kunstfeinFeature Lawrence Walmsley - the head behind kunstfein // Focus: NADAL // Showcase: Jan Groenhart // Paul Bennett // Dawn Reader // Willem de Bont // Dave Butcher // kunstfein - see the difference // art market: prices booming...

Never a day without art

Art enriches the lives of artists and art lovers alike, while inspiring feelings and thoughts. It also adds a creative accent to almost any room and gives a unique, exclusive touch to entire areas. Provided we are able to incorporate art into our lives and not only encounter it in museums and galleries. But the desire to have stunning pieces of art in our homes usually comes at a high price: The triptych, Three Studies of Lucian Freud, by Francis Bacon recently fetched $142m at Christie’s in New York – thus becoming the most expensive artwork ever sold at an auction.

»Art was and still is an investment.«Jussi Pylkkänen, President of Christie’s Europe.

Of course, it does not have to be a painting by Ba-con, but five and six-figure sums are not unheard of for an original by an up-and-coming artist. However, not all of your clients, no matter how passionate they are about art, have the required fi-nancial resources; or they are simply not prepared to invest such a large sum of money.

»kunstfein is authentic contemporary art in fine art quality at affordable prices.« Lawrence Walmsley, Managing Director IG

By offering first class reproductions of pieces by selected artists, »kunstfein« provides an attractive alternative to expensive original works – supplied in the desired format and captivating quality. For you as an architect, an interior decorator or an interior designer, it opens up a wealth of oppor-tunities to incorporate high-quality artwork into your projects, while adding value for your clien-tele, be it private companies, architects or busi-ness clients.

»kunstfein« presents some of our best artists with whom we have had a close working relationship for many years and who have made a name for themselves internationally. One of them is NADAL, who lives and works in France and speaks in an interview, amongst other things, about his rise to success as a creative individual.

The heart and soul of »kunstfein« is art, but the highest reproduction standards can only be set through first class solutions: »kunstfein« makes the difference.

With our reproductions – almost – anything is possible. How does it work: We give you a hand… and screen pictures onto your wall.

Discover what a passion for art can inspire: The heart behind »kunstfein«: Lawrence Walmsley.

The only way is up: Soaring prices in the art mar-ket – where will it all end? – An essay.

Never a day without art

Kunst bereichert Künstler und Betrachter glei-chermaßen und inspiriert Empfindungen und Gedanken. Darüber hinaus setzt sie kreative Ak-zente in Räumen und verleiht ganzen Quartieren eine individuelle, exklusive Note. Vorausgesetzt, es gelingt uns, die Kunst in unser Leben zu ho-len, anstatt sie nur in Museen oder auf Messen zu inszenieren. Doch dem Begehren nach einem Kunstwerk in den eigenen vier Wänden steht fast immer ein sehr hoher Preis im Weg: Rund 142 Millionen Dollar erzielte unlängst das Triptychon »Three Studies of Lucian Freud« von Francis Ba-con auf einer Versteigerung des Auktionshauses Christie’s in New York – und ist damit das teuerste Kunstwerk, das jemals versteigert worden ist.

»Kunst war und ist eine Investition.«Jussi Pylkkänen, Europa-Chef von Christie’s

Sicher muss es kein Bacon sein, aber auch für ein Original aufstrebender Künstler sind fünf- und sechsstellige Eurobeträge üblich. Und nicht je-der Ihrer Auftraggeber, sei er ein noch so leiden-schaftlicher Kunstliebhaber –, verfügt über das entsprechende Budget. Oder er ist schlicht nicht bereit, solche Summen zu investieren.

»kunstfein bedeutet authentische zeitgenössi-sche Kunst in Fine Art-Qualität zu erschwingli-chen Preisen.« Lawrence Walmsley, Geschäfts-führer IG

Mit erstklassigen Reproduktionen von Werken ausgewählter Künstler bietet »kunstfein« eine reizvolle Alternative zum kostspieligen Original – im Wunschformat und in bestechender Qualität. Das gibt Ihnen als Architekten, Innenarchitek-ten und Interior Designer vielfältige Möglichkei-ten, die Quartiere Ihrer Klientel mit hochwertiger Kunst zu gestalten und aufzuwerten, seien es pri-vate Auftraggeber und Bauherren oder Geschäfts-kunden.

Mit »kunstfein« stellen wir Ihnen einige unserer besten Künstler vor, mit denen uns eine lang-jährige erfolgreiche Zusammenarbeit verbindet und die sich international einen Namen gemacht haben. Einer von ihnen ist NADAL, der in Frank-reich lebende Künstler erzählt im Interview u.a. von seinem erfolgreichen Weg als Kreativer.

Herz und Seele von »kunstfein« ist die Kunst, doch Maßstäbe in der Reproduktion setzt man nur mit erstklassiger Technik: »kunstfein« makes the difference.

Bei unseren Reproduktionen machen wir – fast – alles möglich. So funktioniert das: We give you a hand …and screen pictures onto your wall.

Lesen Sie, was aus Leidenschaft zur Kunst alles entstehen kann: The heart behind «kunstfein«: Lawrence Walmsley.

The only way is up: Wohin das alles noch führt mit den Preisen auf den Kunstmarkt - ein Essay.

Never a day without art

L’art enrichit l’artiste autant que le spectateur. Il inspire des sentiments et des pensées. Par ail-leurs, il apporte des touches créatives aux espaces et donne à des logements entiers une note indivi-duelle et raffinée à condition que nous sachions le faire entrer dans notre vie au lieu de ne le mettre en scène que dans des musées ou des expositions. Mais le prix extrêmement élevé fait presque tou-jours obstacle au désir de posséder une œuvre d’art chez soi: récemment, le triptyque «Trois études de Lucian Freud» de Francis Bacon a été adjugé pour 142 millions de dollars lors d’une vente de la maison de ventes aux enchères Chris-tie’s, à New York – c’est l’œuvre d’art la plus chère ayant été vendue sous le marteau.

«L’art était et reste un investissement.»Jussi Pylkkänen, directeur Europe de Christie’s.

Bien sûr, il n´est pas obligé que ce soit un «Fran-cis Bacon», mais déjà, pour un original d’un ar-tiste en plein essor, des dizaines ou des centaines de milliers d'euros sont monnaie courante. Vos clients, même s’ils sont les amateurs d’arts les plus passionnés, ne possèdent pas tous le budget adéquat ou ne sont tout simplement pas prêts à investir de telles sommes.

«kunstfein est synonyme d’art contemporain authentique en qualité Fine Art à des prix abor-dables.» Lawrence Walmsley, Directeur d’IG

Avec d’excellentes reproductions d’œuvres d’ar-tistes soigneusement sélectionnés, «kunstfein» offre une alternative attrayante à un original coû-teux – dans le format désiré et avec une qualité étonnante. En tant qu’architecte, architecte d’in-térieur ou décorateur, vous bénéficiez ainsi d’une multitude de possibilités pour décorer et mettre en valeur, grâce à de l’art haut de gamme, les inté-rieurs de votre clientèle qu’il s’agisse de particu-liers et maîtres d’ouvrage ou de sociétés.

Grâce à «kunstfein», nous vous présentons quelques-uns de nos meilleurs artistes avec les-quels nous entretenons une collaboration fruc-tueuse depuis de nombreuses années et qui jouissent d’une réputation internationale. NADAL est l’un d’entre eux. Au cours d’un entretien, cet artiste vivant en France, nous raconte notamment son cheminement de créateur couronné de suc-cès.

L'art est la base de «kunstfein». Cependant, il n’est possible de faire référence en matière de repro-ductions qu’en utilisant une technique de pointe: «kunstfein» makes the difference.

Avec nos reproductions, tout devient – presque – possible. Voilà comment ça marche: We give you a hand …and screen pictures onto your wall.

Découvrez tout ce que l'on peut réaliser grâce à la passion pour l'art: The heart behind «kunstfein»: Lawrence Walmsley.

The only way is up: où les prix pratiqués sur le marché de l’art vont-ils nous conduire – essai.

It takes cutting-edge technology, high-quality printing materials and skilled craftsmanship to create museum-quality reproductions – so you can enjoy the perfect art experi-ence in your own four walls. Here at »kunstfein«, we do it all.

At the heart of »kunstfein« is a high-end scanner (Cruse) equipped with unique technical capa-bilities: With a resolution of up to 14,000 x 22,000 pixels and twelve different scanning modes that can be adjusted to each original work, it can copy virtually any texture – including relief – with mu-seum quality directly from the original artwork. When it comes to creating top-class reproduc-tions from original works of art, very high-reso-lution and virtually true-to-life digitisation of the originals is the key factor. For pictures with a very smooth surface, this is not a problem. However, conventional scanners struggle to recreate works that feature heavy paint application or extreme-ly paste-like, raised structures – created, for ex-ample, by the use of binding agents and painting instruments. While they manage to approximate the three-dimensional appearance of a picture later on during the printing phase through the use of colour, blacks, light and shade, these reproduc-tions are ultimately based on a two-dimensional scan of the original.

Our Cruse reproduction scanner features »sur-face-detecting technology« that also records the third dimension – the surface of the original with all its peaks, troughs and shadows. As a result, the structures on the final reproduction appear exceptionally realistic. This is done by uniform-ly illuminating the entire surface of the original work three times and creating a razor-sharp digi-tal image of it that is free of distortion all the way to the edges: from the left, from the right and from above. This enables every brush stroke, every paste-like paint application and the most deli-cate structures to be captured and subsequently reproduced very realistically during the printing process.

Thanks to this technology, the painstaking and time-consuming process of illuminating and touching up scans is now a thing of the past. This saves time, costs and, above all, stress because you know that the result will be fantastic and con-vincing. We call it the »The Fine Art Scan«, and we are setting new standards of art reproduction with it.

Do you have questions about scanners and repro-duction technology? Get in touch! Our colleague Wilfried Frietsch is there to help and will be hap-py advise you. He has many years of experience in art reproduction and in the use of the sophisti-cated Cruse scanner. A specialist in colour man-agement and digital image processing, he is your point of contact for all questions relating to scans, proofs and digitisation, Phone: +49 721. 978 06 903, E-mail: info@kunstfein.com.

Nur durch modernste Technik, hoch-wertige Druckmaterialien und hand-werkliche Expertise entstehen Repro-duktionen in Museumsqualität für das perfekte Kunsterlebnis in den eigenen vier Wänden. Wir von »kunstfein« ken-nen uns damit aus.

