MARC QUINN - cacmalaga.eu · (London, 1964), one of the leading artists of his generation. Violence...
2
MARC QUINN Centro de Arte Contemporáneo de Málaga Colabora / In collaboration with: El CAC Málaga presenta la primera exposición individual en un museo español del artista británico Marc Quinn (Londres, 1964), uno de los artistas más importantes de su generación. Violence and Serenity reúne 48 obras nuevas y recientes, incluyendo esculturas, instalación, pinturas y tapices, en las que el artista continua reflexionando sobre algunas de las principales preocupaciones de nuestra época. Algunas de las obras se exponen por primera vez. Centrándo- se en temas como la identidad, la cartografía o nuestra evolución biológica y cultural, su obra utiliza una amplia variedad de medios y utiliza materiales, tanto tradicionales (el mármol o el bronce) como poco convencionales (la sangre, el aluminio o el hormigón). Como uno de los componentes de los Young British Artists, Quinn comenzó a destacar inter- nacionalmente en la década de 1990, cuando creó algunas de las obras más emblemáticas del periodo, como Self (1991), un autorretrato escultórico realizado con su propia sangre, e Incarnate (1996), que se presenta en esta muestra. Desde entonces, sus obras combinan el uso sin con- cesiones de los materiales con el rigor conceptual para enfrentarse de lleno a nuestra mortalidad biológica, la decadencia del mundo natural y el poder dominante del deseo humano. Esta exposición gira en torno a un nuevo conjunto de obras titulado The Toxic Sublime: paisajes distorsionados que desdibujan los límites entre la pintura y la escultura. En ellas, Quinn realiza un proceso contradictorio: aplica una imagen sublime de un amanecer hermoso sobre una lámina de aluminio, y la somete a un proceso de desintegración, alteración y decadencia «tóxicas» mediante una capa de pintura pulverizada que luego lija repetidamente. Durante este largo proceso, añade a su composición elementos del mundo urbano «real», como cadenas o tapas de alcantarilla, que coloca bajo la obra durante el lijado para que sus contornos fantasmagóricos emerjan en la imagen. Además amplifica los agujeros, las líneas y las estrías de la superficie de la obra mediante un proceso de curvado y plegado del aluminio. En la series The Creation of History e History Painting, que comprenden óleos sobre lienzo y tapices Jacquard, Quinn retorna a una forma de arte antigua: la pintura de historia. Sin embargo, la trae directamente hasta el presente centrándose en el modo en que nuestra respuesta subjetiva a los eventos contemporáneos y nuestra memoria colectiva de ellos crean nuestro pasado histórico. En estas obras, selecciona imágenes conocidas de conflictos recientes tomadas de los medios –alborotadores enmascarados en Estambul, manifestantes en Río de Janeiro y participantes en las protestas contra las medidas de austeridad en Grecia– y las vuelve a pintar en lienzos de gran formato. De alguna manera, las obras reflexionan sobre la naturaleza invasora e indiscreta de los medios, pero siguen siendo, no obstante, retratos íntimos de personas que se encuentran activamente atrapadas en la historia. Los tapices –casi manifestaciones literales de la noción de historia entendida como el entrelazamiento de diferentes hilos o historias, y versiones analógicas actuales de las imágenes pixeladas de los medios– dan continuidad a esta idea. Las ideas de identidad y control, agresión y rendición están presentes en Labyrinth Painting (MQ300 CR) (2014) y en las pinturas y esculturas de iris, en las que imágenes muy detalladas de un iris humano se transforman en una especie de mapa microscópico de la identidad de un individuo. Las pinturas de la serie Labyrinth también incorporan una forma de identificación, nuestra huella dactilar, haciendo referencia a los incesantes intentos para controlar el movi- miento invividual y la libertad en un mundo incontrolable. Towards a New Geography (Orebody) (2014) trata el tema de la cartografía y presenta un mundo cuyo mapa es una simple metáfora de algo que fluye y evoluciona constantemente. Estas nuevas zonas geográficas, que están pintadas con óleo negro, pero son similares a manchas de petróleo, sugieren tímidamente los efectos del cambio geopolítico que se está produciendo por efecto de las fuerzas económicas y políticas, que determinan –y reducen– caprichosamente el mundo natural. La obra Self Portrait after Zurbarán (The Shadow) (2014) forma parte de una serie de pinturas al óleo sobre lienzo en las que el artista se representa a sí mismo con diversos atuendos urbanos, tanto con sus propios ojos como con los ojos de otros. Estos autorretratos cuestionan el modo en que ciertas elecciones de vestuario y ciertos «uniformes» de la cultura urbana suscitan respuestas inmediatas en la mente del espectador, puesto que convierten al modelo en un «estereotipo» reconocible, con independencia de quién sea realmente la persona. Del mismo modo, la reciente serie de esculturas de hormigón, de la que forman parte Id (2012), Zombie Boy (City) (2011) y The Beauty of Healing (2014), representa a personajes contemporáneos anti- sistema, como alborotadores enmascarados, encapuchados o trotamundos tatuados. En Life Breathes the Breath (Inspiration) (2012), Quinn se representa como una figura a imagen de un Buda, sentado en el suelo con las piernas cruzadas, vistiendo el uniforme de la juventud urbana –vaqueros, sudadera con capucha y gorra– contemplando una calavera, como si estuviese mirando directamente al abismo de su propia mortalidad. Estos temas de mortalidad, carne y muerte, así como la cuestión de la naturaleza muerta como memento mori, tienen continuidad tanto en la serie Flesh Painting como en las nuevas esculturas «talladas» a partir de distintos tipos de piedras preciosas. Las «Pinturas de carne» apuntan a uno de los temas más recurrentes de Quinn: nuestra dependencia de la naturaleza y de nuestra propia mortalidad, y nuestra relación con ellas. En estas obras, la carne de animal está pintada en primer plano, creando obras puramente abstractas que enfatizan la belleza de los motivos de la naturaleza al mismo tiempo que confrontan al espectador con sus propios temores y su repulsión hacia la muerte. De un modo similar, en The Invention of Carving (2013), una escultura de un jamón serrano de un tamaño mayor de lo normal tallada en ónice rosa e inspirada en las esculturas de carne de la dinastía Ching (1644-1911), el artista aúna la idea de nuestro apetito por los alimentos con nuestro apetito por el arte, cuestionando tanto su evolu- ción como su correlación. En Stealth Desire (Etymology) (2013) y The Architecture of Life (2013), Quinn también utiliza las formas de ready-mades naturales que modifica por medio de la tecnología tridimensional reciente. The Architecture of Life adopta una de las formas escultóricas naturales preexistentes más perfectas, una concha, que el artista ha ampliado y fundido en bronce. El interior de la escultura está muy pulido, y sus profundidades reflectantes contrastan con los anillos en relieve exte- riores que representan su edad natural, sincronizando el pasado y el presente en una forma única. CAC Málaga presents the first solo museum exhibition in Spain of British artist Marc Quinn (London, 1964), one of the leading artists of his generation. Violence and Serenity comprises 48 new and recent works – sculptures, installation, paintings and tapestries – that continue Quinn's investigation into some of the key concerns of our age and will be the public debut of many of them. Focusing on such wide-ranging themes as notions of identity, mapping and our biological and cultural evolution, Quinn's work incorporates a variety of media and uses a broad range of materials, from the traditional (such as marble and bronze) to the less conventional, including blood, aluminum and concrete. As part of the pioneering artists known as the YBA’s (Young British Artists), Quinn first came to international prominence in the 1990s when he produced some of the period's most iconic works such as Self (1991), a sculptural self-portrait made using his own blood, and Incarnate (1996), which is included in this exhibition. Since then, an uncompromising use of materials and a conceptual rigour combine in works that address, head-on, our biological mortality, the diminishing state of the natural world and the overriding power of human desire. This exhibition will centre around a new body of work entitled The Toxic Sublime, distorted landscapes that blur the boundaries between painting and sculpture. In these works, Quinn begins with a contradictory process: a sublime image of a beautiful sunrise, applied to a sheet of aluminium, is submitted to a process of 'toxic' disintegration, alteration and decay through a layer of spray paint and repetitive sanding. As part of this lengthy process, Quinn adds in elements to his composition from the 'real' world of the street, such as chains or pothole covers, which are placed under the work during the sanding so that their ghostly outlines appear in the image. Moreover, holes, lines and striations in the surface of the work are amplified by a process of bending and folding the aluminium. In The Creation of History and History Painting series, which comprise oil paintings on canvas and jacquard tapestries, Quinn again returns to an ancient form of art, the history painting, but brings it right into the present day by focusing on