TEMPORADA 2013-2014

+

Ponce+Robles

2013-2014

José Hidalgo Anastacio Feel at Home

Maíllo Detroit

Ricardo Calero Las Cajas de los Sueños

Avelino Sala Locked-in Syndrome

Esther Pizarro Un Jardín Japonés: Topografías del vacío /Matadero-Caja Asia

ARCO 2014

Boa Mistura Anamorfosis

Los ojos de las vacas

Raúl Díaz Reyes Renovations

VOLTA 10

Ricardo Calero Espacio de Pensamientos

+

JOSE HIDALGO ANASTACIO

FEEL AT HOME/SENTIRSE COMO EN CASA

+

MAÍLLO

DETROIT

+

AVELINO SALA

LOCKED-IN SYNDROME

+

RICARDO CALERO

LA CAJA DE LOS SUEÑOS

+

ARCO 2014

JOSE HIDALGO ANASTACIO

MAÍLLO

+

ESTHER PIZARRO

UN JARDÍN JAPONÉS: TOPOGRAFÍAS DEL VACÍO

MATADERO. MADRID

CAJA ASIA. BARCELONA

+

BOA MISTURA

ANAMORFOSIS

ALCOBENDAS

+

LOS OJOS DE LAS VACAS

COMISARIO DAVID BARRO

MANUEL CAEIRO

LAURA GONZÁLEZ CABRERA

IRENE GRAU

ÁLVARO NEGRO

+

RAÚL DÍAZ REYES

RENOVATIONS

+

VOLTA10

MANUEL CAEIRO

IRENE GRAU

RAÚL DÍAZ REYES

+

RICARDO CALERO

ESPACIO DE PENSAMIENTOS

TRIENAL NO ALENTEJO ÉVORA

+

PRENSA PRESS

Fecha: 7 de septiembre 2013

Tipo: Prensa semanal Sección: Arte Medio: ABC. CULTURAL.

Pág:98 Fecha: Septiembre

Tipo: Revista Sección:Tiempo libre. Arte Medio: Telva

Fecha: Septiembre

Tipo: Blog de crítica Sección: Arte Medio: javierdiazguardiola.blogspot

http://javierdiazguardiola.blogspot.com.es/2013/09/el-otono-ya-calienta-motores-novedades.html

Raquel Ponce y José Robles lanzan esta temporada una galería conjunta

Ponce+Robles, la unión hace la fuerza Se conocen desde hace 14 años, y desde hace seis comenzaron a trabajar en equipo, haciendo ferias (como MACO) y participando en proyectos como VIVA Off o Jugada a 3 Bandas. A la vuelta del verano de 2012, los galeristas Raquel Ponce y José Robles se plantearon no deshacer este eventual tándem e iniciar un proyecto galerístico común, dándose un año de plazo para poder acabar con sus compromisos profesionales y diseñar la nueva nómina de artistas. Y aunque Eva Ruiz se llegó a sumar al proyecto y se especuló con asentarlo en la calle Doctor Fourquet, Ponce+Robles abrirá sus puertas en Madrid, en la sede de la primera (calle Alameda, 5), el próximo jueves. “Esta es la unión de dos profesionales. No replanteamos la filosofía del

espacio porque siempre hemos estado muy cercanos, sabemos como trabajamos ambos y esta se ha ido definiendo en nuestras colaboraciones de estos años”, explica Raquel Ponce. “Nuestra actitud ante el arte es similar, y el componente creativo es esencial. Los intereses siguen siendo promocionar a los artistas y exportarlos”. La unificación de sus respectivas carteras ha supuesto hacer una selección de nombres: “Han primado, sobre todo, las trayectorias internacionales, porque sobresalientes son todos ellos”. Quedan emergentes como Aggtelek, Ignacio Navas y Maíllo; consagrados como Ricardo Calero, y nuevas incorporaciones, como el latinoamericano José Hidalgo, con el que desde el día 12 nos dan la bienvenida. “Somos muy optimistas porque el peso de una galería es titánico, pero el reparto de responsabilidades supone una mejor gestión y mayores resultados”. Como curiosidad, conviene saber que el segundo espacio de Raquel Ponce en Alameda, 3, será ocupado en breve por Cano Estudio, a donde traslada su factoría de ideas y su ámbito expositivo.

Fecha:Julio

Tipo: portal online Sección: Arte Medio: Cloudart

http://blog.cloudart.es/2013/07/las-galerias-raquel-ponce-y-jose-robles-se-fusionan/

Las galerías Raquel Ponce y José Robles se fusionan

by admin on julio 16th, 2013

Las galerías Raquel Ponce y José Robles han unido sus fuerzas para crear Ponce + Robles, un nuevo espacio que sustituye a los dos anteriores y que nace con el objetivo de incrementar la presencia en foros internacionales de los artistas españoles que representan y de acercar la creación emergente internacional al mercado español.

La nueva galería, situada en el número 5 de la calle de la Alameda, iniciará su andadura en septiembre con la primera exposición en España del artista ecuatoriano José Hidalgo-Anastacio, titulada Feel at home (Sentirse como en casa).

“La muestra de Hidalgo-Anastacio es una clara apuesta por generar un diálogo entre los nuevos lenguajes del arte emergente internacional con el realizado por los jóvenes artistas españoles representados por nuestra galería, de manera que se puedan generar redes entre ambos que faciliten la visibilidad e integración del arte contemporáneo español en el circuito internacional así como el acercamiento a los coleccionistas españoles del arte emergente realizado fuera”, comentan los directores de Ponce + Robles.

Dos galeristas, un espacio

Raquel Ponce fundó en 1991 su galería en Madrid. Ha participado en ferias nacionales e internacionales y ha celebrado hasta la fecha más de 150 exposiciones de artistas nacionales e internacionales. Además es tesorera del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) y vocal de la asociación de galerías Arte_Madrid.

Por su parte, José Robles comenzó su trayectoria como galerista en el año 2000. Tras una primera etapa en la calle Doménico Sacarlatti, en 2009 se traslada a la calle Belén. En total ha realizado más de 80 exposiciones y participado en ferias como Estampa, Just Mad, Just Mad Miami, Arte Santander o ARCO. Desde su comienzo, la galería se ha dedicado a la búsqueda de jóvenes artistas españoles y extranjeros.

Fecha:Julio

Tipo: portal online Sección: Arte Medio: hoyesarte.com

http://www.hoyesarte.com/artes-visuales/exposiciones-artes-visuales/s30-galerias/las-galerias-raquel-ponce-y-jose-robles-se-fusionan_124786/

Las galerías Raquel Ponce y José Robles han unido sus fuerzas para crear Ponce + Robles, un nuevo espacio que sustituye a los dos anteriores y que nace con el objetivo de incrementar la presencia en foros internacionales de los artistas españoles que representan y de acercar la creación emergente internacional al mercado español.

La nueva galería, situada en el número 5 de la calle de la Alameda, iniciará su andadura en septiembre con la primera exposición en España del artista ecuatoriano José Hidalgo-Anastacio, titulada Feel at home (Sentirse como en casa).

“La muestra de Hidalgo-Anastacio es una clara apuesta por generar un diálogo entre los nuevos lenguajes del arte emergente internacional con el realizado por los jóvenes artistas españoles representados por nuestra galería, de manera que se puedan generar redes entre ambos que faciliten la visibilidad e integración del arte contemporáneo español en el circuito internacional así como el acercamiento a los coleccionistas españoles del arte emergente realizado fuera”, comentan los directores de Ponce + Robles.

Dos galeristas, un espacio

Raquel Ponce fundó en 1991 su galería en Madrid. Ha participado en ferias nacionales e internacionales y ha celebrado hasta la fecha más de 150 exposiciones de artistas nacionales e internacionales. Además es tesorera del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) y vocal de la asociación de galerías Arte_Madrid.

Por su parte, José Robles comenzó su trayectoria como galerista en el año 2000. Tras una primera etapa en la calle Doménico Sacarlatti, en 2009 se traslada a la calle Belén. En total ha realizado más de 80 exposiciones y participado en ferias como Estampa, Just Mad, Just Mad Miami, Arte Santander o ARCO. Desde su comienzo, la galería se ha dedicado a la búsqueda de jóvenes artistas españoles y extranjeros.

- See more at: http://www.hoyesarte.com/artes-visuales/exposiciones-artes-visuales/s30-galerias/las-galerias-raquel-ponce-y-jose-robles-se-fusionan_124786/#sthash.Im8sL4EB.dpuf

http://www.latinamericanart.com/es/noticias/las-galerias-raquel-ponce-y-jose-robles-se-fusionan.html

Fecha :Julio

Tipo: portal arte latinoamericano Sección: Arte Medio: latinamericanart

Fecha: Septiembre

Tipo: Mercado del Arte Sección: Arte Medio: Web

http://www.arteinformado.com/Noticias/3667/ponce-+-robles-arrancara-con-una-nomina-de-trece-artistas/

Fecha: Septiembre de 2013

Tipo: Invitación exposición

Fecha: 12 de Septiembre de 2013

Tipo: portal de eventos Madrid Sección: Exposiciones Medio: esMADRID.com

http://www.esmadrid.com/es/cargarBuscadorAgenda.do?codigoEvento=E38332&codigoLocal=888&tipo=1

Fecha: Septiembre de 2013

Tipo: portal artístico Madrid Sección: Exposiciones Medio: Madridartprocess

http://www.madridartprocess.com/agenda-cultural-madrid/item/1112-ponce-robles.html

Para comenzar la temporada y estrenar la galería, Ponce + Robles nos proponen la muestra del artista ecuatoriano José Hidalgo-Anastacio titulada "Feel at home". Partiendo de la idea del cubo blanco como espacio expositivo, José Hidalgo-Anastacio reflexiona sobre su incapacidad de pertenecer y habitar ningún otro espacio que no sean las cuatro paredes de una galería. Así en esta ocasión, toma la galería

Ponce + Robles para habitarla, convirtiendola en su lugar, en su hogar, con la convicción de que no importa dónde vaya, porque siempre se encontrará residiendo en su hábitat. Al final le es posible sentirse como en casa cuando existe ese lugar arquetípico, ese cubo blanco que es su patria. Siguiendo este discurso plástico, el artista mostrará dibujos sobre papel de sus series "Utopography" y "Trasmutatio Mensura Series" así como instalaciones de la serie "Fluor Gradients" y "Corner Fall Down". La muestra se com- plementará con una obra en audio así como una intervención en la fachada exterior de la galería.