Das Herzstück von »kunstfein« ist ein High-End-Scanner (Cruse) mit technisch einzigartiger Ausstattung: Die Auflösung von bis zu maximal 14.000 x 22.000 Pixeln und die zwölf unterschied-lichen Scan-Modi zur individuellen Anpassung an das Original ermöglichen es, Kunstwerke mit nahezu jeder Textur – sogar Reliefs – in Museums-qualität zu erfassen, und zwar direkt vom Origi-nal aus. Um erstklassige Kunstreproduktionen von Originalen herzustellen, ist eine sehr hoch auflösende, nahezu realitätsnahe Digitalisierung der Vorlagen entscheidend. Bei Bildern mit sehr glatter Oberfläche ist das kein Problem, doch bei der Reproduktion von Kunstwerken mit kräftigem Farbauftrag oder extrem pastosen, erhabenen Strukturen – etwa durch den Einsatz von Binde- oder Malmitteln – stehen herkömmliche Scanner vor unlösbaren Problemen: Die dreidimensionale Anmutung eines Bildes wird später im Druck zwar durch den Einsatz von Farbe, Schwarz, Licht und Schatten mehr oder weniger erzeugt. Doch diese Reproduktionen basieren auf einem zweidimen-sionalen Scan der Vorlage.

Unser Reproduktionsscanner von Cruse verfügt über die »Surface-Detecting-Technologie«, die auch die dritte Ebene – die Oberfläche der Vor-lage mit allen Höhen, Tiefen und Schatten – er-fasst. Dadurch wirken die Strukturen später in der Reproduktion äußerst realistisch. Dabei werden die Originale gleichmäßig drei Mal über die gan-ze Fläche ausgeleuchtet und verzerrungsfrei bis zum Rand gestochen scharf abgebildet und digi-talisiert: von links, von rechts und von oben. Das führt dazu, dass jede Pinselführung, ein pastoser Farbauftrag und feinste Strukturen abgebildet und später beim Druck sehr wirklichkeitsgetreu wiedergegeben werden können.

Mit dieser Technologie gehören dann auch das aufwändige Ausleuchten und umständliches Nacharbeiten von Scans der Vergangenheit an. Das spart Zeit, Kosten und vor allem Nerven, weil das Ergebnis grandios ist und überzeugt. Wir nen-nen das »The Fine Art Scan«, und damit setzen wir Maßstäbe in der Reproduktion.

Sie haben Fragen zu Scanner und Reproduktions-technik? Sprechen Sie uns an! Unser Mitarbei-ter Wilfried Frietsch steht Ihnen persönlich zur Verfügung und berät Sie gerne. Er verfügt über jahrelange Erfahrung bei der Reproduktion und Bedienung der anspruchsvollen Cruse Scanner. Der Fachmann für Farbmanagement und digitale Bildbearbeitung ist Ihr Ansprechpartner, wenn es um Scans, Proofs und Digitalisierung geht, Telefon: +49 721. 978 06 903, E-Mail: info@kunstfein.com.

Une technique de dernière générati-on, des supports d’impression haut de gamme ainsi qu’un savoir-faire arti-sanal sont des conditions essentiel-les pour obtenir des reproductions en qualité musée et pour une expérien-ce artistique incomparable chez soi. Chez «kunstfein», nous connaissons ce domaine.

La pièce maîtresse de »kunstfein« est un scanneur high-end (Cruse) doté d’un équipement tech-nique unique. La résolution jusqu‘à 14 000 x 22 000 pixels et les douze modes différents de scannage pour une adaptation individuelle à l’original permettent de reproduire les œuvres avec presque toutes les textures – même les reliefs – en qualité musée directement depuis l‘original. Afin de réaliser des reproductions d’art de grande qualité à partir d'originaux, une numérisation à très haute résolution des modèles et presque fi-dèle à la réalité est décisive. Lorsque les œuvres ont une surface très lisse, il n’y a pas de problème mais pour la reproduction de tableau avec une couche épaisse de peinture ou des structures ex-trêmement pâteuses et à relief – par exemple avec l’utilisation de liants et de médium de peinture – les scanneurs courants se heurtent à des pro-blèmes insolubles. En effet, l’aspect tridimension-nel d’un tableau pourra être plus ou moins rendu grâce à l’utilisation de la couleur, du noir, de la lumière et d’ombres. Cependant, ces reproduc-tions se basent sur un scannage bidimensionnel du modèle.

Notre scanneur de reproductions Cruse dispose «d’une technologie de détection de surface» qui saisit également la troisième dimension – la sur-face du modèle avec toutes les aspérités, les pro-fondeurs et les ombres. Les structures de la re-production auront ainsi un aspect extrêmement réaliste. Les originaux sont balayés trois fois de manière homogène par un rayon lumineux sur l’ensemble de leur surface. Ils sont reproduits sans déformation jusqu’aux bords et de manière extrêmement nette puis numérisés: de gauche, de droite et depuis du haut. Cela permet de repro-duits puis ensuite, lors de l’impression, de resti-tuer avec la plus grande fidélité chaque coup de pinceau, une couche pâteuse de peinture mais aussi les structures les plus fines.

Grâce à cette technologie, le balayage complexe et les retouches compliquées des scans appar-tiennent au passé. Cela permet de gagner du temps, d’économiser de l’argent mais surtout d’épargner ses nerfs car le résultat est grandiose et convaincant. C'est ce que nous appelons «The Fine Art Scan».

Vous avez des questions concernant le scanneur et les techniques de reproduction ? N’hésitez pas à nous contacter ! Wilfried Frietsch, notre colla-borateur, est à votre disposition et vous conseille volontiers. Il bénéficie d’une longue expérience dans le domaine de la reproduction et de l’utilisa-tion complexe du scanneur Cruse. Le spécialiste de la gestion des couleurs et du traitement numé-rique des images est votre interlocuteur pour les questions de scans, d’épreuves et de numérisa-tion, téléphone: +49 721. 978 06 903, e-mail: info@kunstfein.com.

kunstfein makes the difference

Sie haben die Wahl

Doch neben der hochwertigen Scantechnik ent-scheiden auch die eingesetzten Druckmaterialien über Qualität und Anmutung von Reproduktio-nen. Deshalb bieten wir die unterschiedlichsten Materialien, unter denen Sie als Architekt oder In-terior Designer passend zu Ihren Raum- und Ge-staltungskonzepten, den persönlichen Vorlieben Ihrer Auftraggeber und besonders im Hinblick auf die räumlichen Gegebenheiten wie etwa Wände (Tapeten, Glattputz, Sichtbeton, weiß oder farbig gestrichen) und Bodenbeläge (Parkett, Teppich-böden, Beton, Steinzeug etc.) auswählen können:

Für Reproduktionen, die für eine erstklassige Ein-rahmung vorgesehen sind, eignen sich das weiße Inkjet-Papier und das besondere Metall-Papier hervorragend. Beim Metall-Papier sorgt eine ge-bürstete Metallfolie für außergewöhnlich Effekte: Die weißen Stellen in einem Bild erscheinen nicht in weiß, sondern silber- bzw. metallfarben.

Die extrem haltbare Künstlerleinwand aus 100 Prozent Baumwolle in 380g/m2 passt sehr gut für die Reproduktion von Gemälden. Durch die kleinen Unregelmäßigkeiten in der Struktur und auf der Oberfläche der Leinwand kommt die Reproduktion dem Original in der Wirkung au-ßergewöhnlich nahe. Nach dem Druck wird die Künstler-Leinwand auf verzugsfreie und wertbe-ständige Keilrahmen in 1,9 cm oder 4 cm Stärke aufgezogen. Übrigens: Das Holz für die Rahmen stammt aus europäischer nachhaltiger Produk-tion.

Alu-Dibond® in 3 mm Stärke verleiht gerade Foto-grafien eine stilvolle und zeitgemäße Anmutung. Möglich ist eine Variante mit weißer Oberfläche wie beim Kunstdruck oder eine in gebürsteter Oberfläche (Butlerfinish), die dem Metall-Papier ähnlich ist. Auf der Rückseite des Alu-Dibond® sorgt ein umlaufender Alu-Profilrahmen für Sta-bilität und Verzugsfreiheit.

Beim Plexiglas® in 3 mm oder 6 mm Stärke dru-cken wir das Motiv direkt auf die Rückseite der Platte. Anschließend wird zweimal weiß nachge-druckt und die ganze Fläche von hinten mit ei-nem blickdichten PP-Material laminiert, um die Farbbrillanz zu erhöhen. Die Anmutung ist eben-falls sehr edel. Auf die Rückseite wird ein Alu-Pro-filrahmen für die Stabilität angebracht. Auch eine kratzfeste Plexiglas®-Variante ist im Programm.

Reproduktionsqualität und die makellose Prä-sentation der Bilder – immer auch in Abspra-che mit unseren ausgewählten Künstlern – sind entscheidend für dauerhafte Freude an einem Kunstwerk. Wir von »kunstfein« unterstützen Sie bei der Auswahl Ihrer Kunstwerke, beraten Sie bei den Druckmaterialien und zur richtigen Hän-gung – auf Wunsch sogar vor Ort. Rufen Sie uns an unter: +49 721. 978 06 903. Oder senden Sie uns per E-Mail ein Foto der Räume, die Sie bestücken möchten. Wir beraten Sie und machen Ihnen Vor-schläge: info@kunstfein.com.

You have the choice

In addition to high-quality scanning technolo-gy, the print materials used also determine the quality and appearance of reproductions. For this reason, we offer the most diverse materials from which you – the architect or interior designer – can choose to suit your room and design con-cepts, your client's personal preferences and, in particular, the physical parameters such as walls (wallpapers, painted plaster, exposed concrete, painted white or in colour) and floor coverings (hardwood, carpet, concrete, stoneware etc.)

For reproductions intended for top-class frame- mounting, white ink jet paper and the special metallic paper are excellent choices. On the me-tallic paper, a brushed metal foil creates unusual effects: The white areas of a picture are not repro-duced, rather the metal foil shines through.

The extremely durable artist canvas made of 100 per cent cotton at 380g/m2 is ideally suited for re-productions of paintings. The small irregularities in the structure and surface of the canvas result in a quality of reproduction that comes extraordinar-ily close to that of the original. After it is printed, the artist's canvas is mounted in a warp-free and long-lasting stretcher frame with a thickness of either 1.9 cm or 4 cm. In case you are wondering, the wood for the frame is sourced from sustaina-ble producers in Europe.

AluDibond® in 3 mm thickness gives photographs in particular a stylish and contemporary appear-ance. Other possible variants include a white sur-face similar to that used for art prints or a brushed surface (butler finish) resembling that of metallic paper. A solid aluminium profiled frame on the rear side of the AluDibond® provides stability and prevents warping.