how our subjective response to and collective memory of contemporary events can create our historical past. In these works, Quinn selects familiar media images of recent conflict – such as images of masked rioters in Istanbul, protestors in Rio de Janeiro, and anti-austerity demonstrators in Greece – and repaints them in large-scale canvases. Although the works comment, in some way, on the all-pervasive and intrusive nature of our media, they nonetheless remain intimate portraits of individuals who are actively caught up in history. Quinn's tapestries continue this idea, being an almost literal manifestation of the notion of history as an interweaving of different threads or stories, as well as a modern-day, analogue version of the pixelated, media image. Notions of identity and control, aggression and submission are present in Labyrinth Painting (MQ300 CR) (2014) and in the iris paintings and sculptures, in which detailed images of a human iris are transformed into a kind of microscopic map of an individual's identity. The Labyrinth paintings also incorporate a form of identification, our fingerprint, referencing the relentless attempts to control individual movement and freedom in an uncontrollable world. Themes of mapping continue in Towards a New Geography (Orebody) (2014), which presents the world as contingent, its map simply a metaphor for something that is constantly fluid and evolving. These new geographical zones, which are painted in black oil paint but appear similar to the stains of real oil itself, tentatively suggest the effects of ongoing national and geographic change, whereby economic and political forces haphazardly shape, and reduce, the natural world. The work Self Portrait after Zurbarán (The Shadow) (2014) forms part of a series of paintings where the artist depicts himself in various street guises, either with his own eyes or with the eyes of others. These self-portraits call into question how certain choices of clothing and 'uniforms' of street culture can elicit immediate responses in the mind of the viewer, framing the sitter as a recognisable 'type', regardless of who the actual person really is. Likewise, Quinn's recent series of concrete sculptures such as Id (2012), Zombie Boy (City) (2011) and The Beauty of Healing (2014) depict contemporary anti-establishment figures such as rioters in masks, 'hoodies' or tattooed travellers. In Life Breathes the Breath (Inspiration) (2012), Quinn portrays himself as a Buddha-like glowing figure, sitting cross-legged on the floor, dressed in the uniform of urban youth – jeans, hoodie and a cap – contemplating an upturned skull as if looking straight into the abyss of his own mortality. These notions of mortality, flesh and death, as well as the concerns of still life as memento mori are continued in both the Flesh Painting series and the new 'carving' sculptures formed from different types of precious stone. The Flesh Paintings point to one of Quinn's most consistent themes: our reliance on and relationship to nature and to our own mortality. In these works, animal flesh is painted in close-up, creating purely abstract works that emphasise the beauty of nature's own patterning but, at the same time, bringing the viewer face to face with their own fears and repulsion from death. Similarly, in The Invention of Carving (2013), a sculpture of an oversized Spanish Serrano ham in pink onyx inspired by the meat sculptures of the Ch’ing dynasty (1644- 1911), Quinn marries the idea of our appetite for food with our appetite for art, questioning both their evolution and mutual correlation. In Stealth Desire (Etymology) (2013) and The Architecture of Life (2013), Quinn also uses the forms of natural 'ready-mades' which he modifies through the process of recent three- dimensional technology. The Architecture of Life adopts one of the most perfect pre-existing sculptural forms: a shell, which is enlarged and cast in bronze. The inside of the sculpture is highly polished, its reflective depths contrasting with the textured rings on the outside which represent its natural age, creating a synchronisation of past and present in one unique form. Alemania, s/n. 29001 Málaga. Tel. +34 952 12 00 55. Fax: +34 952 21 01 77. [email protected]. www.cacmalaga.eu Horario: de martes a domingo de 10:00 a 20:00 h. / Opening hours: Tuesday to Sunday from 10 am to 8 pm 12 septiembre - 30 noviembre 2014 12 September - 30 November 2014 © Marc Quinn The Beauty of Healing, 2014 (detalle / detail). Hormigón / Concrete. 190 x 50 x 50 cm. Cortesía / Courtesy Marc Quinn studio Violence and Serenity Compartir / Share:
Transcript of MARC QUINN - cacmalaga.eu · (London, 1964), one of the leading artists of his generation. Violence...
