lados mag 20 issue

L A D O S

2 0S c o t t M a t t h e w A l e l a D i a n e B o m b a y B i c y c l e C l u b J o l i e H o l l a n d

W U L Y F W i l c o A r c t i c M o n k e y s S k e l e t o n s T h e S e c r e t S o c i e t y

M a r i c e l Á l v a r e z I s i d r o F e r r e r J e a n J u l l i e n P o r t o R u b a i y a t

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The Secret Society

Krizia Robustella

Los Últimos Bañistas

Arborea

Dos Gajos

Jean Jullien

Isidro Ferrer

Km.0 - Rosh 333

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Wilco

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Imagen de portada Maricel ÁlvarezAle Burset

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Tras finalizar el contrato con Nonesuch Records, habeis decidido lanzar este disco con vuestro recien fundado sello dBpm, que además está dirigido por Tony Marguerita, vuestro Manager. ¿Os sentís más comodos cuando todo “queda en casa”? Bueno, la verdad es que manteníamos muy buena relación con nuestro sello. No es una de esas compañías que te dicen qué y cómo tienes que hacer las cosas, nos sentíamos bastante libres, pero simplemente decidimos cuando se acabó el contrato que podríamos hacerlo de esta manera. Ahora ya tenemos los medios para trabajar por nuestra cuenta, tenemos nuestro propio estudio, las ideas… No es como si partiéramos de cero, y estamos muy ilusionados la verdad.

“The Whole Love“ está grabado en vuestro estudio, The Loft, casi un santuario para vuestros fans. ¿Todas las ideas salen real-mente de ese espacio de trabajo? Realmen-te no. Ese es un sitio fantástico para trabajar, pero muchas ideas las trabajamos indivi-dualmente en casa. Luego nos juntamos allí y vamos desarrollando las canciones con aportaciones de todos los miembros.

¿Teníais clara la idea de producción del disco antes de poneros a grabar? No, nun-ca. Jamas vamos con una idea preconcebida sobre cómo han de sonar las canciones en el disco. Cogemos los instrumentos y dejamos que las cosas fluyan de una manera bastante natural, viendo lo que nos gusta y lo que no. Y siempre estamos abiertos a cualquier idea.

¿Cómo decidis qué entra y qué sale? Pues como te decía eso suele saltar a la vista. Quiero decir que cuando grabamos algo vamos escuchándolo y viendo si encaja en la canción o no. No hay nadie en la banda que decida que alguna cosa se que-da definitivamente o va fuera, porque llevamos bastante tiempo trabajando juntos y somos muy afines en cuanto a lo que queremos.

¿Os habeis sentido especialmente creativos e inspirados en la creación de este álbum? La ver-dad es que el hecho de sacarlo con nuestra propia compañía nos ha hecho sentir más libres que nun-ca, aunque ya antes nos habíamos sentido así. Nos hemos dejado llevar en cuanto a la composición de todos lo temas.

La canción que abre el disco, “Art Of Almost“ es un claro ejemplo del estilo Wilco, melodía de voz directa, algo experimental de fondo y una resolución intensa y creciente. Por este tipo de cosas os comparan con Radiohead. ¿Qué pen-sais de todo esto? Radiohead es una banda a la que admiramos mucho y respetamos, de hecho al-gunos de sus miembros son buenos colegas, pero no tengo la sensación de que nuestra música se parezca. He colaborado con Phil (Selway, batería de Radiohead) en su disco en solitario, pero sin-ceramente no creo que alguien escuche “King Of Limbs” y piense que suena a Wilco.

“Standing 0”, con ese riff de bajo tan pegadizo, por su duración y su estructura se acerca bas-tante a una canción estandar pop. ¿Qué sentís cuando estais grabando algo que puede llegar a ser un single que llegue fácilmente al público? ¿Os atrae la idea o preferís dar al público algo en lo que tengan que trabajar más en su escu-cha? Ja, ja, ja…¡no queremos ponérselo difícil a la gente que nos escucha! Siempre afrontamos esto con mucha libertad y sin nada premeditado. Nos centramos en la música, en conseguir algo que suene a lo que la banda pretende, y que quede bien. Sólo nos interesa el aspecto musical, eso es.

Como en muchas otras bandas, ha habido bas-tantes cambios de formación en Wilco. Los más antiguos sois Jeff (Tweddi), Glenn (Kotche) y tú, John (Stirrat). ¿Qué futuro le ves a la banda? ¿Pensais en alguna incorporación próxima? No, no pensamos en eso la verdad. Si que ha habido cambios en la banda hasta que llegamos a esta for-mación definitiva pero ahora mismo funcionamos muy bien. Todos los chicos de la banda son gente genial, nos llevamos muy bien, nos conocemos, nos entendemos y nos encanta trabajar juntos. Además todos trabajamos en muchos proyectos paralelos, y cuando estamos juntos sólo pensamos en hacer buena música.

Con el documental “I´m Trying To Break Your Heart”, algunos libros y mil artículos en la pren-sa, piensas que hay demasiada expectación en el funcionamiento interno de la banda, vuestras relaciones, etc… ¿Cómo os sentís al respecto? Bueno, esa película es bastante vieja ya, (risas), y están los libros, si… pero como te decía antes a no-sotros sólo nos preocupa la música. En definitiva

Wilco surgió de los creadores del nuevo folk de Estados Unidos, un est i lo bautizado como “americana”. Con un guru de la composición contemporanea como es Jef f Tweddy al frente y una valentía que les ha hecho ganar e l respeto de toda la escena musical de nuestros días , es una de las bandas más grandes a las que uno puede seguir . Sus fans se convierten en devotos , y en procesión s iguen cada uno de sus pasos . Y eso lo han conseguido teniendo una única prioridad durante sus quince años de carrera, hacer buena música ante todo y ser f ie les a lo que les dicta su corazón.Wilco, en una amigable conversación, nos hablan sobre “The Whole Love” (dBpM Records 201 1 ) , su últ imo disco, y lo que será su próximo directo en el Teatro Circo Price de Madrid e l 1 de noviembre dentro del Heineken Music Selector .

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sólo somos un grupo de amigos de Chicago que tiene una banda, salimos a tocar, componemos canciones… No estamos para nada metidos en el mundo de los medios y el famoseo. Nosotros esta-mos aquí por la música.

Jeff es un referente para mucha gente. Se dice que el gran motor de la banda, pero a la vez es un personaje que provoca mucho tipo de senti-mientos encontrados. ¿Qué podrías decirnos de él? La gente puede decir lo que piensa sobre una cosa u otra y eso no significa nada, ya sabes. Sim-plemente es dar tu opinión sobre las cosas que ves alrededor. Mi percepción de Jeff, el Jeff que yo conozco, es un tipo muy divertido, una gran per-sona y un magnífico compositor de canciones. Es un tío muy sencillo, todos lo somos la verdad en la banda. Me siento muy orgulloso y afortunado de compartir esto con mis compañeros la verdad.

El grupo está muy implicado con diversas obras sociales como ayudas a Haiti y Africa, a la agri-cultura sostenible, la difusión de la televisión y radio pública en Estados Unidos. ¿Soleis ser vo-sotros quienes promoveis estos actos? Pues sue-le surgir en ambas direcciones. Ante todo somos individuos, y como tales estamos concienciados con diversos problemas de este mundo. Así que cuando a veces vamos a una ciudad aprovechamos para colaborar en algún tipo de acto solidario. Po-deis encontrar toda la información al respecto en nuestra Web.

También sois un referente en cuanto a la co-municación directa con el público. Poneis en streaming vuestros discos, regalais canciones y

en esta gira animais a la gente a que os mande vi-deos con imágenes de las ciudad en las que vais a tocar para proyectarlas en los directos. ¿Me puedes contar algo más sobre este proyecto? Pues es algo que hacemos porque nos parece bas-tante divertido. No se, es una forma de conectar más con el público, cosa que nos encanta. Ante-riormente ya hemos escuchado las peticiones de canciones que el público de cada ciudad quería escuchar en los conciertos y es algo que hace que la noche sea más especial. En cuanto a esta idea sobre la que me preguntabas, se nos ocurrió por-que era una forma de hacer que cada concierto fuera diferente y único, y lo podamos vivir de esa manera en sintonía con el público.

¿Qué esperais que el público sienta en vuestras actuaciones? ¡Queremos que les cambie la vida!... No, en serio, si que intentamos ofrecer una ex-periencia vital positiva, de relación con ellos. Nos gusta que la gente disfrute de la música de la mis-ma manera que lo hacemos nosotros. Esa es nues-tra prioridad, siempre lo he dicho. Hacer música y compartirla con la gente y que se convierta en un recuerdo fantástico para todo el mundo.

España es uno de los paises fuera de Estados Unidos donde más seguidores teneis. Y es uno de nuestros paises favoritos de Europa para to-car, ¡eso no es un secreto para nadie! De hecho es donde más fechas tenemos siempre. Nos encanta el público español. Es gente muy apasionada y en-tusiasta, y a la vez muy respetuosa. Es una gozada venir aquí a tocar porque sabemos que disfrutan nuestra conciertos y nosotros salimos siempre muy contentos.

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En abril salió tu tercer: Alela Diane & Wild Di-vine (Rough Trade; 2011). Fórmula bajo la cual Alela Diane nos consagra su tercer álbum de es-tudio, esta vez arropada por unos Wild Dive más que cercanos, unos Wild Diven que nos ponen en alerta de lo que más tarde podremos compro-bar, la fusión perfecta entre la calidez y la crude-za, el nuevo camino a explorar por la delicada voz de Alela Diane. ¿Por qué el nombre de Wild Di-vine para este tercer trabajo? Escogí ese nombre porque creo que representa el misterio, lo desco-nocido, lo inexplicable; y creo que son conceptos que aparecen en el álbum. Wild (salvaje) y Divine (divino), son conceptos contradictorios pero a la vez también son muy representativos de este dis-co. Salvaje en la fuerza, en el corazón, en el senti-miento que se trasmite en cada tema y divino en la dulzura o suavidad con que se trata cada canción.

Un cambio sustancial que podemos presenciar desde la primera nota es que quizás en este tra-bajo te has centrado más en tu voz, recayendo por completo el trabajo instrumental en manos de los Wild Divine. ¿Qué más ha cambiado des-de tu primer trabajo a este último? Uoh, muchas cosas. Me he casado, y mi marido y yo hemos empezado a escribir canciones juntos…, ese sería principalmente el mayor cambio. Este hecho tan sencillo de alguna forma también ha supuesto un gran cambio, pues he pasado de pensar en los te-mas desde un único punto de vista, el mio propio, a tener encuenta un punto de vista más global y colectivo, un punto de vista que te lo aporta el tocar canciones con la banda, con este disco, he pasado más tiempo escribiendo las canciones, de-finiendolas, dandoles cuerpo, como si las escul-piese, nunca antes había dedicado tanto tiempo a cada canción.

Entonces teniendo en cuenta estos nuevos cambios que nos comentas. ¿Qué prefieres: voz e instrumentos, o solamente la voz? ¿En qué lado te sientes más cómoda, a la hora de de-sarrollar la temas? Me siento más cómoda con mi voz que con una guitarra, la verdad, aunque en este álbum toco la guitarra en algunas can-ciones. Pero sobre todo, canto. Me ha ayudado mucho el poder ser capaz de concentrarme en mi voz. Aunque no estoy segura si será así en el futuro, me siento muy cómoda con los instrumen-tos también.

Tu segundo álbum, “To Be Still” (Rough Tra-de; 2009), está dedicado a los pinos, los ríos, las profundidades del océano… ¿Para qué o para quién está dedicado este disco? Mmmm… No creo que el disco esté específicamente dedica-do a algo o alguien… Sí que creo que este disco habla de la luz, de la oscuridad. Habla de cosas misteriosas que no podemos entender, pero que son cotidianas y tan reales como un dia en la vida de cualquiera. “Alela Diane & Wild Divi-ne” trata del misterio de la vida, así de sencillo.

Dices que las letras normalmente vienen de la soledad, pero también has comenta-do que no descartas un futuro cambio en esto… ¿Ha llegado ya ese cambio? ¿Han colaborado también en ese cambio o ruptura con el pasado los Wild Divine? Bueno, realmente no es así, de momento casi todas las letras las he escrito yo… aunque Tom (Bevitori) me ha ayudado con algunas canciones, los coros… Pero digamos que en un 97 % son mías.

Si hablamos de escribir letras, no podemos pasar por alto la inspiración. ¿Te inspira escuchar música? En caso de que sí, ¿qué tipo de música? Y si no, ¿qué inspira a Alela Diane? Creo que mis letras vienen de mi vida diaria, de las cosas que he pasado y que me pasan cada día, eso es lo que me inspira a la hora de escribir. Me gusta mucho escuchar música, y realmente puedes conseguir inspiración y despertar sentimientos escuchando canciones, pero también me ayuda a introducirme en mi mundo, y de mi mundo salen las letras.

En “Alela Diane & Wild Divine”, ¿es esta tu pri-mera vez trabajando con un productor? ¿Cómo ha sido la creación de este álbum? Sí, ha sido la primera vez que hemos contado con un produc-tor. En los anteriores discos, éramos mi padre y yo trabajando juntos, preparando el álbum en su es-tudio. Pero esta vez ha sido muy interesante y de gran ayuda tener a alguien dirigiendo el proyecto, ayudándonos a encontrar el sonido que quería-mos. Su influencia en la parte instrumetal a sido decisiva, definitivamente ha sido de gran ayuda con la batería, el bajo, y la guitarra, ayudando a desarrollar lo que van a hacer en cada canción.

Alela Diane ha sacado nuevo disco, y esta vez lo hace de la mano de los Wild Divine, banda formada por Tom Menig (su padre) , Tom Bevitori (su marido), Jonas Haskins y Jason Mercu-l ief (dos amigos de la cantante) . Motivo más que suf ic iente para de este cuest ionario, pero s i a esto le añadimos su esperada e inminente gira por nuestras c iudades , este se convierte en imprescidible . En el centro Alela Diane, g irando en su entorno la música que escucha (con-fesa de ser fan de Jef ferson Airplane, como la que aquí suscribe) lo humano y lo divino como satel i tes imperfectos de una conversación cercana para e l recuerdo. Contamos los días que nos quedan para poder verles sobre los escenarios y dis frutar en directo de esta grandiosa voz e l próximo 26 de octubre en el Teatro Lara de Madrid de la mano de Son Estrel la Gal ic ia .

Podríamos decir sin temor a equivocarnos que Alela Diane & Wild Divine juegan con el sonido americano, con las raices en cualquiera de sus formas asi nos ofrecie en el momentos coun-try, toques de jazz, y un poco de folk… ¿Es un reencuentro con tus raíces? ¿Volverás al sonido europeo de tus anteriores trabajos, o, estamos ante una nueva Alela? (Se toma su tiempo para contestar / pausa / duda). No creo… No intento sonar de esta o de otra manera, el disco sí tiene cierto sentimiento americano, pero es de donde vengo y es lo que soy. La banda también es ame-ricana, juntos vamos a típicos clubs americanos… Es inevitable.

Joanna Newsom, tú… ¿Qué pasa en Nevada? Venimos de una ciudad pequeña, en California, la ciudad de Nevada, y sí, hay mucha gente creati-va. De hecho, todo el mundo que conozco en esa ciudad está haciendo algo creativo de una manera u otra. Arte, música, lo que sea. Es otra de esas cosas inexplicables. Puede que pase algo con el agua de Nevada (ríe divertida).

Para terminar, y sin ofender, tu voz recuerda a Kristin Hersh, aunque yo añadiría que también recuerda a Dido… ¿Qué te parecen estas com-paraciones? No estoy muy familiarizada con su trabajo, la verdad… Sí que he escuchado algunas canciones muy buenas de Dido en la radio… pero la verdad, ¡no lo sé! (Risas).

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Scott Matthew acaba de lanzar su tercer Lp, “Gal lantr y´s Favorite Son” (Gli t terhouse / Music as Usual , 201 1) en é l , e l cantante de origen austral iano y af incado en Nueva York, nos vuelve a dejar asomarnos dentro de su mundo interior , en e l que las palabras y melodías hacen de puente entre sus sent imientos más s inceros y nuestros propios oídos . Aprovechamos su v is i ta a Madrid para acercarnos a l músico y nos quedamos con la grata sensación de haber encontrado también a la persona.

Algunos medios te han puesto la etiqueta de chico tímido y sensible. ¿Qué hay de verdad en eso? Sí, la verdad es que soy bastante tímido. A veces me corto mucho en el escenario, aunque estoy mejorando si lo comparas con mis primeros conciertos… En mi infancia era un chico muy tí-mido y creo que hay muchas cosas de la niñez que arrastramos en nuestra vida adulta, aunque con el tiempo me voy sintiendo mucho más seguro.