For Plexiglas® in either 3 mm or 6 mm thickness, we print the motif directly onto the rear side of the panel. The motif is then reprinted twice in white and the entire surface is laminated from the back using an opaque PP material to enhance the brilliance of the colours. This also creates a very elegant effect. A profiled aluminium frame is then mounted on the rear side to provide stability. A scratch-proof Plexiglas® variant is also available.

High-quality reproduction and flawless presenta-tion of pictures – always in consultation with our selected artists – are crucial factors that influence your long-term enjoyment of a work of art. Here at »kunstfein«, we can help you select your works of art and advise you in relation to the choice of print materials and how to hang the finished re-production – on-site if you prefer. Call us on: +49 721. 978 06 903. Or e-mail us a photo of the rooms that you wish to decorate. We are happy to advise you and make suggestions: info@kunstfein.com.

Vous avez le choix

Outre la technique de scannage haut de gamme, les supports d’impression utilisés jouent égale-ment un rôle dans la qualité et l'apparence des re-productions. C’est pourquoi nous proposons des matériaux très variés parmi lesquels vous, archi-tecte ou décorateur, pouvez choisir en fonction de vos concepts d’espace et de décoration, des goûts de vos clients et surtout au regard des caractéris-tiques de la pièce comme les murs (papier peint, enduit lisse, béton apparent, peint en blanc ou en couleur) ainsi que des revêtements de sol (par-quet, moquette, béton, grès etc.):

Pour les reproductions destinées à un encadre-ment de grande qualité, le papier blanc spécial jet d’encre et le papier métallisé sont parfaite-ment adaptés. Concernant le papier métallisé, une feuille métallique brossée apporte un effet particulier : les éléments blancs du motif n’appa-raissent pas en blanc mais dans des tons argentés ou métallisés.

La toile de peintre 100 pour cent coton de 380g/m2 est extrêmement résistante. Elle convient très bien pour la reproduction de peintures. Grâce aux petites irrégularités au niveau de la structure et de la surface de la toile, la reproduction a un aspect extraordinairement proche de l’original. Après l’impression, la toile de peintre est tendue sur un châssis à clé sans déformation et à qualité stable de 1,9 cm ou 4 cm d’épaisseur À propos: le bois pour le cadre provient d’Europe d'une production durable.

L’alu-dibond® de 3 mm d’épaisseur donne, no-tamment aux photographies, un aspect moderne et raffiné. Une version avec une surface blanche comme pour une reproduction d’art ou une sur-face brossée (finition Butler) ressemblant au pa-pier métallisé sont possibles. Au dos de l’alu-Di-bond®, un châssis en profilé d’aluminium sur tout le tour garantit la stabilité et l'absence de défor-mation.

Pour le Plexiglas® de 3 mm ou 6 mm d’épaisseur, nous imprimons le motif directement au dos de la plaque. Nous imprimons ensuite deux fois en blanc puis stratifions toute la surface depuis l’ar-rière à l’aide d’un matériau PP opaque afin d’amé-liorer la brillance. L’apparence est également très haut de gamme. Un châssis en profilé d’alumi-nium est monté au dos pour assurer la stabili-té. Nous disposons également d’une version de Plexiglas® résistante aux rayures dans notre pro-gramme.

La qualité de reproduction et la présentation ir-réprochable des motifs – toujours en dialoguant avec les artistes que nous avons choisis – sont des éléments décisifs pour qu’une œuvre offre un plaisir durable. Chez «kunstfein», nous vous aidons à sélectionner vos œuvres, vous conseil-lons en matière de supports d'impression et pour la fixation adéquate – même sur place, si vous le souhaitez. Vous pouvez nous joindre par télé-phone au +49 721. 978 06 903 ou nous envoyer par e-mail une photo des espaces que vous souhaitez décorer. Nous vous donnons des conseils et vous proposons des solutions: info@kunstfein.com.

Many years ago, a friend gave him the following piece of advice: »Only collect art that you really like and that you want to look at for a long time. If the investment doesn‘t pay off financially, you still have a picture that you really like.« It‘s advice that Lawrence Walmsley heeds to this day because »he can-not treat art purely as an investment.« The rooms belonging to the managing director of IG Interna-tional Graphics and »kunstfein« – be they at home, in the publishing house or in the production area – are hung with pictures that tell their own story. »They are by no means all originals; I get just as much pleasure from good reproductions. I have a personal connection to these works of art because they were created by somebody who moved me.«

Although this honourable attitude might seem almost romantic in the context of art as a hard-nosed investment, Walmsley‘s success has proved him right. The Canadian has been selling art since the 1980s and has built up a successful art print publishing business that employs almost 50 people. How-ever, things were tough at the beginning: After an attempt to launch a sales company for art prints on a grand scale in Europe failed – due to supply bottlenecks at an Irish framing company – Walmsley and his family faced disaster. »Back then, we lived in The Hague and the demise of the company was very traumatic for us. There was no choice but to start again from scratch.« So he put together a small collection of fine-art posters that he purchased in the US and then spent weeks travelling the length and breadth of Germany, presenting his portfolio of samples to galleries, framers and furniture shops. »People certainly took an interest in this unconventional Canadian and started to order posters and art prints. It was a tough time, but many of these business contacts are still with me today.«

By the end of the 1990s, he was no longer content to sell productions from other publishers. So Law-rence Walmsley sought out interesting artists throughout Europe and laid the foundations for his own collection. »In the first year, I had just five artists. That number has since grown to over 400. The move from a sales company to a publishing house was a milestone for me. It‘s my passion«, explains Walms-ley, not without pride. But before he could complete this transition, he had to contend with the unex-pected death of his first wife – something that shocked him deeply, not least because she had helped him build up the business: »I was now a single father of two sons on the one hand, while my compa-ny was another rapidly growing ‚baby‘ on the other. During this difficult period, I received a great deal of encouragement and help from my family, customers and suppliers, this gave me strength to perse-vere.«

When asked what it is about art that inspires him so, Lawrence Walmsley responds with another ques-tion: »Is there anything nicer than travelling to visit artists, museums and collections? I go to the artists to see their latest work, but quite apart from that, I have been friends with many of these special peo-ple for many years. I sit with them in their kitchens or studios; we discuss life, the children, love and, of course, the eternal conflict between art and commerce. On the other hand, I have a business to run and am responsible for my employees. That‘s a challenge that really spurs me on in these challenging economic circumstances.«

His other great motivation is to make art accessible to as many people as possible. However, since orig-inal works are unaffordable for most people, the attraction for Walmsley is in the area of reproductions and editions: »Provided that these only feature selected artists and that the quality of reproduction, the print and the materials used are excellent. Add the ability to choose individual formats and the con-cept is complete. In particular, these fine art prints provide architects, interior designers or high-end furniture stores with numerous design options for their decorators and customers. Editions also allow the discerning public to make selective acquisitions. All of this is made possible with 'kunstfein'.«

»In closing, the Internet has brought artists much closer to potential customers and vice versa – either through direct contact or the numerous offers from on-line Web shops. This puts enormous pressure on art publishers, which is why our focus with 'kunstfein' is on exclusivity, quality, an attractive choice of artists and individual advice for our customers. We therefore, plan to introduce our first collection of limited editions which shall be printed onto fine art paper, AluDibond® and Plexiglas® materials. The edition size will be limited to 125 pieces per image.«

LAWRENCE WALMSLEY»Art as a pure investment is a foreign concept to me. The pictures on my walls mean something to me – and are by no means all originals. I get just as much pleasure from good reproductions.«

Vor langer Zeit gab ihm ein Freund den Rat: »Sammle nur Kunst, die Du wirklich gerne und lange betrachten möchtest. Falls sich die Investition nicht auszahlt, hast Du immer noch ein Bild, das Du magst.« Daran hält sich Lawrence Walmsley bis heute, weil ihm »Kunst als pure Investition fremd ist.« In den Räumen des Geschäftsführers von IG International Graphics und »kunstfein« – sei es zu Hause, im Verlag oder in der Produktion – hängen Bilder, mit denen er eine Geschichte verbindet. »Das sind beileibe nicht nur Originale, gute Reproduktionen erfreuen mich genauso. Ich habe einen persönli-chen Bezug zu dieser Kunst, weil ein Mensch dahinter steckt, der mich berührt hat.«

Mag diese honorige Einstellung vor dem Hintergrund von Kunst als knallhartem Investment fast ro-mantisch erscheinen, gibt der Erfolg Walmsley Recht: Seit den 80ern verkauft der Kanadier Kunst und inzwischen hat er einen erfolgreichen Kunstverlag mit knapp 50 Mitarbeitern. Doch die Anfänge wa-ren mühsam: Nachdem der Versuch gescheitert war, im großen Stil in Europa eine Vertriebsgesell-schaft für Kunstdrucke aufziehen – wegen Lieferengpässen bei einer irischen Rahmenfirma –, stand Walmsley mit seiner Familie vor dem Aus. »Wir wohnten damals in Den Haag und das Ende der Fir-ma traf uns sehr. Also hieß es, noch einmal ganz klein anfangen.« Also kaufte er in den USA eine kleine feine Sammlung von Postern zusammen und reiste mit seiner Mustermappe wochenlang durch ganz Deutschland, um sie Galerien, Einrahmern und Möbelhäusern zu präsentieren. »Die Leute fanden diesen unkonventionellen Kanadier wohl interessant genug und bestellten fortan Poster und Kunst-drucke. Es war die harte Tour, doch viele dieser Geschäftskontakte bestehen heute noch.«

Ende der 90er Jahre reichte es ihm nicht mehr aus, nur die Produktionen anderer Verlage zu vertrei-ben. So stöberte Lawrence Walmsley interessante Künstler in ganz Europa auf und schaffte damit die Grundlage für sein eigenes Verlagsprogramm. »Im ersten Jahr waren es nur fünf Künstler, inzwischen sind es über 400. Der Schritt vom Vertrieb zum Verlag war für mich ein Meilenstein. Das ist meine Lei-denschaft«, erzählt Walmsley nicht ohne Stolz. Doch bis es überhaupt soweit war, sollte ihn erst noch der unerwartete Tod seiner ersten Frau zutiefst erschüttern – auch weil sie das Geschäft gemeinsam aufgebaut hatten: »Auf der einen Seite war ich nun allein erziehender Vater zweier Söhne und auf der anderen war meine Firma ein schnell wachsendes ‚Baby’. In dieser schweren Zeit erhielt ich sehr viel Zuspruch und Hilfe von meiner Familie, meinen Kunden und Lieferanten, das hat mir Kraft gegeben.«