José Hidalgo-Anastacio nace en Guayaquil, Ecuador, realizando exposiciones individuales como Light, Shine & Sha- dow en el Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo (MAAC) en 2010 e ISOS, PHISYS & EGOS en NoMíNIMO en 2013, ambas en Guayaquil. Actualmente prepara su primera exposición individual internacional para la galería Pon- ce + Robles, Madrid. Ha participado en las muestras colectivas Artificios para sobrevivir en el Centro Cultural Ccori Wasi en Lima; y en La seducción de la distancia en NoMíNIMO espacio cultural, Guayaquil. Ha sido ganador de la III edición de la Beca dpm (dpm gallery) 2008 y obtuvo el Primer Premio en la 52 edición del Salón de Julio, organizado por el Museo Municipal de Guayaquil, 2011. Su obra está en las colecciones del Museo Municipal de Guayaquil y Texeira de Freitas de Portugal, así como en varias colecciones privadas. Su obra ha sido expuesta en ferias inter- nacionales como ZONA MACO en México D.F., Odeón en Bogotá y ARTEBA en Buenos Aires.

Fecha: Septiembre de 2013

Tipo: portal de ocio Sección: Exposiciones Medio: allevents.in

http://allevents.in/Madrid/sentirse-como-en-casa-feel-at-home-exposici%C3%B3n-individual-de-jos%C3%A9-hidalgo-anastacio/512211922204740#

Fecha: Septiembre de 2013

Tipo: portal de arte Sección: Arte Medio: Arteinformado.com

http://www.arteinformado.com/Eventos/80562/feel-at-home-sentirse-como-en-casa/

Fecha: Septiembre 2013

Tipo: portal de arte Sección: Exposiciones Medio: hoyesarte.com

http://www.hoyesarte.com/evento/2013/09/feel-at-home-la-galeria-poncerobles-abre-sus-puertas/

La galería Ponce+Robles, surgida de la fusión de los galeristas Raquel Ponce y José Robles, abre hoy sus puertas en Madrid con la inauguración de la exposición 'Feel at home', de José Hidalgo-Anastacio.

Hidalgo-Anastacio, artista ecuatoriano de 26 años, inaugura este nuevo espacio situado en el número 5 de la calle Alameda de Madrid con una exposición compuesta por una veintena de obras, entre dibujos, pinturas, instalaciones y piezas sonoras que generan un diálogo entre los nuevos lenguajes del arte emergente.

Interesado en trabajar obras capaces de invitar a la experiencia y que exijan la presencia de quien las ve, este artista desarrolla una obra personal que parte del dibujo y continúa cuestionándose el sentido de la imagen, creando un diálogo íntimo entre espectador y obra.

Invitar a la experiencia

Entre las obras que exhibe la nueva galería se pueden ver las series Trasmutatio Mensura, una investigación reciente consistente en realizar experimentos que vinculen diferentes sistemas de medición culturales homologando sus unidades, múltiplos o submúltiplos uno a uno; Surfaces, Colors

and Gravity Series, dibujos de gran formato realizados con lápices de grafito y de colores a modo de ejercicios tonales o planos de color; y Utopography, dibujos realizados a partir de una instancia pictórica previa y elaborados mediante técnicas para hacer mapas y planos geográficos.

La muestra se complementa con una obra en audio así como una intervención en la fachada exterior de la galería.

1 / 31

Trayectoria emergente

José Hidalgo-Anastacio (Guayaquil, 1986) ha realizado exposiciones individuales en el Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo (MAAC) en 2010 y 2013, ambas en Guayaquil. Ha sido ganador de la III edición de la Beca dpm (dpm gallery) en 2008 y ha obtenido el Primer Premio en la 52 edición del Salón de Julio, organizado por el Museo Municipal de Guayaquil en 2011.

Su obra está en las colecciones del Museo Municipal de Guayaquil y Texeira de Freitas de Portugal, así como en varias colecciones privadas. Además ha sido expuesta en ferias internacionales como ZONA MACO en Mexico D.F., Odeón en Bogotá y ARTEBA en Buenos Aires.

Starting 12th September we will have the chance to enjoy some pieces of art at Ponce+Robles, a new gallery that Raquel and José have excitedly created out of the idea of working together.

Ponce+Robles is the union of two historic Madrilian gallery owners, Raquel Ponce and José Robles. Together they have more than 30 years of experience promoting contemporary Spanish art, and both are regular guests at art fairs like ArcoMadrid, Maco in Mexico DF and, recently, Volta in Basilea. Their new gallery is born with the objective to increment the presence of Spanish artists at international fora, as well as to bring international emergent creativity closer to our market.

The new gallery is located in the same spot where Raquel Ponce gallery used to stand, c/Alameda, 5, and the opening includes the work of artist José Hidalgo-Anastacio. PHYSIS & EGOs is his second individual exhibition, where he will present drawings and installations related to drawing, which is the main axis of his work, always regarding it as a medium to realize different aesthetic explorations

.

Fecha: Septiembre de 2013

Tipo: Revista online Sección: Exposiciones Medio: metalocus

Fecha: 27 de Septiembre de 2013

Tipo: Prensa Semanal Sección: Arte-Exposiciones Medio: El Mundo, El Cultural

Fecha: Noviembre de 2013

Tipo: Invitación exposición

Fecha: Noviembre de 2013

Tipo: Prensa semanal Sección: Arte Medio: El Mundo, El Cultural

Fecha: 14 de Noviembre de 2013

Tipo: Revista arte-arquitectura online Sección: Arte Medio: Metalocus

http://www.metalocus.es/content/es/blog/pen-detroit-por-maillo

DETROIT por Maíllo. PONCE + ROBLES. [MAD] España. 14/11/2013 - 10/01/2014. Por: metalocus, SERGIO CIDONCHA. Categorías: Arte, Diseño, Exposiciones, Recomendaciones Interzona, 170 x 145 cm. Acrílico sobre lienzo, 2013. Fotografía © Maíllo. Cortesía de PONCE + ROBLES. Hoy se inaugura DETROIT, una exposición del pintor Maíllo en la galería de arte PONCE + ROBLES. Una gran ocasión para ver la obra de este pintor de Getafe. Maíllo transmite con su pincel las preocupaciones que le inquietan, relacionando ideas y sentimientos sobre el lienzo. Os invitamos a visitar esta exposición, la obra del pintor y la galería os provocarán interés por el arte. "El arte es una acción personal que puede valer como ejemplo, pero nunca tener un valor ejemplar". Isidoro Valcárcel Medina. Quizá una de las imágenes más impactantes que nos ha llegado este último año desde la ciudad de Detroit, ese gran imperio del automóvil que se ha visto reducido a cenizas tras su bancarrota, sea el de la estación de tren de Michigan, un colosal edificio de estilo neoclásico, vacío, abandonado, olvidado. Lejos quedan aquellos días en que los trenes iban y venían repletos de pasajeros y las galerías de la estación rebosaban de tiendas y restaurantes. Hoy no queda más que un gran esqueleto de hormigón, situado en medio de la nada, vestigio de una época mejor. También quedan los ciudadanos de Detroit, que en pocos años han visto transformada su ciudad a calles despobladas, casas tapiadas y jóvenes vendiendo chatarra. Y les toca convivir con ello. Pero no hay que irse hasta Detroit para hablar de estas involuciones, de modelos fallidos y de ciudadanos desprovistos de alternativas de futuro. Me gusta cuando Maíllo me dice que Detroit podía ser Baltimore- con la imaginería que ofrece la serie The Wire- pero también Getafe, su ciudad natal. Por eso Maíllo se acerca a través de su pintura a una realidad que le preocupa, le quita el sueño y le hace rabiar. Desde la visión parcial que caracteriza a aquel que quiere mostrar su enfado a través de la pintura, Maíllo presenta para esta ocasión una obra sólida, madura y honesta con sus preocupaciones y planteamientos y como siempre, llena de referencias que nos sirven de anclas para amarrarnos a su mensaje. Me atrevería a decir que la obra de Maíllo funciona como un gran mapa conceptual sujeto a una pared, donde las ideas se relacionan entre sí, se contagian, marcan direcciones, rehabitan

territorios y propician encuentros y oposiciones. También hay nombres propios en este gran mapa sin principio ni fin, como David Simon, Bruce Nauman, Robin Rhode o Nicolas Burriaud y entre los conceptos copulativos que nos sirven para unir ideas, nos topamos con arte relacional, periferia, paisaje posindustrial, resiliencia, reapropiación, contrapoder y revolución, entre otras tantas que van naciendo sin cesar, porque Maíllo nunca se da por vencido, es un cuerpo inquieto en busca de respuestas que encuentra en sus grandes lienzos impregnados de gestos rabiosos. Maíllo deambula por este mapa en un estado de shock, queriendo reconocer en qué punto está y hacia qué faro ha de dirigirse. Y eso es justamente lo que ha hecho en sus lienzos, apoyarlos en el suelo y caminar por encima de ellos, pisarlos y arañarlos hasta llegar a su corazón. No hay huellas de pinceles ni de brochas, porque el gesto en esta ocasión se adivina más instintivo y crudo; también hay textura y algo de matérico, pues el estudio, su laboratorio de experimentos, es en esta ocasión parte de la obra. Donde uno ve crisis, otro ve oportunidad, este juego de binomios se plasma en las telas que han sido enfrentadas como el positivo y el negativo de un mismo soporte. Maíllo explica el proceso de su pintura, dentro de la misma pintura, por eso vemos errores, tachones y borrones que no ha querido eliminarlos para que sirvan de memoria de lo que no hay que volver a hacer. Todo este caosmos, este aglutinante dinámico, viene reforzado con su habitual uso de palabras y frases y una paleta de colores más limitada que en anteriores ocasiones, reforzando la integridad y congruencia que este pintor tiene hacia su pintura y sus ideales que al final se funden en un mismo ser.