¿Cuándo empezó tu relación con la música? Pues desde pequeño realmente. Mi padre era músico, y su grupo de amigos, las reuniones, etc…, supongo que me afectaron de alguna ma-nera. Más tarde, de adolescente, cuando empecé a tocar cuatro acordes en la guitarra e intentaba comprender como se hacía una canción me dije

“¡uah! ¡me encanta esto!”.

Entonces, ¿a esa edad ya tenías el presenti-miento de que ibas a dedicarte a componer canciones? Creo que sí… Nunca visualice eso de ser una estrella del Pop o ser famoso. Simplemente disfrutaba mucho haciendo canciones y lo acepté como mi manera de expresar lo que sentía sin necesidad de hablar, porque mi familia no hablaba mucho conmigo (risas). Era una de esas familias en las que todo el mundo es muy agradable y todo eso, pero realmente no tenía a nadie con quien comunicarme, así que tenía que componer para expresarme de alguna manera.

¿Entrabas en la cocina con la guitarra diciendo “hola papá, ¡cómo estás!”? No ¡sólo cantaba para mi! (risas).

Háblame de tu primera aventura musical. ¿Cómo recuerdas tu época de Elva Snow, junto al ex-Morrisey Spencer Crobin? Fue una buena experiencia. Lo pasamos bien con esa banda. Creo que éramos una especie de fan el uno del otro y escribimos grandes canciones juntos. Es aún es buen amigo mío pero ese proyecto se acabó. He cambiado mi forma de trabajar desde que empecé mi andadura en solitario, y aunque a veces graba algunas cosas para mí y hace algunos arreglos, ya no quiero tener una banda tradicional nunca más.

¿Podríamos esperar alguna colaboración en un futuro no muy lejano con él? No creo. El está

con lo suyo, yo con lo mío… Y aunque sigue co-laborando en mis discos no creo que hagamos ningún trabajo conjunto de manera seria. ¡Pero le adoro!.

Este es tu tercer álbum en solitario, ¿de qué manera has vivido tu evolución como músico desde tu primer trabajo hasta este último? Real-mente ha habido una evolución como músico y como persona, porque son dos cosas que van muy unidas. La música que hago es una extensión ho-nesta de lo que soy. No es todo lo que soy, pero si gran parte. Pienso que como músico (y como persona), el hecho de que se me haya permitido seguir con todo esto, ya que hay alguna gente ha respondido bien a mi creación, me ha empujado a evolucionar, porque me ha ayudado a conocer a la gente, entenderla, respetarla, disfrutarla…Y aun-que no es que gane muchísimo dinero tocando, ¡por lo menos puedo hacerlo¡ Eso me ha hecho estar más seguro de mi mismo. Creo que este dis-co refleja un poco esta situación. Es más completo.

Eso significa que tu carrera musical te hace mejor persona…Totalmente. Sí. También me hace entender el mundo un poco mejor. Cuando saco todo esto, intento ser lo más honesto, puro y bueno que puedo. No digo que sea un santo, pero intento hacerlo lo mejor que se y obtengo una res-puesta de la gente. Me siento muy bien con ese intercambio. No es cuestión de ego, es lo que creo que debería ocurrir normalmente.

¿Y alguna mala experiencia?¿Algún error del pasado? Normalmente no es algo que me afecte, pero por supuesto que he cometido errores. Y sí, hay una cosa que me parece un poco triste. He tenido algunos problemas con otros músicos, y no se si es por competitividad o algo así, pero es algo que me preocupa. Yo no quiero competir con nadie, quiero que todo el mundo disfrute… Creo que esto te hace un poco más fuerte, la verdad. In-tentar no competir y no ser negativo.

Centrándonos en “Gallantry´s Favorite Son” (Glitterhouse / Music as Usual, 2011) cuéntame cómo fue el proceso de creación del disco. Don-de componías, cómo se grabó… Las canciones las compuse algunas en Europa, otras en Australia y otras en mi apartamento, en América. Cuando lle-gó el momento de grabarlas…uff..., ¡fue algo muy duro la verdad!… Todavía me estreso un poco cuando pienso en ello (risas). Hubo muchos pro-blemas técnicos, de financiación, de disponibili-

dad de la gente… Los últimos dos álbumes fueron grabados como en un bloque, por decir algo, en ocho días todo el material. Me encanta esa forma de funcionar porque estás trabajando en eso y nada más. Pero en esta ocasión estaba unos días grabando aquí, al mes siguiente unos cuantos días grabando allí, luego me iba de gira y al volver el productor no estaba disponible…, así que fue un poco desconcertante y estresante. Y por supuesto teníamos fechas de entrega, claro, tuvimos que atrasarlas, cosa que no me gusta hacer porque me gusta respetar la confianza y contribución que el sello ha puesto en mí y tener el disco en el plazo previsto… Cuando acabamos con todo pensaba

“¡odio hacer discos!” (risas). No podía escucharlo, me llevó un tiempo poder saber si había hecho un buen trabajo o no. De hecho, al empezar a hacer la promoción, todo el mundo me decía “es un dis-co fantástico” y yo respondía “¿en serio?” (risas). Hasta que un día en París, después de una entre-vista que me animó mucho, me decidí a escuchar el disco. Así que lo hice, ¡y me encantó! Todo aquel estrés había merecido la pena.

¿Hasta dónde te involucraste en la producción? Realmente fue una colaboración entre todos. El productor por supuesto tiene un gran papel, aun-que yo también colaboré y los músicos estuvie-ron muy involucrados. La persona que toca las cuerdas, por ejemplo, compuso al completo sus arreglos. Creo que la combinación de todos, de nuestro esfuerzo, es lo que definió el sonido que se creó. Fuimos como una familia.

¿Fueron, por ejemplo, idea tuya el juego de vo-ces de “No Place Called Hell”? La verdad es que nos habíamos quedado sin dinero. ¿Sabes cuando haces algo partiendo de la necesidad? ¡Salen cosas muy buenas! No teníamos más medios, no podía-mos alquilar un sampler, ni llamar a más músicos, ¡así que hicimos los sonidos con la boca! Trombón, trompeta, grabé las voces haciendo cosas inusua-les… Sonó muy orgánico, me pareció genial.

Creo que es mi favorita. Sí, la mía también…, bueno, mi segunda favorita.

“Felicity” destaca por ser una canción positiva. ¿Normalmente el cómo te sientes es lo que te empuja a componer de cierta manera o es escri-bir una canción lo que va cambiando tu estado de ánimo? Pienso que primero aparece un sen-timiento y la canción le sigue de alguna manera, pero luego puede cambiar lo que sientes mientras

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compones la canción…, así que no es en realidad un proceso muy estricto. Escribir canciones es un misterio para mí. Incluso recuerdo quizá haber llorado escribiendo “Felicity”, aunque se supone que debía ser un tema alegre, pero había muchos sentimientos ahí plasmados, no se. De todas for-mas me gusta la tristeza y nunca me intento des-prender de ella. Las cosas vienen como vienen, intento escribir canciones bastante rápido, no soy muy perfeccionista, no me gusta volver atrás para retocar cosas, no lo planteo de forma intelectual.Es sólo eso, una canción, lo que sentía. Ya está.

A veces el orden de las canciones de un disco tiene algún tipo de relación cronológica con ciertas vivencias del autor. ¿Es este el caso? ¿Has buscado algún hilo conductor? Esta vez no. Aunque es un buen concepto. Quizá la próxima vez.

Tienes una gran relación con el mundo del cine. Shortbus, The Last Run…, obviamente eso te ha abierto muchas puertas. También has puesto tu voz en la banda sonora de un par de series ani-me (Ghost in the shell, por ejemplo) Realmente eso no es algo que se podría esperar al escu-char tu música. ¿Qué te pareció esa aventura? Me pareció genial. Aunque no fueron composi-ciones mías, sólo fui “cantante de sesión”. Todo vino porque tengo una amiga japonesa que me llevó a las audiciones, y tuve mucha suerte. No estaba para nada en esto del anime, los seguidores de estas series están un poco obsesionados (risas). Cuando fuí a Japón, ¡estaban locos!, ¡me recono-cían! Fue muy raro, porque sólo había cantado un par de canciones…Es cierto, no es algo que alguien pudiera esperar oyendo mis discos, pero me encantó, lo disfruté muchísimo.

Para terminar, Scott, ¿qué has estado escuchando últimamente? Bon Iver, Joan As Police Woman (su nuevo disco, que me fascina). No estoy muy al día de lo que pasa musicalmente, suelo escuchar sobre todo cosas antiguas… ¡Ah!, ¡y estoy esperando el disco que Doris Day va sacar!

Pensaba que había muerto…,(risas) ¡Claro! Pregúntale a cualquiera y te dirá lo mismo. ¡Pués no! ¡Está viva y va a grabar un disco!...(Risas), tiene ochenta y tantos años creo… En fin, también me gusta recomendar a una amiga, Colin Miranda, que es maravillosa. Tiene un Lp en la calle y va a lanzar otro dentro de poco. La recomiendo totalmente.

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Echando la mirada hacia el pasado es inevi-table no reparar en el título de tu segundo álbum “Escondida”. ¿Por qué “Escondida” y no “Hidden”? “Escondida” es una broma personal entre mis amigos y yo. Aunque en realidad hablo un poco de español: (y con voz grave entona: “Con una pistola en mi corazón” y se ríe. Sabe que ha dicho algo gracioso. Lo que en español diríamos “algo con chispa”).

Centrándonos en tu reciente trabajo “Pint of Blood” (Anti / Pias 2011) se grabó en tu propia casa. ¿Qué prefieres? ¿Casa o estudio? Bueno, eso no es del todo cierto. Realmente como dice empezamos la grabación de “Pint of Blood” en casa, pero luego seguimos en el estudio y terminamos en el estudio el trabajo. Aunque la mayoría de las voces se hicieron en casa.

Siempre para definir tus anteriores traba-jos hemos tenido que recurrir a múltiples referencias en tu música: country, jazz, folk, blues, rock…Como simple curiosidad, ¿qué escuchas a diario en tu Ipod, cuando estas fuera del proceso de grabación? Ahora mismo estoy escuchando música africana, y música hecha por mis amigos.

Tus letras son muy profundas y en este álbum,“Pint of Blood”, conviertes tus experiencias personales en las nuestras propias. ¿Qué es lo que te hace fal-ta para que vengan las musas y empezar a escribir? Me encanta pasear, me inspiro mucho en las calles, viendo a la gente, viendo sus caras. Gente normal ha-ciendo cosas normales.

Después del giro que diste con “The Living and The Death”, al incluir un sonido más clásico o cer-cano al rock & roll a tu mezcla de estilos, en “Pint of Blood” podemos seguir escuchando el sonido de las guitarras eléctricas. Por ejemplo, “Remem-ber” tiene un guitarreo que nos recuerda a The Velvet Underground. ¿Te gusta más jugar con el lado oscuro de la música o prefieres el bueno?(Se toma su tiempo para contestar). Estoy realmente de acuerdo con la referencia a la Velvet, pero no sabría que contestarte, no sé, realmente me interesa mu-cho América y todo lo que la forma. Vivir en Amé-rica, la música americana… Así que no creo que sea

“esto o eso”, “blanco o negro”. Siempre me ha gusta-do el rock & roll, es algo que ha estado dentro de mi desde siempre, quizás con estos dos trabajos ha aflo-rado esta vertiente más recia de mi música, supongo que era inevitable pues siempre me ha gustado tocar y cantar rock & roll.

Algunos críticos comparan tu voz con la de Billie Holiday; dicen que eres una especie de Tom Waits en dulce. Escuchan-do este nuevo disco, tu voz a veces nos recuerda a Janis Joplin y otras a PJ Harvey… ¿Qué opinas de todas estas referencias para describir tu música? Bueno, es genial, supongo. Soy fan de ambos, Tom Waits a sido mi progenitor y quien de alguna for-ma me descubrió, y con Serge Francis nos une no sólo una buen amistad, también he llegado a colaborar en dos canciones de su álbum “Human the Death Dance”. Lo que si puedo decirte muy orgullosa es que tanto Tom Waits como Serge Francis no sólo son mis amigos sino que también son fans de Jolie Holland. Pero tampoco estoy intentando sonar como ellos.

Volviendo a “Pint of Blood” con sus temas consigues crear un lugar seguro imaginario en el que sentirse a salvo, se dice que tus canciones te dejan más a gusto que un buen llanto… ¿Al-gún sitio especial donde puedas llorar a gusto? Bueno, no se si dar las gracias, por el cumplido o sonrojarme y quedarme callada. Soy una persona muy familiar, para mi la familia es muy impor-tante. Ese lugar especial al que haces mención es sin duda alguna la familia, este donde este mi familia, aunque también me siento bien estando sola, escuchando mi voz interior.

“Pint of Blood” es tu quinto álbum, para alguien que te escu-che por primera vez, ¿qué nos podremos encontrar en este úl-timo trabajo?No me gusta definir o clasificar a la gente. Grabar un disco es una experiencia que de alguna forma purga y purifi-ca tu interior, que te vacía emocionalmente pero que a la vez te carga de ánimo e ilusión. Pienso que si haces algo sinceramente y con cariño, la capacidad de reporte emocional de estas expe-riencias es siempre revitalizante. Contestando de alguna forma a tu pregunta, lo que la gente va a encontrar mas allá de las eti-quetas es sinceridad, sentimientos reales y emociones tangibles. A sido realmente muy bueno trabajar con gente tan maravillosa, capaz de crear juntos toda esa música. Sin duda es algo que me ha nutrido y que recordaré para siempre.

Hablar de Jol ie Hol land implica dos cosas : personal idad y exquis i tez . Rasgos capaces de carac-ter izar tanto a e l la como a su voz, pero incapaces de def inir la y trasmit ir la emoción que ema-nan sus composiciones . Así con motivo del reciente lanzamiento de su quinto trabajo, “Pint of Blood” (Anti/ Pias 201 1) , pudimos entrevistar la y conocerla un poquito más . Y nos gusta .

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La banda se dio a conocer cuando ganó el concurso Road To V (abriendo el V Festival en 2006). ¿Qué recuerdos guardas de aquella época? Y ¿Cómo fue tocar en un escenario tan grande en un momento tan temprano en vuestra carrera? Fue un mo-mento increíble y muy excitante. Éramos muy jóvenes y teníamos muchísimas ganas de demostrar que aunque fuéramos unos niños no éramos unos idiotas. Salió todo muy bien y la crítica nos res-petó. Cuando te subes a un escenario olvidas si estás tocando ante mil o diez personas. De todas formas, siempre es más complicado tocar en espacios pequeños, ya que los errores se acentúan más.

En vuestros dos primeros E.P. y vuestro disco debut “I Had the Blues But I Shook Them Loose” (2009) trabajas-teis con Jim Abbiss como productor, Arctic Monkeys. ¿Aho-ra con el presente “A Different Kind Of Fix” habéis vuelto con Jim Abbiss, ¿por qué ese retorno con el productor que os vio desarrollaros como grupo? Como has dicho, Jim Ab-biss trabajó con “Arctic Monkeys” y con él han logrado un éxito rotundo fuera de Reino Unido. Tras el segundo disco nos dimos cuenta de que no conseguíamos salir de nuestras fronteras sino teníamos en cuenta los consejos de gente como Abbiss. El hecho de volver a trabajar con Jim es simplemente que creemos que de su mano podemos avanzar en nuestro so-nido y por que no decirlo y que consiga “internacionalizarnos”.

Sin embargo también habéis contado con la mano de Ben Allen como productor para los tres últimos temas del disco quizás para los temas más cargados de sintetizadores.... ¿Por qué esta elección? ¿Qué crees que os ha aportado Ben Allen al disco? Creemos que en “A diferent Kind of Fix” podemos encontrar un montón de detalles diferentes. Desde el indie más puro de “Bad Timing” a algo más electrónico como “Fauvori-te Day”. Por su parte Ben ha trabajado con “Animal Collective” y nos gusto mucho su resultado. En “A diferent Kind of Fix” que-ríamos que parte de su sonido se pudiese inclinar por esa ver-tiente más electrónica, quizás con la intención de escapar de los sonidos tranquilos de nuestro anterior trabajo; por eso, le llama-mos a él. De todas formas , el último tema de “A diferent Kind of Fix” es como un final feliz, risas, una canción muy tranquila con un piano muy sencillo.

“A Different Kind Of Fix” es un trabajo enormemente vitalista, de estos que desde la primera nota trasmite tranquilidad, y un raudal de energía positiva…. ¿Qué sensación tienes del presente trabajo “A Different Kind Of Fix”? La verdad es que intentamos que transmita varias cosas. El disco es quizá el más luminoso que hemos hecho hasta ahora, su sonido es abierto y vitalista como comentas. Por ejemplo las guitarras de

“Your Eyes” son muy rítmicas capaces de trasmitir una energía completamente vitalista y alegre, letras intensas en “Lights Out, Words Gone” traspira intensidad y emoción en cada una de sus estrofas “Fracture” te acuna desde la tranquilidad. Definitivamente es una vorágine de sensaciones.

