieron grandes éxitos y parecían tener olvidada a la historia que lo inició todo. Sin embar-go, en el 2009 se destapó el primer trailer de la película, ya no nos sor-prende la animación pues se ha vuel-to bastante normal ver este tipo de

películas, ahora regresaremos a las salas de cine para saber el destino de esos personajes que están arraiga-dos en toda nuestra generación.

Han pasado quince años desde que se estrenó la primera parte de esta historia, les aseguro que cuando vayan a verla encontrarán muchos niños en la sala, pero también muchos jóvenes y adultos que hemos esperado para volver a jugar con nuestros juguetes. ~ for ~

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I FIND VERY EASY TO BE TRUE

WALK THE LINE

Johnny Cash es una de las figuras más importantes de la música estadounidense del siglo pasado. Su música era el resul-tado del torbellino que era su vida, las tragedias, decisiones, amores, adicciones y figuras que lo convirtieron en el hombre de negro son exploradas en la película Walk The Line.

Exit Music (For a Film)

POR: Simón Cárdenas

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Tomando como base las autobiografías que el mismo hombre de negro escribió, la película em-pieza con un Johnny Cash reflexionando acerca de su pasado, la pérdida de su hermano a temprana edad, su difícil relación con su padre, su estadía en el ejercito y sus primeras canciones. El éxito con el que es recompensado por su talento, y lo más importante: June Carter.

Ésta es una historia de amor entre dos personas que se pertenecen, pero que no pueden estar jun-tas por diversos motivos, el matrimonio de él, sus adicciones. El estira y afloja que trae la fama, los excesos y pasiones.

James Mangold fue el hombre detrás de las cáma-ras en este película y es el responsable filmes tan diferentes como Identidad (un homenaje al cine de Alfred Hitchcok) y 3:10 To Yuma un western basado en una historia de Elmore Leonard. Sus aproximaciones a las historias dejan el peso en los personajes, en la fuerza que tienen y en los cam-bios que atraviesan. Aquí es donde entra la fuerza de la película, los actores que encarnan a los per-sonajes principales.

Un Joaquin Phoenix convertido en alma y cuerpo en Cash, que incluso canta las canciones que apa-

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recen en la película, y hay que decirlo, no lo hace nada mal. Ese hablar ronco y mirada hosca hacen que se apodere del papel. Por otro lado, la rubia Resse Witherspoon es la encargada de darle voz y personalidad a June Carter. Ambos actores fueron reconocidos con nominaciones a los premios de la Academia por sus respectivas interpretaciones y si bien el Óscar no es garantía de un buen trabajo es una referencia importante.

En la cuestión musical la película no demerita en nada. Como ya dijimos, Phoenix y Witherspoon interpretan las canciones de la película, de forma bastante entonada. Entre las canciones que apare-

cen en el soundtrack se encuentran clásicos como “Folsom Prison Blues”, “I walk the line”, “Ring of Fire” y covers como “It Ain’t Me Babe”, original de Bob Dylan, en voz del dueto principal, además de la genial “Cocaine Blues”, en una de las mejores versiones que se han grabado.

La historia de amor de Johnny Cash y June Carter es una historia llegadora, quizá porque sabemos que es verdadera: apenas tres meses después de que ella falleciera Cash la siguió, su vida simplemente dejó de tener sentido, a veces el amor duele así, a veces el amor mata así. Esta película es un docu-mental musical del amor y sus consecuencias. ~ for ~

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