Die Frage, was ihn so an der Kunst begeistert, beantwortet Lawrence Walmsley mit eine Gegenfrage: »Gibt es etwas Schöneres als zu reisen, Künstler, Museen und Sammlungen zu besuchen? Ich gehe zu den Künstler, um ihre neuesten Werke zu sehen, doch darüber hinaus bin ich mit vielen dieser beson-deren Menschen seit Jahren befreundet. Und so sitze ich in ihren Küchen oder Ateliers, spreche mit ihnen über das Leben, die Kinder, die Liebe und natürlich über das Ringen zwischen Kunst und Kom-merz. Auf der anderen Seite bin ich natürlich auch Unternehmer mit Verantwortung für meine Mitar-beiter. Das ist eine Herausforderung in wirtschaftlich schwierigen Zeiten, die mich sehr antreibt.«

Seine andere Triebfeder ist, Kunst so vielen Menschen zugänglich zu machen wie möglich. Da Origi-nale aber für die meisten unerschwinglich sind, liegt der Reiz für Walmsley in Reproduktionen und Editionen: »Vorausgesetzt, es sind nur ausgewählte Künstler dabei und die Qualität der Reproduktion, der Druck und die verwendeten Materialien sind exzellent. Wenn dann noch die Formate individuell ausgewählt werden können, ist das Konzept rund. Insgesamt gibt das insbesondere Architekten und Interior Designern viele Gestaltungsoptionen für ihre Auftraggeber und Kunden. Darüber hinaus er-möglichen Editionen ein gezieltes Sammeln. All das bieten wir mit 'kunstfein'.«

»Durch das Internet haben sich die Wege der Künstler zu den Interessenten verkürzt und umgekehrt. Ob durch direkten Kontakt oder die vielen Angebote von Online-Postershops. Der Druck wächst enorm auf Kunstverlage und so setzen wir mit 'kunstfein' auf Exklusivität, Qualität, eine attraktive Künstlerauswahl und individuelle Beratung unserer Kunden. Wir werden in Kürze unsere erste limi-tierte Edition vorstellen, die wir auf hochwertiges Künstlerpapier, AluDibond® und Plexiglas® drucken. Die Auflage wird auf 125 Stück pro Motiv begrenzt.«

Un jour, un ami lui donna ce conseil: «Ne collectionne que l’art que tu aimes vraiment et que tu as en-vie de regarder longtemps. Si l’investissement n’est pas rentable, tu auras toujours un tableau que tu apprécies». Lawrence Walmsley, continue de suivre ce conseil car il ne peut «concevoir l’art comme un simple investissement». Le PDG d’International Graphics et de «kunstfein» s’entoure de tableaux qui lui rappellent toujours une histoire. «Je n’ai pas que des originaux car de bonnes reproductions m’ap-portent autant de plaisir. Je suis personnellement attaché à cet art car derrière, il y a une personne qui m’a touché».

Cette conception peut paraître romantique à certains mais le succès donne raison à L. Walmsley : de-puis les années 80, ce canadien commercialise de l’art et, aujourd’hui, il dirige une maison d’édition d’art prospère comptant près de 50 collaborateurs. Cependant, les débuts ont été difficiles : après la tentative infructueuse (à cause des problèmes de livraison d’un fournisseur) d’ouvrir en Europe une grande société de distribution de reproductions, L. Walmsley et sa famille se trouvèrent au bord de la faillite. «Nous habitions alors à La Haye et la fin de notre société nous affectait énormément. Cela vou-lait dire qu’il fallait tout recommencer». Il acheta alors des posters aux USA pour créer une petite mais belle collection puis parcourut toute l’Allemagne avec son dossier d’échantillons afin de les présenter à des clients potentiels. «Les gens trouvèrent probablement ce Canadien peu ordinaire assez intéressant et commencèrent à commander des posters ainsi que des reproductions. Ce fut un parcours difficile mais un grand nombre de ces relations professionnelles existent encore aujourd’hui ».

À la fin des années 90, commercialiser seulement les productions des autres maisons d’édition ne le satisfaisant plus, L. Walmsley se mit à rechercher des artistes dans toute l’Europe. Il créa ainsi la base pour son propre programme d’édition. « La première année, il n'y avait que cinq artistes. Aujourd'hui, ils sont plus de 400. Passer de la distribution à l’édition était pour moi une nouvelle étape. C’est ma passion », raconte L. Walmsley non sans une certaine fierté. Mais avant de pouvoir y parvenir, le dé-cès soudain de sa première épouse le bouleversa profondément – aussi car ils avaient monté ensemble l’entreprise: «D’un côté, je devais élever seul mes deux garçons, de l’autre, mon entreprise était un «bébé» qui grandissait rapidement. Dans cette période difficile, j’ai reçu énormément de soutien et d´aide de ma famille, de mes clients et fournisseurs ce qui m’a donné la force de persévérer ».

Lorsque l’on demande à Lawrence Walmsley pourquoi l’art l’enthousiasme, il répond par une ques-tion: «Y’a-t-il quelque chose de plus beau que de voyager pour aller voir des artistes, des musées et des collections ? Je vais chez les artistes afin de découvrir leurs nouvelles œuvres mais, depuis des années, j’entretiens également des liens d’amitié avec beaucoup de ces personnes exceptionnelles. Assis dans leur cuisine ou leur atelier, je parle avec eux de la vie, des enfants, d’amour mais aussi du dilemme entre art et commerce. D’un autre côté, je suis aussi un entrepreneur et je porte la responsabilité pour mes col-laborateurs. C’est un défi qui, dans ces temps économiquement difficiles, me motive énormément».

Son autre ambition est de rendre l’art accessible au plus grand nombre de personnes. Les originaux étant pour la plupart des gens inabordables, M. Walmsley trouve les reproductions et les éditions inté-ressantes : « À condition qu’il s’agisse uniquement d’artistes sélectionnés et que la qualité de la repro-duction, de l’impression et du support soient excellente. Si on peut aussi choisir individuellement les formats, alors le concept est complet. Globalement, il offre en particulier aux architectes, décorateurs et magasins d’ameublement haut de gamme, de nombreuses options de décoration pour leur clientèle. Par ailleurs, les éditions permettent de collectionner de manière ciblée. C’est tout ce que nous propo-sons avec 'kunstfein'».

«Avec Internet, les chemins entre les artistes et les personnes intéressées (et vice versa) sont plus courts. Qu’il s’agisse des contacts directs ou des nombreuses offres de boutiques en ligne de posters, la pression exercée sur les éditions d’art est de plus en plus forte. C’est pourquoi, avec «kunstfein», nous misons sur l’exclusivité, la qualité et une sélection attrayante d’artistes ainsi qu’un conseil individuel de nos clients. Nous planifions d´introduire une collection en édition limitée sur support papier fine art, aludibond et plexiglas. L´édition sera limitée à 125 pièces par visuel.»

LEAVING A MARK ON HISTORY

The fascinating thing about NADAL’s almost black and white paintings is their ab-solute perfection, creating an impression of plasticity and monumental depth. For him, collaborating with both gallery owners and »kunstfein« is not a contradiction in terms…

NADAL, what is fascinating about being an artist? »It is the need to create new things which surprise me. I love the aesthetics of geometry which can also exude a certain poetry. For me personally, being an artist also means being involved in the development of the world, laying ‘my foundation stone’, leav-ing a mark on history.«

How did you come to cooperate with »kunstfein« and how has this collaboration developed?»It developed slowly over a number of years. Lawrence Walmsley always took the time to visit me at trade fairs and through his pleasant manner convinced me to place my trust in his capable hands. Therefore, I entrusted him with some of my works of art. Over the years our business relationship has developed into a friendship.«

What effect has this cooperation had on your career – also on your credibility as an artist who ac-tually creates originals? »The high-quality reproductions of my works are in keeping with my origi-nal paintings, and indirectly promote my career, as they help to spread my name to a wider audience. Many art lovers do not have the financial resources to buy one of my original works. There was even a customer who bought a reproduction and was so satisfied with the expressiveness of my paintings that she later purchased an original at an exhibition! I only see opportunities, not incompatibilities.«

And what do gallery owners think of it? »The gallery owners who offer my originals view my cooper-ation with »kunstfein« as a sort of recognition: as not all works can be reproduced with such ease, first and foremost they must display a certain level of uniqueness! In my opinion, there is absolutely no competition between an original work and an art print. Even when the excellent quality of a reproduc-tion means it compares favourably with an original, they are still two completely different products and sometimes aimed at a totally different clientele. The gallery owner still faces the challenge of represent-ing me as the artist directly in the art market.«

How does art influence people? »From the earliest cave paintings, artists have always given something to people, something that was maybe missing in their lives, something to enrich their souls. Artists may often perceive things a ‘mere mortal’ cannot see, and use them to create their own ideas. Many artists were even highly revered: they were (in a certain post-impressionist era of the late 19th century) in my view rightly referred to as 'Nabi'! Nabi is Hebrew and means prophet.«

What is the impact of art on space and architecture? »How sad and dreary is an apartment or house without artwork. It is a life without soul and spirit! Good artists paint with their soul before picking up a brush. It is simply the destiny of an artist to enhance a house, a room, a life or a place of work with his art, to inspire and give it the soul it was missing. To be surrounded by works of art – for instance paint-ings, photographs, sculptures or industrial objects – also means being encompassed by the energy of the respective artist. Art is essential for the equilibrium of our lives and the spaces we live in!«

Die fast schwarzweißen Gemälde von NADAL faszinieren durch absolute Perfektion und lassen den Eindruck von Plastizität und monumentaler Tiefe entstehen. Seinen Weg als Künstler beschreitet er über seinen Galeristen und »kunstfein«. Für ihn durch-aus kein Widerspruch...