Uno de los temas que nos parece más especiales es “Lights Out, Words Gone”, con una línea de bajo muy marcada y cercana a los ritmos afrobeat, coetánea de la escena new yorker de Vam-pire Weekend, pero a la vez con un conjunto vocal delicado y ensoñador…. Es quizá la canción más triste del disco, una can-ción de desamor en la que un chico está jodido porque la chica de la que está enamorado está saliendo con otro y desea tener una sola oportunidad de poder quedar con ella. Musicalmente tiene un guitarreo con muchos punteos, bases con teclados y una voz femenina.

En anteriores trabajos reconocíais a Pavement, Sonic Youth y a Yo La Tengo como influencias, pero este nuevo trabajo es sin duda mucho más ecléctico o variado, coexistiendo mo-mentos pop , sobre todo si tenemos en cuenta canciones como

“Shuffle” , tema totalmente alejado del sonido del anterior tra-bajo y más cercano a grupos como “Phoenix”, con momentos más cercanos a la indielectrónica de “Dntel” o “Postal Ser-vice”….. temas que van transformándose y mutándose para seguir otras sendas como “Beggars” y “Favourite Day”. ¿Qué opináis? ¿Por qué esa variedad interpretativa cargada de múl-tiples matices? Sí sin duda, para mi es evidente y totalmente lógico, escuchamos y nos gustan todos estos grupos, de alguna forma todos esos sonidos están en nuestras canciones, por eso se nota que nuestros discos tienen más de un estilo, que no son lineales. Además contamos con la ayuda de Ben y Jim que son productores que han trabajado con grupos totalmente diferentes por lo que nos ha dado dos puntos de vista totalmente diferentes a la hora de producir y eso hace que el disco tenga más variedad y riqueza sónica.

Cuanto más escucho el tema “What you Want” más matices encuentro en su bajo… Para nosotros representa-ría un single perfecto del nuevo sonido que Bombay factura en “A Different Kind Of Fix”. “What you Want” es un tema muy progresivo, con matices de potencia y una letra motivadora. El bajo marca una tendencia y el camino por el que se desarrolla la canción, pero sin ser predomi-nante, pues la batería también es básica con golpes de plato que marcan el ritmo. No buscamos en cualquiera caso un sonido que dure de principio a fin, más bien, buscábamos la manera de meter todos los efectos de voz e instrumenta-les posibles que nos venía a la mente y que nos provocaba esas sensación vitalista que te mencionaba. Posiblemente es la canción más completa del disco.

Para terminar y para aquellos lectores que no han escuchado todavía, el presente “A Different Kind Of Fix”. ¿Qué pueden esperar de este disco? Pueden esperar un álbum completo, variable, con canciones diferentes y muy melódicas. Un disco que te trasmite energía y ganas de vivir, un disco que sin duda se siente en la piel.

Podemos considerar a Bombay Bicycle Club como la banda más v i ta l i s ta del momento. Un grupo de cuatro prodigiosos capaces de lanzar “A di f ferent Kind Of Fix” (Universal / I s land, 201 1) , o lo que es lo mismo, la extensión de dos discos de éxito y cargados de un posi t iv ismo exagerado. Esta tercera entrega está envuelta por una hipérbole de est i los divididos en doce pistas , cada una de e l las de una etnia di ferente pero capaces de desenvolverse en una convi-vencia perfecta .

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Definir e l concepto de Skeletons es tan di f íc i l como intentar encontrar una única l ínea sobre la que desarrol le esta banda un único género, las ideas y matices que conforman a este combo de Ohio sobreal imentan el torrente creat ivo de Skeletons que les l leva a reinventarse y rena-cer tras cada nuevo trabajo, buscando para cada uno de e l los los mejores orfebres capaces de dibujar cada una de las pas iones y emociones que contienen sus temas . El presente “People” (Crammed Discs / Karonte, 201 1) no es más que una cuenta o peldaño más en el e f ímero col lar de v irtuosismo emocional que los Skeletons despl iegan para cada disco, en este caso la palabra c lave es “honest idad”.

Lo primero que llama la atención en una prime-ra escucha del nuevo trabajo de Skeletons es la fuerte personalidad instrumental que Skeletons imprime en sus temas capaz de bloquear su ca-pacidad de discurso basado en las letras políticas y sociales que contiene “People”. ¿De qué trata este álbum? ¿Qué es lo que os hace proclamar vuestra fe en la gente? No sé si en el pasado nues-tra música no ha sido más conocida por sus letras que por las melodías instrumentales. Si lo fue, creo que la gente podría volver atrás y escuchar las canciones de otra manera, centrándose más en las letras. “People” trata de la gente, de una gente de a pie de calle, gente real como tú y como yo, en

“People” puedes encontrarte una serie de historias que de alguna forma me han afectado o influido. A través de “People” o gracias a “People” he podi-do sacar fuera esos sentimientos que me aturdían en mi cabeza para poder compartirlos con todos,

“People” a sido el vehículo o la herramienta que ha hecho posible el poder explicar todos esos pensa-mientos extraños que a veces uno tiene dentro de la cabeza sin saber muy bien que significan o por qué están ahí, mientras escuchas cualquier histo-ria que te afecte.

Pero a pesar de la carga social y de a crudeza musical “People” es un álbum con un gran espíritu pop, y quizás por eso pueda llegar a gustar a diferentes tipos de público. ¿Pensáis en la audiencia escribiendo vuestras canciones? Bien, este trabajo es mucho más cercano o accesible que nuestros anteriores trabajos, por eso espero que está música llegue a más gente, aunque para serte sincero siempre tengo esta misma esperanza de poder llegar a más gente cuando sacamos un disco.

Dentro de vuestra trayectoria después de las diversas mutaciones o evolución que ha ido to-mando el sonido de Skeletons, ¿debería “Peo-ple” considerarse como el culmen de todo lo que los Skeletons han hecho hasta la fecha? Realmente “People” es el producto de los últi-mos años, es un documento de los pensamientos, sentimientos e ideas musicales de ese período de tiempo. No podría decir que es una culminación de algo, porque nosotros seguimos aprendiendo y evolucionando… Lo que si te puedo asegurar es que “People” es el mejor resumen de todas las vivencias de los Skeletons en los últimos dos años.

A simple vista la canción “Barack Obama Blues” llama la atención por su título. ¿Qué intentáis expresar con esta canción? ¿No creéis que hoy en día es un poco arriesgado mezclar música y política? Sólo es peligroso en el sentido de que estos nuevos movimientos sociales que se han gestado en múltiples puntos del mundo van mucho más rápido que nosotros haciendo música, por lo que corres el riesgo de que las “políticas” de hoy se conviertan en algo obsoleto rápidamente. Pero “Barack Obama Blues” no se hizo como canción política, si no como canción humana.

Centrándonos más en los aspectos musicales dos de las canciones que más me han gustado son “Grandma” y “Barack Obama Blues”; am-bas canciones tienen diferentes caras donde podemos viajar a través de diferentes paisajes. Ambas canciones van creciendo poco a poco con el oyente. Asociando una emoción a cada frase, vamos viajando a través de diferentes par-tes del crecimiento y de las emociones: la feli-cidad del nacimiento, la furia de la pubertad y la serenidad de la madurez. ¿Habéis tenido las mismas sensaciones componiendo las cancio-nes? ¿Habéis pensado alguna vez en vuestras canciones como una comparación con la vida del ser humano? ¡Oh, wow! ¡Muchas gracias por ese pensamiento! Nunca lo había pensado de esa manera, pero sí que creo, que normalmente la gente es mucho más compleja de lo que ellos demuestran a simple vista. Normalmente una emoción es suficiente para intentar convertirla en una canción. Pero con “Grandma” y otras can-ciones lo que hemos querido hacer, es dejar fuera las complejidades e intentar ser simplemente ho-nestos, esperando que encajen todas esas cosas en una canción pop.

Otra canción que me encanta es “No”, es dife-rente al resto. Es la canción más corta, suave y sencilla del álbum. Con esta canción viajamos al ritmo del piano y de los susurros de una ma-ravillosa voz. ¿Es la esencia de Skeletons? Bue-no, como he dicho antes, la intención era escribir algo honesto. En este caso, creo que nos acerca-mos más al lado más crudo y la canción fue escrita y grabada muy rápidamente. Escribí la letra en un recibo que tenía en el bolsillo de camino de la tienda de la esquina hacia el estudio… Creo que

de lo que hablas es del estilo, del alma de nues-tra esencia… y no lo sé, podría haber cientos de diferentes versiones de esta canción, sólo hemos hecho una que nos gustaba, y hemos dejado que saliera tal y como era.

Habéis cambiado el nombre de la banda varias veces, y esto suele implicar un cambio en vuestra música. ¿Creéis que esta tendencia es motivadora para vuestros fans? ¿Existe alguna relación entre vuestro nombre como banda y el título de vuestros álbumes? La idea era sacar creatividad cambiando el nombre de la banda según los conceptos y las ideas de cada disco. Cuando estás empezando creo que es difícil que haya fans que inmediatamente se interesen por ti en vez de por una paleta de sonidos determinada… Realmente espero que no hayamos mareado mucho a la gente, y cuantos más discos hagamos, más gente entenderá todos nuestros trabajos. Aunque sea un grupo reducido de personas, espero que tengan curiosidad por qué será lo próximo que haremos.

¿Qué se siente al seguir siendo una de las principales figuras del panorama musical de Brooklyn pese al paso del tiempo y de las bandas emergentes? ¿A cuál de estas nuevas bandas os sentís más cercanos? Para ser honestos, no me siento mucho como una figura principal… Me gusta ver todo lo que tengo a mi alrededor y con lo que crezco, presto bastante atención a todo lo que se desarrolla o tiene lugar en nuestro tiempo, es muy enriquecedor para mi y para la banda, siempre es sorprendente. Ahora mismo hago campaña por amigos como Ablehearts, PC Worship, Cavex… Son grupos totalmente WTF (what the fuck), que es lo que más me gusta.

Se rumorea que vais a volver a sacar material del 2009 como Skeletons Big Band. ¿Este material es tan diferente como para no estar incluirlo en

“People”? Estoy trabajando en recuperar algo de material con Big Band, que es totalmente dife-rente de “People”. Mientras “People” trata sobre cosas oscuras mezcladas con una buena dosis de esperanza, Big Band es más solo oscuridad. Son conceptos o polos divergentes.

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Por eso de equiparar , WU LYF bien podría ser a la música lo que Bansky a l arte . Al igual que el br i tánico, e l cuarteto de Manchester le profesa profundo respeto a l anonimato: apenas conceden entrevistas y la accesibi l idad a c iertos datos parece ser tarea exclusiva de espía o superhéroe. Se le complica a la banda su intención de mantenerse a l margen de prensa y cámaras porque “Go Tel l Fire To The Mountain”, además de ser un fresco y muy intere-sante debut , cumple con requis i tos varios para lograr productivos resultados . El ler y Roberts , Evans Kati , Tom McClung y Joe Manning nos conceden unos minutos y prueban a su vez la modal idad del descubierto . Confiemos en que les resulte cómoda porque este á lbum huele a avalancha mediát ica .

Con un recién terminado disco así como con trabajos audiovisuales y singles previos a este vuestro debut, sois aún una banda que parece mantener con insistencia el deseo del anonima-to. No es tarea fácil el acceder a vosotros y el número de entrevistas que concedéis a prensa son escasas. ¿Por qué conserváis en firme el con-cepto de “incógnito” y qué os atrae del mismo? Este anonimato responde a una actitud o truco algo cliché así como a nosotros mismos como per-sonas y nuestro modo de entender e interpretar la música. Hemos terminado un disco y no somos partícipes de esa ola y seguimiento constante que suele hacérsele al artista. No estamos interesados en ello pero tampoco estamos tratando de ocul-tarnos. A todo aquel que quiera preguntarnos so-bre el trabajo que acabamos de publicar, adelante, aquí estamos y le responderemos sin problema. Pero más allá de eso huimos un poco del segui-miento constante y del bombo mediático que si-gue a la publicación de un disco.

De alguna forma el hecho de formar WU LYF y de volcaros en desarrollar vuestro concepto de banda si que podríamos decir que es una declaración de intenciones o una propuesta en firme de vuestra ideología conceptual de lo que debe ser una formación musical o una banda para vosotros? Ufff , no se, eso es mucho decir, en parte supongo que sí, realmente el hecho de tener o pertenecer a una banda no tiene por que implicar necesariamente que necesites decir todo sobre ti mismo. No estamos interesados en ser una banda genérica de rock and roll, hablando cons-tantemente de nosotros y siendo el epicentro de nuestras conversaciones, no quiero que seamos eso. De hecho cada vez que siento que somos algo así, me deprimo. La insoportable saturación de in-formación ha hecho todo un poco más aburrido; al final nadie tiene espacio para pensar y soñar con cosas por culpa del exceso de informacion y de datos que se vierten desde internet. En relación con lo que estábamos haciendo, el anonimato es en primer lugar una manera de huir de cierto narcisismo que vimos en la industria de la música. No fue una decisión consciente que tomásemos sentados alrededor de una mesa y dijéramos “Ey chicos, este es el plan”. Poco a poco creció de la manera en la que somos personas, las ideas que tenemos sobre música y la música en sí y el arte que amamos.

¿Cómo surgió el germen de este “Go Tell Fire To The Mountain”? Este disco “Go Tell Fire To The Mountain” surgió a partir de un relato que tenía preparado como guión para una película que quiero hacer. Cuando me puse a plantear todo lo que necesitaba para hacer la película me di cuenta que necesitaría un presupuesto desorbitado y no tenía los recursos para llevarla a cabo, así que me puse a trabajar sobre el relato en las letras, así poco a poco “Go Tell Fire To The Mountain” fue tomando forma. Los temas de “Go Tell Fire To The Mountain” son diez escenas de un único relato.

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¿Cómo será tu película? Danos una pista. Es sobre un niño cuyo padre tiene una posición muy autoritaria. Para el niño, su padre es el rey y el rey está ahí por un ideal. El niño sólo ve la parte superficial de las ideas de su padre y le mata, hablando de forma metafórica, así el niño se convierte en un fugitivo. Forma una banda con otros fugitivos y regresan a su tierra para acabar con todo el imperio de su padre. Todo termina de manera feliz (risas).

¿Cómo fue lo de convertir un guión para una película en un álbum? Traté de hacerlo a través de las emociones en lugar de las palabras. No es un guión, literalmente hablando, no es un caso de palabras diciendo “esto pasa, luego pasa otra cosa”. Fue más una experiencia que escribí desde el punto de vista del niño y explorar las emociones que él habría experimentado. Supongo que es más como una banda sonora para esta película que está en mi cabeza, lo cual es otro cliché. ¿Verdad?.

Por último, ¿Cómo presentaríais vuestro disco a aquellos que aún no os conozcan ni os hayan escuchado? ¿qué canción consideráis clave para definir vuestro trabajo? “Go Tell Fire To The Mountain” es un disco que ha sido muy trabajado y pensado, con el que nos sentimos identificados y que es parte de nosotros, más allá de atraer a las masas y lograr ventas. “Heavy Pop” podría ser un buen tema para empezar a escuchar el álbum. Fue la primera canción que compusimos y ese so-nido final conseguido podría definir el estilo de la banda. Tuvimos un momento algo mágico porque cada cual dejó fluir su creatividad de forma simul-tánea y logramos acoplarnos muy bien los unos a los otros. Es un tema muy homogéneo y uniforme, lo interesante de todo esto es que lo logramos un poco de improvisto, experimentando y probándo-nos a nosotros mismos, lo demás va llegando.

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Arctic Monkeys (Domino 201 1) parten con la v i tola de grupo potente y “mueve masas” de f inales de la primera década del 2000. Los veinteañeros de Sheff ie ld que destrozaron más de un par de “Dancing Shoes” en las pistas y conciertos de todo el mundo han cambiado el acné por una madurez melódica y la potencia revolucionaria por e l sonido compacto y duro.

“Suck It And See” (201 1) es e l c laro e jemplo de que se puede conquistar a la misma chica con di ferentes serenatas .

Arctic Monkeys. Fuisteis el grupo revelación de 2006 con “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not“ y desde entonces habéis sido un grupo de referencia en la música indie y britá-nica. Ahora , cinco años después aparecéis con

“Suck It And See”. ¿Qué nos podéis contar de esta nueva explosión rock? “Suck it and See” es un disco diferente, podemos decir que inclu-so que más oscuro. Hemos tratado de buscar un punto diferente a nuestra música, a la producción e incluso al ritmo de las canciones ya que no que-ríamos estar anclados en un determinado estilo de música.