Fecha: 21 de Noviembre de 2013

Tipo: Prensa digital Sección: Arte Medio: ABC El Cultural

TREACULTURAL / ARTE Maíllo: «La serie "The Wire" es la pieza de arte capital del siglo XXI» PALOMA TORRES @ABC_CULTURAL / MADRID

Día 21/11/2013 - 18.47h Sobre la idea de tránsito se construye «Detroit», la exposición de Maíllo en Ponce+Robles. El artista transita por la ciudad abandonada, por el territorio ficticio de «The Wire» y por Getafe VÍCTOR LERENA Maíllo ante parte del montaje de «Detroit», en Ponce + Robles Cuando era niño, le preguntó a su madre que quién había pintado las montañas de la Sierra de Gredos. Ahora Maíllo (Madrid, 1985) sigue teniendo interés por el paisaje y lo pinta él mismo, como respondiendo a su pregunta infantil. Su exposición en Ponce+Robles lleva título de un lugar: «Detroit». ¿Por qué? Paseando entre los cuadros, Maíllo comienza a hablar de las noticias sobre esta ciudad del estado de Michigan (EE.UU.), llena de fantasmas, vacía y extraña, deshabitada. Plantea la muestra como un tránsito que se inicia precisamente allí. «¿Has visto "The Walking Dead"? Debe de ser algo parecido». Y desde el paisaje exterior viaja artísticamente al paisaje interior... Yo tenía la idea de hacer un paisaje. Creo que siempre he sido pintor de paisajes. Con dieciséis años pintaba paisajes realistas, figurativos. Ahora ya no se trata de la representación de un paisaje físico, sino del transitar por un paisaje poético. Hablo de cómo rehabitar y relacionarse con un espacio heredado. A mí me pesa la Constitución, me pesan nuestros políticos… Son cosas que yo no he decidido y en las que no he participado, pero tengo que relacionarme con ellas, por las buenas o por las malas. «Ante el nihilismo, ante el vacío, solo queda transitar» Detroit representa la idea de una ciudad postindustrial. Conecto ese entorno con un paisaje como el de Getafe (que es donde vivo) y también con el de Baltimore, ya que todas las fotografías que expongo

son capturas de la serie de televisión «The Wire». Me tiene obsesionado. Para mí es la pieza de arte capital del siglo XXI. David Simon, su creador, es un genio. Creo que es el único genio contemporáneo que hay. La serie hace una radiografía de la sociedad postindustrial. Al lado de su visión tan amplia, la mía es muy pequeña, muy parcelada: parto del mundo del arte y no quiero sentar cátedra. ¿Traslada también la visión de un mundo en crisis? Sí, pero me interesa la raíz griega de crisis. En su etimología encontramos que también significa «reformularse» o «reinventarse». Significa «lo nuevo por venir». Eso me atrae. Está, por un lado, la faceta negativa: el paro, la decadencia… Pero, por otro, soy un chaval de 27 años que expone, que va a ARCO, que vive de esto, que se divierte. Hay un goce de la pintura, del color. Para mí todo eso es muy íntimo, pero muy positivo, igual que es positivo que en Detroit, donde los pisos están vacíos, se pueda comprar casas por un dólar. Eso va a ser un imán para artistas. Renacerá como otra cosa. A eso lo llaman «barro antropológico». Hay una serie de la HBO que se llama «Deadwood», que muestra cómo de la nada surgen las sociedades. De la nada, de la tierra fresca, de Detroit, donde está todo por hacer. ¿Cómo se genera todo de cero? Eso a mí me inquieta. Porque esa sensación de incógnita y de enfrentamiento con la realidad es la que yo tengo siempre al crear los cuadros. ¿Puede explicarme más acerca de esa sensación? ¿Cómo funciona su imaginación? «Lo que pasó en el estudio está congelado en la exposición» Siempre es una incertidumbre, un salto al vacío. Me parece muy acertada una explicación que da Luis Gordillo: ¿recuerdas los dibujos animados, cuando el Correcaminos cae por un precipicio y el Coyote, que le persigue, se queda unos segundos suspendido en el aire, como correteando antes de caer? Así se encuentra el pintor; se nos ha acabado el camino y nos sentimos en tránsito, en desplazamiento. Es como si le preguntáramos a él [señala una de las fotografías de la exposición, donde un hombre de espaldas se aleja tambaleándose] cómo se siente en ese momento de borrachera. Quizás le hayan echado del trabajo, su mujer le haya dejado… Va caminando, ¿qué siente? Es un cuerpo en tránsito, una línea, un camino. Y ese tránsito es la única certeza que hay. El hombre que recrea está desorientado.

Sí, es un hombre en tránsito que se encuentra con un vacío. Es el vacío originado por la muerte de Dios. Antes pensábamos que existía Dios y con Nietzsche todo se cae, y después con la revolución industrial el hombre se queda solo. Ante el nihilismo, ante el vacío, sólo queda transitar. ¿De qué vivimos ahora? Sólo de impulsos temporales. No hay un debate sobre las grandes ideas, sobre el porvenir de la humanidad. Todo eso ha muerto. Hoy se vive del presente del comprar y del consumo. ¿Critica ese consumismo? No, me da igual. No lo critico, lo constato, lo dibujo. No soy sociólogo, ni filósofo, ni político. Soy crítico porque lo muestro, pero no quiero sentar cátedra ni dogmatizar. No me atrevería ni a decir que consumir es malo. Cada uno que haga lo que le dé la gana. Yo solo quiero mostrar que hay un campo para la libertad, y que este campo tiene que ver mucho con la educación. Sin educación estás abocado a consumir y morirte. ¿Pero qué quiere decir con su exposición? Quiero expresar una pulsión, una obsesión. Pasa de ser un artista urbano a exponer en galerías, en ARCO, ¿cómo vive ese proceso? No hay tal proceso. Para mí ha sucedido todo a la vez, he hecho exposiciones a la vez que he pintado en la calle. Ha sido algo simultáneo. ¿Qué le interesa del paisaje? «Sin educación estamos abocados a consumir y a morir» El paisaje me sublima, me impresiona, no es un interés que pueda verbalizar. En la galería he construido una especie de recorrido por la ciudad. Está el recorrido que hago entre Getafe y Madrid (en el vídeo), está el recorrido ficticio que hago por la serie de «The Wire» y el recorrido por la ciudad inventada de Detroit. Todos esos paseos están muy presentes en los cuadros. Los cuadros los pinté en el suelo, en horizontal, están pisados. He caminado por ellos mientras tomaba notas, mientras veía un capítulo de «The Wire», comía o hacía una llamada. Quería mostrar la idea de tránsito, de camino. Quiero mostrar el paisaje que tenemos y cómo reciclarnos, cómo ser más ecológicos. Utilizo bastidores baratos, fotos que no valen nada, pinturas recicladas. Al hacer esta exposición había desasosiego por cómo conectarlo todo, pero también, a la vez, me sentía relajado, como si hubiera puesto el coche en automático. No me he preocupado de borrar las pisadas, las

manchas. No es un cuadro que sea decorativo. De lejos son muy decorativos, pero de cerca están llenos de manchas, interrupciones, borrones… Y ha mantenido esos «errores» en los cuadros. Podía haberlo borrado, haber barnizado. Los cuadros tienen suciedad y polvo, pisadas, la marca de mi mano porque me caí y me apoyé. Y en lugar de eliminarlo, he decidido dejarlo. Quería ser muy fiel a la idea de tránsito que quería transmitir. Realmente he trasladado a la galería lo que sucedió en el estudio. Como si me hubiera grabado y la exposición diera cuenta de esa grabación. Sin trampas. He jugado con la idea de azar. Todo lo que pasaba en el estudio está congelado en la exposición.

Fecha: 21 de Diciembre de 2013

Tipo: Prensa semanal Sección: En directo Medio: Mujer Hoy

Fecha: Enero de 2014

Tipo: Invitación exposición

Fecha: 15 de Enero de 2014

Tipo: Portal arte online Sección: Artes Visuales Medio: XRTart

http://www.xtrart.es/2014/01/15/avelino-sala-muestra-lo-hiper-real-absoluto-en-la-residency-unlimited-de-nueva-york/

El artista asturiano Avelino Sala presenta hasta el 24 de febrero en la Residency Unlimited de Nueva York, en la que esta ahora mismo disfrutando de una beca, el proyecto Lo (hiper) real absoluto. Este se centra en la producción de una serie de imágenes de actualidad, escenas de tipo icónico que nos colocan en primera línea del conflicto. Según el artista, “ nos encontramos en un momento histórico crucial, la supuesta crisis no es tal, es el fin de un tiempo, un momento de cambio, de forma de entender la vida, de cambio de sistema” .