MARC QUINN
Centro de Arte Contemporáneo de Málaga
Colabora / In collaboration with:
El CAC Málaga presenta la primera exposición individual en un museo español del artista británico Marc Quinn (Londres, 1964), uno de los artistas más importantes de su generación. Violence and Serenity reúne 48 obras nuevas y recientes, incluyendo esculturas, instalación, pinturas y tapices, en las que el artista continua reflexionando sobre algunas de las principales preocupaciones de nuestra época. Algunas de las obras se exponen por primera vez. Centrándo-se en temas como la identidad, la cartografía o nuestra evolución biológica y cultural, su obra utiliza una amplia variedad de medios y utiliza materiales, tanto tradicionales (el mármol o el bronce) como poco convencionales (la sangre, el aluminio o el hormigón).Como uno de los componentes de los Young British Artists, Quinn comenzó a destacar inter- nacionalmente en la década de 1990, cuando creó algunas de las obras más emblemáticas del periodo, como Self (1991), un autorretrato escultórico realizado con su propia sangre, e Incarnate (1996), que se presenta en esta muestra. Desde entonces, sus obras combinan el uso sin con- cesiones de los materiales con el rigor conceptual para enfrentarse de lleno a nuestra mortalidad biológica, la decadencia del mundo natural y el poder dominante del deseo humano.Esta exposición gira en torno a un nuevo conjunto de obras titulado The Toxic Sublime: paisajes distorsionados que desdibujan los límites entre la pintura y la escultura. En ellas, Quinn realiza un proceso contradictorio: aplica una imagen sublime de un amanecer hermoso sobre una lámina de aluminio, y la somete a un proceso de desintegración, alteración y decadencia «tóxicas» mediante una capa de pintura pulverizada que luego lija repetidamente. Durante este largo proceso, añade a su composición elementos del mundo urbano «real», como cadenas o tapas de alcantarilla, que coloca bajo la obra durante el lijado para que sus contornos fantasmagóricos emerjan en la imagen. Además amplifica los agujeros, las líneas y las estrías de la superficie de la obra mediante un proceso de curvado y plegado del aluminio. En la series The Creation of History e History Painting, que comprenden óleos sobre lienzo y tapices Jacquard, Quinn retorna a una forma de arte antigua: la pintura de historia. Sin embargo, la trae directamente hasta el presente centrándose en el modo en que nuestra respuesta subjetiva a los eventos contemporáneos y nuestra memoria colectiva de ellos crean nuestro pasado histórico. En estas obras, selecciona imágenes conocidas de conflictos recientes tomadas de los medios –alborotadores enmascarados en Estambul, manifestantes en Río de Janeiro y participantes en las protestas contra las medidas de austeridad en Grecia– y las vuelve a pintar en lienzos de gran formato. De alguna manera, las obras reflexionan sobre la naturaleza invasora e indiscreta de los medios, pero siguen siendo, no obstante, retratos íntimos de personas que se encuentran activamente atrapadas en la historia. Los tapices –casi manifestaciones literales de la noción de historia entendida como el entrelazamiento de diferentes hilos o historias, y versiones analógicas actuales de las imágenes pixeladas de los medios– dan continuidad a esta idea.Las ideas de identidad y control, agresión y rendición están presentes en Labyrinth Painting (MQ300 CR) (2014) y en las pinturas y esculturas de iris, en las que imágenes muy detalladas de un iris humano se transforman en una especie de mapa microscópico de la identidad de un individuo. Las pinturas de la serie Labyrinth también incorporan una forma de identificación, nuestra huella dactilar, haciendo referencia a los incesantes intentos para controlar el movi- miento invividual y la libertad en un mundo incontrolable.Towards a New Geography (Orebody) (2014) trata el tema de la cartografía y presenta un mundo cuyo mapa es una simple metáfora de algo que fluye y evoluciona constantemente. Estas nuevas zonas geográficas, que están pintadas con óleo negro, pero son similares a manchas de petróleo, sugieren tímidamente los efectos del cambio geopolítico que se está produciendo por efecto de las fuerzas económicas y políticas, que determinan –y reducen– caprichosamente el mundo natural.La obra Self Portrait after Zurbarán (The Shadow) (2014) forma parte de una serie de pinturas al óleo sobre lienzo en las que el artista se representa a sí mismo con diversos atuendos urbanos, tanto con sus propios ojos como con los ojos de otros. Estos autorretratos cuestionan el modo en que ciertas elecciones de vestuario y ciertos «uniformes» de la cultura urbana