NADAL, was fasziniert Sie daran, Künstler zu sein? »Es ist das Bedürfnis neue Dinge zu erschaffen, die mich überraschen. Ich liebe die Ästhetik der Geometrie, die auch eine gewisse Poesie in sich trägt. Künstler sein, bedeutet für mich, an der Entwicklung der Welt teilzunehmen und 'meinen Grundstein’ zu legen, eine Spur zu hinterlassen.«

Wie kam es zur Zusammenarbeit mit »kunstfein« und wie hat sie sich entwickelt? »Das hat sich langsam über die Jahre entwickelt. Lawrence Walmsley besuchte mich oft auf Messen und schaff-te es durch seine sympathische Art, mein Vertrauen in sein Unternehmen zu gewinnen. Und so habe ich ihm einige meiner Kunstwerke anvertraut. Mit der Zeit wurde aus dieser Geschäftsbeziehung ein freundschaftliches Verhältnis.«

Wie wirkt sich diese Kooperation auf Ihre Karriere aus – auch auf Ihre Glaubwürdigkeit als Künst-ler, der eigentlich Originale schafft? »Die hochwertigen Reproduktionen meiner Werke stehen im Einklang mit meinen Originalbildern, sie dienen sogar indirekt meiner Karriere, weil sie meinen Na-men bekannter machen. Viele Kunstliebhaber verfügen einfach nicht über die Mittel, eines meiner Originale zu kaufen. Es ist sogar schon vorgekommen, dass Kunden eine Reproduktion erworben hat-ten, weil sie begeistert waren vom Ausdruck meiner Bilder und später kauften sie dann auf einer Aus-stellung ein Original von mir! Ich sehe hier keine Unvereinbarkeit der beiden Wege, sondern Möglich-keiten.«

Und wie sehen das die Galeristen? »Die Galerien, die meine Originale anbieten, werten die Zusam-menarbeit mit »kunstfein« als eine Art Anerkennung: Denn nicht alle Werke lassen sich einfach so re-produzieren, sie müssen als erstes durch ihre Einzigartigkeit auffallen! Meiner Meinung nach gibt es gar keine Konkurrenz zwischen einem Original und einem Kunstdruck. Auch wenn die Reproduktion durch die exzellente Qualität an das Original heranreicht, handelt es sich um zwei unterschiedliche Produkte und z.T. eben auch um unterschiedliche Zielgruppen. Dem Galerist bleibt ja trotzdem die Herausforderung, mich als Künstler auf dem Kunstmarkt direkt zu repräsentieren.«

Welchen Einfluss hat Kunst auf Menschen? »Seit der Höhlenmalerei haben Künstler immer ihren Teil dazu beigetragen, Menschen etwas zu geben, das in ihrem Leben vielleicht fehlte und damit ihre Seele bereichert. Der Künstler nimmt oft Dinge wahr, die der »Normalsterbliche« nicht sieht, und entwickelt daraus ganz eigene Ideen. Viele Künstler sind sogar erleuchtet worden: Meiner Meinung nach wurden sie (in einer bestimmten post-impressionistischen Epoche des späten neunzehnten Jahrhunderts) zu Recht »Nabi« genannt! Nabi ist hebräisch und bedeutet Prophet.«

Welche Auswirkung hat Kunst auf einen Raum und die Architektur? »Wie traurig und trostlos ist doch eine Wohnung oder ein Haus ohne ein Kunstwerk. Da fehlt die Seele und das Licht im Leben! Ein guter Künstler malt zuerst mit seiner Seele und anschließend mit seinem Pinsel. Es ist einfach die Be-stimmung des Künstlers, ein Haus, einen Raum, einen Lebens,- oder Arbeitsort mit seiner Kunst auf-zuwerten, ja zu beflügeln und auf diese Weise eine Seele zu verleihen. Von Kunstwerken – etwa Gemäl-de, Fotografien, Skulpturen oder Industrieobjekte – umgeben zu sein bedeutet, auch von der Energie des jeweiligen Künstlers umgeben zu sein. Kunst ist für unser persönliches Gleichgewicht und das von Räumen einfach unerlässlich!«

Les tableaux presque noir et blanc de NADAL fascinent par leur perfection absolue et créent une impression de plasticité et de profondeur monumentale. Il emprunte sa voie d'artiste avec ses galeristes et «kunstfein». Sans aucune contradiction selon lui...

NADAL, en quoi le fait d'être artiste vous fascine-t-il ? «C'est un besoin de créer de nouvelles choses qui me surprennent. J'aime l'esthétique de la géométrie, qui porte également une certaine forme de poésie en elle. Pour moi, être artiste signifie participer au développement du monde et ajouter ma pierre à l'édifice, laisser une trace ».

Comment en êtes-vous venu à une collaboration avec «kunstfein» et comment s'est-elle dévelop-pée ? «Le développement s'est fait lentement au fil des ans. Lawrence Walmsley me rendait souvent vi-site sur les salons et il a su conquérir ma confiance pour son projet avec sa sympathie. C'est ainsi que je lui ai confié plusieurs de mes œuvres. Avec le temps, cette relation d'affaires est devenue une amitié».

Comment cette coopération influence-t-elle votre carrière - également votre crédibilité en tant qu'artiste, qui crée des originaux ? «Les reproductions de qualité supérieure de mes oeuvres sont en harmonie avec mes originaux, elles ont même une influence positive indirecte sur ma carrière car elles mettent mon nom au devant de la scène. De nombreux amateurs d'art n'ont simplement pas les moyens d'acheter l'une de mes toiles. Il est même déjà arrivé que des clients aient acheté une repro-duction car elle leur avait plu, avant d'acheter l'original lors d'une exposition! Je ne pense pas qu'il y ait incompatibilité entre les deux manières, mais seulement des possibilités».

Et qu'en pensent les galeristes ? «Les galeries d'art proposant mes originaux considèrent ma collabo-ration avec «kunstfein» comme une forme de reconnaissance: en effet, toutes les œuvres ne sont pas faciles à reproduire, elles doivent d'abord convaincre par leur côté unique! À mon avis, il n'y a aucune concurrence entre l'original et la reproduction d'art. Même si la reproduction s'approche de l'origi-nal grâce à une qualité excellente, il s'agit de deux produits distincts, qui s'adressent en partie à des groupes cibles différents. Le galeriste doit toujours relever le défi de me représenter directement en tant qu'artiste sur le marché de l'art ».

Quelle est l'influence de l'art sur les gens ? «Depuis les peintures rupestres, les artistes ont toujours visé à apporter quelque chose aux gens, qui leur manquait peut-être dans leur vie, et ont ainsi enrichi leur âme. L'artiste se rend souvent compte d'éléments que le commun des mortels ne voit pas. Il les utilise pour développer des idées très personnelles. Bon nombre d'artistes ont même connu une illu-mination: à mon avis, ils n'ont pas été appelés «Nabi» à tort (lors d'une certaine époque post-impres-sionniste de la fin du 19ème siècle)! Nabi est un mot hébreu qui signifie «prophète».

Quelle est l'influence de l'art sur l'espace et l'architecture ? Une maison ou un appartement sans œuvre d'art est un témoin de tristesse et de désolation. Il manque l'âme et la lumière de la vie! Un bon artiste peint d'abord avec son âme, puis avec son pinceau. La destinée de l'artiste est d'enrichir une maison, un espace, un lieu de vie ou de travail avec son art, de lui donner des ailes et ainsi lui conférer une âme. Être entouré d'œuvres d'art, sous forme de tableaux, photographies, sculptures, objets indus-triels, signifie également être entouré de l'énergie de l'artiste les ayant créées. L'art est simplement in-dispensable à notre équilibre personnel et à celui des pièces!

Titel BW210211 Order-No IG 4978  

Titel BW2520211 Order-No IG 4981  

Titel BW1130211 Order-No IG 4982

Paul BennettExperience images

The semi-abstract seascape/landscape paintings of the northwest coast of England and Scotland with its rough seas and wide open spaces by the British artist Paul Bennett are simply amazing. Paul draws these impressive scenes from memo-ry, capturing their immensity and beauty with his abstracted and expressional painting methods. He therefore invites viewers into his world, but allows them sufficient freedom for interpretation. Ben-nett is a great admirer of photography and pays respect to photorealism in his paintings. Howev-er, he wishes to tease out more than the eye can see: »People should experience my works, not just consume them.«

Die halbabstrakten Landschaftsbilder von der Küste Westenglands und Schottlands mit ihrer schroffen See und den weiten Horizonten des britischen Malers Paul Bennett sind schlichtweg grandios. Bennett erarbeitet seine imposanten Szenerien aus dem Gedächtnis und verleiht ihnen mit seiner interpretativen Malweise eine extre-me Ausdruckskraft. So lässt er den Betrachter an seinen Welten teilhaben und gibt ihm gleichzeitig genug Freiraum für eigene Interpretationen. Ben-nett ist Bewunderer der Fotografie und zollt auch dem Fotorealismus in der Malerei Respekt. Doch er möchte mehr aus den Dingen herauskitzeln, als unser bloßes Auge sehen kann: »Menschen sollen meine Bilder erfahren und nicht nur kon-sumieren.«

Présentant une mer rude et de larges horizons, les peintures semi-abstraites des paysages de la côte anglaise et écossaise de l’artiste britannique Paul Bennett sont tout simplement grandioses. Ben-nett travaille de mémoire ses décors imposants et leur insuffle, grâce à son style de peinture inter-prétative, une grande expressivité. Il partage ainsi avec l’observateur ses univers tout en lui donnant assez de liberté pour ses propres interprétations. Fan de photographie, Bennet témoigne dans ses peintures de son respect pour le réalisme photo-graphique. Mais, il veut tirer des objets plus que ce que l’on peut percevoir à l’œil nu: «Les gens doivent vivre mes peintures et pas seulement les consommer».

NADALStriving for perfection and depth

NADAL moved to France from Algeria in 1962. After training to be a draughtsman, he studied at the school of fine arts in Perpignan, subsequently working as an interior designer before deciding to devote his time to painting in 1982. His works are based essentially on the use of the »non-col-ours« black and white and a universe consisting of cubes, floating constructs, calligraphy and deli-cate shapes. The strong black/white contrast in combination with changing shades with a matt and gloss finish and his meticulous brushing techniques allow NADAL to achieve the perfect illusion of a three dimensional world and the im-pression of monumental depth.

1962 kommt NADAL von Algerien nach Frank-reich. Nach der Ausbildung zum Bauzeichner besucht er die Kunstakademie in Perpignan und widmet sich im Anschluss dem Interieur De-sign und ab etwa 1982 der Malerei. Bei seiner Arbeit konzentriert er sich hauptsächlich auf die stark kontrastierenden »Nicht«-Farben Schwarz und Weiß und ein Bilduniversum bestehend aus Würfeln, fließenden Objekten, Kalligrafi-en und filigranen Gebilden. Durch die starken Schwarzweiß-Kontraste in Kombination mit wechselnden Matt- und Glanzeffekten und sei-ner akribisch ausgeführten Maltechnik gelingt NADAL die perfekte Illusion von Dreidimensiona-lität und der Eindruck monumentaler Tiefe.