El disco llama la atención desde la primera es-cucha pero también es sorprendente desde el título que lo da nombre, algo que suena a provo-cación. ¿Habéis querido provocar esta reacción en los fans? Sí. Como te he dicho, hemos querido cambiar y una manera de llamar la atención es el título. Es algo grosero y de hecho hemos tenido problemas en Estados Unidos, donde sorprenden-temente hemos tenido que poner una pegatina advirtiendo del contenido.

¿Podeis ver una evolución entre “Whatever peo-ple Say I am, That´s What I´m not” y “Suck It And See”? Realmente más que una evolución, es un cambio. Hemos cambiado bastante desde el comienzo; desde la formación, hasta nuestra forma de grabar y de vivir. Nuestro primer y se-gundo disco van en la misma línea ya que muchas canciones no entraron en el debut y las metimos en “Favourite Worst Nightmare” pero son de la misma época. “Suck it and See” tiene un so-nido más duro y fuerte que se sale de la línea de los anteriores.

Entonces, por lo que me estáis contando veis poca relación entre vuestro primer y último dis-co… La verdad es que sí. Como te he comentado hay un cambio muy claro en varios aspectos. La canción “Library Pictures” es la que tiene una esencia más clara de lo que hacíamos al principio.

En vuestra trayectoria ha habido tiempo para otros proyectos. Quizás el más importante es

“The Last Shadow Puppets” en el que Alex sacó un disco en 2008. ¿Cómo ha afectado esta “do-ble vida”? Todo lo que sea hacer cosas nuevas, pa-ralelas y que se puedan compaginar con nuestra banda es algo que va a afectar de forma positiva. Álex tuvo la oportunidad de desarrollar un pro-yecto con Miles Kane y les salió bien.

Creo que el bajo es un sonido muy representativo en “Suck It And See”, que es parte básica en el disco. ¿Realmen-te pensáis que es parte de ese nuevo sonido? Sí. Totalmente. Con la entrada de Nick le hemos dado más importancia al bajo en la producción y en directo. “The Hellcat Spangled Shalala” está dominada y dirigida por el bajo, algo que no había sido muy normal en nuestros anteriores discos y parte de la nueva dureza que hay en este disco viene gracias a la potencia del disco.

“Reckless Serenade” es una de mis canciones favoritas del disco y la verdad es que se hace corta con tan sólo 2:43 minutos. ¿Qué podéis contarme de este tema? Es una canción que aunque sea corta tiene partes muy diferenciadas. Empieza con un sólo de bajo, tiene una parte muy rápida con la voz de Alex, otra con un sólo de guitarra y acaba con dos guitarras entrelazándose. Habla de una chica, de sensualidad y de la insistencia de un tipo confuso.

Para mí, en “Piledriver Walz” podemos encontrar la parte más melódica del álbum. ¿Podemos ver aquí la nueva tendencia de Arctic Monkeys? En “Piledriver Walz” hay una parte melódica bastante representativa, pero “That´s Where You´re Wrong” tiene un punto más musical en el que incluso la voz de Alex puede considerarse un instrumento. Si tuviéramos que quedarnos con una canción que representara el sonido de Arctic Monkeys en “Suck It And See”, eligiría “She´s Thunderstorms”.

Los cambios son arriesgados y en muchos casos necesarios, pero cuando todo va bien y se da un vuelco a una situación idílica el riesgo es mayor. Los vanguardistas Arctic Monkeys han tenido valor para cambiar la tendencia de “A Certain Romance” y “Fluorescent Adolescent” por el sonido de “She´s Thunderstorms”, algo que encaja perfectamente en su madurez personal y profesional.

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Después de un lustro con Acuarela , Pepo Márquez (ex-batería de Garzón / Grande-Marlaska) y su “sociedad secreta” se unen a las f i las de Gran Derby Records para publ icar uno de los mejores á lbumes nacionales del año. “Peores Cosas Pasan En El Mar” (Gran Derby, 201 1) s i -gue transi tando por los ásperos caminos folk-rock de antaño, aunque s in cerrar las puertas a otros r i tmos, inf luencias y pasajes sonoros . Un álbum plagado de letras inspiradís imas y que, s in duda, marcará un antes y un después en la historia del grupo madri leño.

Sé que vas a acabar cansado de esta pregunta pero, ¿por qué el cambio al castellano? ¿Necesi-tabas que todo el mundo entendiera lo que esta-bas diciendo? Llevaba tres años sin sacar disco. El disco anterior salió dos años después de grabarse. Es decir: hay un período de cinco años entre las canciones de “I Am Becoming What I Hate the Most” y “Peores Cosas Pasan En El Mar”. En todo ese tiempo me he dado cuenta de muchas cosas con respecto a la gente que hacemos cancio-nes. Una de ellas, quizás la más importante, es que transmitir sentimientos, puntos de vista o ideas en un idioma que no es el tuyo te limita tanto que no merece la pena seguir por ese camino. Yo no quiero tener límites: quiero ser capaz de hablar y decir lo que realmente quiero decir, y no sólo lo que pueda decir con las palabras que sepa en otro idioma. Enfrentarte a las canciones en tu len-gua asusta en un primer momento. Pero todo es cuestión de práctica, de ir haciéndolo día a día. Al principio te da vergüenza y piensas que sólo escri-bes gilipolleces. Pero un día das con una frase que no está tan mal y eso te anima a seguir. Y otro día das con otra y luego con otra. Escribir es la cosa más placentera que conozco. De todas formas, en mi disco anterior la mitad de las canciones ya estaban en castellano, lo que pasa es que estaban escondidas detrás de títulos en inglés.

También llama la atención lo extenso de los títu-los de las canciones, algunos de ellos tan bonitos como “El Día Que Empezamos A Querernos Fue El Día Que Empezamos A Olvidarnos”. ¿Te gustan los títulos largos? ¿Tenías claro en la concepción del disco que tenían que ser así? Por supuesto, los títulos largos y bonitos me gus-tan. Como he dicho antes, escribir es un ejercicio con el que disfruto y desde siempre he pensado que los títulos de mis canciones cuentan su pro-pia historia, que tiene o no que ver con lo que se hable en la letra de la canción. En este sentido, las canciones funcionan al menos en tres niveles diferentes: está la música, está la letra y está el tí-tulo. Sería estúpido decir que invierto el mismo tiempo en poner los títulos que en hacer la mú-sica, pero sí es algo que pienso con cuidado y en lo que pongo toda mi atención. Sin duda, esto era algo que quería hacer.

Precisamente las letras son, para mí, el mayor punto fuerte del álbum. Creo que la monotonía, incluso decadencia, de la vida moderna y los sentimientos que afloran tras una ruptura sen-timental están muy bien descritos. En general,

se atisba a lo largo de las diez canciones un gran desencanto. ¿Me equivoco? Me alegro mucho de que digas esto porque para mí las letras es lo que da sentido al disco, no sólo la música. En efecto, no podemos decir que sean canciones excesiva-mente alegres, pero creo que tampoco son de una tristeza de manual. De hecho, creo que no son tristes. Simplemente documentan mi vida en los últimos dos años. Y en los últimos dos años me han pasado cosas que me han obligado a tomar de-terminadas decisiones y todo ello, mezclado con una edad complicada como es el período entre los 30 y los 32 años, dan forma a esa especie de des-encanto del que hablas. Sin embargo, insisto: creo que funciona más como manual de cómo salir ade-lante con la lección aprendida que de fotografía de la desgracia. De hecho, odiaría haber sacado un disco tan autocomplaciente. Somos unos privi-legiados y no se nos tiene que olvidar.

Creo que “Las Pistas Falsas Conducen Al Des-amor” es una canción absolutamente redonda, supone claramente un descenso a los excesos y a lo que estamos dispuestos a hacer por amor:

“Malgastamos nuestras madrugadas/ arrinco-nados en sitios mugrientos/ con gente oscura, borracha y drogada”, con una melodía que en-gancha a la primera. ¿Va a haber single? Con los límites que todos conocemos, ¿se puede decir que esta es la canción con más potencial comercial del disco? ¿Te imaginas que esa can-ción sonase en las radios comerciales? Sería un sueño. Es una canción que habla de una cosa tan absolutamente desagradable para mí que sería un disparate maravilloso que se convirtiera en un sin-gle. Pero mis discos no tienen singles. No dan para tanto. Los discos pequeños no tienen primer sin-gle o segundo single, sino canciones. Puede que sea esta la canción que más decidan programar en el circuito de radios independientes y quizás en Radio Nacional. También puede que sea esta la canción de la que hagamos un vídeo y que man-demos a las tres o cuatro cadenas de televisión que siguen poniendo vídeos musicales. Pero de ahí a decir que va a ser un single sería un atre-vimiento innecesario. Por cierto: es una canción sin estribillo.

Brilla con intensidad cegadora canciones como “Si Pudiste Con Tanto Dolor Podrás Con Esto” donde Márquez se convierte en testigo de un mundo decadente y amoral, donde no le gusta lo que ve, pero en lugar de lamentarse busca razones a su insatisfacción, cantando “Por más

que tengamos nunca apreciaremos lo nuestro”. ¿Quiénes son tus letristas favoritos? ¿Alguien te ha influido especialmente a la hora de escribir las canciones de este disco? Por supuesto, cada cual tiene sus referentes. Los míos: Ani Difranco, Yoni Wolf de Why? y antes en Clouddead, Geoff Farina de Karate, Damien Moyal de As Friends Rust, Jason Molina de Songs:Ohia y Magnolia Electric Co. y Thomas Barnett de Strike Anywhe-re. Luego, por supuesto, admiro a Bob Dylan y a Leonard Cohen, pero creo que la admiración que siento por sus letras no se encuentra en las mías.

Aunque hay melodías claras, la instrumen-tación es a veces compleja y los ritmos intricados, como una especie de collage sonoro como en “La Casa Junto Al Mar” donde un ritmo de western nos adentra en los restos del naufragio de una relación. Una casa que para Marquez representa el refugio que el protagonista se “construye”, con “las pastillas para cambiar los dolores/ y los discos necesarios para combatir la soledad”. Tan confesional y sincera que pone los pelos de punta. ¿“Peores Cosas Pasan En El Mar” ha sido tu disco más complejo en cuanto a composición? No tengo esa sensación, la verdad. Las canciones fueron surgiendo de forma tranquila y ordenada. Ahora somos una banda de cuatro miembros fijos y cuando llevaba canciones nuevas al local de ensayo a veces se adaptaban de forma natural a la forma de ejecutar que tienen Nacho, Perico o Pali. Eso quizás haya alterado por momentos lo que yo tenía en mi cabeza cuando las compuse, pero siempre han sido cambios a mejor. Me encanta la sensación de ver mis canciones alteradas y mejoradas por mis amigos.

Para terminar en vuestro myspace decís que os han llegado a comparar con Elliot Smith, Nirvana o Joy Division. ¿Cuál es la comparación más bizarra que os han hecho? (más que estas, si cabe). Hay dos que no creo que se me olviden. Hace algún tiempo un primo mío me dijo después de vernos en Moby Dick, en Madrid: “Está guay, rollo Smashing Pumpkins”. Creo que me reí. Luego, no hace tanto, Malela (amiga y compañera mía en Garzón/ Grande-Marlaska) después de escuchar las nuevas canciones dijo: “Me recuerda a Vetusta Morla”.

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Dos años despues de facturar su aclamado por la crítica “Apple’s Acre” en el que el trío de Porland realizaba un ejercicio en la busque-da de lo mas recondito y extraño posible sin salir del aura pop, ahora nos encontramos con este “Dracu-la”, también realizado y producido por la propia banda durante una encerrona en un ático en Idaho sin grandes medios. El resultado es que han ahondado aun más en el género, han plasmado ideas más atrevidas si cabe, basando el sonido en profun-dos loops y desarrollando una clara tendencia vanguardista, melodiosa, que recuerda en cierto modo a ban-das como Mew o Spiritualized.

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Herman DuneStrange MoosicC i t y S l a n g 2 0 1 1

Con una larga carrera tras de sí, no fue hasta la inclusión del “I Wish I Could See You Soon” en un vera-niego anuncio de cerveza cuando este dúo franco-sueco se hizo un pequeño hueco entre el gran público. Sin nada que demostrar aparece

“Strange Moosic. en él adquieren protagonismo sus guitarras de una forma delicada y agradable, doce canciones que se mueven entre el pop sencillo y el folk rock con un ligero toque sureño que contagia. Basta con escuchar el tema que abre el disco “Tell Me Something I Don’t Know” para darse cuenta de que estamos ante unos músicos de categoría superior.

— J a i m e S u á r e z

Holy Other With UT r i A n g l e 2 0 1 1

“With U” es la brutal magnifica y carta de presentación de Holy Other, un artista sin trabajos previos ni rastros pasados. El trabajo más deslumbrante del sello del año, Tri Angle, y el espectacular debut de un espectro sonoro que emerge de la nada para secuestrarnos durante veintidós maravillosos minutos de oscuridad glacial, entre voces líqui-das, subgraves narcóticos y ritmos de hechicero que se deslizan por nuestros oídos con una sensualidad apabullantemente insultante. Cinco temas que fluyen y se diluyen hipno-tizándonos, secuestrando emociones y generando tristeza y placer, nostal-gia y euforia.

— F r a n c i s c o J e s ú s S u á r e z

Big TalkBig TalkE p i t a p h R e c o r d s 2 0 1 1

Ronnie Vannuci, batería de The Killers, se lanza en solitario en un proyecto que cuenta con la colabo-ración de Matt Sharp, ex–bajista de Weezer. En este trabajo Vanucci da rienda suelta a su talento partici-pando en la composición de los temas y dando voz a los mismos. El disco arranca con un esperanza-dor “Katzenjammer” a cuyo etéreo comienzo le sigue una melodía pop con estribillos pegadizos. Sin embargo a medida que avanzamos este va perdiendo fuerza, destacan-do “Getaways” y “The Next One Living” tema con cierto aroma brit. En definitiva un trabajo correcto pero sin grandes aspiraciones.


WU LYF Go Tell Fire To The MountainL Y F R e c o r d s / P i a s 2 0 1 1

Piensa mal y acertarás. WU LYF se mueve en un terreno de secretismo que está provocando que la popu-laridad de estos chicos continúe creciendo ininterrumpidamente, ¿es esto otra estrategia de marke-ting con excelentes resultados? En su álbum de presentación dejan entrever un potencial aún por explotar, ofrecen un disco uniforme sin demasiados sobresaltos con momentos dramáticos y cierta épica acentuados por la voz desgarrada del cantante y el acompañamiento en la melodía de un órgano eclesiás-tico. “Spitting Blood” se erige como la canción con más destacable que encontraremos en el disco.


Aidan Moffat & Bill WellsEverything is Getting OlderC h e m i k a l U n d e r g r o u n d 2 0 1 1

Los artistas escoceses Aidan Moffat y Bill Wells se han unido para dar a luz este “Everything is Getting Ol-der”, un disco de instrumentación minimalista que, por momentos, podría ser el reverso británico de Antony & The Johnsons, aunque sin alcanzar la épica y el dramatis-mo del americano. La voz contenida de Moffat esboza alguna oscura melodía, aunque principalmente narra sobre motivos repetitivos de piano y cuerdas que conducen las canciones de una orilla a otra des-pertando quizás más expectación de la que terminan causando. Se echa de menos algún momento de mayor intensidad, pero se deja escuchar.

— M i k e B l u e

Givers In Light V 2 / M u s i c A s U s u a l 2 0 1 1

El quinteto de Louisiana nos presenta su debut tras haber sido focalizados por gran parte de la crítica como uno de los grupos a seguir durante este último año. Su sonido se mueve por un catálogo determinado por sonidos indie-pop-folk, con alegría, con pasión y con ganas de hacer algo grande. No en vano la producción ha sido realizada por Ben Allen, famoso por sus trabajos en grandes como Animal Collective y en reconoci-dos como Deerhunter y mezclado por Chris Coady quién, aporta ese toque fresco y natural apto para las fiestas nocturnas de verano y más allá…


Dos GajosDos GajosA A R e c o r d s 2 0 1 1

Juan Carlos Fernández, ex–guita-rra de Penelope Trip, y Esperanza Collado forman este interesante proyecto en el que utilizan un limitado número de útiles sonoros. Una apuesta por un sonido limpio, acordes en bucle, unas letras intros-pectivas que se repiten a lo largo del tempo de las canciones, de las cuales se desprenden las dudas y el hastío de las eventualidades de una edad madura. Experimentación resultado de la espontaneidad y sensibilidad innata de los artistas en la que entrecruzan sus voces correspondiendo al álbum de una delicadeza que se hace notar de principio a fin.


