[ODRCD325] Javier Negrin - TRACES
description
Transcript of [ODRCD325] Javier Negrin - TRACES
1
1
2
2
3
3
ENG
Granados paid homage to Goya’s magnificent paintings both with his own sketches and with this masterpiece for the piano. Mompou, on the other hand, made musical tracings of Chopin’s works in his Variations. Each composer traces over the work of another, drawing and elaborating on their themes, styles, and emotions.
Between 1933 and 1939 the Spanish poet Pedro Salinas portrayed the various stages of love in his trilogy La voz a ti debida, Razón de amor and Largo Lamento. His contemporary colleague, poet Jorge Guillén, said about this cycle: “It was fatal that Salinas’ poetry would arrive at the amorous theme, and so it was, and magnificently”. Similarly, it was fatal that Granados arrived at Goya’s sensual, visually rich and colourful paintings of the Pre-Napoleonic works, and so it was, and magnificently. Like Granados, “I was enraptured with Goya’s psychology and his palette, and so I fell in love too with his ‘maja’, madam. Spellbound with his aristocratic ‘majo’, with Goya himself, with the Duchess of Alba, his brawls, his love affairs, his flattery. That whitish pink on the cheeks, the way he contrasts lacework and black velvet with overlays, those bodies with swaying waists, mother-of-pearl hands with cherry red placed upon jet-black, they have bewitched me”.
His own words, together with a few visits to El Prado museum, and the finding of Granados’ own drawings in the Pierpoint Library in New York, drew me to his music and became a constant inspiration. To share their brilliance with listeners, we have featured his sketches of the Majos and the Majas in the artwork of this CD.
A few years ago, when I was given the opportunity to give an all-Mompou recital in Havana, Cuba, I discovered his delightful Varations sur a thème by Chopin. While Granados embraces Goya’s palette in his quasi-pictorial depictions, Mompou’s tracing is of a different kind: he draws musically on Chopin’s ideas, but on in his own, non-translucent paper. What emerges is an original account of Chopin’s music seen in a different light; we find the nocturne-like atmosphere so characteristic of the Polish composer present in many of the variations, and the use of Chopin’s most characteristic forms: the mazurka, the waltz, and even a study. This is also music of direct emotion, and one cannot help but remember Mompou’s words about his Música callada (a title derived from the great mystic poet San Juan de La Cruz), which served me as an inspiration for this recording: “This music has neither air nor light. It is a weak heartbeat. It’s not meant to reach any further than a few millimeters in the space, but it is meant to penetrate in the greatest depths of our soul and the most secret regions of our spirit”. Tradition and originality: the two large-scale works contained in this CD are in a sense both a tribute and a farewell to the Romantic generation from which they grew.
Javier Negrín
4
4
“I do not see any other means of advancing the Arts, nor do I
believe there is one, than to reward and protect he who excels in
them; to hold in esteem the true Artist, to allow free reign to the
genius of students who wish to learn them, without oppression”.
The great Spanish artist Francisco de Goya (1746-1828) is recorded as
having made this statement in 1792, yet it resonates as an entirely modern
sentiment. The same may be said of Goya’s art, with its blend of human
insight, unflinching truth, incisive satire and earthy passion, a combination
which has bewitched countless people ever since the artist’s heyday,
and continues to do so today. One fervent admirer of Goya was Enrique
Granados (1867-1916), a Catalan composer who studied piano in Barcelona,
but who as a composer was essentially self-taught. He spent time at the
Paris Conservatoire before returning to Barcelona, where he founded the
Academia Granados in 1901.
During his lifetime, Granados was most widely celebrated as a pianist
and conductor, but his piano cycle inspired by the art of Goya, known as
Goyescas, Op.11, represented a pivotal moment not only in his career, but in
the way his life would come to an end. Granados had admired and collected
Goya for many years when he embarked on his Goyescas, composing these
six piano pieces between 1909 and 1912. The composer himself premiered
the works, performing Book I at Barcelona’s Palau de la Música Catalana
on 11 March 1911. Book II was complete in December of the same year,
and was premiered by Granados at the Salle Pleyel in Paris on 2 April 1914;
the premiere of the complete set took place not long afterwards in Madrid.
With eerie prescience, Granados wrote in his programme notes that, “three
great emotions appear in this work: intense sorrow, amorous longing, and
final tragedy”.
Following the success of these performances, the Goyescas were reworked
to create an opera to be staged at the Metropolitan Opera in New York.
Reception was mixed, but Granados was invited to the White House to
meet President Wilson, an indication of the esteem in which the composer
was held in America. Yet good fortune turned to tragedy on the voyage
home: the SS Sussex, on which Granados and his wife were travelling, was
torpedoed in the English Channel on 24 March 1916. Trying to save his wife,
Granados drowned.
5
5
Granados had been particularly taken with Goya’s tapestry cartoons
depicting the Majos and Majas (men and women of Madrid), which the
composer relished examining whilst visiting the Museo del Prado in Madrid.
So fascinated was Granados that he replicated some of Goya’s artworks
himself, as can be seen in this album’s packaging, tracing them artistically,
and then musically. Goya’s depictions of everyday life in Spain, and his more
satirical Caprichos, suggested to Granados the composition of a series of
musical pieces, the titles of which do not always correspond exactly with
those of the paintings, but are readily understood as exploring the same
themes.
Musically, Granados fused the music of his country, and Castilian music in
particular, with traits from more remote origins, including the Italianate
elegance of Scarlatti, who in turn had been enchanted by Spanish folk
song. The influence of Albéniz, especially his piano suite Iberia (1905-8)
is also audible throughout the Goyescas, although crucially Albéniz was
preoccupied with Andalusian and flamenco styles, which are less integral
to the sound-world of the Goyescas.
In the first piece, Los requiebros (‘The Compliments’), based on a popular
tune, Tirana del Trípili, Granados echoes the tonadilla, an 18th-century
urban, satirical folksong style. Indeed, the reference to ‘compliments’
conjures up another popular refrain from Goya’s day:
A slap in the face from any maja / is worth more / than all the
compliments / from the madamas: / for it is said that / the first is
all tenderness, / and the second, deception.