En 1962, NADAL quitte l’Algérie pour s’installer en France. Après une formation de dessinateur industriel, il étudie à l’école des Beaux-Arts de Perpignan. Il se consacre ensuite au design d’in-térieur puis, à partir de 1982, à la peinture. Son travail est axé essentiellement sur les «non-cou-leurs», le noir et le blanc, ainsi que sur un uni-vers pictural composé de cubes, d'objets fluides, de calligraphies et d’éléments très fins. Les forts contrastes entre noir et blanc associés aux effets mats et brillants mais aussi sa technique picturale précise permettent à NADAL de créer une illusion parfaite de tridimensionnalité ainsi qu’une im-pression monumentale de profondeur.

Jan GroenhartStriving for beauty

The Dutch painter Jan Groenhart is inspired by the landscape around the River Zaan in the west of the Netherlands. He studied colours and shapes at the Rietveld Academie and experiment-ed with various materials and styles. In his search for inspiration, Jan travelled to South America. His paintings from this period centre on people and their immediate environment. After returning to the Netherlands, he re-embarked on landscape painting: henceforth his work has been charac-terised by precise shapes and colours and their simple beauty and intransigence, which appear neither artificial nor exaggerated.

Die Landschaft in der Gegend um den Fluss Zaan im Westen der Niederlande inspirierte Jan Groen-hart zur Malerei. Auf der Rietveld Academie lernt er alles über Farb- und Formgebung und experi-mentiert mit unterschiedlichen Materialien und Stilen. Auf der Suche nach Inspirationen fährt er auf Studienreise nach Südamerika. In seinen Bil-dern aus dieser Zeit stehen nunmehr die Men-schen und ihre direkte Umgebung im Mittelpunkt seines Schaffens. Nach seiner Rückkehr konzent-riert er sich wieder auf Landschaftsmalerei: Fort-an sind seine Bilder klar in Form und Farbe und von einer schlichten Schönheit und Kompromiss-losigkeit in ihrer Ausführung, die nichts Überflüs-siges oder Gekünsteltes hat.

Les paysages de l’ouest des Pays-Bas, ont donné à Jan Groenhart l’envie de peindre. À la Rietveld Academie, il apprend tout sur l’utilisation de la couleur et des formes tout en expérimentant dif-férents matériaux et styles. À la recherche d’ins-piration, il entreprend un voyage en Amérique du sud. Pendant cette période, les hommes et leur environnement direct se trouvent désormais au centre de son œuvre. Après son retour, il se concentre à nouveau sur la peinture de paysages. Dorénavant, ses peintures affichent une clarté de formes et de couleurs, une beauté sobre ainsi qu’une réalisation exempte d’éléments inutiles ou d’artificiels.

Dawn ReaderBesotted with light

Dawn Reader has been inspired throughout the years by the Atlantic Ocean as well as the North and Baltic seas. However, she is fascinated, in par-ticular, by light and its numerous guises, and cap-tivated by the silent icy and white snow landscape of the Arctic and Antarctica with their majestic qualities of light. Although the landscapes appear lonely and bleak, Reader is in complete awe of their real sense of freedom and serenity. Through her amazing painting methods and the applica-tion of light and dark contrasts, Dawn manages to emphasise the forces of nature and the power of creation. Her paintings take the viewer on a jour-ney to fascinating places of unspoiled beauty and tranquillity – without ever having to travel there.

Für Dawn Reader sind der Atlantik sowie die Nord- und Ostsee jahrelang Inspirationsquelle für ihre Malerei. Doch vor allem fasziniert sie das Licht und seine vielfältigen Facetten. So zieht es sie die stille Eis- und Schneelandschaft der Ark-tis und der Antarktis mit ihrem stimmungsvollen Morgenlicht. Die Landschaften dort erscheinen ihr einerseits einsam und trostlos, gleichzeitig ist Reader ergriffen von dem Gefühl völliger Frei-heit und Gelassenheit. In perfekter Maltechnik und mit starken Hell- und Dunkelkontrasten betont sie die Naturgewalten und die Macht der Schöpfung. Mit diesen Bildern gelingt es ihr, den Betrachter zu faszinierenden Orten der Stille zu bringen – ohne dass er jemals dafür auf Reisen gehen müsste.

L'Atlantique, la mer du Nord et la mer Baltique ont longtemps été la source d’inspiration pour la peinture de Dawn Reader. Mais c’est essentiel-lement la lumière et ses facettes multiples qui la fascinent. Le paysage silencieux de glace et de neige de l'Arctique et de l’Antarctique avec leur lumière poétique l’attirent. Si ces paysages lui paraissent isolés et tristes, D.Reader est toutefois gagnée par un sentiment de liberté absolue et de sérénité. Grâce à une technique de dessin parfaite et à de forts contrastes entre clarté et ombre, elle met en valeur les forces de la nature et le pouvoir de la création. Avec ses tableaux, elle emmène l'observateur dans des lieux fascinants de silence sans devoir partir en voyage.

Willem de BontThe everyday magician

The virtuosity and meticulous details of his paint-ings allow the Dutch painter Willem de Bont to provide his still lifes of apparently meaningless everyday objects, such as bowls, cups, jugs or glasses, with a mysterious aura, an aura that in-spires and enchants those who observe his works. The application of bright light and pale colours in his detailed paintings serves to bring a feeling of lightness and a sense of play. Beyond the subtle-ty of these extremely naturalistic paintings, which conjure up images of photorealism from the late 1960s and 70s, it is the light and, above all, the perspective which provide the scenes with a cer-tain engaging magic. The beholder is unable to es-cape the energy and force of these works of art.

Durch die Virtuosität und minutiöse Technik sei-ner Malerei verleiht Willem de Bont seinen Still-leben von schlichten Alltagsgegenständen wie Schalen, Tassen, Kannen oder Gläsern eine ge-heimnisvolle Aura, die den Betrachter verzaubert und für die Qualität seiner Bilder einnimmt. Der Maler hält seine sorgfältig ausgearbeiteten De-tails in hellem Licht und in dezenten Farben, das gibt ihnen etwas Leichtes und Spielerisches. Über die Feinheit dieser extrem naturalistischen Male-rei hinaus, die an Fotorealismus der spätern 60er und 70er Jahre erinnert, sind es das Licht und vor allem die Perspektive, die der dargestellten Sze-ne Magie verleiht. Der Betrachter kann sich der Ausdruckskraft und Eindringlichkeit dieser Bilder nicht entziehen.

Grâce à sa virtuosité et sa technique de dessin minutieuse, Willem de Bont confère à ses natures mortes composées de simples objets du quotidien un rayonnement mystérieux faisant tomber l’ob-servateur sous le charme. En plaçant ses détails très travaillés sous une lumière claire et des cou-leurs sobres, le peintre apporte une touche légère et ludique. Mais, au-delà de la finesse de cette peinture extrêmement naturaliste rappelant le réalisme photographique de la fin des années 60 et 70, c’est la lumière et surtout la perspective qui apportent un caractère magique à la scène. L’ob-servateur ne peut résister à l’expressivité et à la force de persuasion de ces peintures.

Dave ButcherHonouring natural powers

Dave Butcher has over 30 years experience in the field of black and white photography. He shuns digital technology, preferring traditional film ma-terial which he develops using classical darkroom methods. Dave believes his stunning photographs of monumental landscapes are both an historical record and pieces of art. The expressiveness of his images is enhanced through the skilful interplay of light and shadow, black and white. Butcher thus strikingly demonstrates and documents the natural powers that have formed and sculpted a landscape over millions of years.

Seit über 30 Jahren widmet sich Dave Butcher der Schwarz-Weiß-Fotografie. Dabei arbeitet er nicht digital, sondern mit klassischem Filmmaterial, das er selber in der Dunkelkammer entwickelt. Seine ausdrucksstarken Fotografien von monu-mentalen Landschaften sieht er gleichermaßen als historische Zeitdokumente und künstlerisches Schaffen. Die Stärke seiner Bilder steigert er ge-konnt durch das Zusammenspiel von Licht und Schatten, Schwarz und Weiß. Damit manifes-tiert und dokumentiert Butcher auf sehr stilvolle Art Naturgewalten, die Millionen Jahre lang eine Landschaft geformt und verändert haben.

Depuis plus de 30 ans, Dave Butcher se consacre à la photographie noir et blanc. Renonçant au ma-tériel numérique, il travaille avec des films clas-siques qu’il développe ensuite lui-même. Il consi-dère ses photographies expressives de paysages autant comme un document historique d'une époque que comme une œuvre artistique. Grâce à l’interaction de la lumière et des ombres, du noir et du blanc, il réussit à intensifier la force de ses clichés. Ainsi, Butcher présente et témoigne magnifiquement des forces de la nature qui ont façonné et modifié pendant des millions d’années un paysage.

The only way is up

Art market prices are booming. Cul-ture vultures seem to be shunning »Art as an investment« but the key players like gallery owners, auctioneers and the big shot artist still cherish the big deals. And the common artist? Well, he's startled! And just enjoys his sim-ple life as an artist...

The triptych »Three Studies of Lucian Freud« by Francis Bacon was recently sold after just six min-utes of fierce bidding to Acquavella Galleries for the astronomical sum of $142 million (roughly €105 million) at Christie’s in New York. Jeff Koons’ »Balloon Dog (Orange)« sculpture was also auc-tioned at Christie's for a hefty €43.4 million. This saw the U.S. artist, famous for turning banality into art, break the world auction record for a liv-ing artist. The record was previously held by Ger-hard Richter, one of the most influential and inter-nationally successful artists of the modern era. It appears that not even international economic and financial crises, environmental disasters, or the fact that more than one billion people around the world live in utter poverty and every sixth German lives on the breadline can cause the art market to falter! On the contrary, its good mood is reflected by this year’s positive results: according to “Artin-vestor”, Christie’s recorded the largest turnover in its long history, boasting a grand total of $3.68 bil-lion in the first six months of 2013; and Sotheby’s was not far behind with $3.14 billion. The results were buoyed, amongst other things, by online market developments, private sales and the boom in the Asian market. And the picture is rosy in Germany, too, particularly in the primary market of commercial galleries: Art Cologne, for instance, appears to have turned a corner after a number of years in the doldrums. »Art Cologne 2013 proved we’re finally back in the premier league of inter-national art fairs«, claims the fair’s director Daniel Hug. How nice!