D I S C O S

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28L a d o s m a g

L a d o s m a g

Shabazz PalacesBlack UpS u b P o p 2 0 1 1

Considerados por muchos como genios consolidados con apenas tres EPs previos, los de Seattle editan su primer monumento en forma de diez impactantes piezas rezumantes de una creatividad carente de todo prejuicio. Ishmael “Butterfly” Butler, alma máter y cerebro de Shabazz Palaces nos factura en este “Black up” unos impresionantes ejercicios sonicos que pretenden y trans-cienden más allá de la conciencia dibujando inframelodías que flotan entres remolinos de loops. El domi-nio absoluto de la mesa de mezclas deriva en toda esta conjugación abstracta de ritmos y texturas con un denominador común que reivindican al hip-hop y son alimentos por el jazz, el dub y sobre todo por un altísimo nivel de experimentación.


Sarah NixeyBrave Tin SoldiersB l a c k L e a d 2 0 1 1

La primera escucha del presente “Brave Tin Soldiers” antes de es-cribir esta reseña me dejó un poco frío… , indiferente. Tras un segundo repaso empecé a reconocer algunas melodías y a apreciar los arreglos que antes no habían llamado mi atención. A la tercera (consecuti-va) y mientras escribo esto, cada canción va cobrando personalidad propia, adquiriendo cuerpo y auto-ridad, consiguiendo con sus sonidos transportarme a décadas pasadas, (sobre todo a la inocencia de los 80), haciéndome sentir una delicadeza que rompe ese muro de hielo que la voz de Sarah puede provocar en primeras escuchas. Destaca “Gathe-ring Shadows”, la sexta pista, con unos melodías cercanas a ABBA, y eso es mucho decir.

— A r t u r o J i m é n e z

City & Colour Little hell V a g r a n t 2 0 1 1

City and Colour es en realidad el juego de palabras elegido por Dallas Green (una ciudad y un color) para dar nombre a su proyecto personal. En su tercer disco, tras “Sometimes” y “Bring Me Your Love”, trata de darle brío a su folk basado en guita-rras limpias aderezadas con una voz potente y clara apostando, a pesar del infernal nombre del disco, por un tono en general más luminoso y una producción clásica, llena de slides guitars y baterías contunden-tes (la principal novedad respecto a sus desnudos precedentes). Con un ojo puesto en el mainstream de rai-ces de, por ejemplo, Kings of Leon, renuncia así a la fragilidad y el tono intimista de sus dos primeros discos, y perdiendo con ello parte del encanto.

— M a n u e l G o n z á l e z M o l i n e r

Death Cab For Cutie Codes and Keys A t l a n t i c R e c o r d s 2 0 1 1

Tras tres años de silencio la banda de Washington saca disco, su sépti-mo álbum de estudio, y con la ayuda de Alan Moulder, pro-ductor de bandas como Depeche Mode, Smashing Pumpkins o Nine Inch Nails. “Codes and Keys” se compone de once canciones limpias, cuidadas, en las que la voz de Ben Gibbons cede protagonismo a teclados, sintetizadores y guitarras. Destacan “Doors Unlocked and Open”, “Portable Television” o la elegida como single “You Are a Tourist”, que prometen ser canciones para despeinarse, y nos muestran su lado más maduro y qui-zás por ello más calmado con “Stay Young, Keep Dancing” o “St. Paul’s Cathedral”. Gran trabajo y que dará que hablar.

— C a r l a L i n a r e s

PallersThe Sea of MemoriesL a b r a d o r 2 0 1 1

Si tener talento, ser musicalmente hablando un espíritu inquieto, y ser el alma máter de una discográfica no es la fórmula del éxito, aunque son ingredientes fundamentales a la hora de alcanzarlo. Johan Anger-gard, líder de Club 8, The Legends y Acid House Kings forma junto a Henrik Martensson el dúo Pallers. Diez canciones (algunas ya las hemos podido escuchar escuchadas en EP’s anteriores) componen este nuevo proyecto, en el que el rey Midas del pop sueco explora su lado más synthpop, haciendo inevi-tables guiños hacia el electropop y el chillwave. “Come Rain, Come Sunshine”, “Humdrum”, “Sound of Silence” o “Wicked” son sólo algunos ejemplos de que realmente es oro todo lo que Angergard toca.


Amon TobinIsamN i n j a T u n e 2 0 1 1

Amon Tobin arrastra consigo el complicado handicap de haber producido tres obras maestras durante sus primeros años, discos que le otorgaron el status de genio y visionario y que provocan, que un disco de tanta calidad como “Isam”, luzca como una ligera decepción a la hora de analizar lo que un personaje como él puede dar de sí. Y sin embargo, “Isam” puede seguir siendo considerado como un trabajo de sobresaliente donde las habituales cualidades de Tobin: el radicalismo sonoro extremo, las texturas digitales cortantes y metálicas, los sonidos obtenidos con cualquier objeto posible y tratados en estudio de manera abstracta y los beats desbocados, permanecen intactas situándole a otro nivel.


Lanterns On The LakeGracious Tide, Take Me HomeB e l l a U n i o n 2 0 1 1

Después de dos Eps muy bien acogidos en su país, este sexteto de Newcastle se aisló en el norte de Inglaterra para dar forma a su primer trabajo. Gracias a una ins-trumentación muy bien escogida y una producción elegante, su música combina con lucidez momentos de deslumbrante desnudez con pasajes de intrincados arreglos de cuerda, percusión y coros. La delicada voz de Hazel Wilde aporta coherencia al conjunto, que mejora ostensi-blemente a medida que avanza. De hecho, son los primeros temas lo más flojito del disco, que evoluciona desde el dream pop cursi de ”Lungs Chicken” hasta la suavidad de la terna final, encontrando en esa quietud el acomodo perfecto para su elevada propuesta.

— I g n a c i o S i m ó n

Sam Brookes Sam BrookesH e l i u m R e c o r d s 2 0 1 1

En la portada de su disco debut vemos a Sam Brookes mirando al cielo con un brillo inquietante en sus ojos que me hace pensar que debe estar viviendo algún tipo de revelación o experiencia espiritual. Y me lo creo porque lo que nos trae debajo del brazo es otra colección de canciones a sumar a la infinidad de trabajos que ahora la multitud de artistas pseudofolkies (o folkies a secas) que han florecido se esfuerza en ofrecernos con tan gentilosa pa-sión. No es que lo haga mal, de he-cho se aprecia su trabajo en la voz y en su instrumento (la guitarra, cla-ro), pero es que ha tenido la mala suerte de aparecer en una época en la que su propuesta no sorprende, y a mi personalmente me provoca una

“inofensiva” irritación.— A r t u r o J i m é n e z

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L a d o s m a g

L a d o s m a g

Bicycle ThiefNotchA u t o e d i t a d o , 2 0 1 1

El vallisoletano David Vila aparca su banda habitual Stealwater para lucir orgulloso como Bicycle Thief, en una época plagada de cinismo donde lo incomprensiblemente habitual es tratar de denigrar la relevancia de bandas como Oasis dentro de la música contemporánea.

“Notch” es una extensa colección de canciones en la que se recupera la influencia palpable de los herma-nos Gallagher y otras formaciones británicas de los 90 como Cast o los olvidados Menswe@r, además de ló-gicos precursores inmortales como Beatles o Kinks. El artista se acom-paña preferentemente de guitarra acústica para alumbrar estribillos inmaculados y una elegancia british que merece aplauso por su sonido honesto y atemporal.

— R a ú l J u l i á n

BongolianBongos For BeatniksB l o w u p R e c o r d s 2 0 1 1

Sin ritmo, no hay funk ni música negra que valga, y Bongolian lo tienen claro. No se andan por las ramas a la hora de fabricar grooves potentes, que se suceden como si se tratara de una sesión de baile ab-solutamente intencionada. Quizás ninguno de los temas pase a la his-toria, pero tampoco creo que exista esa pretensión. Si quieres energía, vitalidad y buen rollo este disco te da eso y mas, a veces soplando un poco de soul, otras coqueteando con la psicodelia del Hammond, pero siempre directo, yendo al grano. Es como alguien a quien ves venir, sin segundas intenciones, sabes lo que puedes esperar de él y cuando quieres, lo tienes, sin rodeos ni complicaciones. Eso se agradece.

— M i k e B l u e

MetronomyThe English Rivera B e c a u s e M u s i c / w a r n e r 2 0 1 1

Los de Devon han sacado disco, su tercer LP, se compone de once temas (perdón, digo temas cuando debería decir temazos) que yendo de menos a más consiguen sacar a la luz nuestro lado más electropop, y consiguen también sacarnos a bailar. Canciones como “Everything Goes My Way” o “The Bay” desprenden buenas vibraciones en cada acorde y en cada segundo; con “She Wants” el cuarteto inglés demuestran que el electro puede ser sexy, y escuchando

“Corinne” es inevitable no darse cuenta de que estás ante un perfecto tema rompe-pistas. Con “Love Underlined” cierran su trabajo más instrumental hasta la fecha, y tras su completa escucha, me deshago en halagos ante Joseph Mount y los suyos.


AustraFeel it breakD o m i n o 2 0 1 1

El debut de los canadienses Austra podría figurar dentro de ese nuevo pop de exuberantes vocalistas femeninas, donde también podrían nombrarse a Florence & The Ma-chine o Likke Li, que encuentran en la operística voz de su cantante su seña de identidad y también su mayor lastre, al abusar a veces de una vocalización excesivamente barroca que resta pegada a las me-lodías. Lo más novedoso quizá está en la base musical, una electrónica fría, cristalina y minimalista, más escorada hacia el primer pop de sintetizadores de Human League o Eurythmics, que los emparentan emparentándoles con grupos como Hurts, que también han rescatado la balada de los ochenta como materia noble.


Sons & DaughtersMirror MirrorD o m i n o , 2 0 1 1

El cuarteto escocés Sons & Daughters opta en esta cuarta entrega discográfica por oscurecer sensiblemente su sonido. La vocalis-ta principal Adele Bethel comparte micrófono con el guitarrista Scott Paterson a lo largo de diez nuevos cortes, interpretando un crudo sonido ochentero de querencia post-punk que los emparenta directamente con sus compañeros de sello The Kills. La banda resulta relativamente creíble dentro de una nueva piel en la que apenas se intuye rastro del ramalazo folk o indie de antaño. El oyente tendrá que trabajar la escucha más de lo habitual para focalizar el interés del álbum, accediendo a una recom-pensa que en anteriores entregas resultaba vistosa y casi inmediata.


Washed OutWithin and WithoutS u b P o p 2 0 1 1

El aclamado americano de veinte y ocho años, Ernest Greene, ha con-seguido con tan sólo tres EP’s que le sitúen a la misma altura que Toro y Moi; para este trabajo se ha juntado con el mismísimo Ben Allen, y nos presenta un álbum de chillwave, que no sólo llama la atención por su más que sugerente portada, sino también por el gusto exquisito de todas las canciones (nueve en total) que hacen de este álbum de debut un conjunto perfecto. Disco para disfrutar de principio a fin, aunque es inevitable no señalar temas como

“You and I”, canción en la que la voz del Sr. Greene nos envuelve acompañado de Caroline Polacheck en una brillante y bonita melodía que promete ser la más escuchada del álbum.


Wye OakCivilianC i t y S l a n g , 2 0 1 1

El dúo de Baltimore formado por Andy Stack y Jenn Wasner se apunta con su tercer disco al numeroso plantel de artistas que siguen las estela de mitos como Cocteau Twins, Galaxie 500 o Slowdive, con una cautelosa mezcla de dream-pop y shoegaze secuenciada en la evoca-dora voz de la propia Wasner. La formación ha evolucionado dejando atrás aquellos comienzos donde el folk era pieza fundamen-tal en su creación, hasta presentar un álbum como “Civilian” que, presumiendo de sólida construcción, adolece de la chispa definitiva que lo destaque por encima de com-pañeros generacionales de similar gusto por la bruma sonora como Blonde Redhead, Beach House o Asobi Seksu.


Ghostpoet Peanut Butter Blues and Melancholy JamD e a d O c e a n s 2 0 1 1

Obaro “Ghostpoet” Ejimiwe consigue con su album de debut alumbrar uno de los mejores traba-jos de todo 2011. Consiguiendo asi encumbrar, como bien se merezen, a las islas británicas como exporta-doras del mejor hip hop urbano y modernizando definitivamente el género. Y lo ha hecho mirando a los ojos de Mike Skinner, de Roots Manuva y de Tricky sin complejo alguno, construyendo un ambiente narcótico altamen-te adictivo, donde el hip hop se encuentra con el pop y juguetea con el dubstep y el trip hop, donde su flow fluye lento y sugerente de-mostrando que su estilo no necesita ni del crimen ni de la violencia para contar historias y transmitir intensas emociones.


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Memory Tapes Placer Piano C a r p a r k 2 0 1 1

El segundo LP de Dayve Hawk, lider de Hail Social, en su andadura en solitario, se reafirma bajo la etiqueta del movimiento Chillwave, asi “Placer Piano” arranca no defraudando en ese sentido. De los altavoces se escucha lo que se puede esperar. Sin embargo según va avanzando hay pequeños detalles que dibujan una sonrisa en el oyente y que salvan de la quema lo que algunos críticos duros podrían calificar como un trabajo sin alma. El optimismo de “Offers”, y los brotes de genialidad de “Trance Sisters” (la mejor del disco), hacen que se olvide a las aburridas “Fell I Know” y “Fell Thru Ice”. En definitiva otro homenaje a Cocteau Twins que aporta algunos momen-tos entretenidos.


Fione Regan100 Acres Of SycamoreH e a v e n l y 2 0 1 1

Cuando un verdadero artista tiene algo dentro que le revuelve sus entrañas y tiene la posibilidad de sacarlo a la luz no suele dejar indiferente a nadie, este es el caso de “100 Acres Of Sycamore” ya que parece ser que el joven Fione tiene mucho en su interior que le inquieta. Además, como por su cara de chico bueno se deduce que es un músico aplicado y estudioso, sabe darle forma a sus composiciones bebiendo de los intérpretes clásicos con asombrosa pulcritud. Las can-ciones están presentadas bajo una producción clásica, tomando ele-mentos de su Irlanda natal, de los trabajos de Tim Buckley (por poner un ejemplo) e incluso de la lírica de Morrisey en algunos momentos. Un trabajo muy digno.


The DrumsPortamentoM o s h i m o s h i r e c o r d s / c o o p 2 0 1 1

La dificultad inherente al segundo disco resultará una criba aun más cruel y afilada si tu pertinente debut terminó convertido en una de las sensaciones de la temporada, con tu banda aclamada como para-digma de modernidad. The Drums superan la prueba de fuego sin deslumbrar pero evitando cualquier atisbo de decepción. Asi el cuarteto se muestra ligeramente menos lumi-noso y hedonista pero manteniendo manteniente intactas las caracterís-ticas que les proporcionaron fama mundial: melodía, ritmo, letras simplistas y canciones pegadizas. Y esa conjunción, concretada en temas como “Money”, “Hard To Love”, o “Book Of Revelation”, dejan escaso margen para la crítica malintencionada.


Kangding Ray OrR a s t e r – N o t o n 2 0 1 1

David Letellier continua en el presente “Or” el camino anterior-mente iniciado con el abrupto y aplastante ep “Pruitt Igoe”. Un camino que discurre por la senda de la abstracción techno más qui-rúrgica y gélida, la que nos refiere a la seña de identidad sonora del sello donde publica, Raster-Noton, y al del techno finés de Sähko. Que alu-de sin titubeos a la decadencia de la presente civilización moderna y que avanza entre texturas digitales y beats aplastantes, entre ambien-tes opresivos y atmósferas tensas, cortantes. Pura arquitectura sonora que confirma a Kangding Ray como uno de los artistas más interesantes y recomendables de la presente escena actual del techno de bajas pulsaciones y estética fría.


Housse de RacketAlesiaK i t s u n é 2 0 1 1

El dúo de indie – pop francés regresa al panorama musical de la mano de la maison Kitsuné, y lo hace con un álbum más synth que pop, pero de una calidad mayuscula tal, que será un “indie-spensable” para todo indie que se precie. Un total de once canciones y tres demos hacen de este magnifico álbum un básico en las pistas de baile. Melodías luminosas de ritmos bailables y para todos los gustos. Con su single “Roman” han abierto el apetito y el plato ha sido excelen-te. Canciones como “Aquarium” ,

“Chateau”, “Apocalypso” prometen ser totalmente hits incendiarios. Está claro que lo del savoir faire no es broma, y a Pierre Leroux y Victor Le Masne les sobra. Bon apetite!.


Det Vackra Livet Det Vackra Livet L a b r a d o r 2 0 1 1

El proyecto paralelo de Philip y Hendrick Eckström, conocidos al frente de The Mary Onettes, sigue el camino marcado por su banda hermana con un sonido de clara inspiración ochentera. En esta ocasión el resultado marcadamente más brillante, nos trae ese carácter melancólico y nostálgico que inten-ta acercar el sonido de The Cocteau Twins a nuestro tiempo, pero sin alcanzar tan meritorio objetivo pues el uso indiscriminado de largas colas de reverb acaba por abrumar al oyente generando cierta sensación mareante. Sólo la voz en sueco de Philip, a medio camino entre Ian McCulloch y Robert Smith aporta ese grano de originalidad que no encontraremos en la música.