‘Conversations at the grille’ (Coloquio en la reja) fascinated Goya, as they
had Murillo (1617-1682), an earlier Spanish artist. A window, screen or a
balcony created for these artists a frame through which the eyes of women
could gaze out at the viewer, lending such paintings a frisson of stolen
glances, even voyeurism. When Granados himself made sketches of Goya’s
Apuntes (notebooks), he focussed on a picture depicting a couple divided
by a screen, the enforced separation heightening the desire between them.
This sense of longing simmering beneath the surface is reflected in his
sultry, increasingly passionate music, marked con sentimento amoroso, its
Phrygian harmonies evoking the music of southern Spain.
The constant rhythmic pulse of El fandango de candil creates
an unsettling, grim atmosphere offset by moments of playfulness
and passion. Granados was, no doubt, alluding to Goya’s own
6
6
use of light and shade in darkened paintings where a face is illuminated to
create a haunting, mask-like apparition, or where a figure seems to glow,
surrounded by mysterious murkiness.
Birds are a common subject in Goya’s tapestry cartoons, and the
nightingale features in one of Granados’ most famous pieces, La maja y
el ruiseñor. This is a rare instance of a piece by Granados which includes
a real, rather than emulated, folksong. Its Andalusian quality, with exotic
Moorish inflections and Phrygian harmony, combine to create an aching
Romanticism with an ecstatic central section. There is even trilling birdsong
to depict the nightingale.
The ‘Ballad of Love and Death’, El amor y la muerte (Balada) was
inspired by the tenth of Goya’s Caprichos, which has the same title, and
which portrays a woman holding in her arms her dying lover. Death makes
an imposing opening statement, challenged by thematic allusions to the
preceding movement, representing Love, before a duel between the two
ensues. The funereal final bars make it clear who has won and, true enough,
a ghost appears in the following movement, Epílogo (Serenata del
espectro) (‘Epilogue: Serenade of the Spectre’), which includes poignant
musical references to the love theme of Coloquio en la reja. As Javier Negrín
puts it: “After all the macabre visions of the Spectre (which recalls Ravel’s
restless Scarbo) the dead Majo finally gets tired of tormenting his beloved
and remembers the amorous words that they shared in the dialogue at the
window. Then, suddenly, he disappears, plucking the strings of his guitar,
as though waking us up from an unsettling dream”.
Frederic Mompou (1893-1987) was, like Granados, a Catalan composer who
divided his studies between Barcelona and Paris. A shy man, he nevertheless
made friends with significant figures such as Poulenc, and the artist Joan
Miró. Mompou specialised in piano miniatures, in which the influence of
Ravel, Debussy and Manuel de Falla can be heard, combined with music of
his homeland, including Andalusian folk music.
Mompou’s twelve Variations sur un thème de Chopin trace
the relationship between the younger composer and his musical
influences, his love of Chopin translated into music composed in his own
distinctive language. Chopin’s original melody, the A major Prelude,
Op.28, No.7, is audible throughout, as though Mompou is adding
layers of translucent tracing paper over the original theme, which is
7
7
decorated and varied, but never entirely lost. There are moments, however, when Chopin’s
music is almost obscured by the thick layering of Mompou’s interpretations, with
their jazz inflections that seem at once remote from Chopin’s style, and strangely
congruent with it, both languages possessing that dream-like
quality for which Chopin’s nocturnes are celebrated.
Mompou drew in this work not only on the A major Prelude,
but on other musical references. There is a quotation of the central section
of Chopin’s Fantaisie Impromptu during Variation 10, Évocation, alongside a
reference to his own Canción y danza No. 6. Évocation is the most descriptive
title assigned to a variation, although there is also a Recitativo (No.6),
a Valse (No.9). The twelfth and final variation is entitled Galope y epílogo.
The continuous semiquavers and lively pace of this good-humoured ‘galop’ seem
only remotely related to Chopin’s theme, but a Lento epilogue
traces the contours of the original melody – enriched with Mompou’s
exquisite harmonies – to bring the work to a tranquil close.
Joanna Wyld
Text by Joanna Wyld / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.
8
8
I was born in the Canary Islands. I don´t precisely remember the occasion, but
that may be beside the point. I do remember growing up within a marvelous
family, and discovering that both reading and music were the two keys that
allowed me to glimpse other realities that I would not have known otherwise.
In the beginning it was all about child’s play, and it should have carried on that
way… perhaps the biggest challenge faced by a performer is to preserve the
naivety and curiosity that encourages him to wake up every morning willing
to spend as much time as possible in contact with the instrument in order to
discover new things. I used to perform simple pieces. Now I have come to know
the likes of Scriabin, Schoenberg, Bartók, Stravinsky, Crumb; although I still
perform my beloved Bach, Beethoven, Chopin, Granados, Mompou…
Sometimes I think I am a dilettante in spirit; that what I really like is to enjoy
the Arts without any further transcendence or aspiration. But I cannot help but
think that to deepen in any artistic discipline also inoculates one to the longing
for perfection, beauty and proportion. It’s a difficult call…
I have been lucky enough to count on people who have stimulated me to
become a better person and, along the way, a better musician as well. I fondly
remember Armando Alfonso, Yonty Solomon, Joaquín Achúcarro and Howard
Shelley. All of them have left a profound mark on my life. I have also travelled
and performed in venues and countries that I never dreamt of visiting, all due
to being a musician: the Wigmore Hall in London, Auditorio Nacional in Madrid,
China, Japan, Cuba, Bolivia, Argentina… I feel equally fortunate to be able to
participate in two projects that have also changed the course of my recent life:
Project Odradek, and the Quantum Ensemble, resident chamber music group in
the Auditorio de Tenerife. It is rare to find this perfect blend of professionalism,
excitement, spirituality and friendship in a profession where purely commercial
interests so often prevail.
I am also a piano professor at the Centro Superior de Enseñanza Musical Katarina
Gurska in Madrid. This job has provided me with invaluable experiences and a
very favorable family environment. Madrid is the city that has transformed me
into a happy man, the city from where I have travelled the world; and I hope it
continues to be that way for a long time.
I could also tell you about my prizes, but then this would become an ordinary
biography. Maybe I could also talk about my failures, which surely would be
more interesting (I always remember F. Scott Fitzgerald´s famous quote: “I talk
with the authority of failure”). I hope that with these few lines you have got to
know me a bit better, and that you enjoy the CD.
All best wishes, Javier Negrín
9
9
10
10
ESP
Granados rindió homenaje a las magníficas pinturas de Goya no sólo con su obra maestra para piano sino también esbozando él mismo a lápiz algunas de las obras del pintor. Mompou a su vez calcó musicalmente algunas obras de Chopin en sus Variaciones. Cada compositor recrea el material de otro artista, dibujando y elaborando sus temas, estilos y emociones.
Entre 1933 y 1939 el poeta español Pedro Salinas retrató las diferentes etapas del amor en su trilogía La voz a ti debida, Razón de amor y Largo lamento. Su colega y también poeta Jorge Guillén dijo lo siguiente acerca de este ciclo: “era fatal que la poesía de Pedro Salinas culminase en el tema amoroso. Y así fue, y magníficamente”. De la misma manera, fue fatal que Granados se enamorara de la sensual y colorista pintura de las obras pre-napoleónicas de Goya. Y así fue, y magníficamente. A mí también me cautivó “la psicología de Goya y de su paleta; por lo tanto, de su maja señora; de su majo aristocrático; de él y de la Duquesa de Alba, de sus pendencias, de sus amores, de sus requiebros; aquel blanco rosa de las mejillas, contrastando con las blondas y terciopelo negro con alamares; aquellos cuerpos de cinturas cimbreantes, manos de nácar y carmín, posadas sobre azabaches, me han trastornado”. Sus propias palabras, algunas visitas al Museo del Prado y encontrar los propios dibujos de Granados en la Pierpoint Library de Nueva York fueron una auténtica fuente de inspiración y me atrajeron irresistiblemente a su música. Para ilustrar y compartir su genialidad con los oyentes, hemos incluido sus bocetos de los Majos y Majas en el arte gráfico de este álbum.
Hace algunos años tuve la oportunidad de ofrecer un recital con obras de Mompou en La Habana (Cuba), y descubrí sus encantadoras Variaciones sobre un tema de Chopin. Mientras que Granados adopta la paleta de Goya en sus quasi representaciones pictóricas, los bocetos de Mompou son de otra clase; se inspira en las ideas de Chopin, pero superponiendo su propio papel translúcido. Como resultado tenemos una propuesta original en la que escuchamos la música de Chopin con otra luz; encontramos esa atmósfera de nocturno tan característica del compositor polaco presente en muchas de las variaciones, y el uso de sus formas musicales más características: la mazurca, el vals e incluso un estudio.
Se trata también de una música de emoción directa, palpable, y uno no puede evitar recordar las palabras de Mompou acerca de su Música callada (este título proviene del gran poeta místico San Juan de La Cruz), que me sirvieron también de inspiración para esta grabación: ”Esta música no tiene aire ni luz. Es un débil latir del corazón. No se le pide llegar más allá de unos milímetros en el espacio, pero sí la misión de penetrar en las grandes profundidades de nuestra alma y regiones más secretas de nuestro espíritu”. Tradición y originalidad: en este álbum se unen dos obras importantes que suponen en cierto sentido un homenaje y una despedida de la generación romántica a la que hacen referencia.
Javier Negrín
11
11
“[...] yo no encuentro otro medio más eficaz de adelantar las Artes,
ni creo que le haya, sino el de premiar y proteger al que despunte
en ellas, el de dar mucha estimación al Profesor que lo sea, y el de
dejar en su plena libertad correr el genio de los discípulos que quieren
aprenderlas, sin oprimirlos ni poner medios para torcer la inclinación
que manifiestan a este o aquel estilo...”.
Aunque estas palabras del gran pintor español Francisco de Goya (1746-1828)
fueron pronunciadas en 1792, aún resuenan con un sentimiento totalmente
moderno. Lo mismo puede decirse del arte de Goya, con su mezcla de
comprensión del ser humano, verdad inquebrantable, sátira incisiva y pasión
terrenal, una combinación que ha cautivado a infinidad de personas desde el
apogeo de este artista y continúa haciéndolo hoy en día. Un ferviente admirador
de Goya fue Enrique Granados (1867-1916), compositor catalán que estudió
piano en Barcelona pero que como compositor fue esencialmente autodidacta.
Pasó un tiempo en el Conservatorio de París antes de regresar a Barcelona, en
donde fundó la Academia Granados en 1901.
Durante su vida, Granados fue famoso más bien como pianista y director de
orquesta, pero su ciclo para piano inspirado en la pintura de Goya, conocido como
las Goyescas, op. 11, representó un punto de inflexión no sólo en su carrera sino
en la manera en la que le llegaría el final de sus días. Granados había ya admirado
y coleccionado obras de Goya durante muchos años cuando se embarcó en la
composición de Goyescas, escribiendo estas seis piezas para piano entre 1909 y
1912. El propio compositor estrenó dicha obra, interpretando el Primer Libro en
el barcelonés Palau de la Música Catalana el 11 de marzo de 1911. El Segundo
Libro fue rematado en diciembre del mismo año, y estrenado también por el
mismo Granados en la Sala Pleyel de París el 2 de abril de 1914. Ambos libros
sonaron por primera vez de manera conjunta poco después en Madrid. Cual
inquietante premonición, Granados escribe en sus notas al programa que “Tres
grandes sentimientos aparecen en esta obra: el dolor intenso, el amor añorado y
la tragedia final - la muerte”.
Tras el éxito de las representaciones, las Goyescas fueron reelaboradas para
convertirse en una ópera que sería puesta en escena en la Metropolitan Opera
de Nueva York. A pesar del poco entusiasmo de la acogida, Granados fue invitado
a la Casa Blanca para conocer al Presidente Wilson, lo que indica la alta estima de
la que gozaba el compositor en los Estados Unidos. Pero la buena fortuna se tornó
en tragedia en el viaje de vuelta. El SS Sussex, vapor en el que el compositor y su
mujer viajaban, fue torpedeado en el Canal de la Mancha el 24 de marzo de 1916.
12
12
Tratando de salvar la vida de su mujer, Granados murió ahogado.
Los cartones de los tapices de Goya mostrando a los Majos y a las Majas habían
maravillado a Granados en una visita del compositor al Museo del Prado de
Madrid. Tan fascinado quedó con los cartones que él mismo reprodujo algunas
de las piezas, como puede verse en las ilustraciones de este álbum, esbozándolas
primero pictóricamente y luego musicalmente. Las ilustraciones de Goya de
la vida cotidiana en España, y sus satíricos Caprichos, inspiraron en Granados
la composición de una serie de piezas musicales, cuyos títulos no siempre se
corresponden exactamente con los nombres de los cuadros, pero que se entiende
que exploran los mismos temas.
Musicalmente, Granados mezcló la música de su país –la música castellana
particularmente– con rasgos de orígenes lejanos, incluyendo la elegancia italiana
de Scarlatti, al que a su vez le fascinaron las canciones populares españolas. La
influencia de Albéniz, especialmente la de la suite Iberia para piano (1905/08),
se aprecia en todas las Goyescas, aunque básicamente a Albéniz le interesaba el
flamenco y el estilo andaluz, no tan esenciales en el mundo sonoro de Goyescas.
En primer lugar, en Los requiebros, basado en la canción popular Tirana del
Trípili, Granados evoca la tonadilla, canción popular satírica del s. XVIII. De
hecho, la referencia a los “requiebros” trae a la mente un popular estribillo de la
época de Goya:
“Vale más un cachete de cualquier maja, que todos los halagos de
las madamas. Porque se arguye que todo esto es cariño, y el otro,
embuste”.
El Coloquio en la reja fascinaba a Goya, así como fascinó anteriormente
también al pintor español Murillo (1617-1682). Una ventana, un biombo o
un balcón creaban para estos pintores un marco desde el cual ojos de mujeres
atisbaban al espectador, dando al cuadro un escalofrío de miradas robadas,
incluso de voyeurismo. Cuando el propio Granados esbozó a lápiz las imágenes
de los cuadernos de apuntes de Goya, se centró en un cuadro que mostraba una
pareja dividida por una reja, cuya forzosa separación ensalzaba el deseo que
existía entre ellos. Este sentimiento subyacente de deseo en ebullición se refleja
en una música sensual de pasión creciente, marcada con sentimento amoroso, y
basada en armonías frigias que evocan el sur de la Península.
El pulso rítmico constante de El fandango de candil crea una
atmósfera inquietante y siniestra, contraponiéndose a momentos de
alegría y pasión. Granados alude aquí sin lugar a dudas al uso de luces y
13
13
sombras del propio Goya, en pinturas donde ilumina un rostro para crear una
aparición sobrenatural como una máscara, o donde una figura parece brillar
rodeada de misteriosa oscuridad.
Los pájaros son un motivo recurrente en los tapices de Goya, y el ruiseñor es
protagonista de una de las piezas más famosas de Granados, La maja y el
ruiseñor. Es este un raro ejemplo de una obra de este compositor que incluya
una canción popular tradicional y no de nueva invención. Su carácter andaluz,
sus inflexiones moriscas y su armonía frigia se combinan para crear un doliente
romanticismo con una sección central extática. Incluso incluye trinos a modo de
canto de pájaros evocando al ruiseñor.
El amor y la muerte (Balada) está inspirada en el Capricho nº 10 de Goya,
del mismo nombre, que muestra a una mujer sosteniendo en brazos a su
amante moribundo. La muerte hace una imponente declaración de entrada,
retada por alusiones temáticas del movimiento precedente, que representa al
amor, continuando con un duelo entre ambos. Los funestos compases finales
dejan claro quién es el ganador y, en consecuencia, un fantasma aparece en el
siguiente movimiento, Epílogo (Serenata del espectro), que incluye emotivas
referencias musicales al tema del amor de Coloquio en la reja. Como apunta
Javier Negrín, “Tras todas las macabras visiones del Espectro (que recuerda al
nervioso Scarbo de Ravel), el Majo muerto se cansa al fin de atormentar a su
amada y recuerda las palabras amorosas que compartieron en el diálogo junto
a la reja. Entonces, desaparece de pronto, rasgando las cuerdas de su guitarra,
como para despertarnos de un sueño inquietante”.
Frederic Mompou (1893-1987) fue, como Granados, otro compositor catalán
que dividió sus estudios entre Barcelona y París. Hombre tímido, hizo sin
embargo amistades significativas con figuras de la época como Poulenc o Joan
Miró. Mompou se especializó en miniaturas para piano, en las que puede oírse
la influencia de Ravel, Debussy y Manuel de Falla junto con músicas de su país
natal y canciones populares andaluzas.
Las Variaciones sobre un tema de Chopin de Mompou esbozan la relación
entre el joven compositor y sus influencias musicales, su amor por Chopin
traducido a música compuesta en su propio y característico lenguaje. La melodía
original de Chopin, el Preludio en la mayor, op. 28, nº 7, se escucha a través de
toda la obra como si Mompou hubiera añadido capas de papel translúcido
sobre el tema original, que decora y varía pero nunca desdibuja por completo.
Hay momentos en los que sin embargo la música de Chopin casi se oscurece
14
14
por la densa capa pictórica de Mompou, con inflexiones jazzísticas que parecen en un principio
alejadas del estilo chopiniano, pero que resultan extrañamente congruentes, ya que ambos
lenguajes poseen esa cualidad soñadora que dio fama a los Nocturnos de Chopin.
Mompou dibujó no solo en esta obra el Preludio en la mayor,
sino también otras referencias musicales. Hay una cita de
la sección central de la Fantasía impromptu de Chopin en
la variación 10, Évocation, junto con una referencia a
su propia Canción y danza nº 6. Évocation es el título más
descriptivo de los asignados a estas variaciones, aunque
también utiliza las palabras Recitativo (nº 6), Valse (nº 9)
y Galope y epílogo para la duodécima variación final. En ésta,
el paso vivo y las incesantes semicorcheas de este galope
jovial parecen estar relacionadas sólo distantemente con
el tema de Chopin, pero el epílogo, marcado Lento, traza
los contornos de la melodía original, enriquecida con
las armonías exquisitas de Mompou, para llevar a
la pieza a su tranquilo final.
Joanna WyldTraducción: Enrique Mulder
Texto de Joanna Wyld (Traducción: Enrique Mulder)/ Odradek Records, LLC bajo licencia Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permisos más allá del ámbito de esta licencia disponibles en www.odradek-records.com
15
15
Nací en las Islas Canarias. Eso precisamente no lo recuerdo pero no es lo más
importante. Sí que recuerdo a una familia maravillosa, y que descubrir la lectura
y la música fueron dos llaves que me permitieron atisbar otras realidades que de
otra manera nunca hubiera conocido. Al principio todo era un juego, y así debería
haber sido siempre… quizás el mayor reto que tiene un músico es conservar esa
ingenuidad y curiosidad que le llevan a despertarse todas las mañanas deseando
pasar mucho tiempo en contacto con el instrumento y descubrir cosas nuevas.
Antes tocaba piezas sencillas. Ahora he conocido más a Scriabin, Schoenberg,
Bartók, Stravinsky, Crumb, aunque también sigo interpretando a mis amados Bach,
Beethoven, Chopin, Granados, Mompou…
A veces pienso que soy un diletante de espíritu, que lo que me gusta realmente es
disfrutar de las artes sin mayor trascendencia ni aspiración. Pero no dejo de pensar
también en que el profundizar en una disciplina artística también te inocula el
anhelo de perfección, de belleza y de proporción. Difícil elección.
He tenido la gran suerte de contar con gente que me ha estimulado a ser mejor
persona y, por el camino, mejor músico. Recuerdo con especial cariño a Armando
Alfonso, a Yonty Solomon, a Joaquín Achúcarro y a Howard Shelley. Todos ellos
han dejado una impronta imborrable en mi vida. También he viajado y tocado en
lugares y países a los que nunca pensé que iría gracias a ser músico: El Wigmore
Hall de Londres, el Auditorio Nacional de Madrid, China, Japón, Cuba, Bolivia,
Argentina… Igualmente me siento muy afortunado de estar participando en dos
proyectos que también han cambiado el curso de mi vida reciente: el proyecto
Odradek y el Quantum Ensemble, grupo de cámara residente en el Auditorio de
Tenerife. Encontrar esa mezcla perfecta de altura profesional, ilusión, espiritualidad
y amistad no es fácil en una profesión donde abundan los intereses puramente
comerciales.
También soy profesor de grado medio y superior de piano en el Centro Superior
de Enseñanza Musical Katarina Gurska de Madrid. Este trabajo me ha aportado
experiencias valiosísimas y un entorno favorable donde crecer en familia. Madrid es
la ciudad que me ha hecho feliz y desde la que he recorrido medio mundo, y espero
que siga siendo así durante mucho tiempo.
Podría hablarles de mis premios, pero entonces esto sería una biografía como
cualquier otra. Quizás también de mis fracasos, y eso sí que sería mucho más
interesante (siempre recuerdo la cita de Scott Fitzgerald: “hablo con la autoridad
que me otorga el fracaso”). Espero que con estas breves líneas me hayan conocido
un poco más y que disfruten del disco.
Con mis mejores deseos, Javier Negrín
16
16
17
17
DEU
Granados zollte Goyas herausragenden Gemälden mit seinen Skizzen und seinem Meisterwerk für das Klavier Tribut. Mompou, andererseits, zeichnete Chopins Werke in seinen Werken musikalisch nach. Jeder Komponist zeichnet das Werk eines anderen nach, und erörtert deren Themen, Stile und Emotionen. Zwischen 1933 und 1939 porträtierte der spanische Poet Pedro Salinas die verschiedenen Stadien der Liebe in seiner Trilogie La voz a ti debida, Razón de amor und Largo Lamento. Sein Zeitgenosse und Kollege, der Dichter Jorge Guillén sagte über diesen Zyklus: „Es war verhängnisvoll, dass Salinas Poesie das Thema der Liebe ansteuerte und so war es dann auch – großartig“. Ähnlich verhängnisvoll war die Annäherung von Granados an die sinnlichen, visuell ansprechenden und farbenreichen Prä-Napoleonischen Werke von Goya und abermals war es – großartig. Wie sagte Granados: „Ich war gefangen von Goyas Psychologie und seinem Farbenreichtum und so verliebte ich mich auch in die Dame Maja. Fasziniert von seiner aristokratischen Schönen, von Goya selber, seiner Herzogin von Alba, seinen Raufhändeln, seinen Liebesaffären und seinen Schmeicheleien.
Das weißliche Rosa auf den Wangen, die Art in der er die Spitzenmuster mit dem schwarzen Samt darüber liegend kontrastiert, diese Körper mit wiegenden Hüften, die Perlmutt-Hände mit kirschrot platziert auf tief-schwarz – sie haben mich verhext“.
Seine eigenen Worte, zusammen mit einigen Abstechern in das Prado und die Entdeckung von Granados eigenen Zeichnungen in der Pierpoint Library in New York, zogen mich zu seiner Musik und wurden zu einer ständigen Quelle der Inspiration. Um ihre Brillanz mit den Hörern zu teilen, haben wir seine Skizzen der „Majos“ und „Majas“ in das künstlerische Konzept dieser CD eingebracht.
Vor einigen Jahren, als man mir die Gelegenheit gab einen Mompou gewidmeten Klavierabend in Havanna, Kuba zu geben, entdeckte ich seine entzückenden Variationen über ein Thema von Chopin. Während Granados Goyas Gestaltungsvielfalt in seine quasi-bildhaften Gestaltungen einbezieht, ist Mompous Spurensuche von anderer Art: Er zeichnet musikalisch auf Chopins Ideen, aber in seinem eigenen, nicht-transparenten Medium. Was dabei hervortritt ist eine eigenständige Darstellung von Chopins Musik - gesehen in einem anderen Licht; wir finden die Nocturne-gleiche Atmosphäre, die so charakteristisch für den polnischen Komponisten ist, in vielen der Variationen wieder, wie auch den Gebrauch von den kennzeichnendsten Formen Chopins, der Mazurka, dem Walzer und selbst der Etüde. Das ist ebenso eine Musik der direkten Gefühle und man kommt nicht umhin sich der Worte von Mompou über seine Música callada (ein Titel, der von dem großen mystischen Dichter San Juan de la Cruz übernommen wurde) zu erinnern, die mir als Inspiration für diese Aufnahme dienten: „Diese Musik hat weder Luft, noch Licht. Sie ist ein schwacher Herzschlag. Sie ist nicht intendiert sich mehr als einige Millimeter in den Raum zu erheben, aber sie ist gemeint in die größten Tiefen unserer Seele und die geheimsten Winkel unseres Geistes vorzudringen“. Tradition und Eigenständigkeit: die beiden groß angelegten Werke, die diese CD beinhaltet, sind in einem gewissen Sinne beide ein Tribut und ein Lebewohl an die romantische Generation aus der sie gewachsen sind.
Javier Negrín
18
18
„Ich sehe keine anderen Mittel zur Förderung der Künste, noch glaube
ich es gibt welche, als jene, die zu belohnen und zu schützen, die in
ihnen hervorragen; die wahren Künstler in Ehren zu halten, die freie
Regentschaft des Genius jener Studenten ohne jede Unterdrückung zu
erlauben, die die Künste zu erlernen wünschen“.
Es wird überliefert der große spanische Künstler Francisco de Goya habe
1792 diese Aussage getätigt, obgleich sie eine völlig moderne Haltung zum
Ausdruck bringt. Das gleiche könnte man von Goyas Kunst sagen, die mit
ihrer Mischung aus menschlichen Einblicken, unerschrockenen Wahrheiten,
durchdringender Satire und erdiger Leidenschaft, eine Kombination bietet, die
zahllose Menschen seit der Glanzzeit des Künstlers bezauberte und es bis heute
weiter tut. Ein glühender Verehrer von Goya war Enrique Granados (1867-1916),
ein katalanischer Komponist, der in Barcelona Klavier studierte, der aber als
Komponist Autodidakt war. Er studierte eine Zeit lang am Konservatorium in
Paris bevor er nach Barcelona zurückkehrte, wo er 1901 die Academia Granados
gründete.
Zu Lebzeiten wurde Granados vorwiegend als Pianist und Dirigent gefeiert,
aber sein von Goyas Kunst inspirierter Klavierzyklus, bekannt als Goyescas
Op. 11, stellte sich als Schlüsselmoment nicht nur in seiner Karriere, sondern
auch darin heraus, wie sein weiteres Leben zu einem Ende kommen sollte.
Granados hatte Goya schon viele Jahre bewundert und gesammelt, als er die
Arbeit an den Goyescas begann und diese sechs Klavierstücke zwischen 1909
und 1912 komponierte. Der Komponist selber spielte die Uraufführung und
führte das erste Buch auf der Palau de la Música Catalana in Barcelona am 11.
März 1911 auf. Das zweite Buch war im Dezember desselben Jahres fertig und
wurde von Granados im Salle Pleyel in Paris am 2. April 1914 uraufgeführt, die
Uraufführung des gesamten Zyklus fand nicht viel später in Madrid statt. In
unheimlicher Vorahnung schrieb Granados in seiner Einleitung, dass “drei große
Gefühle in diesem Werk erscheinen: eindringlicher Kummer, schmachtendes
Verlangen und finale Tragödie”.
Aufgrund des Erfolges dieser Aufführungen wurden die Goyescas überarbeitet
um eine Oper zu schaffen, die auf die Bühne der Metropolitan Opera in New
York gebracht wurde. Die Reaktionen waren zwar gemischt, doch Granados
wurde ins Weiße Haus eingeladen um Präsident Wilson zu treffen, ein Hinweis
für die Hochachtung die dem Komponisten in Amerika entgegengebracht
wurde. Aber die glücklichen Umstände wendeten sich auf der Heimreise ins
19
19
Tragische: die SS Sussex, auf der Granados und seine Gattin reisten, wurde am
24. März 1916 im Ärmelkanal torpediert. Bei dem Versuch seine Gattin zu retten,
ertrank Granados.
Granados war besonders von Goyas Wandteppichvorlagen eingenommen, die
die “Majos” und “Majas” (die jungen Liebenden in Madrid) darstellten, und
welche der Komponist bei der Betrachtung, während seiner Besuche im Museo
del Prado in Madrid, genoss. Granados war davon so fasziniert, dass er selber
einige der Kunstwerke Goyas kopierte, wie sie es in unserer Albumverpackung
sehen können; bildnerisch und musikalisch zeichnete er diese nach.
Goyas Darstellungen des Alltagslebens in Spanien und seine mehr satirischen
Caprichos, regten Granados zur Komposition einer Serie von musikalischen
Stücken an, deren Titel nicht immer exakt mit denen der Bilder korrespondieren,
aber unschwer den gleichen Themen zugeordnet werden können.
Musikalisch gesehen vereinigt Granados die Musik seines Landes und im
Besonderen die kastilische Musik mit Merkmalen aus mehr entfernten
Ursprüngen und schließt die italienische Eleganz von Scarlatti ein, der im
Gegenzug von spanischer Folklore entzückt war. Der Einfluss von Albéniz, im
Speziellen seiner Iberia Klaviersuite ist durchgehend in den Goyescas hörbar,
obwohl Albéniz ganz entschieden mit andalusischen und Flamenco Stilen
beschäftigt war, welche weniger in der Klangwelt der Goyescas enthalten sind.
Im ersten Stück, Los requiebros (die Komplimente), basierend auf einer
populären Melodie die Tirana del Trípili, antwortet Granados auf die tonadilla,
einen urbanen, satirischen Volksliedstil des 18. Jahrhunderts. Und tatsächlich
ruft die Bezugnahme auf “Die Komplimente” einen anderen populären Kehrreim
aus Goyas Tagen ins Gedächtnis:
Der Schlag ins Gesicht von einer jungen Liebenden/ ist mehr wert/ als
alle Schmeicheleien der “madamas”/ da man zu Recht sagt/ ersteres
ist in Wahrheit Zärtlichkeit/ und das zweite Betrug/
Das „Gespräch am Fenster” (Coloquio en la reja) faszinierte Goya, so wie es
zuvor auch Murillo (1617-1682) erging, einem älteren spanischen Künstler.
Ein Fenster, eine Trennwand oder ein Balkon schufen für diese Künstler einen
Rahmen durch den die Augen einer Frau auf den Betrachter blicken konnten und
diesen Gemälden einen verstohlenen, fast schon voyeuristischen Blick verleihen.
Als Granados selber Skizzen von Goyas Notizheften machte, konzentrierte er sich
auf ein Bild eines durch einen Paravant getrennten Paares, dessen erzwungene
20
20
Trennung das gegenseitige Verlangen steigert.
Dieses Gefühl des Verlangens brodelnd unter der Oberfläche spiegelt sich in
seiner sinnlichen, zunehmend leidenschaftlichen Musik, mit der Bezeichnung
con sentimento amoroso, seinen phrygischen Harmonien, die die Musik des
südlichen Spaniens hervorrufen.
Der beständige rhythmische Puls des El fandango de candil (Der Fandango bei
Kerzenschein) schafft eine verstörende, grimmige Atmosphäre, ausgeglichen
durch Momente der Verspieltheit und Leidenschaft. Ohne jeden Zweifel spielte
Granados auf Goyas eigenen Gebrauch von Licht und Schatten in verdunkelten
Gemälden an, wo ein Gesicht erleuchtet wird um eine gespenstische,
maskenhafte Erscheinung hervorzurufen, oder wo eine Gestalt zu glühen
scheint, umrahmt von rätselhafter Finsternis.
Vögel sind ein geläufiges Thema in Goyas Wandteppichvorlagen und die
Nachtigall ist ein kennzeichnendes Merkmal in einem der berühmtesten Stücke
von Granados, La maja y el ruiseñor (Klagelieder oder das Mädchen und
die Nachtigall). Dies ist ein seltenes Beispiel eines Stückes von Granados, das
statt einem nachgeahmten, ein wirkliches Volkslied enthält. Die andalusischen
Anklänge, die exotischen, maurischen Tonfälle und phrygischen Harmonien
spielen zusammen um einen schmerzhaften Romantizismus mit einem
ekstatischen Mittelteil zu kreieren. Es gibt sogar trällernden Vogelgesang um
die Nachtigall zu schildern.
El amor y la muerte (Balada), (Die Liebe und der Tod) wurde vom 10. Bild aus
Goyas Caprichos inspiriert, das den gleichen Titel trägt und eine Frau zeigt, die
ihren sterbenden Liebsten in den Armen hält. Der Tod prägt die eindrucksvolle
Eröffnung, die von thematischen Anspielungen auf vorangegangene Ereignisse
– die die Liebe repräsentieren – in Frage gestellt wird, wobei in der Folge ein
Duell zwischen den Beiden entbrennt. Die begräbnishaften Schlusstakte stellen
klar, wer gewonnen hat und wahrgenug – ein Geist erscheint im folgenden
Satz - Epílogo (Serenata del espectro) (Epilog: Serenade des Geistes) der
ergreifende musikalische Verweise auf das Liebesthema in Coloquio en la
reja enthält. Wie es Javier Negrin ausdrückt „Nach all den makabren Visionen
des Geistes (die an Ravels rastlosen Scarbo erinnern) wird der tote Majo
schlussendlich den quälenden Erinnerungen an seine Geliebte müde und ruft
sich das Liebesgeflüster, das sie in dem Gespräch am Fenster teilten, herbei.
Dann plötzlich verschwindet er, die Saiten seiner Gitarre zupfend, als ob er uns
aus einem beunruhigenden Traum erweckt.”
21
21
Frederic Mompou (1893-1987) war wie Granados ein katalanischer Komponist, der seine Studienjahre zwischen Barcelona und Paris aufteilte. Obwohl ein schüchterner junger Mann, schloss er dennoch Freundschaft mit signifikanten Persönlichkeiten, wie Poulenc und dem Maler Joan Miró. Mompou war auf Klavierminiaturen spezialisiert, in denen der Einfluss von Ravel, Debussy und Manuel de Falla hörbar ist, kombiniert mit der Musik seiner Heimat, einschließlich der andalusischen Volksmusik.
Mompous 12 Variationen über ein Thema von Chopin belegen die Beziehung zwischen dem jungen Komponisten und seinen musikalischen Einflüssen, seine Liebe zu Chopin übersetzt in Musik und komponiert in seiner eigenen unverwechselbaren Sprache. Chopins Originalvorlage, das A-Dur Prelude, Op. 28 Nr. 7 ist ständig durchhörbar, als ob Mompou Schichten durchlässigen Pauspapiers über das Originalthema gelegt hätte, das zwar geschmückt und verändert wird, aber nie gänzlich verloren geht. Es gibt jedoch Momente, wenn Chopins Musik fast verdeckt wird von den dicken Schichten Mompou’scher Interpretationen, mit ihren jazzartigen Wendungen, die einerseits so weit weg von Chopins Stil scheinen, aber auch eigenartig kongruent damit; beide Ausdrucksweisen besitzen die traumähnliche Qualität für die Chopins Nocturnes so gefeiert werden.
Mompou verwies in seinem Werk nicht nur auf das A-Dur Prelude, sondern auch auf andere musikalische Referenzen. Es gibt da ein Zitat aus dem Mittelabschnitt von Chopins Fantaisie Impromptu während der Variation 10, Évocation, nahe
stehend einer Referenz zu seinem eigenen Canción y danza No. 6. Évocation (Heraufbeschwörung) ist der sprechendste Titel, der einer Variation gegeben wurde, obwohl da noch ein Recitativo (No. 6) und ein Valse (No. 9) sind. Die 12. und letzte Variation trägt den Titel Galope y epílogo. Die durchgängigen Sechzehntelnoten und das flotte Tempo dieses gut gelaunten „Galopps“ scheinen zunächst nur entfernt mit Chopins Thema verwandt zu sein, doch der Lento Epilog zeichnet zum Schluss die Konturen der ursprünglichen Melodie nach und bringt damit, bereichert von Mompous exquisiten Harmonien, das Werk an ein ruhiges Ende.
Joanna WyldÜbersetzung: Klaus Boos
Dieses Werk von Joanna Wyld (Übers. Klaus Boos)/Odradek Records, LLC ist lizensiert unter einer Creative Commons-Namensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Über diese Lizenz hinausgehende Erlaubnisse können Sie unter www.odradek-records.com erfragen.
22
22
Ich wurde auf den Kanarischen Inseln geboren. Ich erinnere mich zwar nicht genau bei welcher
Gelegenheit das stattfand, aber das ist wahrscheinlich unerheblich. Ich erinnere mich in einer
wunderbaren Familie aufgewachsen zu sein und ich entdeckte dass, sowohl Lesen, als auch
Musik die zwei Schlüssel waren, die es mir ermöglichten einen flüchtigen Blick auf Welten zu
werfen, die ich sonst nie gesehen hätte. Am Beginn war es alles kindliches Spiel und dabei
hätte es auch bleiben können…vielleicht ist es die größte Herausforderung für einen Künstler
sich den kindlichen Blick und die Neugier zu bewahren, die es ihm ermöglicht jeden Tag aufs
Neue mit dem Willen aufzustehen so viel Zeit, wie nur möglich am Instrument zu verbringen
um Neues zu entdecken. Früher habe ich viele einfache Stücke gespielt. Heute kenne ich mehr
Leute, wie z.B. Scriabin, Schönberg, Bartók, Strawinsky und Crumb. Aber immer noch spiele
ich meinen geliebten Bach, Beethoven, Chopin, Granados und Mompou…
Manchmal denke ich mir, ob ich ein wenig ein Dilettant im Geiste bin; das, was ich wirklich
liebe, ist der Genuss der Kunst ohne Transzendenz und höhere Ansprüche. Aber ich kann nicht
umhin zu denken, dass sich in eine künstlerische Disziplin zu vertiefen bedeutet sich mit dem
Verlangen nach Perfektion, Schönheit und Proportion zu infizieren. Es ist eine schwere Beru-
fung...
Ich habe das Glück gehabt auf Menschen zu setzen, die mich gefordert haben das Beste aus
mir herauszuholen und auf diesem Wege auch ein besserer Musiker zu werden. Ich erinnere
mich liebevoll an Armando Alfonso, Yonty Solomon, Joaquín Achúcarro und Howard Shelley.
Sie alle haben eine einprägsame Spur in meinem Leben hinterlassen. Ich habe ebenso Ver-
anstaltungsorte und Länder bereist und bespielt, die zu besuchen ich mir nie erträumt hätte,
alles weil ich ein Musiker bin: die Wigmore Hall in London, das Auditorio National in Madrid,
China, Japan, Kuba, Bolivien, Argentinien…
Ebenso fühle ich mich glücklicherweise in der Lage an zwei Projekten teilzunehmen, die den
Kurs meines gegenwärtigen Lebens geändert haben: das Odradek Projekt und das Quantum
Ensemble, die Kammermusikgruppe des Hauses im Auditorio de Tenerife. Es ist selten ge-
worden eine solch perfekte Verbindung von Professionalität, Begeisterung, Spiritualität und
Freundschaft zu finden und das in einer Profession, in der reine kommerzielle Interessen so oft
überwiegen. Daneben bin ich Professor für Klavier am Centro Superior de Enseñanza Musical
Katarina Gurska in Madrid. Diese Aufgabe hat mich mit unbezahlbaren Erfahrungen versorgt,
wie auch ein sehr geglücktes familiäres Umfeld. Madrid ist die Stadt die mich zu einem glück-
lichen Mann gemacht hat, die Stadt von wo aus ich die Welt bereise; und so hoffe ich diesen
Weg noch lange weiter zu gehen.
Ich könnte auch über meine Preise erzählen, aber dann wären diese Zeilen eine gewöhnliche
Biographie. Vielleicht könnte ich auch von meinen Fehlern berichten, was gewiss ein wenig
interessanter wäre (Mir geht immer der berühmte Spruch von F. Scott Fitzgerald im Kopf her-
um: „Ich spreche mit der Autorität des Scheiterns”). Ich hoffe diese wenigen Zeilen haben mich
Ihnen ein wenig näher gebracht und sie erfreuen sich an der CD.
Mit allerbesten Wünschen, Javier Negrín
23
23
d ODRCD325
www.odradek-records.comwww.javiernegrin.com
Photos: saLeh Rosati (cover) Tommaso Tuzj (black and white)
Sketches after Goya’s Caprichos, from Granados’ original notebook generously provided byThe Morgan Library & Museum, New York
This CD is dedicated to my professor Armando Alfonso, for teaching me paciently every Wednesday for many years, and for instilling in me the love for Granados´ music and the tradition inherited from his father, the pianist Javier Alfonso.
Recorded at Teatro Leal, La Laguna, Spain21-23 July 2014
Piano: Steinway Model DPiano Technician: Israel López
Producer: John Clement AndersonSound Engineer: Thomas Vingtrinier
Mixing & Mastering: Thomas Vingtrinier, Sequenza Studio, Paris.