Imagen cortesía de Avelino Sala y Residency Unlimited

Las imágenes de Lo (hiper) realabsoluto funcionan como diario visual; en ellas el ejemplo del flâneur(paseante) hace referencia a la vida y la muerte pero también a la memoria tanto personal como colectiva. El arte no puede ser ajeno a lo que ocurre, y cuestionarse las cosas es necesario, el arte no da respuestas, plantea preguntas, esa es la clave del artista, su lenguaje y su necesidad. Tampoco ejerce de buscada transgresión, pero a veces se acerca a

esos ámbitos, esos espacios o intersticios que el arte plantea, leer entre líneas, buscar en los huecos que los otros no ven. Según señala Didi-Huberman en el texto La pintura encarnada: un auténtico fantasma metafórico y poético, “si la modernidad no es otra cosa que actualidad, en ese ahora estamos pendientes de lo que ocurre, en el previsible capitalismo de nuestro tiempo, cuando se presiente que el arte no debe pasar desapercibido. Al final, toda la escultura acaba por ser mármol”. Residency Unlimited Residency Unlimited apoya la creación, presentación y difusión del arte contemporáneo a través de su programa de residencia única y programas públicos durante todo el año. Residency Unlimited forja alianzas estratégicas con instituciones colaboradoras para ofrecer residencias personalizadas diseñadas para satisfacer las necesidades de los artistas participantes y curadores facilitando las conexiones dentro y fuera del mundo del arte favoreciendo así el desarrollo profesional de los mismos.

Fuente: Acción Cultural Española

Exposición: Lo (hiper) real absoluto Sede: Residency Unlimited Ciudad: Nueva York País: Estados Unidos Fechas: Del 1 de enero de 2014 al 24 de febrero de 2014

Fecha: 10 de Enero de 2014

Tipo: Prensa digital Sección: Arte Medio: El Mundo, El Cultural

"El arte no puede cambiar el mundo, pero sí algunas cosas" El artista presenta esta tarde sus últimas piezas en la exposición Locked-in Syndrome, en la galería Ponce+Robles de Madrid.

La obra de Avelino Sala (Gijón, 1972), alegórica y abiertamente crítica, siempre ha estado muy cerca de la actualidad sociopolítica. El artista visual ha interrumpido por unos días su residencia de dos meses en Nueva York, auspiciada por el Programa para la Internacionalización de la Cultura Española (PICE) de Acción Cultural Española, para presentar Locked-in Syndrome en la galería Ponce+Robles de Madrid. El título de la exposición alude al síndrome de enclaustramiento como metáfora de la incapacidad del ciudadano para reaccionar a los continuos cambios sociales, políticos y económicos de nuestra época. Pregunta.- Una de las piezas centrales de la exposición es la Declaración de los Derechos Humanos grabada con la punta de un compás en 40 bolígrafos Bic, como se hacía con las chuletas del colegio. Respuesta.- Haciendo esto relaciono los Derechos Humanos con la idea del olvido. Están ocultos. Es un texto fundamental del ser humano, pero en todas partes se lo saltan. Junto a la obra se muestra en un vídeo cómo se hizo la pieza. Es muy importante el sonido al rascar los bolígrafos, resaltando su carácter desagradable. Avelino Sala: Clandestina, 2013.

P.- Otra pieza destacada es una capa típica española que pende de una soga. ¿Qué simboliza? R.- Es una capa española con la inscripción latina larvatus prodeo, una frase de Descartes que significa “avanzo ocultándome”. La pieza está relacionada con el ámbito político, con el proceso actual de pérdida de libertades en el que estamos inmersos de manera convulsa. El hecho de que esté suspendida en el aire con una cuerda tiene que ver con la idea de manipulación, como si fuera una marioneta. P.- También presenta una colección de piedras recogidas en manifestaciones recientes de todo el mundo, un vínculo con las protestas callejeras que ya hemos visto en sus trabajos anteriores. R.- En esta ocasión he contactado con colectivos de todo el mundo que me han enviado piedras que realmente se han lanzado en manifestaciones. Al exponerlas como si fueran piezas de museo realizo una “arqueología de la revuelta”. Es la narración cronológica de lo que está pasando, pero utilizando símbolos distintos a los que aparecen en los medios. Es un proyecto que voy a continuar ampliando. P.- Todo su trabajo está muy relacionado con la actualidad inmediata. ¿Es un deber de los artistas? R.- Sí, los artistas tenemos que hablar de lo que pasa ahora. Concibo el arte como un medio de comunicación, pero desde una perspectiva distinta a la que estamos acostumbrados. P.- ¿Qué puede hacer el arte frente al poder político? R.- No podemos cambiar el mundo, pero funciona cuando la gente piensa a través de una obra. El arte puede generar microacciones, cambiar algunas cosas. Las manifestaciones artísticas de masas, como el cine, sí pueden provocar una reacción mucho más amplia. P.- En otra pieza de la exposición cuelga unos palos de hockey que llevan escritos títulos de novelas distópicas. ¿Estamos cada vez más cerca del oscuro futuro que este tipo de obras imaginan? R.- Totalmente. De hecho estamos inmersos ya en la distopía. Esta pieza parte de otra, Cacotopía, un vídeo que hice en colaboración con Daniel García Andújar. P.- ¿Qué le parece la bajada del IVA para las obras de arte anunciada hace pocos días? R.- La bajada del IVA es una buena noticia, pero tienen que aclarar si es para galerías, para artistas o para quién. Nunca tendría que haber subido, para empezar

Fecha: Enero de 2014

Tipo: Invitación Ricardo Calero. La caja de los sueños.

Fecha: 8 de Febrero de 2014

Tipo: Prensa semanal Sección: Arte Medio: ABC El Cultural

Fecha: 15 de Febrero de 2014

Tipo: Prensa mensual Sección: Arte Medio: Mujer Hoy

Fecha: 15 de Febrero de 2014.

Tipo: Prensa semanal Sección: Moda Medio: Revista El País Semanal

Fecha: 15 de Febrero

Tipo: Prensa semanal Sección: Arte Medio: ABC El Cultural

Fecha: Febrero de 2014

Tipo: Invitación ARCO14

Fecha: 17 de Febrero de 2014

Tipo: Portal de arte Sección: Exposiciones Medio: Morir de frío

Es curioso ver cómo una sociedad se desborda sobre sí misma. Cómo se llena el vaso, y el agua, o el fango, rebosa y cae. Avelino Sala parece recoger los escombros de esa sociedad en la muestra Locked In Syndrom. La exposición, formada por un conjunto multimedial de piezas, parece ser los restos del derrame puestos en bandeja. La galería madrileña Ponce+Robles recoge por tercera vez al artista en sus salas hasta el 18 de Marzo.

En 2010 comienza a componer la primera pieza, Arqueología de la revuelta. Una colección de piedras colocadas en una vitrina con una procedencia en común; las revoluciones sociales que nos han sacudido en los últimos años. La primavera árabe, la explosión del 15m español, las protestas en Brasil, las revueltas de Wall Street. La fecha y lugar de cada una están señalados en cartelas, pero la mayoría datan del 2010. Este mismo procedimiento es el que sigue en la obra Sanpietrini; como testimonio de las manifestaciones que presenció en Roma, un adoquín vaciado en bronce y unos dibujos en grafito vuelven a dirigir la atención a las revueltas, o al descontento que las originan.

Una colección de bolígrafos Bic se suma a la fiesta. Vuelta al colegio; a modo de chuleta, Avelino Sala graba en todos ellos, con un punzón, la declaración universal de derechos humanos y los coloca uno al lado de otro. Como ofreciéndonoslos, señala directamente que los hemos olvidado y que necesitan ser recordados de esta manera, que no deja de ser trampa. Cuidado, que te pillan. Este mismo cuidado, esta misma ocultación, es la que proporciona la capa castellana que cuelga del techo en mitad de la sala, en cuya espalda se lee la frase DescartianaLarvatus Prodeo. (Avance enmascarado). La clase de poder, cuya corrupción y ocultamiento es blanco constante en su obra, sigue sujetándose en el peso de la tradición. Sala señala esto con el uso del latín, nuestra lengua madre, una segunda vez; en las letras de neón que forman la pregunta Cui Prodest (¿Quién se beneficia?). En tela de juicio, sin duda, la ética de los políticos. Más; Retratos de personas que participaron en el 15m. Una serie de fotos en torno a idea de la quema de la bandera. (Acto que aprovecha para minimizar con el pequeño tamaño y las esquinas redondeadas de los marcos). Las obras que presenta no dejan de ser pruebas de algo que ya no existe más pero que se caracterizó por su intensidad y potencia.

Si hay un suelo común en el conjunto es la sensación de tetraplejia o incapacidad de movimiento. La muestra es estática, no propone salida sino concienciación, no es una alternativa sino mera denuncia. Podría parecerse al álbum de fotos que todo viajero realiza al regresar del viaje, pero Sala sólo lo forma como prueba del desastre. Recrea, a partir de un lenguaje de signos, la red en que nos vemos encajados por los sistemas de poder, para hacerlo un poco más visible a nuestros ojos, o quizá sólo más llamativo, porque visible desde luego que ya es. Alberto Greco decía que la función del artista no es crear, sino señalar con el dedo al punto que debemos mirar. Sala secunda y encarna sin duda esta afirmación. Quizá es pesimista lo que nos trasmite pero es positiva su intención última.