— I g n a c i o S i m ó n

Chad VangaalenDiaper IslandS u b P o p 2 0 1 1

El artista canadiense Chad Van-gaalen no para de sorprender, una vez fuera de su retiro espiritual en tierras perdidas, continua con su prolífica actividad mas alla de su sótano para deleitar nuestros oídos con un álbum que no dejará indiferente a nadie. En “Diaper Island” da cabida una amplía paleta de sonidos, desde destellos punk que aparecen en “Freedom For a Policeman”, pasando por su faceta folk con la que abre el disco en canciones como “Do Not Fear” o la cautivadora “Sara” hasta un guiño electrónico y experimental en “Can You Believe it”, una clara muestra de la versatilidad y la capacidad de creación de un artista que desde el terreno underground está dando mucho que hablar.


Comet GainHowl of the lonely crowdF o r t u n a P o p ! R e c o r d s 2 0 1 1

¿Qué tendrá el indie pop de toda la vida que todavía me hace sacudir el cuerpo? El nuevo disco de los ve-teranos Comet Gain es un “más de los mismo” glorioso. Parece que el viejo Edwyn Collins (Orange Juice), aquí productor, simplemente les ha dejado hacer; y así, las guitarras sucias y nerviosas, los tecladillos brillantes, los ritmos descacharra-dos y las melodías enormes y muy mal cantadas van dando lugar, como quien no quiere la cosa, a trece canciones sin desperdicio. Desde el enérgico comienzo con “Clang Of The Concrete Swans”, hasta el final, con la emotiva “In A Lonely Place”, todo tiene enjundia. Casi veinte años después de su forma-ción, vuelven a dar una lección de como se hacen las cosas.


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Blood Orange Coastal GroovesD o m i n o 2 0 1 1

Escúalido debut el de Blood Orange. Deslabazada colección de canciones que tienen en la voz aterciopeleda de Devonté Haynes, su mejor baza. En general las com-posiciones asumen escasos riesgos, empiezan tirando de punteos surferos y arpegios de rock and roll cincuentero bastante sobados y aca-ban en una especie de indie-house que jamás supera la comparación con Caribou. Las canciones más inmediatas, como “Forget It”, abu-san de bases machaconas y líneas gruesas de bajo que parecen inten-tar explotar el tirón de The Drums sin la frescura de estos, y los medios tiempos desérticos como “Can We Go Inside Now”, se quedan en correctos. Intenta tocar todas las flautas a ver si alguna suena.


Mister HeavenlyOut Of LoveS u b P o p 2 0 1 1

Tres músicos provenientes de Modest Mouse, The Unicorns y Man Man, se unen para traernos doce canciones sin complejos bajo las directrices de un rock desen-fadado y divertido ante todo. Eso no significa que sean el alma de la fiesta, sino más bien que se nota que se lo han pasado bien trabajando en este disco, sin tensiones ni dramas existenciales. Por momentos es la línea de bajo la que mueve tus pies, para pasar a transportarte a los años 50 con unos golpes secos de caja, cuando de repente todos a coro reivindican su papel en la banda. Con algunos pasajes mejores que otros, “Out Of Love” es un disco que puede entretener, aunque le falta la solidez de un proyecto más comprometido.


Male Bonding Endless NowN o Q u a r t e r R e c o r d s 2 0 1 1

Su primer álbum de 2010 “Nothing hurts” fue de lo más destacado en la escena garaje punk actual lo cual les valió la confianza suficiente para viajar a Seattle y firmar un buen contrato con Subpop. “En-dless now” editado de nuevo en el mítico sello y cuna del grunge y ahora abanderado de la cruzada garajera, vuelve a confiar en el trío londinense para formar junto con Jaill y No Age el tridente noise más prometedor de la actualidad. Los doce temas que forman parte del disco tienen cabida en multitud de oídos debido a la clarividencia sónica que han logrado en parte gracias al productor John Agnello (Dinosaur Jr.) y que les ha alejado del lo-fi cultivado en sus cercanos orígenes.


Cloud Control Bliss Release P I A S , 2 0 1 1

El debut firmado por la banda australiana Cloud Control resulta apropiado para acompañar a los últimos rayos de sol plenamente veraniegos de la temporada. El cuarteto ha alcanzado cierto éxito en Inglaterra gracias a un decálogo luminoso, místico y aparentemente despreocupado, de sonido cercano al de formaciones reputadas dentro de la escena actual como Fleet Foxes, Midlake o Grizzly Bear, sin desperdiciar la ocasión de tributar a Talking Heads en la fantástica

“This Is What I Said”. Quizá nos encontremos ante el típico grupo que nadie recordará pasados unos meses, pero de momento el álbum funciona sin fisuras y mejora a cada nueva lectura gracias al sucesivo descubrimiento de sutiles detalles.


dEUSKeep You Close[ P I A S ] , 2 0 1 1

Los belgas dEUS siguen resultando una apuesta segura en cuanto a calidad y buen gusto. La intensidad de los casi seis minutos que abren y dan título al sexto disco de estudio de la banda atrapan firmemente a un oyente que no resultará liberado hasta que la insinuante “Easy”, úl-tima pieza de la presente obra, deje de sonar. La formación encabezada desde hace casi dos décadas por el vocalista y guitarrista Tom Barman nos ofrece en su ultimo trabajo una valiosa lección de integridad, nervio, elegancia y fuerza, que se concreta en nueve canciones extensas y un álbum de tal solemnidad que acon-goja a cada nuevo pase. Simplemente soberbio, “Keep You Close” apunta muy alto en la lista de imprescindi-bles de la temporada.


Bon IverBon IverJ a g j a g u w a r - 2 0 1 1

Enorme ha sido la expectativa generada en torno a la edición del nuevo trabajo de Justin Vernon. An-tes de este disco, este originario de Wisconsin amante del invierno con tan sólo un precioso LP y un EP lle-no de extrañas atmósferas hizo que público y crítica se percataran de la necesidad de tener un ojo puesto en él y su música. En el nuevo disco Bon Iver sigue por su camino hecho de hierba y de ambientes etéreos, de voces celestiales y complejos arreglos. La solitaria calma que irra-dian las canciones de Bon Iver se hace materia sonora en este trabajo, más eléctrico que los anteriores, pero igual de sincero. Aunque muchos califican a su música como folk, esta cronista encuentra más justo llamarla post rock.

— P a t r i z i a L o r u

Zomby Dedication4 A D 2 0 1 1

Zomby debuta en el icónico sello 4AD con un experimento exquisito que juega con el concepto del teaser, con incomodar al oyente llevándolo hasta el climax y abandonándolo sin contemplaciones en un salto precipitado al vacío donde el silencio llega antes de tiempo. Dieciséis geniales bocetos de ideas que nos hacen desear más aún, poder oirlas terminadas en directo, en un club o donde sea. Ideas con las que Zomby se legitima como uno de los productores que más tiene que decir y que más en forma está, como icono de un universo sonoro al que nadie se asemeja. Nadie mejor que él, para reescribir la música de club a través de su impecable amalgama de sonido rave, dubstep, ambient, chiptune y witch house.


Fruit Bats TripperS u b P o p 2 0 1 1

Eric D. Johnson es uno de los artis-tas que más están creciendo dentro de la escena indie norteamericana. A parte de ser el líder del quinteto de Chicago ejerce funciones como compositor de bandas sonoras ajenas y propias, como es el caso de este “Tripper”. En el se puede distinguir el polvo seco frotandonos en la cara, la luz solar atravesan-do los parpados y una inusitada dulzura agitando suavemente nuestros timpanos al disfrutar de las ideas plasmadas en preciosos temas dignos de un postmoderno cantautor. Melodias acústicas aderezadas con sinceros juegos de voces y preciosistas teclados poco abrasivos describen un viaje por el clima desértico pero agradable. Sin duda una banda en pleno ascenso.


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Lados mag premia tu fidelidad, regalando 5 packs de botellas de vino de la colección especial Artelados para Bodegas y Viñedos Neo (bodegasneo.com), personalizadas con diseños originales. Para entrar en el sorteo, envía un correo electrónico a [email protected] incluyendo en el mismo el nombre del artista musical que protagonizó la portada del número 18 de Lados mag. Los ganadores del sorteo anterior son: Ruth Garcia, Paula Fernandez, Daniel Iglesias Prieto, Álvaro Barcina Fustel y Cristina Esteban.

En esta ocasión, el invitado Isidro Ferrer Soria es miembro fundador del grupo Camaleón (1990). En 1996 establece su propio estudio en Huesca desde donde desarrolla su trabajo en el entorno de la gráfica. Cuenta con varias publicaciones y su obra a sido objeto de multiples exposiciones. La pieza que presenta en exclusiva para Artelados supone la materialización de la fusión entre la espiritualidad o lo efímero del arte y su verdadero origen o motor que es el propio ser humano. Así ambos encuentran la simbiosis perfecta representada entre el fémur humano y el mástil del violonchelo para generar una figura que busca la perdurabilidad en el tiempo. Su portfolio en www.isidroferrer.com incluye una extensísima muestra de piezas, así como mucha más información sobre su trabajo.

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Jean Jul l ien es un joven i lustrador y diseñador gráf ico francés res idente en Londres . Sus trabajos van desde la i lustración a la fotograf ía , e l v ídeo, vestuario, insta laciones , l ibros o carteles . Todos e l los dotados de una creat iv idad desbordante y un toque de humor, que le han convert ido en un art i s ta mult idiscipl inar sobresal iente . Charlamos con él con motivo de la presentación de su últ imo trabajo, “El Banquete”, en e l c ircuito de propuestas art í s t icas Arenas Movedizas que por 10º año consecutivo acerca a Gi jón a a lgunos de los art i s tas jóvenes más interesantes para que inter vengan sobre un espacio tan impactante, como las ant iguas cocinas de la Univers idad Laboral .

¿Cuáles son tus principales referencias? ¡Muchas! Eames, Jean Jacques Sempé, Saul Bass, Alvin Lustig, Raymond Savignac, Charles-Édouard Jeanneret, Henri Matisse, Jean Cocteau, Tomi Ungerer y Georges Nelson. También suponen una inspiración cada vez mayor las imágenes al azar y las serendipias en internet.

Tu trabajo destaca especialmente por la simpli-cidad y la pureza de las formas y los colores, tu trazo es sencillo y muy potente. ¿Qué te empuja y te inspira a dibujar de ésta manera? ¿Cómo has conseguido desarrollar un estilo gráfico y artístico tan marcado? Cuando estaba estu-diando solía dibujar sólo en blanco y negro y un día mi tutor me sugirió que lo intentara en color por una vez, para poder ver que aportaría el color a mi trabajo. Me hizo esta sugerencia a la vez que me mostraba el trabajo de Milton Glaser así que lo intenté y fue como abrir la caja de pandora. El color añadió capas y profundidad a mis imágenes. Cada color conlleva fuertes connotaciones cultu-rales y emocionales. La simplicidad de las formas es justo lo que me gusta visualmente. Una de las cosas que más me gustan del dibujo es la síntesis. Me fascina como los dibujos parecen necesitar re-sumir el paisaje visual. El mundo está demasiado lleno de cosas y elementos, así que es necesario limpiarlo de las cosas innecesarias y elegir qué debe mantenerse con el fin de representar algo correctamente, con sólo la cantidad exacta de in-formación que es a la vez estética y sin embargo, fiel a la idea original. Sobre el estilo… creo que es importante que la gente reconozca mi trabajo y que sean capaces de identificarlo como mío pero espero que posea el balance exacto entre identi-dad y sorpresa. Es muy bonito el reto de intentar llevar a cabo tus ideas y tu forma de pensar como estilo, más que tus propias imágenes. Me pregun-to si es realmente mi meta: crear un gran registro de proyectos que excite al público y le sorprenda mientras se mantiene único y reconocible.

¿Qué sensaciones tratas de despertar en el pú-blico con tu obra? ¿Qué importancia das al espectador cuando te lo imaginas observando tus trabajos? Comunicar ideas y mensajes a la gente de una forma entretenida. Siempre intento ofrecer diferentes niveles de lectura de mi trabajo. Tonos y subtonos. Creo que es importante mirar a nuestro alrededor, como diseñadores, y aprender lecciones de la publicidad comercial y de cómo

ésta influye en la gente. Las grandes marcas pue-den comunicar cualquier cosa a cualquier per-sona. Lo hacen para vender y hacer dinero, algo debatible. Y como en cualquier otro ámbito, sigue unos patrones y un sistema que puede ser desci-frado y aplicado a comunicar otras cosas. El éxito no está en engañar a la gente, sino en hablarles en un lenguaje que entiendan. Se trata de evitar el hacer arte sólo para artistas y establecer un diálo-go con la mayor parte del público posible, de una forma atractiva.

Otra característica fundamental y sobresaliente de tu obra es la potencia de las palabras y los mensajes escritos expresados con tipografías hechas a mano. ¿Qué es lo que te motiva para expresarte de ésta manera? Adoro las palabras. Casi tanto como las imágenes. Siempre he estado fascinado por el lenguaje y siempre escribo mu-cho en mi cuaderno de bocetos. Las connotacio-nes culturales de las palabras me permiten jugar con las cosas con las que no puedo jugar cuando sólo utilizo imágenes. Aunque la dificultad va en aumento. El anuncio “In your face” provocó varios malos diseños basados en las palabras. Aho-ra siempre cuestiono mis juegos de palabras y me pregunto si son de mala calidad o no. Mis amigos más cercanos se burlan de mí por esto y tengo que agradecerles que lo hagan porque odio terminar creando bromas pesadas que puedan ser pues-tas en camisetas. Siempre siento envidia cuando examino internet y encuentro títulos de libros fascinantes y pegadizos. No son necesariamente divertidos pero sencillamente suenan muy bien. Creo que esto me hace lleva a intentar hacer cosas más poéticas.

Nike, BMW, The Guardian, The New York Times, The Pompidou Centre…. Son algunos de tus mayores clientes. ¿Qué nos puedes con-tar sobre tu trabajo para ellos? Ha sido genial. Es bueno trabajar para nombres tan icónicos y espero que ocurra de nuevo. Todos éstos proyec-tos han sido muy diferentes: una pieza para una exposición para Nike, ilustración para BMW, anuncio fotográfico para The Guardian, poster para el centro Pompidou…. Así que es difícil hablar específicamente pero en general tengo que decir que es muy interesante trabajar para estas grandes instituciones y ver como trabajan ellos. Además te hace sentir muy bien, como diseñador joven supone un grandísimo estímulo.

Y qué nos puedes contar acerca de cómo es trabajar en tres campos tan diferentes como el comercial, el editorial y el cultural. Son tres áreas muy diferentes del diseño y la ilustración. El balance exacto entre ellos es esencial. No creo que pudiera limitar mi trabajo a sólo una disciplina. El campo co-mercial requiere eficiencia y está limitado a obedecer a ciertas reglas. El área editorial es muy interesante porque el artista es mucho más libre pero el tiempo supone un reto ya que hay que ser rápido para llegar al cierre. Es un campo muy duro a nivel intelectual ya que requiere de buenas ideas, a menudo dotadas de humor, que reaccionen a algo que acaba de ocurrir. Es también el objetivo de un público muy amplio así que debes ser respetuoso y con buen gusto. El campo de la cultura también es genial ya que en general tienes que hablarle a un público que es receptivo al arte así que puedes sentirte un poco más cómodo. Las tres son grandes áreas para trabajar. Es el equilibrio entre éstas tres disciplinas lo que es más excitante.

También trabajas el vídeo en colaboración con tu hermano, el músico Niwouinwouin. ¿Que nos puedes contar acerca de tu experiencia en éste campo y sobre cómo es el dotar de movi-miento a tus ilustraciones? Es genial porque siento que es la continuación lógica a mis investi-gaciones sobre la ilustración y el volumen. Antes dibujaba en el espacio y ahora siento que dibujo en el espacio y el tiempo al mismo tiempo. Mi her-mano y yo hemos empezado a trabajar juntos de una forma mucho más oficial bajo el nombre de Jullien Brothers. Más que quedarnos en la anima-ción, tendemos hacia las acciones en directo uti-lizando objetos y disfraces que lo hagan todo muy gráfico y misterioso. Es importante para nosotros que la transferencia al video no mate la esencia de nuestro trabajo como dúo o el propio de cada uno.

Las tres dimensiones son también otro campo donde te gusta desarrollar tu trabajo, a través de instalaciones donde consigues recrear tu mundo. “El Banquete” es una de ellas y precisa-mente la que podemos visitar en Gijón. ¿Porque empezaste a trabajar también sobre el espacio y que nos puedes contar sobre El Banquete? Cada ilustrador imagina sus personajes como personajes 3D al dibujarlos, pero debido al medio,

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el resultado siempre es en dos dimensiones. Es un poco paradójico y es la razón de que empezara a tra-bajar en ello y a tratar de dar a mis personajes vida tanto como pueda haciéndoles existir en el espacio.

El Banquete es una instalación creada en las cocinas de la Universidad Laboral para Arenas Movedizas. El espacio es fantástico y transmite mucha historia así que era algo que no podía eludir. La pieza presenta 10 personajes de tamaño real hechos en tela. Ellos son parte de una oscura y secreta sociedad, que se sientan alrededor de una mesa para discutir el futuro social, econó-mico y político de Asturias. Han escrito un ma-nifiesto que demanda la creación de una nueva moneda, que renace de las cenizas de una econo-mía europea despedazada: el Din€uro. Es impor-tante para mi, cuando hago una exposición, que el trabajo presente una conexión con el lugar

donde es creada. Asturias es una región fascinan-te así que tuve mucha suerte. La actual crisis fi-nanciera que ruge en Europa era perfecta. Crea el entorno adecuado para las teorías populares de la conspiración y paranoia. El Banquete es la ma-terialización de los demonios tecnócratas que se encuentran en la oscuridad conspirando para be-neficiarse de la crisis. Todo es muy metafórico. He añadido ciertos detalles para dar pistas de la na-rrativa que está sucediendo, aunque quería darle al espectador la posibilidad de leer su propia his-toria. Y para equilibrar la seriedad del tema (po-lítica y economía) he utilizado coloridos muñecos rellenos que crean una grotesca combinación con sus corbatas y trajes. De alguna manera, ésta ins-talación utiliza el mismo proceso que muchas de mis imágenes (un resultado visual muy colorido y gráfico con un contenido profundo) pero en 3D.

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Is idro Ferrer es uno de nuestros i lustradores más internacionales , con un concienzudo trabajo que se mueve entre lo artesanal y lo art í s t ico s in dejarse int imidar por las et iquetas . La metá-fora v isual , la i ronía y e l componente objetual y matérico, son el se l lo personal de sus imáge-nes , que en muchos casos se ponen al ser vicio de la palabra haciendo obra e l verbo “i lustrar”.

Sabemos que acabas de volver de Buenos Aires donde has participado en el Taller de diseño e ilustración. “Hacer Letras Con Cosas, Hacer Cosas Con Letras”. Cuéntanos cómo ha sido la experiencia y el por qué de este título. El taller fue organizado por la asociación “Tipos Latinos” que nació en Méjico de la mano de una serie de tipógrafos y tiene sede en varios países latinoamericanos. Ellos me solicitaron que realizara el taller aprovechando que iba a dar unas conferencias en un encuentro organi-zado por la Universidad de Palermo. Buscaban que lo acercara al territorio de su actuación, sabiendo que trabajo con materiales básicos y de deshecho. El título no lo puse yo, y fue más bien un pretexto: aunque trabajamos un poco con tipografía casual y con textos y sus significados al servicio de la morfología de los tipos, el taller fue muy lúdico, muy divertido. Nos centramos en la materia, de hecho teníamos montañas de “basu-ra”, a partir de la que se generaron una cantidad de imágenes increíbles. Yo les proponía nuevos ejercicios constantemente, lo cual exigía mucha rapidez y muchos desplazamientos de un territo-rio a otro. Fue un trabajo de una enorme intensi-dad, con setenta y cinco personas en cada taller, trabajando ocho horas en dos días, cuatro horas cada día.

El año pasado te encargaste de la señalización para el Pabellón de España en la Exposición Universal de Shangai, un proyecto realizado ín-tegramente en cartón. En este caso la tipografía era la esencia misma de la obra, pero ¿qué papel le concedes en otros proyectos? Me ha intere-sado siempre mucho el mundo de la palabra, de la letra, pero siempre más como significado que como forma. Estoy más cercano al campo de la semántica que al de la morfología. La tipografía me interesa muchísimo, pero entiendo que es una dimensión del diseño gráfico muy específica y con una parte de muchísimo rigor. A mí me gusta más el juego y la traslación de significados. En el caso de los carteles lo que me interesa mucho es que a nivel plástico todo funcione bien, que se entien-da de manera unitaria imagen y texto. Lo que me gusta mucho es la relación que se establece entre lo que dices y cómo lo dices, y cómo se utiliza la imagen para resaltar los contenidos semánticos de la comunicación. En cuanto a la experiencia de Shangai, la verdad es que fue un regalo. Yo nun-ca había hecho una señalética y fue un reto muy bonito, que me condicionó y me llevó a bucear en un territorio que no es el mío. Lo que hice fue establecer una relación muy intensa con la arqui-tectura, que contaba con una cubierta de juncos,

un material natural por el que pasa el tiempo, y que teniendo en cuenta que la exposición se va a desmontar en seis meses, es un material reciclable. El cartón me pareció un elemento que dialogaba muy bien a nivel tonal y matérico con esta arqui-tectura. Para mí lo más interesante fue el proceso de investigación, la búsqueda de fórmulas para intervenir con el cartón de manera que el resultado fuese funcional.

Uno de tus trabajos más conocidos son los carteles que desde 2006 vienes diseñando para el Centro Dramático Nacional, tuyas son también cubiertas de las novelas de A. Burgess en la Colección Vintage y de la Colección Clásicos Universales de Santilla-na, por no hablar de las decenas de libros en los que has colaborado como ilustrador. En todos estos casos sintetizas en imágenes contenidos literarios ¿Cómo es el proceso que te lleva de la palabra a la imagen? La clave es generar imágenes que se pongan al servicio del texto. Al fin y al cabo la ilustración es eso, el sentido etimológico de ilustrar es iluminar, dotar de significancia un texto. Para ello hay que ver qué elementos son sustanciales en las piezas dramáticas o en los libros y con cuáles puedes jugar para que se pongan servicio de lo literario, pero también se construya una imagen que pueda generar curiosidad, servir como elemento comunicante, como elemento significativo, y que también funcione a nivel gráfico.

Muchos de tus diseños se basan en un trata-miento irónico de los objetos concediéndoles un significado que se aleja del cotidiano ¿Piensas que ésta es una de las claves de la universalidad de tu obra, que ha sido expuesta en lugares tan dispares como Perú, Croacia, Francia o EEUU? Leer imágenes exige un cierto esfuerzo y conoci-miento de los valores significativos. Creo que en nuestra cultura visual los latinos tenemos un jue-go objetual bastante rico que viene de la tradición. Y ahí desde el surrealismo hasta Chema Madoz, hay un juego con el equívoco, con el objeto y con la significancia del objeto muy interesante. Y yo lo que hago es participar con esa corriente y pro-yectarla hacia el diseño gráfico. Así adquiere un valor distinto, un valor añadido ya que el objeto se vincula al mensaje. Cuando se trabaja con una traslación de significados de un objeto y lo acom-pañas con palabras que pueden servir como pun-tos de apoyo o de contraste, consigues amplificar el mensaje haciéndolo universal.

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Para el “Calendario Mobles 114 2004” realizaste doce máscaras para doce amigos, utilizando para ello objetos cotidianos ¿Qué es lo que te atrae de la idea de máscara? Lo de las máscaras viene por mi vinculación con el teatro. Yo tengo una formación teatral, no tengo una formación de diseñador, ni una formación visual, sino que estudié teatro y durante seis años me dediqué a ese mundo, hasta que fui olvidan-do el teatro y pasando a la ilustración y al diseño gráfico. La más-cara a nivel conceptual me interesa mucho: cómo las personas van construyendo distintas máscaras para poder transitar sin excesiva vulnerabilidad por la vida. Todos tenemos distintas máscaras con las que habitualmente nos protegemos y nos relacionamos en función del interlocu-tor. El teatro trabaja con esa herramienta: con la posibilidad de crear personalidades. En este caso era un juego, el de crear una máscara para cada amigo conforme a su personalidad con el condicionante del elemento de reciclaje.

El año 2000 fuiste galar-donado con el premio Promax de animación y re-cientemente has diseñado los títulos de crédito de las películas “Que Se Mueran Los Feos, Fuera De Carta Y Al Final Del Túnel”, ¿no te ha picado el gusanillo de la animación? ¿Nos sorprenderás con un cor-to? Me encantaría hacer un corto. Es una promesa a lar-go plazo. Me gustaría mu-chísimo experimentar con el lenguaje cinematográfico que para mí es el compendio de todas las artes. Es verdaderamente rico expresivamente porque tie-ne la parte plástica, el movimiento, lo narrativo, la interpretación, el sonido, el ritmo, y cuando todo eso funciona como un conjunto homogéneo, el resultado llega a lugares donde no llegan otras artes estáticas.

Entre tus últimos trabajos se cuenta la cubier-ta para el libro “Diseñando Con Las Manos: Proceso Y Proyecto En La Artesanía Del S.Xx” y el cartel para la exposición colectiva “We The Designers” en el Nactional Press Club de Nue-va York ¿Crees que en el panorama actual cabe todavía establecer una división entre arte, arte-sanía y diseño, o los límites se difuminaron hace

tiempo? Las definiciones ayudan a catalogar, a ordenar, nos tranquilizan. Pero en estos momen-tos se están transgrediendo tanto los límites de las diferentes disciplinas que yo hablaría de “expre-siones”. Hay diferentes tipos de expresión, dentro del diseño gráfico hay gente que se expresa de una manera más personal, más próxima al arte,

y gente que se expresa de una manera más orto-doxa cercana a los parámetros estipulados que le confieren al diseño gráfico unas pautas muy con-cretas. El aspecto transgresor y juguetón lleva a contaminar las distintas disciplinas con elementos que vienen de otras. A mí no me interesa mucho si una cosa se llama “arte”, “diseño” o “artesanía”. Cuando me preguntan si soy artista, yo siempre

digo que no. Yo utilizo herra-mientas artísticas al servicio de lo comunicativo. La in-tención es siempre la de co-municar un mensaje, pero a veces utilizo la posibilidad de generar un cierto discurso en un entrono como es el del di-seño gráfico para trasladarme a territorios que me interesan personalmente.

En varias ocasiones has creado carteles apoyando causas sociales. En el último de ellos reclamas democra-cia real, afirmado que “no somos mercancía en manos de políticos y banqueros” ¿Piensas que cierto arte supuestamente provocador ha quedado reducido a mercancía? Podemos pelear muy poco contra el mercado. Hemos establecido unas reglas del juego totalmente equivocadas y nosotros somos parte de esas reglas del juego, pero existe la po-sibilidad de poder variarlas porque esto es una evolución constante y la evolución im-plica que somos capaces de aprender de nuestros errores para que haya cambios y mejoras. En estos momentos la situación es conflictiva y dramática porque después de generaciones que han luchado por los derechos de los ciudadanos, lo político ha perdido valor, y se ha visto suplantado por el orden eco-nómico y de las finanzas, que ha establecido sus normas de juego que han afectado los principios básicos de las sociedades civiles. Es ahí

donde los ciudadanos tenemos que actuar. En el caso de los diseñadores, nosotros tenemos las herramientas para generar mensajes reflexivos o críticos con el sistema con los que apoyar a movimientos sociales. Todas las actitudes indi-viduales sumadas conforman una gran fuerza de expresión que a la larga que tiene mucho poder.

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Rosh 333 es un art i s ta urbano, i lustrador, diseñador gráf ico . . . Nacido en Al icante en 1977, sus trabajos representan su v is ión personal del mundo que le rodea . Sus apt i tudes naturales para e l dibujo, su curios idad por la cultura v isual y su experimentación constante le convierten en un creador camaleónico capaz de adaptarse y expresarse en dist intas discipl inas . Su obra en una constante evolución, caracterizada por la ut i l ización del blanco y negro para crear textu-ras y f iguras con elegante s implicidad. En su parte más experimental juega con el color y con formas abstractas que recrea sobre di ferentes soportes . Actualmente res ide en Madrid donde combina su act i-v idad profes ional como diseñador gráf ico e i lustrador con su trabajo más personal tanto “en la cal le” como en espacios exposit ivos . Podremos dis frutar de su obra en Montana Gal ler y Barcelona hasta e l diez de octubre .

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¿Qué supuso “Biutiful” en su carrera? ¿Ha sido un cambio natural de medio, siendo una actriz más dedicada al teatro? Supuso, ante todo, la posibilidad de interpretar un personaje complejo, muy rico por sus claroscuros, por su naturaleza contradictoria, por su descarnada coyun-tura, fruto de la patología que padece, y de la desigualdad social, tan tristemente común en los tiempos que corren. Supuso además, el ejercicio de medirme con uno de los colegas más talentosos del cine actual, un actor de la talla de Javier Bardem. Y por último, supuso un gran desafío en términos de aprendizaje y adaptación a un lenguaje y a una manera de trabajar que no habían sido, hasta entonces, las habituales para mí. Por todo esto, le estaré siempre agradecida a Alejandro González Iñárritu, pues gracias a la osadía que demostró al elegir una actriz de amplia trayectoria teatral, pero escaso tránsito por los sets internacionales, tuve la oportunidad de que mi trabajo cobrara un tipo de visibilidad que todos mis años de teatro no me habían dado.

“Biutiful” ha sido también un salto en cuanto a fama internacional. ¿Cómo lo lleva? Lo del “sal-to” voy a relativizarlo. Y lo digo sin falsa modestia. Hasta aquí todo ha requerido un gran esfuerzo y no pocos sacrificios. Es cierto que “Biutiful” ha abierto las puertas a algunas propuestas laborales que son bienvenidas y agradecidas, pero eso no significa, ni remotamente, que no haya que seguir dado ‘la pelea’ en este terreno tan escurridizo, tan inestable, que es la profesión.

¿Qué ha supuesto la llamada de Woody Allen para trabajar con él? ¿Qué expectativas tiene? ¿Qué espera encontrar y aprender? ¿Qué es lo cree que puede aportar al proyecto? Sin duda es una situación extraordinaria, maravillosa para mí, poder trabajar con el maestro, a quien tuve el placer de conocer en una breve entrevista en Nueva York. Mi participación es pequeña, así que no quiero presumir de más, pero puedo asegurar que por momentos me siento como Cecilia, per-sonaje adorable de “La Rosa Púrpura Del Cairo” cuando es invitada a ingresar al mundo mágico de la ficción y a ser parte de la película que ella está admirando como simple espectadora. El maes-tro me ha regalado la oportunidad de hacer algo en su película que se aleja mucho, pero mucho,

de lo que he hecho en “Biutiful”, así que esta vez me toca aportar todo mi histrionismo pero en fa-vor de un personaje que transita los bordes de la comedia y no de la tragedia.

El director y guionista argentino, Gabriel Nesci, también cuenta con su colaboración en su opera prima en el cine, “Todo Lo Que Necesitas Es Amor”... Sí, arrancamos con el rodaje en octubre, en Buenos Aires. Debo ser cautelosa y no adelan-tar demasiado del argumento del film, pero sí pue-do decir que indaga en los vínculos afectivos de un grupo de amigos que pertenecen a la genera-ción de los que transitan hoy la treintena y cuyas historias y problemáticas están atravesadas por va-rios tópicos como el compromiso que implica un proyecto amoroso a largo plazo, el individualismo, la búsqueda del ser amado, de la vocación, de la supervivencia, etc. Se trata de personajes cuyo denominador común es la búsqueda de la felici-dad, el anhelo de encontrar el amor, de construir vínculos sólidos que se conviertan en los cimien-tos que los sostengan en el futuro. Todo esto, está contado con mucho humor y con mirada lúdica. Ese será el tono.

Con tan diversa e intensa trayectoria como ac-triz, ¿en qué medio se siente más cómoda? ¿Qué particularidades destacaría de cada uno de los dos medios sobre los que cimienta su futuro? Yo soy básicamente un animal de teatro. Mi cuerpo, mi voz, mis pensamientos… Todo se adapta des-de el minuto uno a ese espacio-máquina poética que es el escenario. El cine me resulta un ejer-cicio fascinante y exigente. “Biutiful” fue como hacer un curso intensivo, por todo lo que pude aprender en esos cuatro meses tan intensos de ro-daje. El teatro es el territorio del gesto expandido, el cine, el del gesto contenido. En el teatro los cuerpos y el aparato psíquico y emocional son exigidos al máximo de sus posibilidades en el aquí y ahora de la representación (o presentación, con-cepto al que yo acudo con mayor frecuencia por el tipo de teatro más preformativo que hago), el vivo genera un acontecimiento de comunicación con el público presente que es único e irrepeti-ble; mientras que el cine demanda del intérprete una economía en el despliegue de sus recursos expresivos, una mayor concentración hacia aden-tro de sí mismo (las distracciones pueden ser muchas) y una relación con la cámara, que oficia de médium a través del cual hay que comunicar, muy simbiótica.

A medio camino entre Argentina e I ta l ia , pi l lamos cas i a l vuelo a Maricel Álvarez, actr iz bo-naerense . El rostro de Maricel empezó a dibujarse en la mente del gran públ ico “por culpa” de Alejandro González Iñárri tu, a l interpretar e l papel de Marambra en “Biut i ful”. Pero su carrera no empieza ni termina con este f i lm. En su maleta se van acumulando otros proyectos c inematrográf icos como el rodaje de “Bop Decayeron”, la úl t ima pel ícula de Woody Al len, en-tre otros . Maricel comenzó en el teatro y con el teatro s igue, compatibi l izando esta act iv idad con la danza y la enseñanza .

Desempeña una gran variedad de trabajos (profesora, coreógrafa, actriz de teatro, de cine...) y todos con un nexo común, que es el de la interpretación. ¿Cómo es comple-mentar todo esto? ¿Cada uno le sirve para aportar algo al otro? Bueno, la diversifica-ción, más que una elección, al principio fue una necesidad. Estaba claro que solamente como actriz de teatro independiente y expe-rimental no iba a poder vivir. La enseñanza siempre es un recurso digno y muy valioso con el que contamos muchos artistas. Sobre todo, cuando tenemos muchos años de for-mación y una experiencia profesional que podemos compartir. Porque es así como yo entiendo la docencia. La danza fue siempre para mí un complemento riquísimo a mi labor como actriz. Nunca abandoné el en-trenamiento, sigo tomando y eventualmente dando clases. Pero desde hace ya algunos años estoy trabajando en colaboración con los intérpretes-bailarines, desarrollando el diseño de movimiento o composición coreo-gráfica de algunos espectáculos. Todas estas tareas se entrecruzan, están en permanente diálogo, se nutren las unas de las otras. Entonces, desarrollar en simultáneo estas actividades es como una evolución de mi persona y una necesidad de ampliación del campo artístico en el que me desenvuelvo.

Más en concreto, en su faceta docente, estar al otro lado, por decirlo de alguna manera, ense-ñando ‘la profesión’ a través de seminarios o cla-ses, ¿hace que su perspectiva cambie y vea otros aspectos de la interpretación? Más que enseñar, yo tengo la impresión que en los cursos o talleres que dicto lo que prevalece es sobre todo otro con-cepto, la idea de intercambio. De compartir co-nocimientos, experiencias, vivencias, técnicas. Lo que sucede con mayor frecuencia es que siempre me llevo la impresión de haber aprendido más de lo que yo he enseñado. Rancière dice algo hermo-so: “todas las inteligencias son iguales. Y lo que un maestro debe hacer es colaborar con la emancipa-ción intelectual del alumno”. Yo hago que los que participan en mis talleres trabajen mucho, con mucha autonomía. Tomen decisiones, prueben distintos caminos, entren en crisis... Yo, más que evaluar, coordino y acompaño, aportando, cuan-do es necesario, mis conocimientos técnicos, mi visión de la profesión y de la labor, que no es otra que mi mirada del mundo. El de la enseñanza es

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un ejercicio que demanda mucha apertura y ca-pacidad de mirada crítica profunda sin desvalo-rización del otro. Y es una tarea profundamente humana, en donde nos exponemos, tanto alumnos como docentes, en todos nuestros pliegues.

Siendo Argentina su centro de operaciones de trabajo, ¿le gustaría o tiene perspectivas de trabajar en España? Es cierto, Argentina es mi

“centro de operaciones de trabajo”, además del lugar en donde construí un hogar. Y lo sigo eli-giendo, sobre todo, porque me permite continuar desarrollando mis proyectos teatrales que son esencialmente independientes. Pero esto no quie-re decir de ninguna manera que no esté dispuesta a viajar allí a dónde el trabajo me lleve, me con-voque. Sea España (que me fascina, por cierto) o cualquier otro lugar del mundo. La experiencia de filmar durante cuatro meses en Barcelona o la de presentar mis espectáculos teatrales (en el Festival de Otoño de Madrid, por ejemplo, en más de una oportunidad) ha sido inmensamente gratificante, no sólo en el plano laboral, sino en el afectivo. Así que en España tengo además amigos, lugares, comidas a los que anhelo siempre volver…

Este poliédrico trabajo que desempeña, del que hemos hablado antes, se ha desarrollado en diferentes países, entre muchos de ellos, se en-cuentran España, Argentina, Nueva York, ¿nota diferencia alguna entre la forma con la que el público de esos diferentes países acoge su tra-bajo? Sí, como todo acontecimiento cultural, el teatro, las películas, cualquier experiencia estéti-ca genera en el otro una lectura subjetiva que está relacionada con todos los elementos que constitu-yen y que condicionan esa mirada: nacionalidad, idiosincrasia, creencias religiosas, ideología, idio-ma, etc. La acogida del público es siempre dife-rente tomando en cuenta los factores que te acabo de mencionar. Pero cabe aclarar que esto no sólo sucede en el extranjero, si no que sucede siem-pre, indefectiblemente, ante cualquier grupo de espectadores. Pues no hay una sola persona que

“lea” de la misma manera que otra un espectáculo, una película, etc. Todos estamos atravesados por nuestra historia, que no se parece a la de nadie. Hay sensaciones, olores, colores, recuerdos, emo-ciones que son sólo mías, únicas e intransferibles. El espectador hace uso de su subjetividad cuando contempla una obra y eso lo despega de la manada. Al menos eso sucede con los espectáculos que no tienden a masificar, a cosificar a su público…

Háblenos del “Proyecto Filoctetes”, en el que está inmersa junto a otros artistas... Se trata de una Intervención urbana, artística, que surgió como una necesidad urgente de “ponerle el cuer-po” a la feroz crisis del 2001 en la Argentina. El personaje mítico, Filoctetes, cuya herida podrida y hedionda lo hace insoportable al resto de la so-ciedad griega y que es condenado a vivir reclui-do en la isla de Lemnos, le sirvió como excusa a Emilio García Wehbi para gestar la idea de este proyecto que sirvió, ante todo, como excusa para pensar la vida marginal en las ciudades contem-poráneas. Todas las grandes metrópolis del mundo hoy son las Lemnos contemporáneas. Habitadas por miles de Filoctetes que son o bien ignorados por los transeúntes de estas urbes o bien “integra-dos” al paisaje de las mismas. Nos interesaba, en-tonces, interrogar en términos estéticos todos los vínculos posibles entre los transeúntes y los cuer-pos de los desclasados, de los Filoctetes expul-sados por la sociedad, condenados a vivir en las calles, despojados de toda humanidad. La acción se desarrolla de la siguiente manera: veinticinco muñecos (antropomórficos e hiperrealistas) son colocados en veinticinco lugares específicos de la ciudad antes del amanecer de modo de ser des-cubiertos por los transeúntes al comienzo de la jornada laboral. Un equipo de tres personas (que participan del proyecto) permanecen cerca de ese

“cuerpo” para documentar todas las reacciones de las personas que se vinculan o ignoran al muñeco. El material recavado durante la experiencia (foto-grafías, entrevistas, videos, audio, etc.) se debate en una exhibición abierta al público. Luego de realizarlo en Buenos Aires, se presentó el trabajo en las ciudades de Viena, Berlín y Cracovia. Parti-cipan del equipo, además de los artistas que veni-mos de las artes performativas, sociólogos, críticos de arte, curadores, etc.

¿De qué salud goza el mundo artístico cuando occidente está inmerso en una crisis económi-ca? ¿Hay más creatividad en estos tiempos en los que nos ha tocado vivir? Es relativo eso de la creatividad en tiempos de crisis. Yo provengo de un país que ha atravesado en los últimos años muchos momentos de crisis. Y a lo largo de esos años ha habido épocas muy interesantes en cuan-to a la actividad artística y épocas muy pobres artísticamente hablando. La diferentes crisis han hecho que nos acostumbremos (pero no que nos resignemos, claro) a trabajar con pocos recursos. Y esto es a veces muy bueno y a veces lamentable.

Buenos Aires es una fábrica de producción tea-tral a pesar del escaso apoyo que la actividad re-cibe por parte del estado o de privados. Y todo el mundo se vanagloria de esto y piensa que el sec-tor goza de excelente salud. Yo soy más crítica, no pienso que mucho es siempre mejor, ni hago una bandera de la falta de recursos. Me niego a ver la profesión de manera “romántica”. Lo que sí reco-nozco es que atravesar ciertas épocas de crisis, sin bajar los brazos, resistiendo, siendo siempre con-secuentes en términos éticos y estéticos, es muy valioso. Y que esas son las bases para seguir crean-do en tiempos prósperos y en tiempos difíciles.

¿Cuáles son sus próximos trabajos en cine o tea-tro? Si se pueden decir... Estreno en septiembre, en Buenos Aires, “Hécuba o El Gineceo Canino” una reescritura en clave contemporánea de la tra-gedia griega. Presento, también en septiembre, en Brasil, el espectáculo “Dolor Exquisito” basado en la muestra/libro de la artista conceptual fran-cesa Sophie Calle, que viene haciendo funciones en Argentina y en el extranjero desde el año 2008. Para el año que viene, sin fecha aún de estreno, preparo dos proyectos teatrales: el primero “Ba-nalidades. Destruye la Sobreabundancia/Morti-fica la Carne/Aféitate el Pelo/Exhibe el Hueso” basado en la poética de la artista visual norteame-ricana Jenny Holzer y luego, un montaje del texto de Rodrigo García “Rey Lear” dirigido por Emi-lio García Wehbi. En cine, las películas de Woody Allen y Gabriel Nesci y “Tierra de Los Padres” un documental de Nicolás Prividera en el cual tam-bién participo (todas a estrenarse comercialmente, probablemente, el año que viene). Por último, un viaje a Colombia, en el mes de noviembre, a pre-sentar funciones de “Dolor Exquisito” y a desa-rrollar tareas como docente.

Texto: Alberto PascualFotograf ía : Ale BursetDirección arte : Simply Prorsum, Ale BursetEst i l i smo: Milva Russo y Zamira PaladiniMaquil la je : Sof ia Orsay para Lucia NumerPeluquería : Vanesa para Rebel

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Photography: Crist ian Di StefanoStyl i s t : Adele CanyMake Up & Hair : Marina AlejandreModel : Amy Wheeler , El i te Bcn

J a c k e t s : C h i e M i h a r a & H u g o B o s s S u s p e n d e r s : M a r c B y M a r c J a c o b sB o d y : J o k e rB r a c e l e t s : K o r o k u

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S h o e s : B r u n o P r e m iS o c k s : A m e r i c a n A p p a r e l

J a c k e t : H u g o B o s s & C h i e M i h a r aB r a c e l e t s : K o r o k u m

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J e r s e y : T a r a J a r m o nB e l t : D i e s e l

S h o e s : L o n d o n S o c k s : A m e r i c a n A p p a r e l

D r e s s : C i n t u r y 2 1

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Carhartt — State Coat

Veja — Volley

Levi’s Red Tab

Feiyue

TST — Bourdeaux White Purple

Dr. Denim — Marlo Army Green

D.A.T.E. — Hill Egypt Cacao

LRG — Eschelon Blazer

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Veja — Taua

Dr. Denim — Shelby Black

Franklin & Marshall

TST Franklin & Marshall

D.A.T.E. — Stone

Converse Dr. J

Carhartt — Boat Sweater

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Al hablar de la mejor gastronomía de Brasil es inevitable men-cionar al Grupo Rubaiyat de la familia Iglesias. El padre, Belar-mino, llegó a Sao Pulo hace ya sesenta años y empezó a elaborar una cocina española donde la carne a la parrilla siempre fue la protagonista. Desde el año 2000 , en que inauguraron Figueira Rubaiyat, todavía reforzaron más ese concepto, llegando a te-ner su propia finca en la que ellos mismos producen sus carnes pudiendo así llevar un control de calidad muy exhaustivo de todo el proceso, desde la selección de las razas y variedades, hasta su alimentación y elaboración de las mismas.

Como buen padre y gran profesional ha adiestrado a sus hijos Belarmino y Carlos los cuales dirigen el grupo, y lo hacen con gran acierto.

El último proyecto en Sao Paulo es Porto Rubaiyat, en el que además de respetar la filosofía de las carnes se atreve a preparar los mejores pescados y mariscos, especialmen-te del vivero de langostas que tiene expuesto en el centro de la sala del restaurante.

Carlos Iglesias, que dirige el restaurante, es un gran apasionado de la cocina del mar y de la cocina saludable…, por algo es doctor dedicado al estudio de la materias pri-mas y de la buena alimentación, lo que avalan sus libros sobre la materia y sus conocimientos sobre los productos del amazonas.

Porto, como lo denomina su fiel y exclusiva clientela, está situa-do en el mejor lugar de la ciudad, una calle donde hay tiendas y restaurantes muy visitados por la “gente guapa” de Sao Paulo y en la cual Porto resalta por tener la mejor variedad y calidad tanto en carnes como en los productos del mar. Además cuenta con un Piano-Bar donde se podrá disfrutar de un buen vino, exquisitos cócteles y una gran variedad de tapas.

Si viaja a Sao Paulo no dude en visitar este inmejorable res-taurante o cualquier otro del grupo, no le defraudará ninguno. Pero si no dispone de esta opcion el grupo Rubaiyat también tiene dos restaurantes fuera de Brasil, que son buena represen-tación del grupo: uno en Buenos Aires y otro más cerca para el público español…, en Madrid.

J E S Ú S R A M I R Ov i a j a r , v i v i r , d e g u s t a r

Restaurante “Porto Rubaiyat”www.restauranteportorubaiyat .com.brCocinero Carlos Igles iasRua Amauri 225. Sau Paulo, Bras i l .CP 7 7 7 10 México Tfno: +(55) 11 307 7 1111

Evaluación:

Comida 8,5Ser vicio 8Vino 9Ambiente 9Media 8,6

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Ingredientes (4 personas)Tambaqui 1,5 kg

Jugo de tupuqui 2 cucharadasAlcaparras pequeñas 1 cucharada

Aceite de oliva 2 cucharadasPerejil picado 1 cucharada

Zumo de limón 2 cucharadasMantequilla 1 cucharada

Vino blanco ½ vasoSal y pimienta

ElaboraciónLimpiar el tambaqui como si fuese un costillar de cordero

(quitando los huesos de la carne).Salpimentarle y asarlo en el horno a 180 º durante 6 minutos.

Retirar el tambaquí de la sartén en la que lo hemos asado y reservarlo.4. Sobre el jugo del asado que queda en la sartén añadir la mantequilla

y las alcaparras rehogándolo un minuto a fuego suave.Añadir el vino y reducirlo a la mitad.

Añadir el perejil y el jugo de tupuqui y hervir.Incorporar la salsa resultante encima del tambaqui y servir.

NotasTambaquí: Pescado del amazonas.

Tucupí: Fruta típica del Brasil.

T A M B A Q U I C O N S A L S A D E A L C A P A R R A S Y T U C U P I

S T A F F

Coordinador generalJosé [email protected]

Redactor jefeJ. M. Fernández

FotografíaAna FrechillaSara MuñozAraceli Martín Chicano

Equipo de diseñoIris TarragaLucía Castro

Asesor gastronómicoJesús Ramiro Flores

Asesora modaMaría Mateos

Asesora arteSofía Valdezuela

Asesor músicaJavier Mielgo

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Colaboradores: Javier Ajenjo. Sara Muñoz. Abel Molina. Javier Doblas. Cristina B. Araceli Martín Chicano. Álvaro García. Paula Álvarez. Fran Báez Pacheco. Jorge Barbero. David Barbero. David Ayats Ros. Cristina Casado. Amparo Fuentes. Sergio García Díez. Gabriela Giménez. Alfonso Gutiérrez. Fernando López. Patricia Martín Samaniego. Javier Mielgo. Diego Monja. Ricardo Otazo. Javier Panera. Javier Peña. Jeremías Pau Toledo. María San José Sánchez. Javier Sánchez Maqueda. Javier Somoza Prieto. Pablo Villanueva. Jesús María Velázquez. Javier Miñambres. Alberto Pascual. Cristina Agüero Carnerero. Miguel Calvo-Rubio Calvo. Raúl Julián. Ana Himes. Josep Badrinas Reicher. Arturo Jiménez Calvo. Francisco Jesús Suárez. Esmeralda Isolee. Teresa López González. Miguel Díaz Herrero. Cristina Martín. Leslie Hoffman. Juanjo Gaspar. Patrizia Loru. Jaime Suárez. Manuel González Moliner. Carla Linares. Mike Blue. Ignacio Simón.

Fe de erratas número 19: el estilismo de “As Tears Go By” fue a cargo de Cesar Dario.

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