suscitan respuestas inmediatas en la mente del espectador, puesto que convierten al modelo en un «estereotipo» reconocible, con independencia de quién sea realmente la persona. Del mismo modo, la reciente serie de esculturas de hormigón, de la que forman parte Id (2012), Zombie Boy (City) (2011) y The Beauty of Healing (2014), representa a personajes contemporáneos anti- sistema, como alborotadores enmascarados, encapuchados o trotamundos tatuados. En Life Breathes the Breath (Inspiration) (2012), Quinn se representa como una figura a imagen de un Buda, sentado en el suelo con las piernas cruzadas, vistiendo el uniforme de la juventud urbana –vaqueros, sudadera con capucha y gorra– contemplando una calavera, como si estuviese mirando directamente al abismo de su propia mortalidad.Estos temas de mortalidad, carne y muerte, así como la cuestión de la naturaleza muerta como memento mori, tienen continuidad tanto en la serie Flesh Painting como en las nuevas esculturas «talladas» a partir de distintos tipos de piedras preciosas. Las «Pinturas de carne» apuntan a uno de los temas más recurrentes de Quinn: nuestra dependencia de la naturaleza y de nuestra propia mortalidad, y nuestra relación con ellas. En estas obras, la carne de animal está pintada en primer plano, creando obras puramente abstractas que enfatizan la belleza de los motivos de la naturaleza al mismo tiempo que confrontan al espectador con sus propios temores y su repulsión hacia la muerte. De un modo similar, en The Invention of Carving (2013), una escultura de un jamón serrano de un tamaño mayor de lo normal tallada en ónice rosa e inspirada en las esculturas de carne de la dinastía Ching (1644-1911), el artista aúna la idea de nuestro apetito por los alimentos con nuestro apetito por el arte, cuestionando tanto su evolu- ción como su correlación.En Stealth Desire (Etymology) (2013) y The Architecture of Life (2013), Quinn también utiliza las formas de ready-mades naturales que modifica por medio de la tecnología tridimensional reciente. The Architecture of Life adopta una de las formas escultóricas naturales preexistentes más perfectas, una concha, que el artista ha ampliado y fundido en bronce. El interior de la escultura está muy pulido, y sus profundidades reflectantes contrastan con los anillos en relieve exte- riores que representan su edad natural, sincronizando el pasado y el presente en una forma única.
CAC Málaga presents the first solo museum exhibition in Spain of British artist Marc Quinn (London, 1964), one of the leading artists of his generation. Violence and Serenity comprises 48 new and recent works – sculptures, installation, paintings and tapestries – that continue Quinn's investigation into some of the key concerns of our age and will be the public debut of many of them. Focusing on such wide-ranging themes as notions of identity, mapping and our biological and cultural evolution, Quinn's work incorporates a variety of media and uses a broad range of materials, from the traditional (such as marble and bronze) to the less conventional, including blood, aluminum and concrete. As part of the pioneering artists known as the YBA’s (Young British Artists), Quinn first came to international prominence in the 1990s when he produced some of the period's most iconic works such as Self (1991), a sculptural self-portrait made using his own blood, and Incarnate (1996), which is included in this exhibition. Since then, an uncompromising use of materials and a conceptual rigour combine in works that address, head-on, our biological mortality, the diminishing state of the natural world and the overriding power of human desire. This exhibition will centre around a new body of work entitled The Toxic Sublime, distorted landscapes that blur the boundaries between painting and sculpture. In these works, Quinn begins with a contradictory process: a sublime image of a beautiful sunrise, applied to a sheet of aluminium, is submitted to a process of 'toxic' disintegration, alteration and decay through a layer of spray paint and repetitive sanding. As part of this lengthy process, Quinn adds in elements to his composition from the 'real' world of the street, such as chains or pothole covers, which are placed under the work during the sanding so that their ghostly outlines appear in the image. Moreover, holes, lines and striations in the surface of the work are amplified by a process of bending and folding the aluminium. In The Creation of History and History Painting series, which comprise oil paintings on canvas and jacquard tapestries, Quinn again returns to an ancient form of art, the history painting, but brings it right into