Avelino Sala cree que un cambio es posible a partir del arte. Cree en su poder para avivar una toma de conciencia y de postura; y pone en la mesa con temas que si bien no son los más alegres necesitan de uno o varios debates más antes de ser abordados. Nos enfrentamos, delante de estas piezas, a los restos de lo que sucede. Con la rapidez de un directo, fósiles de la actualidad nos incitan firmemente a una necesaria reflexión.

Fecha: 19 de Febrero de 2014

Tipo: Prensa especial Sección: - Medio: ABC de ARCO

Fecha: 20 de Febrero de 2014

Tipo: Prensa especial Sección: - Medio: ABC de ARCO

Fecha: 21 de Febrero de 2014

Tipo: Prensa especial Sección: - Medio: ABC de ARCO

Fecha: 22 de Febrero de 2014

Tipo: Prensa especial Sección: - Medio: ABC de ARCO

Fecha: 21 de Febrero de 2014

Tipo: Prensa semanal Sección: Arte Medio: El Mundo, El Cultural

Fecha: Marzo de 2014

Tipo: Invitación Exposición

Fecha: 22 de Marzo de 2014

Tipo: Prensa semanal Sección: Arte Medio: ABC El Cultural

http://revista.unir.net/cultural/artes/3322-28-maneras-de-acercar-el-arte-contemporaneo-al-publico

Hay visitantes asiduos a las galerías de arte y hay personas que, aunque inquietas, no se plantean ver las exposiciones que albergan estos centros. ¿De qué modo se puede seducirlas? La solución está “a3bandas”.

En busca de ese público a priori reticente y consolidando a los visitantes frecuentes y los coleccionistas tenaces surge esta nueva edición de a3bandas, una cita cultural que integra a 28 galerías de Madrid y Barcelona durante los meses de abril y mayo. Pero que ¿hay de novedad en este evento cultural? Juguemos con la terna galerías, artistas y comisarios.

A raíz de una idea de un comisario, que en la mayoría de los casos no está ligado a la galería de arte, la exposición colectiva o individual toma forma. En la independencia del comisario respecto al espacio de la muestra y en el carácter inédito de la misma reside la originalidad de las propuestas y el incentivo para sorprender a propios y extraños.

Asimismo, en torno a las exposiciones, las galerías fomentan actividades gratuitas. Según los organizadores, a3bandas, pretende con estas iniciativas convertir a las galerías en “espacios vivos donde ver y disfrutar del arte actual”. El público, además, puede votar las obras a lo largo de estas ocho semanas a través de las papeletas depositadas en las galerías participantes de Madrid y Barcelona.

“Los ojos de las vacas es el reflejo de una generación que ha vuelto a pintar, un ejemplo más de que la pintura se mueve después y más allá de la pintura, una vez asumida que ya no es una técnica y sí una tradición, una idea con capacidad de reformulación constante de sí misma. La pintura se ha perdido como unidad para concretarse en otros soportes, pero también en la complejidad de lo real. Por eso creo que ha de verse primero un poco de lejos y luego un poco de cerca; como espectadores debemos de ser capaces de suspender el tiempo. Si algo diferencia a los artistas es la manera de mirar y sí, lo confieso, por encima de todo esta es una exposición de pintura, pero de una pintura lenta y misteriosa como el reflejo de la naturaleza en los ojos de las vacas”.

Fecha: 1 de Abril de 2014

Tipo: Revista digital cultural Sección: Artes Medio: Revista Unir

Fecha: Abril de 2014

Tipo: Invitación A 3 Bandas

LOS OJOS DE LAS VACAS

MANUEL CAEIRO, LAURA GONZÁLEZ CABRERA, IRENE GRAU Y ÁLVARO NEGRO

COMISARIO: DAVID BARRO

Inauguración sábado 5 de Abril. Exposición del 5 de Abril al 23 de Mayo

Álvaro Negro. “CoW.s” Video still

Recuerdo que mi abuelo decía que las vacas pueden observar de manera permanente el horizonte mientras comen hierba, que pueden distinguir los colores y ver en profundidad. Siempre que me situaba frente a ellas me preguntaba qué estarían pensando en caso de que, de verdad, estuvieran observándome. Pero casi nunca pasaba nada, nunca se sobresaltaban. Más tarde supe que para ellas es más importante su vista que su oído, que son sensibles al contraste y a cualquier cambio perceptivo. De ahí su espera paciente, su curiosidad. Mirando las vacas en un prado, de manera cautelosa para que no se alteren, cualquier sonido o

cambio de luz cobra un valor significativo. Algo así como en el silencio imposible de John Cage, que consigue que el público abra sus sentidos y sea consciente del ambiente que lo rodea. Se trata de estar inmersos en la experiencia, como si todo sucediese fuera del tiempo y se acumulasen los acontecimientos. Lo señala con oportuna sencillez John Berger: "El primer acontecimiento nos lleva a observar otros que pueden ser una consecuencia de aquél o pueden ser enteramente independientes, salvo que tienen lugar en el mismo prado. Muchas veces, el primer acontecimiento, el que llama nuestra atención, es más obvio que los que le siguen. Habiéndonos dado cuenta de la presencia del perro, percibimos una mariposa. Habiendo visto los caballos, nos percatamos del pájaro carpintero y luego lo vemos volar hacia una esquina del prado. Vemos caminar a un niño y, cuando éste ha abandonado los límites del prado, nos damos cuenta de que un gato acaba de saltar desde lo alto de un muro”. Berger señala cómo el prado no solo enmarca los acontecimientos sino que también los contiene: "el prado ante el que nos hemos detenido parece tener las mismas proporciones que nuestra vida". Pienso en todas estas cosas y entiendo que, a la hora de abrir una exposición con artistas como Manuel Caeiro, Laura González Cabrera, Irene Grau o Álvaro Negro, pintores de ejecución lenta y recepción tardía, la primera obra que encontremos debería hablarnos de una mirada muy apegada al tiempo de la vida. La elegida es CoW.s, un vídeo cuya acción se desarrolla en un prado y cuyos protagonistas son cinco vacas. El sentido de la imagen parece una coreografía. Pasa el tiempo y nada cambia; de repente, el leve giro de una cabeza o el movimiento del rabo de alguna de las vacas transforma la pictórica escena en un cuadro con tiempo. Nada especialmente significativo ocurre, las vacas se mueven y vuelven a completar una escenografía estática, congelando virtualmente la imagen. Han pasado ocho minutos. Como señala su autor, Álvaro Negro, "el protagonismo de lo estático pone en evidencia que el sentimiento de la duración, de la vida, poco tiene que ver con la velocidad o el movimiento de la imagen". Casi sin quererlo estamos dentro de la exposición y posiblemente no nos hayamos dado cuenta de que la puerta de entrada ya era una obra que nos ha hecho interactuar con la propia pintura. La exposición se abre con una intervención site-specific de Laura González Cabrera (Las Palmas de Gran Canaria, 1976), que hace referencia al propio título: Los ojos de las vacas. La intervención revela ya desde fuera de la galería la capacidad pictórica del espacio arquitectónico, que soporta la pintura como la pared al cuadro. En su caso, la pintura se configura a partir de sistemas cifrados basados en frases o códigos matemáticos, reproduciendo y repitiendo pinceladas como módulos que funcionan con una mecánica similar a los píxeles o al punto de cruz. El gesto pictórico abraza así lo tecnológico y lo manual, lo reproducible y lo irrepetible. También el gesto de escribir y la sensación de leer, esa suspensión textual por la que aboga Barthes, esa tensión que provoca el desvío. Todo se ralentiza y ahí radica su fórmula de resistencia en la pintura y su capacidad de investigar sus posibilidades expresivas. En su pintura podemos observar cómo aparecen los colores pero también cómo desaparecen unos tonos perdiendo su definición. La pintura tiende a la delgadez y en ese adelgazamiento de las tintas cuya intensidad decrece, los colores dialogan a partir de la mínima distancia, obligando al ojo a ir más allá, a penetrar físicamente en la pintura, en el espacio. Lo que está en juego es la tensión que se cruza entre la representación visual y la representación conceptual -lingüística y numérica-. La pintura dialoga consigo misma y con nosotros como espectadores. La escritura, que se conforma a partir de largas pinceladas, y su combinación con el rastro manual, sirve así de estrategia de ralentización de la recepción, de la mirada. Hablamos de pintura, pero también de poesía, de tensión. También Álvaro Negro (Lalín, Pontevedra, 1973) trabajó durante años un tipo de “pintura de situación”, muy apegada al lugar y al diálogo con la arquitectura. Su mirada pictórica no le impide trabajar medios como la fotografía o el vídeo, sin dejar de vista el desarrollo conceptual de su pintura abstracta. Hoy practica más un tipo de pintura, o acción pictórica, figurativa. En todos los casos, se trata de observar la realidad de una manera tensa, como en el

comentado vídeo del prado y las vacas, o como en su ambicioso proyecto Monteagudo, donde descompone un mismo paisaje desde el vídeo, la fotografía y la pintura. Este proyecto tiene como punto de partida una película rodada por el artista, y en la sucesión de planos, el naturalismo de la acción oscila en un continuo juego entre lo fotográfico –documental–, lo pictórico –impresionismo–, lo escultórico y lo arquitectónico. Se trata, otra vez, de mirar como modo de búsqueda del acontecimiento, de esperar la relación performativa entre el espacio y el tiempo. También de decisiones programáticas como la del uso del plano fijo, el cual remarca esa aparente contradicción en el hecho de captar “lo estático” con un medio pensado para la imagen en movimiento. Lo pictórico se acentúa todavía más si atendemos a la manera de proceder de los que podríamos definir como pintores lentos, con maneras y procesos idénticos a los utilizados para pintar un cuadro. La pintura sería así, en palabras de Ángel González, una talla directa, la sensación de estar físicamente en el mundo. También Irene Grau (Valencia, 1986) trabaja un espacio fronterizo a partir de una serie de juegos de ocultación y visibilidad. Su pintura se formaliza desde la construcción de la experiencia, desde el proceso y lo performativo. Sombras, transparencias, proyecciones, pixelizaciones, etc., aluden a una relación entre lo físico y lo perceptivo, trabajando el duchampiano concepto de lo infraleve como presencia mínima. Se trata de generar nuevos espacios y proyectar o revelar las potencias de un determinado lugar. De Irene Grau resulta interesante su manera de trabajar cromáticamente el espacio vacío, que actúa como una membrana sutil, como escenario abstracto formulado desde lo frágil. Es un vacío que vibra, que actúa, capaz de abandonar su cualidad pasiva para destilarse como fondo activo o dialéctico. Hablamos de colores, pero sobre todo de cómo estos operan en los intersticios, como un temblor. Irene Grau se interesa por lo que se proyecta, lo que genera atmósferas capaces de interferir en la estructura, en las superficies. A modo de metáfora, podríamos pensar en otro animal que simboliza casi todo lo contrario a una vaca, la estirada figura de un pavo real: sus colores no proceden de pigmentos de sus plumas sino de fenómenos de interferencia de la luz; es una fina estructura regular la que amplifica o extingue las ondas luminosas según sus frecuencias. El resto es una cuestión de ritmo, y otra vez más, de mirada. Los trabajos de Irene Grau se sitúan entre la aparición de la imagen y su definición; el color se proyecta y la pintura sobrepasa su soporte para configurarse como atmósfera, como sensación, como abstracción de la propia pintura en relación con su contexto. Otro artista que se mueve a partir de estructuras y divisiones, actuando desde un posminimalismo muy ligado a lo arquitectónico es Manuel Caeiro (Évora, Portugal, 1975). Desde un período donde trabajó a partir de un lenguaje corrosivo, de desgaste, donde el tiempo cobraba una importancia explícita, hasta la repetición de elementos modulares capaces de estructurar rítmicamente lo compositivo y acercarse a lo tridimensional, Caeiro conforma un espacio donde la mirada se confunde y contamina en beneficio de una lógica perceptiva dominada por la luz y el color. Es un mundo de abismos, una pintura vertiginosa. Manuel Caeiro interroga la pintura desde la repetición de las formas y cada trazo insiste en la consecución de una idea, y su multiplicación, su secuencia, genera el ritmo definitivo. El tiempo, la memoria o el recuerdo de lo construido, procuran un nuevo orden que cruza el dibujo, la pintura y la proyección escultórica. Caeiro traduce la pintura en geografía que nace de la perversión de la escala, proponiendo un desplazamiento hacia lo escenográfico de la vida, donde la mirada se pierde y el paisaje se deforma. Como en el resto de artistas de la exposición, todo cuanto acontece en sus obras ocurre en la intimidad de la pintura. Nuestra mirada debe entregarse a una doble juego; de un lado, la generosidad; del otro, la paciencia. La primera tiene que ver con la dificultad de ver de lo que se trata en el primer golpe de vista. La segunda, porque todo se nos acabará manifestando en una suerte de revelación tardía. En esta exposición la pintura nos recibe, pero también nos envuelve, nos acoge o nos descubre y guía por las potencialidades pictóricas del espacio arquitectónico. El singular espacio de la galería Ponce+Robles, lleno de huecos y transparencias, obliga a que la pintura se despliegue como si se tratase de un sonido, de su propia resonancia. Entre tanto, si alguien me pregunta sobre de qué trata esta muestra podría decir que sobre la luz, sobre cómo esta aparece en la naturaleza y en los objetos. Aunque a lo

mejor podría señalar que se trata de una exposición sobre texturas, sobre colores, sobre superficies, sobre trasparencias, sobre reflejos, sobre procesos, sobre el tiempo y la recepción. No debería importarnos, seguramente es mucho más sencillo que todo eso, una exposición sin alardes teóricos ni pretensiones más allá de conseguir incitar la capacidad de mirar. Los ojos de las vacas es el reflejo de una generación que ha vuelto a pintar, un ejemplo más de que de la pintura se mueve después y más allá de la pintura, una vez asumida que ya no es una técnica y sí una tradición, una idea con capacidad de reformulación constante de sí misma. La pintura se ha perdido como unidad para concretarse en otros soportes, pero también en la complejidad de lo real. Por eso creo que ha de verse primero un poco de lejos y luego un poco de cerca; como espectadores debemos de ser capaces de suspender el tiempo. Si algo diferencia a los artistas es la manera de mirar y sí, lo confieso, por encima de todo esta es una exposición de pintura, pero de una pintura lenta y misteriosa como el reflejo de la naturaleza en los ojos de las vacas. Para más información e imágenes, contactar con la Galería. C/ Alameda nº 5 28014 - Madrid +34 914203889 www.poncerobles.com.com info@poncerobles.com Horario: Martes a Viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 hrs. Sábados de 11:00 a 14:00 hrs. Tardes: visitas privadas

Síguenos por

Fecha: 5 de Abril

Tipo: Prensa semanal Sección: Arte Medio: ABC El Cultural

Fecha: 25 de Abril de 2014

Tipo: Prensa semanal Sección: Arte-Exposiciones Medio: El Mundo, El Cultural

Fecha: 9 de Mayo de 2014

Tipo: Blog de arte Sección: - Medio: Blogearte

v i e r n e s , 9 d e m a y o d e 2 0 1 4

DEL PORVENIR DE LA PINTURA COMO SUPERACIÓN DE LA MODERNIDAD

LOS OJOS DE LAS VACAS. COMISARIO: DAVID BARRO GALERÍA PONCE+ROBLES: 05/04/14-23/05/14

Que la historia del arte contemporáneo descansa en aciagas reflexiones que han entorpecido lo que pudiera pensarse como su desarrollo más razonable es algo más que patente. De entre ellas, quizá la que ha gozado de más prestigio sea aquella de la “muerte de la pintura”, una muerte que, como bien sabemos, nunca ha sucedido. No obstante, claro está, esto de poner nombres a los acontecimientos funciona a título de referencia profética, de intuición filosófica, con lo que su acontecer o no es lo de menos, siendo lo fundamental elmundo que abre bajo sus pies.

Y, refiriéndose a ese mundo, lo cierto es que bajo este epíteto de la muerte de la pintura se construyó la gran pantomima de la Modernidad –adjetivada como greenbergiana– cuando ya la propia Modernidad fenecía disuelta en las mismas fuerzas que la construyeron. Diluida la Modernidad en los fastos de una novedad que ya no abría posibilidad alguna sino que refería a cada oportunidad a una identidad bulímica, una mala comprensión de la autonomía estética intentó la machada de, tirando por el camino del medio, proponer un ejercicio de autoreflexividad ahí donde ya solo cabía asumir como propio el fracaso de todo laAufklärung. Tan preclaro en esto como en todo, Nietzsche fue el primero en tomar cartas en

el asunto al sostener, en su Segunda Consideración Intempestiva, que lo nuestro es un fenecer por un exceso de conciencia histórica que nos impide producir verdadera novedad histórica. Quizá la disolución del imperio de lo real –también la deshistorización de las experiencias– que sucede en nuestra postmodernidad no sea sino la solución salomónica de un proceso compulsivo-esquizoide al no soportar ya tanto exceso.

Aún forzando un poco la situación, quizá pueda verse en la narración de la muerte de la

pintura una especie de simulacro suicida que el propio arte comete contra sí mismo evitando enfrentarse a su situación epigonal. Así, simulando hacerse el harakiri en público, evita tener que dar explicaciones de porqué su ocaso, de porqué ya no tiene nada que decir, de porqué ha sido superado. Todo con tal de no ser pensado en toda su profundidad, todo con tal de ser renuente a cargar sobre sus espaldas su destino.

Lo que queremos señalar es que hay que ser astutos –casi tanto como la razón– para llegar a ver en ejercicios circenses de profetización elementos reaccionarios llamados a hacer inviable la única salida posible a un arte emplazado ya en su ocaso y muerte: el abogar por laVerwindung, por la superación de la propia Modernidad, que coincide (por, desde y conHeidegger) con la superación de la metafísica, con la superación del olvido del ser, con la superación del pensar representacional y óntico. Vattimo, pensador de lo obvio, lo dice con claridad: “la situación que vivimos de muerte del arte o, mejor dicho, de ocaso del arte se interpreta filosóficamente como aspecto de este acontecimiento más general que es laVerwindung de la metafísica”.

Y es a este punto al que queríamos llegar: ¿no es la supervivencia de la pintura el sesgo empírico que demuestra la pertinencia de una reflexión que nunca ha tenido lugar, la de las condiciones para el arte en la era de su acabamiento?, ¿no es el fracaso de la bienintencionada narración que pretendía darnos gato por liebre el detonante para intentarlo de nuevo? Es decir: ahora, cuando el arte ya no viene al caso, los equívocos diseminados en su

historia reciente enfatizan que lo suyo es, precisamente, el no ser ya nunca el caso. ¿Cómo pensar ese no ser el caso?, ¿cómo pensar la pintura después del camelo de su muerte que nunca fue, ni será, tal?

Es en este sentido que la actual reconsideración de la pintura, su constante

revitalización, apunta, si no a lograr una superación a la que la metáfora de la muerte del arte señala, sí desde luego a responsabilizar al arte de su propio destino, aquel que no puede contentarse nunca con simulacros buenistas y hacer como si no hubiese pasado nada. Es a esta problemática a la que la presente exposición trata de responder. Si bien tales parámetros desde los que hemos construido este texto no son señalados como obvios por el comisario,David Barro, sí que se van dando rodeos y círculos hasta dejar difuminada un emplazamiento desde el que la pintura, con la huella de su falso acabamiento, puede ahora recorrer escenarios nuevos.

En este sentido, la reflexión práctica que el comisario ha elegido para dar cuenta de las “imposibles” posibilidades de la pintura se nos antoja como fundamental ya que nos enfrenta a un conjunto de problemas –de cómo superar la Modernidad- que, aunque han sido descubiertos desde hace más de un siglo, nunca han podido ser pensados en su propiedad. Que vayan a hacerlo ahora, adelanto, es imposible. Pero no por ser imposible ha de dejar de plantearse; y, sobre todo, quizá sea en una nueva catalogación de la noción de “imposible” lo que nos haga falta para dinamitar todos los grumos de aquellas narraciones que siguen embarrando el escenario.

Es siguiendo este razonamiento –reconocemos un tanto alambicado– que la reflexión

actual de la pintura solo puede ir en una única dirección: proponer al arte aquello justo que trató de evitar a toda costa. Así, todas las estrategias pictóricas versadas sobre lo técnico y lo material, su querencia hacia el campo expandido, su disposición a funcionar como dispositivo desregulativo de un régimen escópico ideológicamente teledirigido, son readaptaciones –exponentes de la acción diferida como temporalización propia del arte– orquestados para, si bien como decimos no cargar con la necesidad de superar la Modernidad, sí al menos desvelar los recovecos ideológicos que dictaminaron –a deshora– la muerte de la pintura. Así, cada acta pictórica actual ha de ir dirigida a generar un malestar en la propia historia de la pintura, capaz de superar por elevación lo concreto de sus problemáticas y aterrizar ahí mismo donde la Modernidad trata de disolver sus aporías.

A mi entender, este es el escenario desde donde puede y debe verse el gesto pictórico como potencial político, como dispositivo capaz siempre de mirar por primera vez, como máquina de mirar pero no ya para cosificar sino para desanudar toda esa retahíla de apropiaciones dogmáticas. Seguramente tiene razón David Barro al concretar en el texto de la exposición que se trata de una “exposición sin alardes teóricos ni pretensiones más allá de conseguir incitar la capacidad de mirar”. Pero es que, sin duda, es ese “incitar” lo que, tal y como está el patio, solo puede ser pensado desde lo político, desde una reconsideración de todo lo que la pintura ha ido dejando por el camino y desde una reflexión capaz de desmontar los aporías de la Modernidad donde todavía andamos perdidos. Publicado por JAVIER GONZÁLEZ PANIZO en 18:31 No hay comentarios: Etiquetas: GALERÍA PONCE+ROBLES

Fecha: Junio de 2014

Tipo: Prensa mensual Sección: ZOOM Medio: AD, Architectural Digest

Fecha: Junio de 2014

Tipo: Invitación Exposición

Fecha: Junio de 2014

Tipo: Invitación Feria

Fecha: 7 de Junio de 2014

Tipo: Prensa semanal Sección: Arte Medio: ABC El Cultural

Fecha: 14 de Junio de 2014

Tipo: Prensa Semanal Sección: Arte Medio: ABC, El Cultural

Fecha: 19 de Junio de 2014

Tipo: Prensa digital Sección: Arte Medio: El Mundo El Cultural

Art Basel, sin límite Ha llegado el momento de la feria de arte contemporáneo que marca tendencia. La ciudad suiza de Basilea se convierte en puro arte con Art Basel y las ferias paralelas de Volta y Liste. En esta edición son 13 las galerías españolas que se dan cita SAIOA CAMARZANA | 19/06/2014

Stand de la Galería MaisterraValbuena en Liste, con trabajos de Antonio Ballester Moreno, Daniel Jacoby e Hiraki Sawa

Ha llegado esa cita clave para el mundo del arte contemporáneo. Hay muchas ferias que transcurren a lo largo del año pero si hay una que marca tendencia y en la que todas las galerías quieren participar

es Art Basel (Suiza) junto con las ferias paralelas de Volta y Liste en las que se dan cita más de 300 galerías de Norteamérica, Latinoamérica, Europa, Asia y África. Aquí, muestran el trabajo de maestros del arte moderno y contemporáneo a la última generación de estrellas emergentes desde este jueves y hasta el próximo domingo. Además, están representadas todas las ramas del arte: pintura, escultura, instalaciones, vídeos, fotografía, performance e impresiones. La ciudad suiza se convierte durante unos días en el epicentro artístico de todo el globo. La feria atrae a decenas de miles de visitantes, entre los que se encuentran artistas, galeristas, comisarios, coleccionistas, visitantes y entusiastas. Marc Spiegler, director de Art Basel, cuenta que lo que la hace única es "su rica historia cultural y tradición así como la increíble variedad de museos e instituciones de arte". Además, Volta, la feria paralela de nuevo arte emergente, cumple su décimo aniversario y Liste, la feria de los jóvenes, se configura como un posible principio para una carrera de reconocimiento internacional. Pero no todo se queda en estas tres ferias sino que toda la ciudad se vuelca con ellas y las galerías y museos aprovechan el tirón para inaugurar sus mejores exposiciones. Así, conocedores de la calidad de los coleccionistas que visitan sus paredes, la ciudad se vale de ello para convertirse en arte. Splieger aconseja no perderse la sección Unlimited que este año cuenta con 78 proyectos de gran envergadura entre los que se encuentran las últimas esculturas de Anthony Caro, River Run, el trabajo Steel Peneplain de Carl Andre y la pieza histórica Zinder Dieser Welt / Children of the World, de Hanne Darboven. Y detrás de Unlimited se localiza 14 Rooms para la que cuentan con la colaboración de la Fondation Beyeler y el Teatro de Basilea en la exposición de dos minutos de Messeplatz. Además de las performances de artistas como Marina Abramovic, Yoko Ono, Damien Hirst o Tino Sehgal.Estas son algunas de las competencias. En esta nueva edición 7 galerías españolas tienen su stand en la feria grande (Juana de Aizpuru, Helga de Alvear, Elvira González, espaivisor, Kewenig y ProjecteSD), dos en Liste (MaisterraValbuena y Nogueras Blanchard) y cuatro en Volta (ADN, Alarcón Criado, Ponce+Robles y Rosa Santos). Hablamos con algunas de ellas para saber cómo se enfrentan a la cita, cómo se preparan y cuál es su apuesta.

Pieza de la Galerie Daniel Templon

Cómo marcar tendencia en Basilea

Mira Bernabeu, de espaivisor, apuesta por una sola artista: "Vamos con Sanja Ivekovic, que trabaja sobre el feminismo y la situación de la mujer en la antigua Yugoslavia a través de los medios de comunicación. Además, tenemos sus obras históricas más representativas que van desde el año 1975 al 1985". Silvia Dauder, de ProjectSD, se centra en una "generación de artistas jóvenes en consonancia con otros ya consolidados. El stand está configurado entorno a una pieza central de Matt Mullican y gira entorno a la idea del mundo y sus múltiples perspectivas". Por lo que a Volta respecta, Raquel Ponce, de Ponce+Robles, comenta: "Llevamos a tres artistas -Raúl Díaz Reyes, Manuel Caeiro e Irene Grau- que dialogan entre sí. El denominador común de todos ellos es el mundo del color y la pintura a través de la cual llegan a la instalación como punto final". Y en Liste, Pedro Maisterra de MaisterraValbuena apuesta por otros tres artistas -Antonio Ballester Moreno, Daniel Jacobi e Hiraki Sawa-. "Son artistas jóvenes y es la primera vez que les llevamos a Liste, hay que tener en cuenta que esta feria es un escaparate fundamental porque la gente va a descubrir y es una semana de promoción muy fuerte", cuenta a El Cultural. En este sentido, Splieger ha dicho que "el mundo del arte está cambiando tan rápidamente que hay que correr para estar al tanto de lo que está pasando con las galerías, artistas y escenas artísticas más recientes. Lo particular es que se está construyendo un puente que se expande entre las escenas culturales del Este y del Oeste y resulta emocionante ver lo que fluye a través de él". Así, la presencia de artistas españoles en una feria internacional del calibre de Basilea hace que pueda despojarse, en cierto modo, de la idea de que el arte español no existe fuera de nuestras fronteras. Estar allí supone presencia, darse a conocer y, sobre todo, el punto de calidad requerido. Pero, ¿qué opinan acerca de este tema los galeristas? El debate está abierto, en todo caso.

Pieza de la Galerie Daniel Templon

Dauder hace un llamamiento general: "Hay un déficit de tradición en el arte contemporáneo y se acabará solucionando pero va a tener que pasar mucho tiempo para que nos podamos comparar con Alemania o Estados Unidos". Algo en lo que coincide Splieger alegando que el "Lower East Side de Nueva York y Berlín están muy bien representados". La visión que Bernabeu da sobre este asunto no dista mucho de lo comentado. "Es más fácil para las galerías entrar con artistas extranjeros que con españoles", detalla. Pero no todos ven el panorama tan oscuro. Raquel Ponce es de las que opina que sí existe semejante representación pero requiere un trabajo más exhaustivo: "Hay coleccionistas que nos compran y la gente se interesa pero nos tenemos que esforzar el doble". Y, sobre todo, no olvidar, que "las acciones hay que hacerlas tanto a un nivel local como internacional", aconseja Maisterra. No obstante, todo apunta a que la palabra 'crisis' no existe en el vocabulario de los coleccionistas que asisten a Basilea. Pero las galerías españolas se enfrentan a otro de los problemas clave que es el derivado de la tasa del IVA. Mientras que todos compiten en el mercado con un 10-12,5% de impuesto sobre la obra, el arte español tiene el handicup del 21%. La pregunta es cómo compite el mercado nacional frente a estos datos: "Ajustando los precios", cree Ponce dando voz a la galería Ponce+Robles.

A ritmo de autoexigencia

Desde espaivisor cuentan que en su caso no tienen este problema ya que "nadie más representa a la misma artista". Ponce, en cambio, entra en materia y propone una solución que pueda equilibrar esta carencia. "Tenemos que ajustar los precios, ser competitivos, facilitarles el transporte o darles la posibilidad de hacer el pago en dos mensualidades", comenta. Por otro lado, tienen el reto de presentar artistas de calibre internacional ya que "los coleccionistas suelen preguntar por los proyectos de ese año y las perspectivas y proyectos para el futuro".

Galería Annet Gelink

De este modo la feria se convierte en una cita competitiva. Marc Splieger destaca las secciones Unlimited, 14 Rooms y The Statements. "La sección The Statement, dedicado a la galeráis jóvenes, se ha mudado esta año al Hall 2 ofreciendo a las nuevas generaciones un lugar prominente dentro del espectáculo. Y 14 Rooms, comisariada por Klaus Biesenbach y Hans Ulrich Obrist cuenta con 14 artistas que abarcan cuatro continentes y cinco generaciones". Los protagonistas de esta sección son: Marina Abramovic, Jennifer Allora y Guillermo Calzadilla, Ed Atkins, Dominique Gonzalez-Foerster, Damien Hirst, Joan Jonas, Laura Lima, Bruce Nauman, Otobong Nkanga, Roman Ondak, Yoko Ono, Tino Sehgal, Santiago Sierra y Xu Zhen. Dos obras más se unen al entorno arquitectónico concebido por Herzog&de Meuron. A modo de epílogo para la gran cita encontramos la actuación de Jordan Wolfson y aJohn Baldessari como documentación de archivo. Ambos desafían las nociones de arte en vivo y la experiencia humana. Tal y como Marc Splieger define, Basel tiene un sabor muy europeo que se evidencia incluso fuera de las salas de exposiciones cuando la ciudad entra en consonancia con la feria e influye en el carácter de lo que ocurre.

Fecha: Junio de 2014

Tipo: Invitación Esther Pizarro. Barcelona.

Fecha: Julio de 2014

Tipo: Invitación Ricardo Calero. Alentejo.

Fecha: 7 de Julio de 2014

Tipo: Prensa digital Sección: El viajero Medio: El País

Un barrio con buena letra Aquí vivió y murió Cervantes, y nacieron los corrales de comedias. Museos, galerías, restaurantes y bares renuevan la imagen de la madrileña zona de Huertas para seducir no solo a los turistas

REYES CUEVAS Madrid 7 JUL 2014 - 11:36 CET

17.00 Mercado de las ranas

Conviene saber que CaixaForum (12) (paseo del Prado, 36) fue la central eléctrica del Mediodía, reformada por los arquitectos Jacques Herzog y Pierre de Meuron en 2008. Luce un jardín vertical de Patrick Blanc y muestras impresionantes, como la de Le Corbusier (hasta el 12 de octubre). Cerca, Hub Madrid (Gobernador, 26), un espacio de coworking(trabajo compartido) donde no dejan de realizarse eventos (el cuidado proyecto es obra de los arquitectos Josemaría Churtichaga y Cayetana de la Quadra-Salcedo). Medialab-Prado (Alameda, 15), obra de María Langarita y Víctor Navarro, se presenta como un laboratorio ciudadano de proyectos culturales lleno de sorpresas.

Aunque Alameda es, en realidad, la calle de las galerías de arte: Ponce+Robles

está en el 5; La Fábrica (13), en el número 9, tiene, además de arte, editorial, y nuevo restaurante. Pero hay una veintena de salas: Magda Bellotti (Fúcar, 22), My Name’s Lolita Art (Almadén, 12) o Formato Cómodo (Lope de Vega, 5). El Palacio de Neptuno (Cedaceros, 11) celebra eventos. Carteles del Mercado de las Ranas recuerdan la iniciativa de la Asociación de Comerciantes del Barrio de las Letras de sacar las tiendas a la calle el primer sábado de mes. Una salamanquesa gigante, de 5.000 cedés, trepa la fachada del hotel Vincci Soho(Prado, 18), obra de la escuela de diseño IADE para la feria DecorAccion.

Fecha: 8 de Julio de 2014

Tipo: Portal de arte, cultura y moda Sección: Exposiciones Medio: Mutante

Exposição: Ricardo Calero / Trienal no Alentejo

By Sara Quaresma Capitão · On 08/07/2014

Integrada na programação da Trienal no Alentejo (TnA) 2014 é apresentada a exposição “Espaço de Pensamentos”, obra escultórica de Ricardo Calero, a inaugurar dia 11 de Julho na Praça do Sertório, em Évora, pelas 22 horas.

“Espaço de Pensamentos” é uma instalação transumante inspirada nas chaminés alentejanas e resulta de uma residência realizada na Primavera de 2013, por este artista espanhol radicado em Saragoça, com passagens por Alcácer do Sal, Santiago do Cacém, Nisa e Beja. Ricardo Calero quis criar um espaço que servi-se, igualmente, para a reflexão, o debate e o diálogo, permitindo encontros cara-a-cara do público com historiadores, artistas, críticos e habitantes do lugar. As obras de Calero remetem, habitualmente, para uma relação entre natureza interior e exterior. Com este projeto para a TnA, o artista pretendeu homenagear a arquitetura popular e as suas realizações em termos de integração paisagística e, na tradição vitruviana (Vitruvio, arquiteto romano) , o recurso aos materiais do próprio território para a edificação, tipificando o que é preconizado hoje em termos da busca pela sustentabilidade. A instalação “Espaço de Pensamentos” estará patente até ao início de outubro, numa das praças eborenses mais emblemáticas e de maior carga simbólica no centro da cidade de Évora.

Ricardo Calero estudou na Faculdade de Belas Artes em Saragoça e em 1976 começou a expor os seus trabalhos, vindo a tornar-se um artista bem ativo na cultura de Saragoça, onde fundou e dirigiu a Galeria Caligrama (1982). Ao longo da sua carreira, teve em exposições, instalações e intervenções em museus, galerias e espaços públicos em algumas das principais cidades da Europa, América do Norte e Canadá, consolidando o seu valor na arte contemporânea. Nos últimos 10 anos esteve presente em: Bad Homburg, Alemanha, com “Kleinen Format”, Galería Scheffel (2012 e 2010); Montreal, Canadá, com Ricardo Calero. “Disparates”, Université de Montreal (2009); Washington DC, Estados Unidos, com “Continuity of an unfinished Project”, Museum Katzen A. U. (2008); Veneza, Itália, com “Disparates, continuidad de un proyecto inacabado”, Museo Nacional Villa Pisani (2007); Roma, Itália, com “Disparates, Goya – Calero”, Academia de España (2007); Bad Homburg, Alemanha, com “Grabar el sentir”, Galería Scheffel (2007); Genebra, Suiça, com “Soif de Lumière”, Galería Calart (2002), entre outros.

Dentro da filosofia da TnA, que visa o estabelecimento de parcerias com entidades locais e a articulação programática com agentes e equipamentos culturais da região, “Espaço de Pensamentos” promoverá um conjunto de encontros à volta de arte contemporânea, cultura, paisagem e Alentejo, onde serão convidados arquitetos, historiadores, sociólogos, designers e críticos, mas também agricultores, viticultores e chefs, numa iniciativa conjunta com a Câmara Municipal e a Universidade de Évora. O evento inaugural, no dia 11 de Julho, incluirá uma mesa-redonda, subordinada ao tema “Arte no Espaço Público”, com a participação do artista Ricardo Calero, do compositor Amílcar Vasques Dias, da atriz Rosário Gonzaga e do Vereador da Cultura de Évora, Eduardo Luciano, que abrirá a temporada de animação de verão de “Évora Imaterial – território de encontros”, promovida pela autarquia. Para além das sessões de debate, “Espaço de Pensamentos” prolonga-se para além da estação estival com a itinerância desta instalação pelo território alentejano (locais a definir) e de uma exposição, de fotografia e esboços do artista, prevista para Évora até final do ano.

A Trienal no Alentejo é organizada e promovida pela Aspas e Parênteses – Associação, em conjunto com diferentes entidades regionais, nacionais e internacionais. Esta iniciativa tem por objetivo dotar o Alentejo de um evento de projeção global através da produção e instalação de trabalhos de artistas contemporâneos de renome internacional, promovendo os fatores únicos da região. Com um conceito pioneiro ao articular arte e gastronomia, realçando a dimensão autoral dos dois universos, visa impulsionar a região enquanto destino turístico e solar de produtos de qualidade, mas igualmente todos os demais aspetos culturais ligados ao património e imaginário alentejano. Um evento que aguarda pela sua visita, este verão! •

Fecha: Julio de 2014

Tipo: Prensa mensual Sección: buscadorAD Medio: AD Architectural Digest

Fecha: 12 de Julio de 2014

Tipo: Prensa semanal Sección: Arte Medio: ABC, El Cultural

Prensa Fecha: 25 de Julio de 2014

Tipo: Prensa semanal Sección: Arte Medio: El Cultural, El Mundo

Realizado por Javier Rodríguez Lozano para Ponce+Robles. Julio de 2014.