But for most people – whether it is the »ordinary man in the street« or members of the art fraterni-ty – the spiralling price of art is not really compre-hensible. »It’s just as absurd as the banking crisis: it’s impossible to understand and it’s daft,« said Gerhard Richter when asked about his thoughts on his painting ‘Candle’ expecting to fetch €10 million at auction. The work eventually sold for a record €12 million at Christie’s in London. But this pales into insignificance and almost seems like a bargain when compared to the sum paid for Jeff Koons' shiny orange poodle. Tempus fugit – especially in an international art market that is full of new players from Russia, China, Qatar and and even India.

Has the art business been converted into a sort of investment cosmos in which the price for a work is the factor that determines its actual quality? In her book »Kunst hassen« (Hate Art), the journal-ist and author Nicole Zepter asks this question – and also why many of these highly rated art(pop)stars are equally important? If one were to accept this, Koons’ gigantic shiny poodle would be noth-ing more than a monstrous irrelevance. Whatev-

Der Kunstmarkt boomt und so man-chem Kunstfan stößt der Trend zur Kunst als reinem Investment bitter auf. Doch die Big Player im Kunstmarkt freut's - ob Galeristen, Aktionshäu-ser oder Künstler-Superstars. Und der gemeine Kreative? Staunt - und freut sich einfach, Künstler sein zu kön-nen...

Keine sechs Minuten hat es gedauert, bis Chris-tie’s dem Bieter Acquavella Galleries den Zu-schlag für das Triptychon »Three Studies of Lu-cian Freud« von Francis Bacon erteilte – für die astronomische Summe von 142 Mill. Dollar (etwa 105 Mill. Euro). Die ebenfalls von Christie’s ver-steigerte Plastik »Balloon Dog Orange« von Jeff Koons erzielte stolze 43,46 Mill. Euro. Damit ver-drängte der irgendwo zwischen Kitsch und Kunst figurierende US-Amerikaner sogar Gerhard Rich-ter vom Thron des teuersten lebenden Künstlers. Allgegenwärtige Wirtschafts- und Finanzkrisen, Umweltkatastrophen, die Tatsache, dass weltweit mehr als 1 Milliarde Menschen im Elend leben – das alles bringt den Kunstmarkt nicht ins Wan-ken! Im Gegenteil, dort ist die Stimmung bestens ob der positiven Bilanzen in 2013: Christie’s er-zielte laut »Artinvestor« im ersten Halbjahr mit 3,68 Mrd. Dollar den bisher höchsten Umsatz in seiner Geschichte, der Halbjahresumsatz von Sotheby’s betrug immerhin 3,14 Mrd. Dollar. Be-flügelt hätten die Ergebnisse u. a. der Ausbau des Online-Markts sowie der Privatverkäufe und der Boom im asiatischen Markt, heißt es. Und auch hierzulande gibt es keinen Grund zur Klage ins-besondere im Primärmarkt der Galerien: So war z. B. die Art Cologne nach flauen Jahren letztlich erfolgreich. »Mit der Art Cologne 2013 sind wir endgültig wieder in der ersten Liga der internati-onalen Kunstmessen angekommen«, so das Fazit von Messedirektor Daniel Hug. Wie schön!

Doch für die meisten Menschen – ob der »Mann von der Straße« oder auch Akteure, die dem System des Kunstbetriebs angehören – ist die schwindelerregende Preisentwicklung von Kunst-werken nicht wirklich nachvollziehbar. »Das ist genauso absurd wie die Bankenkrise: unver-ständlich, albern, unangenehm«, urteilte selbst Gerhard Richter über die Schätzung eines mög-lichen Verkaufserlöses von 10 Mill. Euro für sein Bild »Die Kerze«. Letztendlich erzielte das Werk bei der Herbstauktion 2011 von Christie’s 12 Mill. Euro – und damit den bislang höchsten Preis. Nach heutigen Maßstäben aus dem Erlös von Jeff Koons Hochglanz-Pudel ist das ja fast ein be-scheidenes Sümmchen. Tempus fugit – insbeson-dere im internationalen Kunstmarkt, auf dem jetzt neue Player mitspielen, etwa aus Russland, China, Katar oder auch Indien.

Ist der Kunstbetrieb also nur noch ein Invest-ment-Kosmos, in welchem der erzielte Preis eines Kunstwerks als bestimmender Maßstab für des-sen Qualität gilt? In ihrem Buch »Kunst hassen« fragt sich die Journalistin Nicole Zepter das – und auch, weshalb viele dieser hochgehandelten Kunst(Pop)stars auch gleich bedeutend sein müs-sen? Folgt man dem, dann dürfte Jeff Koons glän-zender Riesenpudel eigentlich nicht wesentlich

Le marché de l´art est en plein essor et certains «fans de l´art» accentuent le phénomène en présentant l´art comme un investissement pur. Na-turellement les acteurs tels que gale-ristes, maisons de ventes aux enchères ou artiste-stars se réjouissent. Et qu´en est-il de la communauté creative? Étonnement elle se réjouit de pouvoir simplement être un artiste…

En moins de six minutes, Christie’s a adjugé le triptyque «Trois études de Lucian Freud» de Fran-cis Bacon à l’acquéreur Acquavella Galleries – pour la somme astronomique de 142 millions de dollars (environ 105 millions d’euros). La sculp-ture «Balloon Dog Orange» de Jeff Koons, égale-ment vendue par Christie’s, a atteint la somme impressionnante de 43,46 millions d‘euros. Ainsi, l’Américain évoluant entre kitsch et art, a même détrôné Gerhard Richter devenant ainsi l’ar-tiste vivant le plus cher – et donc un des artistes contemporains les plus influents et appréciés au niveau international. La crise économique et fi-nancière omniprésente, les catastrophes environ-nementales, le fait que dans le monde entier plus d’1 milliard de personnes vivent dans la misère – tout cela ne fait pas vaciller le marché de l’art ! Au contraire, l’ambiance y est au beau fixe en raison des bilans positifs en 2013: selon «Artinvestor», Christie’s a réalisé, avec 3,68 milliards de dollars au premier semestre, le meilleur chiffre d‘affaires de son histoire. Le chiffre d‘affaires du premier se-mestre de Sotheby’s s'élevait tout de même à 3,14 milliards de dollars. Le développement du mar-ché en ligne ainsi que les ventes privées et l'explo-sion du marché asiatique auraient stimulé ces ré-sultats. En Allemagne, après des années moroses, l’Art Cologne, a enfin renoué avec le succès. «Avec l’Art Cologne 2013, nous sommes définitivement de retour en première ligue des salons d’arts in-ternationaux», conclut Daniel Hug, le directeur du salon. Tant mieux !

Mais pour la plupart d'entre nous – «monsieur Tout-le-monde» comme les acteurs du marché de l’art – la hausse vertigineuse des prix des œuvres d’art est difficile à comprendre. «C’est tout aussi absurde que la crise bancaire: incompréhensible, ridicule, désagréable», déclara même Gerhard Richter à propos de l'estimation de 10 millions d’euros de son tableau «Die Kerze» (La bougie). Finalement, l’œuvre a été adjugée à 12 millions d’euros lors d’une vente aux enchères de Chris-tie’s en 2011 – prix jamais atteint jusque-là. Mais au regard du prix de vente du caniche brillant de Jeff Koons, c’est presque une somme modeste. Le temps passe – en particulier sur le marché inter-national de l'art où de nouveaux acteurs venus par exemple de Russie, de Chine, Qatar mais aussi d’Inde ont fait leur apparition.

Le marché de l’art n’est-il plus qu’un secteur d’in-vestissement dans lequel le prix de vente d’une œuvre détermine sa qualité? C’est la question que la journaliste Nicole Zepter se pose dans son livre «haïr l’art». Elle se demande aussi pourquoi beaucoup de ces (pop)stars de l’art très cotées jouent immédiatement un rôle important. Si on suit ce raisonnement, le caniche énorme et bril-lant de Jeff Koons ne serait finalement qu’une

mehr sein, als eine monströse Belanglosigkeit... Wie dem auch sei, Kunst hat sich zum interessan-ten »Investment« gemausert mit Blue Chip-Po-tenzial und großen Aussichten auf Rendite und Selbstdarstellung – für Sammler und Künstler gleichermaßen. Passé sind offenbar die Zeiten, in denen Kunst und Künstler noch in einer Nische steckten und entdeckt werden wollten von Gale-risten und vom Publikum. Als es noch um Dar-stellung, Sujet, Stil, Können, Originalität, Provoka-tion oder gar politische Aussage ging. Heute liegt der Fokus auf dem »Return of Investment« und nicht auf der Kunst um ihrer selbst willen.

Hingegen ist Daniela Hinrichs, Sammlerin und Mitgründerin von xing, davon überzeugt, dass der eigentliche »Return on Investment die Freu-de am Bild ist«. Und auch Daniel Hug wird in der ’ZEIT’ mit den Worten zitiert: »Es gibt Superstars, die zu teuer sind... Trends zu folgen, junge zeitge-nössische Kunst aus Investitionsgründen zu kau-fen, das ist gefährlich. Ich kaufe nur solche Kunst, mit der ich leben will.« Allerdings sagte er auch im selben Interview: »...auf dem Kunstmarkt gilt die gleiche Regel wie auf dem Aktienmarkt: Kau-fe günstig, verkaufe teuer. Wer Kunst kauft, die er wirklich liebt, wird immer jemanden finden, der sie ihm ebenfalls aus Liebe für mehr Geld ab-kauft.« Also doch: Money makes the (art)world go round! Gérard Goodrow glaubt zu wissen, woran das liegt und warum das auch so bleibt: »Es gibt viel mehr Milliardäre als früher!« In einem Ge-spräch im Deutschlandradio zur Preisentwick-lung Gerhard Richters sagte der Kurator, Galerist und ehemalige Direktor der Art Cologne sinnge-mäß, dass eine Krise den heutigen Milliardären nicht wirklich viel ausmache und sie trotzdem in hochpreisige Kunst investieren. Außerdem sei der Kunstmarkt heute durch das Internet und die Rei-sefreiheit wesentlich globaler, so dass mögliche Krisen in einem Land von einer anderen Region aufgefangen würde.

»Früher waren die Maler verrückt und die Bilderkäufer clever. Heute ist es umge-kehrt.« Giorgio de Chirico

Für Andreas Lohhaus, einer der beiden Direkto-ren der Kölner Kunstmesse Art.Fair, »ist Kunst zu sammeln, gut für Seele, Geist und Herz.« Falsch sei seiner Ansicht nach, dass Sammler viel Geld benötigen, um Kunst zu sammeln, dazu gehöre einfach nur die Liebe zur Kunst. Und: »Die Art.Fair zeige Kunst für jedes Budjet.« Doch gleichzei-tig dürfte seine Freude nicht gering gewesen sein, als während der letzten Art.Fair auch hochpreisi-ge Arbeiten »im Bereich von 100.000 oder 120.000 Euro wie geschnitten Brot gingen«. Das »Budget für jedermann« ist dann wohl doch eher eine Fra-ge der jeweiligen Perspektive. Aber immerhin: Auf der Art.Fair liegen die Einstiegspreise für Kunst-objekte bei moderaten 300 Euro.

Doch wo bleiben bei der ganzen Diskussion um den – angemessenen – Wert von Kunst eigentlich die Künstler? Mögen zwar all die Shootingstars, Platzhirsche und insbesondere die Preise für deren Werke das Bild eines erfolgreichen Kunst-markts evozieren – Tatsache ist: Die wenigsten der etwa 19.000 Künstler in Deutschland können laut Künstlersozialkasse von ihrer Kunst leben, so beträgt das durchschnittliche Jahreseinkommen weniger als 14.000 Euro. Und das obwohl das In-

monstrueuse futilité… Quoi qu’il en soit, l’art s’est métamorphosé en un « investissement » attrayant offrant en perspective rendements importants et prestige personnel – pour le collectionneur comme pour l’artiste. Manifestement, les temps sont révolus où l’art et les artistes étaient encore contenus sur un micromarché et cherchaient à être découverts par les galeristes et le public. On attachait alors encore de l’importance à la repré-sentation, au sujet, au style, au talent, l'originalité, la provocation ou même au message politique. Aujourd’hui, on se concentre sur le retour d’in-vestissement et non plus sur l’art en lui-même.

À l’opposé, Daniela Hinrichs, collectionneuse et co-fondatrice de xing, est convaincue que «la joie qu’apporte un tableau est le véritable retour sur investissement». Le journal allemand ’ZEIT’ cite également Daniel Hug: «Il y a des superstars qui sont trop chères... suivre des tendances, acheter de l’art contemporain récent pour investir est dan-gereux. Je n’achète que l’art avec lequel je veux vivre». Cependant, il déclarait également dans le même entretien: «...sur le marché de l’art, on ap-plique les mêmes règles que sur le marché des ac-tions: achète bon marché, revends cher. Lorsque l’on achète de l’art que l'on aime vraiment, on trouvera toujours quelqu’un qui le rachètera plus cher, aussi par coup de cœur». C’est alors donc vrai: money makes the (art)world go round ! Gérard Goodrow pense en connaître les raisons et savoir pourquoi cela reste ainsi: «Il y a beau-coup plus de milliardaires qu’avant!» Lors d’un entretien à la radio allemande Deutschlandradio, le commissaire d’exposition, galeriste et ancien directeur de l’Art Cologne, a déclaré en substance, au sujet de l’évolution des prix des œuvres de Ge-rhard Richter qu’une crise des milliardaires ac-tuels n’a pas vraiment de conséquence. Ils inves-tissent quand même dans de l'art haut de gamme. Par ailleurs, le marché de l’art est aujourd’hui beaucoup plus global du fait d’Internet et de la liberté de voyager de sorte qu’une crise éventuelle dans un pays serait compensée par une autre ré-gion.

«Autrefois, les peintres étaient fous et les acqué-reurs de tableaux intelligents. Aujourd’hui, c’est le contraire.» Giorgio de Chirico

Pour Andreas Lohhaus, un des deux directeurs du salon d’art de Cologne Art.Fair, «collectionner de l’art est bon pour l’âme, l’esprit et le cœur». Il désapprouve que les collectionneurs aient besoin de beaucoup d'argent pour acquérir de l'art. Seul l'amour de l’art devrait être en jeu. Il déclare aussi «L’Art.Fair présente de l’art pour tous les budgets.» Néanmoins, il devait être satisfait de voir que, lors du dernier Art.Fair, des œuvres haut de gamme« de l’ordre de 100 000 ou 120 000 euros se sont ven-dues comme des petits pains». Le «budget pour tout un chacun» est donc plutôt une question re-lative de perspective. Mais tout de même, au Art.Fair, les premiers prix pour des objets d'art, situés autour de 300 euros, étaient modérés.

Mais que deviennent les artistes au milieu de cette discussion autour de la – juste– valeur de l’art ? Si toutes ces stars, ces artistes dominants et surtout le prix de leurs œuvres laissent penser que le marché de l’art est très prospère, la réalité est, qu’en Allemagne, une infime partie des 19 000 artistes peuvent vivre de leur art. En effet, le reve-

er the case may be, art has become an interesting ‘investment’, boasting blue chip potential, high-est rates of return and a stage for self-portray-al – for collectors and artists alike. Gone are the days when art and artists created their own niche, waiting to be spotted by gallery owners and audi-ences. It used to be about the presentation, mo-tifs, styles, skills, originality, provocation and even political statements. Today, the focus is firmly on the ‘return of investment’ and definitely not art for art’s sake.

In contrast, Daniela Hinrichs, a collector and a co-founder of xing, is convinced that the real ‘re-turn of investment’ is the satisfaction provided by a painting. In the German weekly ‘Die Zeit’, Daniel Hug was quoted as saying: »There are superstars who are too expensive... It’s dangerous to follow trends, to purchase young contemporary art as an investment. I only purchase artworks which I wish to live with.« Conversely, in the same inter-view he argued: »...the same rule applies to the art market and the stock market: buy low, sell high. If you purchase a piece of art that you really love, there will always be someone who, out of love, is prepared to buy it from you for more.« In other words: money makes the (art) world go round! Gérard Goodrow believes he knows the reason for this and why things are not about to change: »Nowadays, there are more billionaires than ever before!« In an interview with Deutschlandra-dio on the price of works by Gerhard Richter, the curator, gallery owner and former director of Art Cologne claimed that a crisis fails to scare mod-ern-day billionaires as they continue to invest big money in art. Furthermore, today’s art market is more global than ever due to the Internet and the freedom of travel, meaning possible crises in one country may be compensated in other regions.

»It used to be that painters were crazy and buy-ers clever. Today, it’s the other way around.«Giorgio de Chirico

Andreas Lohhaus, one of the two directors of the Cologne Art.Fair, believes »collecting art is good for your mind and soul«. In his view, it is wrong to think that collectors need large sums of money to go about their business, as it simply requires a love of art. And: »The Art.Fair displays art for every budget. »But at the same time he must have been quite happy with the outcome of the latest Art.Fair where the »prices for some highly sought-after works reached roughly €100,000 and €120,000«. Art »for every budget« then depends upon your actual viewpoint. That being said: pieces of art can still be picked up at the Art. Fair for a fairly mod-erate €300.

Unfortunately, in this whole discussion about the – acceptable – price of art, questions are rarely asked about the artists. Despite the shooting stars and leading figures and, in particular, the prices their works fetch creating an image of a success-ful art market – the fact remains: only a handful of the roughly 19,000 artists in Germany can live from their art according to the German Social Welfare Fund for Artists (KSK), with an average annual income of less than €14,000. This in an age when the Internet has played a crucial role in minimising the gap between artists and potential buyers. But, when all is said and done, the suc-cess of artists depends on whether they can find a gallery owner who is prepared to stock their works

nu annuel moyen est de moins de 14 000 euros. Même si Internet ne cesse de réduire la distance entre artistes et clients potentiels, le succès d’un artiste dépend finalement en grande partie du fait qu’il ait ou non trouvé un galeriste qui le repré-sente. Pour cet engagement, celui-ci retient 50 pour cent des ventes de l’artiste.

Cette situation relativement précaire rappellera à certains le tableau «Pauvre poète», de Spitzweg. Cependant, le DIW (l’institut allemand pour la recherche économique) a observé que les artistes sont les plus heureux ! Tout simplement parce que l’activité en elle-même leur apporte beaucoup plus que l’argent qu’elle leur permet de gagner. L’étude montre que, contrairement à d’autres ac-tifs, ils seraient d’autant plus heureux qu’ils inves-tissent d’heures dans leur travail car celui-ci est autodéterminé et varié. Certes, la voie royale me-nant à la réussite n'existe pas. Mais cela donne un certain espoir si l’impulsion de l’art n’est pas seule-ment la valeur du futur investissement mais reste en grande partie liée à la motivation de l’artiste:

«Je n’ai pas de mobile, juste de la motivation. Je pense que la motivation est l'élément authen-tique, naturel…» Gerhard Richter

ternet den Abstand zwischen Künstlern und Inter-essenten immer mehr verkleinert hat. Dennoch: Letztendlich hängt der Erfolg eines Künstlers maßgeblich davon ab, ob er einen Galeristen fin-det, der ihn vertritt. Und für dieses Engagement behält dieser wiederum stolze 50 Prozent der Er-löse des Künstlers ein.

Mag manchem bei dieser durchaus prekären Si-tuation das Spitzweg-Bild vom „armen Poeten“ in den Sinn kommen, so hat das DIW (Deutsches In-stitut für Wirtschaftsforschung) indes festgestellt: Künstler sind die glücklicheren Menschen! Ganz einfach, weil sie aus der Tätigkeit selbst einen viel größeren Nutzen ziehen als aus dem Geld, das sie damit verdienen. Im Gegensatz zu anderen Berufstätigen sollen sie sogar um so glücklicher mit ihrer Arbeit sein, je mehr Stunden sie dafür aufbringen, weil diese schließlich selbstbestimmt und vielfältig seien, heißt es in der Studie. Den Königsweg für Erfolg gibt es sicher nicht. Doch irgendwie macht es Hoffnung, wenn der Impe-tus von Kunst nicht – ausschließlich – ihr Wert als künftiges Investment ist, sondern immer noch maßgeblich in der Motivation des Künstlers liegt:

»Ich habe kein Motiv, nur Motivation. Ich glaube, dass die Motivation das Eigentliche, Naturgemäße ist...« Gerhard Richter

or act as their agent. In return for which the agent expects a princely 50% from any of the artist’s works sold.

For some, this precarious situation brings to mind Spitzweg’s painting of »The Poor Poet«. Howev-er, an empirical study by the German Institute for Economic Research (DIW) has discovered that artists are more satisfied with their job than non-artists! Simply because the non-pecuniary benefits are much greater: the study claims the effect of working hours on job satisfaction is more positive for artists because they work in a self-de-termined and varied manner. Obviously, there is no perfect route to success, but there is still hope when the impetus of art is not based – solely – on its value as a future investment, but still found in the ideas and motivation of the artist:

»I have no motif, only motivation. I believe that motivation is the real thing, the natural thing...,« Gerhard Richter

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