the present day by focusing on how our subjective response to and collective memory of contemporary events can create our historical past. In these works, Quinn selects familiar media images of recent conflict – such as images of masked rioters in Istanbul, protestors in Rio de Janeiro, and anti-austerity demonstrators in Greece – and repaints them in large-scale canvases. Although the works comment, in some way, on the all-pervasive and intrusive nature of our media, they nonetheless remain intimate portraits of individuals who are actively caught up in history. Quinn's tapestries continue this idea, being an almost literal manifestation of the notion of history as an interweaving of different threads or stories, as well as a modern-day, analogue version of the pixelated, media image.Notions of identity and control, aggression and submission are present in Labyrinth Painting (MQ300 CR) (2014) and in the iris paintings and sculptures, in which detailed images of a human iris are transformed into a kind of microscopic map of an individual's identity. The Labyrinth paintings also incorporate a form of identification, our fingerprint, referencing the relentless attempts to control individual movement and freedom in an uncontrollable world.Themes of mapping continue in Towards a New Geography (Orebody) (2014), which presents the world as contingent, its map simply a metaphor for something that is constantly fluid and evolving. These new geographical zones, which are painted in black oil paint but appear similar to the stains of real oil itself, tentatively suggest the effects of ongoing national and geographic change, whereby economic and political forces haphazardly shape, and reduce, the natural world.The work Self Portrait after Zurbarán (The Shadow) (2014) forms part of a series of paintings where the artist depicts himself in various street guises, either with his own eyes or with the eyes of others. These self-portraits call into question how certain choices of clothing and 'uniforms' of street culture can elicit immediate responses in the mind of the viewer, framing the sitter as a recognisable 'type', regardless of who the actual person really is. Likewise, Quinn's recent series of concrete sculptures such as Id (2012), Zombie Boy (City) (2011) and The Beauty of Healing (2014) depict contemporary anti-establishment figures such as rioters in masks, 'hoodies' or tattooed travellers. In Life Breathes the Breath (Inspiration) (2012), Quinn portrays himself as a Buddha-like glowing figure, sitting cross-legged on the floor, dressed in the uniform of urban youth – jeans, hoodie and a cap – contemplating an upturned skull as if looking straight into the abyss of his own mortality.These notions of mortality, flesh and death, as well as the concerns of still life as memento mori are continued in both the Flesh Painting series and the new 'carving' sculptures formed from different types of precious stone. The Flesh Paintings point to one of Quinn's most consistent themes: our reliance on and relationship to nature and to our own mortality. In these works, animal flesh is painted in close-up, creating purely abstract works that emphasise the beauty of nature's own patterning but, at the same time, bringing the viewer face to face with their own fears and repulsion from death. Similarly, in The Invention of Carving (2013), a sculpture of an oversized Spanish Serrano ham in pink onyx inspired by the meat sculptures of the Ch’ing dynasty (1644- 1911), Quinn marries the idea of our appetite for food with our appetite for art, questioning both their evolution and mutual correlation.In Stealth Desire (Etymology) (2013) and The Architecture of Life (2013), Quinn also uses the forms of natural 'ready-mades' which he modifies through the process of recent three- dimensional technology. The Architecture of Life adopts one of the most perfect pre-existing sculptural forms: a shell, which is enlarged and cast in bronze. The inside of the sculpture is highly polished, its reflective depths contrasting with the textured rings on the outside which represent its natural age, creating a synchronisation of past and present in one unique form.
Alemania, s/n. 29001 Málaga. Tel. +34 952 12 00 55. Fax: +34 952 21 01 77. [email protected]. www.cacmalaga.euHorario: de martes a domingo de 10:00 a 20:00 h. / Opening hours: Tuesday to Sunday from 10 am to 8 pm
12 septiembre - 30 noviembre 2014 12 September - 30 November 2014
© M
arc
Qui
nn T
he B
eaut
y of H
ealin
g, 2
014
(det
alle
/ det
ail).
Horm
igón
/ Co
ncre
te. 1
90 x
50
x 50
cm
. Cor
tesía
/ Co
urte
sy M
arc
Quinn
stu
dio
Violence and Serenity
Compartir / Share:
