JAM Music Magazine 11 Autumn 2015

№11ОСЕНЬ 2015

ЗНАЙ НАШИХ ИЛИ ДОЛОЙ “МУЗЫКАЛЬНЫЙ ФАСТ-ФУД”

АКУСТИЧЕСКАЯ ГИТАРАYAMAHA F-310

CRYBABY MINIНЕ ПЛАЧЬ, МАЛЫШКА

ВЫБИРАЕМ ГИТАРНЫЙ ДИНАМИК CELESTION!

ТОМ ПЕРВЫЙ: METALLICA

НОВИНКИ АНОНСЫ ОБЗОРЫ ТЕСТ-ДРАЙВЫ СТАТЬИ ИНТЕРВЬЮ РЕКОМЕНДАЦИИ ЮМОР РАССКАЗЫ СОВЕТЫ

ТНМК

КАБИНЕТ GEARОЛОГИИ

GODS TOWER

ИНТЕРВЬЮ

ИНТЕРВЬЮ

MAD HEADS

BON JOVIЗНАКОВЫЙ АЛЬБОМ

ТАБУЛА РАСА

BJORKЮБИЛЕЙ

ИНТЕРВЬЮ

ИНТЕРВЬЮ

MADE IN UKRAINE

ОБЗОР

МНЕНИЕ СПЕЦА

ЗОЛОТОЙ ФОНД РИФФОВ

2 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

СОДЕРЖАНИЕ:

04 НОВОСТИ И НОВИНКИ

08 YAMAHA F-310

Мнение покупателя

10 ТАРАС ЯНИЦЬКИЙ. КОД БАНДУРИ

Интервью

16 BON JOVI. СЖИГАЯ МОСТЫ

Знаковый альбом

24 ОЛЕГ ЛАПОНОГОВ. ТАБУЛА РАСА

Легенда в студии

26 МОЩНОСТЬ? ГРОМКОСТЬ?...

ВЫБИРАЕМ ГИТАРНЫЙ ДИНАМИК

CELESTION!

Gеaroлогия

32 ТОМ ПЕРВЫЙ: METALLICA

Золотой фонд риффов

34 GODS TOWER

Интервью

36 GRASS ROOTS G-PB-45R / G-JB-47R

Обзор

38 MOTLEY CRUE

Знаковый альбом

42 “МОЯ ПРЕЛЕСТЬ”. ОБЗОР ДОСТУП-

НЫХ АКУСТИЧЕСКИХ ГИТАР

Обзор

46 MAD HEADS

Интервью

50 CRYBABY MINI - НЕ ПЛАЧЬ, МАЛЫШКА

Мнение спеца

54 5 ОШИБОК В ОБУЧЕНИИ ТЕХНИКЕ

ИГРЫ НА ЭЛЕКТРОГИТАРЕ


58 ПРОФЕССИЯ: ЗВУКОРЕЖИССЕР

Интервью

62 BJORK. ПОЛВЕКА С ИСЛАНДСКОЙ

СКАЗКОЙ

Юбилей

70 КАК ОСЕДЛАТЬ ДРАКОНА


74 РИТМ: ЛОВИ И ДЕРЖИ


76 ПЕРКУССИОННЫЕ УДАРНЫЕ

ИНСТРУМЕНТЫ

Страницы истории

82 WAY STATION

Интервью

86 ЗНАЙ НАШИХ ИЛИ ДОЛОЙ

“МУЗЫКАЛЬНЫЙ ФАСТ-ФУД”!

Made in Ukraine

88 АНАЛОГОВО-ЦИФРОВАЯ ВОЙНА

ПРОДОЛЖАЕТСЯ

Обzor

92 ТНМК. БОЛЬШЕ, ЧЕМ ПРОСТО ХИП-ХОП

Интервью

98 RESPUBLICA 2015

Репортаж

102 РЕКОМЕНДУЕМ ПОСМОТРЕТЬ

105 РЕКОМЕНДУЕМ ПОЧИТАТЬ

8 YAMAHA F-310МНЕНИЕ ПОКУПАТЕЛЯ

ОЛЕГ ЛАПОНОГОВ

24

WAY STATION

82

ИНТЕРВЬЮ

ИНТЕРВЬЮ10 ИНТЕРВЬЮ

ТАРАС ЯНИЦЬКИЙ

КОД БАНДУРИ BON JOVI СЖИГАЯ МОСТЫ 16

МОЩНОСТЬ? ГРОМКОСТЬ?...ВЫБИРАЕМ ГИТАРНЫЙ ДИНАМИК CELESTION!

26

34 GODS TOWER

ИНТЕРВЬЮ

38

MOTLEY CRUE

MAD HEADS 46ИНТЕРВЬЮ

50МНЕНИЕ СПЕЦА


5 ОШИБОК В ОБУЧЕНИИТЕХНИКЕ ИГРЫ НА ЭЛЕКТРОГИТАРЕ54

ПРОФЕССИЯ: ЗВУКОРЕЖИССЕР

58ИНТЕРВЬЮ

62 BJORKПОЛВЕКА С ИСЛАНДСКОЙ СКАЗКОЙ

ПЕРКУССИОННЫЕ УДАРНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ

76СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ

92

ИНТЕРВЬЮ

TНМКОБZOR

АНАЛОГОВО-ЦИФРОВАЯ ВОЙНА ПРОДОЛЖАЕТСЯ

88Девушка с обложки:

Татьяна Шмайлюк - вокалистка украинской метал-группы JINJER, признанного лидера оте-чественной метал сцены. Входит в 10-ку лучших женских голосов современной украинской музыки по версии INSIDER.UA вне зависимости от жанра или направления.

JAM Music Magazine • www.jam.ua • 3JAM Music Magazine • www.jam.ua • 3

Верстка и дизайнИгорь Листопад

Главный редакторДмитрий Стариченко

Технический редакторИван Дубов

Редакционная коллегияАлла ШведюкМаксим Роговой

Авторы статейБалука АндрейВасилец ДмитрийВихоть МаксимДубов ИванЗозуля АндрейКузьменко АлександрНаливайко ВалерияПаламарчук АртемПаляница ОксанаРадченко АлексейРоговой МаксимРубанов МихаилСакир ДмитрийСеменюк АлинаСиволапов ЭрландСлободенюк ЕленаСурин КонстантинХицкая НатальяЧерненко АльбинаШведюк АллаШевченко Федор

www.jam.uaemail редакции: [email protected]телефон редакции: (044) 5370787мы Вконтакте - vk.com/jamuaРаспространяется бесплатно Тираж 2000 экз.

Полное или частичное воспроизведение в СМИ материалов, опубликованных в журнале JAM Music Magazine, допускается только с разрешения редакции. Все цены, приведенные в журнале, являются ориентировочными.

В детстве я часто мечтал о кругосветном путешествии на круизном лай-нере – сказочно белом, огромном и многопалубном красавце- корабле. На нем обязательно был бы открытый бассейн с голубой, как небо, водой, а жажду можно было бы утолять соком манго со льдом, холоднющим настолько, чтобы аж мозг леденел. И чтобы у мамы с бабушкой просто сердце замирало от ужаса, при виде их чада, жадно глотающего холодное. Я давно уже вырос и научился пить маленькими глотками холодный сок, а вот мечта моя о путешествии по океану так и осталась всего лишь мечтой... Хотя нет, стоп. А что нам мешает отправиться в путь прямо сейчас? Поплыли вместе, дорогой читатель, прочь сомнения – все, что нужно для увлекательного путеше-ствия, уже у тебя в руках! А ну-ка, быстренько взбираемся по трапу корабля и видим встречающего нас своей ослепительной улыбкой хорошо-не-выбритого адмирала ДЖЕМсона, неспешно и грациозно приглашающего на борт. Именно он покажет нам самые интересные места нашей необъятной музыкальной планеты. Что же именно нас ждет впереди? Давайте послушаем самого капитана корабля.

“Во время нашего кругосветного путешествия, дамы и господа, мы будем делать несколько остановок с выходом на материковую часть. Запланировано: посещение Лапоноговых островов, с заходом в Медхедсовую восьмиугольную шаровость и прием Селешеновых воздушных ванн на британских островах. Мы поближе познакомимся с самой популярной в мире домашней японской гитарой породы Ям-Аха и узнаем много интересного из жизни лидера банды байкеров-бандуристов Тараса Небульбы. Белорусский басист-партизан рас-скажет нам, почему не столь важно количество струн на его инструменте, как их толщина. Увидим, потрогаем и услышим современное чудо света из страны заходящего солнца - малышку, которая всегда плачет. Исландская тетя Бьорк и норвежский дядя Эрланд прокатят нас на трехглавом драконе в знак уважения и дружбы (если честно, то они просто празднуют юбилей тети). Живые выступления Way Station, Bon Jovi и Mötley Crüe сделают незабываемыми ваши вечера. А тех же, кто ищет покоя и умиротворения, ждем в каютах релакса - медитации в стиле аналогово-цифрового дзена помогут вам окончательно раскрыть аджну. Еще мы научимся играть популярные песни металлики и вместе разгадаем загадочные символы “тнмк” на останках, датированных виниловой эрой. Четко в 8-00 утренняя зарядка - ловим ритм и учимся его удерживать с помощью перкуссионных инструментов, и сразу на завтрак. Там, на останках столовой музыкального фаст-фуда, свои креативные ресторанные блюда подают лучшие молодые коки Украины. Будет интересно и познавательно. Занимайте свои комфортабельные рубрики на нашем стопалубном красавце-корабле, мы выходим в открытый океан событий. На протяжении долгих месяцев подготовки, команда корабля и ваш покорный слуга делали все возможное, чтобы гаранти-ровать вам отдых исключительно с лучшими и хорошими эмоциями. Так что ни в чем себе не отказывайте - у нас литературный all inclusive.”

Димон Стариченко

ТВОЙ МУЗЫКАЛЬНЫЙ ЖУРНАЛ

ВЫПУСК 11 осень 2015

Вступительное слово

SWITCHCRAFT (США) Друзья! Рады представить вам новую продукцию в нашем

ассортименте! Американская компания Switchcraft - это

искусство делать лучшие в мире разъемы!

Компания Switchcraft, Inc. была основана в 1946 году и основ-

ным направлением в производстве были гнезда, разъемы и

переключатели, главным образом, для отрасли связи. Первая

фабрика была расположена в Чикаго на West Diversey Street. В

1948 году компания переехала в большее помещение на 1328

North Halsted Street, а в 1958 году заняла объект площадью

185,000 квадратных футов на 5555 North Elston Avenue. Тут до

сих пор располагается штаб-квартира, и этот объект сегодня

является самым крупным из трех производственных локаций

корпорации.

Мы объединяем мастерство и достоинство ручной работы с вы-

сокоточными технологиями на основе новаторских решений.

“Идеальное постоянство качества” является не только крылатой

фразой на Switchcraft, но и показателем производительности. Мы

предлагаем преимущества высоких технологий, в том числе ин-

новационного использования и склеивания материалов, поверх-

ностный монтаж, сверление отверстий, монтаж печатных плат,

EMI/RFI экранирование и RF соединений, и это далеко не все.

Так же, как качество продукта зависит от качества его компо-

нентов внутри, уровень Switchcraft начинается с качества де-

талей. Будучи вертикально-интегрированной компанией, мы

сами производим большинство компонентов и комплектующих,

которые используем, чтобы контролировать качество и выпуск

от партии к партии. Мы постоянно оцениваем и улучшаем по-

казатели сертифицированных поставщиков, основываясь на их

способности последовательно поставлять качество, стоимость

и сервис для удовлетворения наших запросов. Мы требуем от

них тех же строгих стандартов, которые установили и для себя:

наши поставщики должны так же оперативно реагировать на

наши потребности, как и мы – на ваши.

Литье, чеканка, золочение, механическая обработка и сборка

проводятся в США, в частности, на нашем объекте площадью

185,000 квадратных футов в Чикаго. В этом наше преимуще-

ство - мы способны поддерживать строгий контроль над про-

изводством и качеством. Второй завод в Inchon (Южная Корея)

поддерживает клиентов на Дальнем Востоке. Все большее

число наших форм и штампов строятся и поддерживаются на

фабриках. Используя статистические стандарты управления

процессом, мы контролируем и поддерживаем стабильное

качество производства. Идеальное сочетание высокоточного

оборудования, эффективного производства и самоотвержен-

ности наших опытных, талантливых кадров отражается в каж-

дом продукте, который мы производим... причем всегда. Будь

то полностью автоматизированные компоненты, полуавтомати-

ческая или ручная сборка в Чикаго или Южной Корее - внимание

к деталям на каждом этапе приводит к совершенству, характер-

ному для продукции Switchcraft.

Switchcraft - это уважаемое имя. Мы заслужили свое звание ли-

дера отрасли на основе приверженности к потребностям наших

клиентов и их успешной реализации. Наше руководство по ин-

женерному проектированию представляет собой лишь малую

часть наших продуктов и возможностей. И даже если вы не наш-

ли то, что искали... мы создадим это для вас.

АНОНС: YAMAHA THR100HD И THR100H!

Представлены новые гитарные усилители и кабинеты

серии THR.

В новой, очень классной, и прежде довольно компактной, линей-

ке моделирующих гитарных усилителей THR, которые Yamaha

впервые представила в 2011 году, пополнение! После большого

успеха “малышей”, Yamaha решила ворваться в лигу настоящих,

больших и громких гитарных аппаратов со своей концепцией

THR. В 2015 году на рынок выходят две модели 100-ваттных ги-

тарных усилителей “голов” (THR100HD, THR100H) и две модели


НОВОСТИ

идеальным выбором как для живых выступлений, так и для ис-

пользования в студии или дома.

Наслаждайтесь реалистичными тембрами Super Articulation

Voices, Organ flutes и многими другими, заимствованными из

легендарной серии Tyros. Великолепное качество звучания,

тщательно записанные семплы и всеобъемлющий набор эф-

фектов, помогут вам вывести свои выступления на новый уро-

вень качества, способный поразить даже самого требователь-

ного слушателя.

PSR-S770 оснащен двумя программируемыми поворотными

контроллерами, колесом модуляции и двумя назначаемыми

входами для подключения педалей, предоставляя вам тоталь-

ный контроль над любыми функциями - тембрами, стилями, эф-

фектами и не только - даже во время живых выступлений.

Благодаря возможности расширения звуков и стилей Yamaha

(Voice & Style Expansion), музыканты могут воспользоваться боль-

шой коллекцией голосов и стилей со всего мира. Просто загрузи-

те их в память инструмента и в любое время играйте высококласс-

ными звуками, ритмами и стилями на ваш выбор! А благодаря

приложению Yamaha Expansion Manager и обширной встроенной

памяти в 160МБ, вы можете создавать свои собственные наборы

звуков и стилей, используя содержимое нескольких расширений

или даже используя ваши собственные семплы.

кабинетов в конфигурации 1x12” и 2x12” (THRC112 и THRC212).

Обе модели усилителей предлагают 5 типов звучаний, от чи-

стого до хай-гейна - Solid, Clean, Crunch, Lead и Modern. Кроме

этого на задней панели можно выбрать и тип виртуальных ламп

в усилителе мощности – EL34, 6L6GC, KT88, EL84 и 6V6, а также

тип класса - A/AB. Сочетая фирменную технологию Virtual Circuit

Modelling (VCM) с новой платформой моделирования ламп и по-

ведения усилителя мощности, Yamaha обещает необыкновенно

реалистичное и динамичное ламповое звучание в компактном

цифровом формате с усилителем типа Class D. Для удобства

работы с различными кабинетами, выходная мощность может

быть выбрана в пределах 25/50/100Вт. Также отдельный пере-

ключатель предусмотрен и для согласования нагрузки, 4-16Ом.

Принципиальное отличие между THR100HD и THR100H - первый

имеет два полностью независимых канала: входы, выходы, типы

звучаний, эквалайзер, типы ламп, класс, все продублировано.

Так что, с его помощью возможно получить два звучания одно-

временно, как раздельно по выходам, так и вместе.

Оба усилителя имеют встроенные ревербератор, бустер, шу-

моподавитель - активируемые с футсвича (поставляется в ком-

плекте) и настраиваемые при помощи фирменного программ-

ного обеспечения “THR Editor”. Для этого устройства снабдили

USB интерфейсами. Традиционно для любого профессиональ-

ного цифрового моделера, присутствуют балансные XLR вы-

ходы и выход для подключения наушников. Нельзя не отметить

еще одну важную особенность новых THR - спикерэмуляция по-

строена у них на качественных импульсных откликах (IR), и ПО

“THR Editor” позволяет загружать до пяти импульсов (сторонних

производителей также) с разрешением до 2048 семплов!

Для новых усилителей Yamaha представила парочку кабине-

тов: THR112C и THR212C, закрытого типа, оба с динамиками

Eminence и мощностью 150 и 300Вт, соответственно.

Новинки ожидаются в сети магазинов JAM зимой 2015/2016

года.

НОВОЕ ПОСТУПЛЕНИЕ: СИНТЕЗАТОРЫ YAMAHA PSR-S770/PSR-S970!

YAMAHA PSR-S770

Профессиональная рабочая станция на базе автоаккомпанемента.

Богатый функционал, функция воспроизведения аудиофайлов с

USB носителя и микрофонный/гитарный вход делают PSR-S770

PSR-S770 оснащен микрофонным/гитарным входом, позволяя

легко добавить вокал или гитару в ваше выступление. Просто

подключите микрофон или гитару и обработайте сигнал одним

из множества высококачественных эффектов.

Независимо от того, хотите ли вы обогатить свое выступление

дополнительным плейбэком или просто устраиваете вечеринку

с караоке - функции изменения скорости и высоты воспроизве-

дения и, конечно же, возможность удалить или снизить уровень

вокала или сольных партий, однозначно придутся к месту.

YAMAHA PSR-S970

PSR-S970 - это флагманская рабочая станция серии S, во-

бравшая в себя все лучшее из инструментов PSR. Богатый

функционал в сочетании с невероятными возможностями для

живых выступлений, включающими великолепные эффекты из

легендарного Tyros 5 и программируемую функцию вокального

гармонизатора, делают этот инструмент достойным выбором

даже для искушенных музыкантов.

JAM Music Magazine • www.jam.ua • 5

PSR-S970 имеет в своем арсенале эф-

фекты Real Distortion и Real Reverb, при-

шедшими из Tyros 5 и обеспечивающи-

ми лучшее в своем классе аутентичное

натуральное звучание. Кроме того, для

управления параметрами эффектов не

нужно копаться в меню или изучать ин-

струкцию - благодаря удобному интуи-

тивному интерфейсу, пользоваться ими

так же легко, как и “железными” анало-

гами.

Аудио стили - это шаг вперед в разви-

тии аккомпанемента. Добавляя аудио

фрагменты записи студийных барабан-

щиков, перкуссионистов и ансамблей из

различных студий по всему миру, стиль

оживает натуральным, естественным

звучанием ударных и перкуссии, тем са-

мым создавая более экспрессивный по-

тенциал для вашей композиции.

Технология Yamaha Time Stretch

Technology позволяет аудиофрагментам

изменять темп без смены высоты тона,

чтобы идеально вписаться в любую вашу

песню.

Благодаря возможности расширения

звуков и стилей Yamaha (Voice & Style

Expansion), музыканты могут восполь-

зоваться большой коллекцией голосов и

стилей со всего мира.

В модели PSR-S950 вы могли устано-

вить в память инструмента только один

набор расширений. Теперь вы можете

создавать индивидуальную коллекцию,

включающую в себя содержимое из раз-

личных наборов, и загрузить ее в память

инструмента. Объем встроенной памяти

составляет внушительные 512Мб и поз-

воляет собрать действительно всеобъ-

емлющую коллекцию звуков и стилей. И,

конечно же, вы можете создавать новые

уникальные тембры, используя собствен-

ные семплы.

PSR-S970 оснащена новой функцией

Synth Vocoder, позволяющей создавать

уникальное звучание, смешивая соб-

ственный голос и тембры синтезатора.

А мощная система Vocal Harmony 2 по-

зволяет управлять высотой, уровнем и

количеством дополнительных виртуаль-

ных бэк-вокалистов, гарантируя, что ваш

голос всегда будет в центре внимания.

Функция назначения аудиофайлов на

Мультипэды (Multi Pad) позволяет вам

назначить ваши аудиофайлы (звуковые

эффекты, вокальные фразы и т.п.) на

Мультипэды и использовать их прямо во

время исполнения.

Записывайте ваши композиции в высо-

кокачественном некомпрессированном

формате WAV, выкладывайте их онлайн

или пишите на CD-диск. Подключите

микрофон или гитару к инструменту и за-

писывайте совместное звучание голоса

(или гитары) и инструмента.

Новинки уже в продаже в сети фирмен-

ных магазинов JAM/YAMAHA, а также

в магазинах наших партнеров по всей

Украине!

АНОНС: IK MULTIMEDIA IRIG KEYS USB

Новое поколение миди клавиатур для

Mac и PC

Компания IK Multimedia (Италия) представ-

ляет новое поколение миди клавиатур, пред-

назначенных для Mac и PC - iRig Keys USB!

Линейка включает в себя три модели

доступных клавиатур, которые идеально

подойдут для путешествующих музыкан-

тов: iRig Keys 25 (25 мини-клавиш), iRig Keys 37

(37 мини-клавиш) и iRig Keys 37 PRO

(37 полноразмерных клавиш).

Компактность и функциональность

MIDI клавиатуры iRig Keys USB позволя-

ют выразить всю вашу музыкальную экс-

прессию - именно это в свое время сде-

лало iRig Keys невероятно популярной

моделью среди музыкантов.

iRig Keys 37 и iRig Keys 37 PRO обладают

внушительным 3-октавным диапазоном -


самый широкий диапазон среди доступ-

ных мобильных клавиатур такого раз-

мера. Для достижения максимального

удобства игры и универсальности, IRig

Keys 37/Pro оснащены колесами моду-

ляции и высоты тона. Они также осна-

щены дополнительным входом для оп-

циональной педали сустейн/экспрессии

для того, чтобы максимально передать

все нюансы при игре. Интуитивно про-

стая в управлении контрольная панель с

пятью мягкими кнопками с подсветкой и

энкодером volume/data. Кроме этого на

панели расположены клавиши Program и

Octave up/down, а также Set, при помощи

которой можно сохранить до четырех на-

строек для конфигурации.

iRig Keys 25 отличается невероятной ком-

пактностью даже среди мобильных кла-

виатур. 25 динамических мини-клавиш,

кнопки Octave up/down, энкодер volume/

data - пожалуй, это самый продвинутый

из миниатюрных контроллеров.

А для настоящей мобильности все три мо-

дели не нуждаются в батареях или сетевом

адаптере - необходимое питание они полу-

чают от USB порта вашего компьютера.

Plug and play (подключай и играй)

Когда мы говорим, что iRig Keys USB

работают в режиме “подключи и

играй”, мы ни капли не шутим. Они

комплектуются бесплатным виртуаль-

ным инструментом профессионально-

го качества, который нужно единож-

ды загрузить с сайта IK и можно сразу

же начинать играть - SampleTank 3 SE.

Это звуковой модуль и рабочая станция

для Mac/PC, имеющая в своем арсенале

внушительную библиотеку инструмен-

тов, от акустических до электронных,

размером 6,5Гб. А зарегистрировав

iRig Keys, вы бесплатно получите допол-

нительный набор инструментов, который

включает в себя The Grid - виртуальный

модуль акустических и электронных

ударных инструментов, плюс 5 инстру-

ментов на ваш выбор из наборов Beats и

Elektronika.

Новинки IK Multimedia ожидаются в про-

даже до конца 2015 года. Следите за

новостями на jam.ua!


юбой гитарист по умолчанию должен уметь

играть на акустической гитаре, ведь это тот

фундамент, на котором основаны все осталь-

ные его навыки. Среди огромного многообра-

зия инструментов я уже давно отдаю предпочтение

Yamaha F-310. Эта гитара является воплощением

идеи простого инструмента с отличным звуком. С

одной стороны F-310 всего на треть дороже деше-

вых китайских гитар неизвестных производителей,

зато на голову выше их по качеству. С другой сто-

роны - она не уступает по звуку и удобству гитарам,

стоимостью в два раза дороже, хотя и не может по-

хвастать столь богатой отделкой или оснащением.

Yamaha F-310 - это традиционная акустическая ги-

тара с корпусом типа dreadnought и слегка укоро-

ченной, по сравнению с большинством аналогов,

мензурой (636 мм против 650 мм). Более короткая

мензура практически не ощущается и никакого

дискомфорта не вызывает. Другим отличием яв-

ляется чуть уменьшенная глубина корпуса, что не

оказывает особого влияния на звук, но при этом

делает гитару значительно удобнее.

Подбор древесины самый стандартный, как для

акустической гитары: нижняя дека, обечайки и

гриф выполнены из красного дерева, верхняя

дека - из ели, а накладка на гриф - из палисандра.

Производитель, а вместе с ним и особо дотошные

“эксперты”, указывают, что корпус изготовлен из

меранти, а гриф - из древесины нато. Но все это

подвиды красного дерева. Я уверен, что большин-

ство из нас ни на вид, ни на вкус, ни на слух не смо-

гут отличить одну заготовку из меранти от другой

из нато или махагона (разве что между концерта-

ми вы приторговываете паркетом или резной ита-

льянской мебелью).

Гриф очень удобный и приятный при игре, посколь-

ку его профиль подобран очень удачно. К нему не

нужно привыкать ни секунды - любой гитарист

возьмет в руки этот инструмент и сыграет не хуже,

чем на своем собственном. Лады хорошо зашли-

фованы, поэтому каждая нота берется легко, мягко

и без усилий, ничто не ограничивает ваши профес-

сиональные возможности, а весьма сложные тех-

ничные фрагменты играются словно сами собой.

Бридж и колки не вызывают никаких нареканий и в

моей гитаре уже несколько лет исправно выполня-

ют свои функции. Я частенько перестраиваю свой

инструмент в более низкий строй или строй для

игры слайдом, но колки работают мягко, не име-

ют люфта и четко удерживают настройку. Кстати,

к низкому строю (в пределах разумного drop C)

F-310 относится очень спокойно - гриф остается

стабильным и не требует подстройки анкером.

Мне нравится, что Yamaha F-310 полностью лишена

каких-либо украшений или

наворотов. Единствен-

ными элементами

F-310


ЛМНЕНИЕ ПОКУПАТЕЛЯ Дмитрий Сакир

декора являются простенькая

окантовка розетки и стилизо-

ванная под букву Y веточка, на-

рисованная на голове грифа.

Никаких инкрустаций или узо-

ров вы здесь не найдете, ведь

это все никак не влияет на звук

гитары и ее удобство. Yamaha

F-310 выпускается с окраской

Natural и Tobacco Sunburst. По-

следний вариант я считаю не

самым удачным, но это исклю-

чительно дело вкуса. У моего

друга такая, и звучит она ничем

не хуже моей.

Главным достоинством этой ги-

тары является ее сбалансиро-

ванный звук. Чтобы понять, как

звучит Yamaha F-310, просто

возьмите любой аккорд и ударь-

те по струнам. Гарантирую, что

вам понравится услышанное.

Большинство недорогих акусти-

ческих гитар обладают гулким

бубнящим низом, словно они

сделаны из фанерного ящика,

или неравномерной громко-

стью на разных струнах и ладах.

В F-310 этих недостатков нет, и

ее звук напоминает нам тот, что

мы слышим на акустических за-

писях наших любимых групп.

Низкие ноты звучат мягко и акку-

ратно, а высокие переливаются

снопами искр. Секрет кроется

в богатстве обертонов, которое

является следствием продуман-

ной конструкции и грамотного

подбора материалов.

Каждый раз, когда я беру этот

инструмент в руки, мне хочется

снова и снова играть песни из

третьего альбома Led Zeppelin.

F-310 очень отзывчиво реа-

гирует на динамику звукоиз-

влечения, независимо от того,

играете вы пальцами или медиа-

тором. Начиная от самого тихо-

го шепота вплоть до неистового

чеса по струнам, вы всегда четко

контролируете звук, не задумы-

ваясь над этим.

Если вы не собираетесь ограни-

чиваться домашним/дворовым/

парковым музицированием, а

хотите выступать на сцене или

записывать песни, то вам пона-

добится возможность подклю-

чить гитару к усилителю. Аку-

стические гитары со встроенной

электроникой выпускаются мно-

гими производителями, но я уже

привык к своей F-310 и решил

самостоятельно “электрифици-

ровать” ее. Для этого понадо-

бились простые инструменты,

ровные руки, парочка обучаю-

щих видео на YouTube, несколько

свободных часов и немного не-

цензурной брани. Пьезозвукос-

ниматель и другие необходимые

для переделки детали можно

свободно найти в музыкальных

магазинах или интернете.

Я считаю, что F-310 является

идеальным выбором в каче-

стве первого инструмента для

новичка, но в то же время про-

двинутые гитаристы могут без

проблем использовать ее, чтобы

поддерживать и развивать свои

навыки игры либо просто “отво-

дить душу”. По просьбам друзей

я приносил свою Yamaha F-310 в

музыкальные магазины и срав-

нивал со многими более доро-

гими акустическими гитарами, с

которыми она уверенно держа-

лась на одном уровне.

Если следить за инструментом

и вовремя менять струны, то он

будет радовать и выручать вас

каждый день на протяжении

многих лет. Это тот случай, когда

гитара не выделяется какими-то

особенностями или наворотами,

но взамен дает тебе именно то,

что от нее и ждешь.


Альбіна Черненко


Ви народились в сім’ї

музикантів. На яких інструмен-

тах грає Ваша сім’я і Ви

особисто?

Моя родина – професійні

співаки-бандуристи. Мій перший

інструмент – це фортепіано, на

якому я почав грати з 5 років. Я

безмежно вдячний своїм батькам

за те, що вони сприяли моєму за-

хопленню, оскільки фортепіано

стало серйозним підгрунтям до

майбутнього опанування бан-

дури. Моя дружина, Людмила –

співачка, солістка камерного хору

“Київ”, доречі, в дитинстві вона

також грала на бандурі. Коли мені

виповнилося 6 років, мій батько

створив родинний квартет, де я

співав та грав на бандурі. А че-

рез рік наш квартет запросили з

концертом в Естонію, де я впер-

ше відчув, що таке сцена. Саме

тоді й загорівся бажанням стати

професійним музикантом.

Коли саме Ви відчули потяг до

бандури?

У 90-х роках я готувався до вступу

у Київське музичне училище імені

Чому Ви вирішили отримува-

ти другу вищу освіту, а саме

економічну?

Бандуристи отримують розкішну

освіту. Окрім бандури, вивчають

академічний вокал, диригування,

інструментування, аранжування

та отримують кваліфікацію кон-

цертного виконавця, викладача з

диригування, фаху, диригента ор-

кестру та капели бандуристів. Але

також мені хотілося розвиватись і

розуміти, які загальноекономічні

процеси в державі відбуваються

і як можна заробляти музикою

на життя. Велика прогалина в су-

часних музичних закладах та, що

вони не навчають, як продавати

свою творчість та бути актуаль-

ним. Я часто виступав за кордо-

ном, європейці неймовірно клас-

но сприймають бандуру, адже на

ній можна зіграти все.

Що найскладніше було опанува-

ти при навчанні грі на бандурі?

Коли я професійно почав зай-

матись, то найскладнішим

був сам інструмент. На ньому

немає чорних і білих клавіш, як

“Якщо щось робити – то якісно.”

Тарас Яницький – заслужений артист України, володар не одного десятка на-город та премій, викладач, концертний виконавець, патріот та неймовірно талановитий музикант, котрий зміг зрозуміти й оволодіти українським національним інструментом – бандурою та покорити своєю грою Європу.

Тарас Яницький

Код бандури ИНТЕРВЬЮ

Р.М. Глієра (прим. автора: тепер

Київський інститут музики імені

Р.М. Глієра) як піаніст, але за півтора

роки стався переломний момент. Я

все не міг зрозуміти, як оминув та-

кий чудовий інструмент і чому гра

на ньому була для мене лише як

хоббі. Я сказав сам собі, що не буду

українцем і не буду собою, якщо не

візьмуся за бандуру серйозно.


Я сказав сам собі, що не буду українцем і не буду

собою, якщо не візьмуся за бандуру серйозно

… Європейці неймовірно класно

сприймають бандуру …


у фортепіано, та й на вигляд усі

струни однакові. Завжди лю-

дей дивує, як я можу знати, де

і які струни знаходяться. Опа-

нувати не так просто, але коли

інструментом оволодієш, він

віддячує тобі такою своєрідною

палітрою звуків, з якою не може

порівнятися жоден інший.

Які аранжування Ви ство-

рюєте?

Починаючи з віршів Тараса Шев-

ченка, Миколи Лисенка до сучас-

них популярних виконавців.

Де і коли доводилось Вам ви-

ступати та чи отримували Ви

гонорар за виступи?

Польща, Німеччина, Франція -

найчастіше, також Словенія,

Португалія та багато інших країн.

Наприкінці травня цього року я

дав серію концертів по Європі.

Раніше і в Росії виступав, за-

раз також запрошують, але я

вважаю це якось не етично. І

так, я отримував гонорар. Чим

відрізняється професійний музи-

кант від аматора – професійний

навчився заробляти на своїй грі.

Який незабутній комплімент що

до гри на бандурі Ви отримували?

Це ціла історія. Якось в драма-

тичному театрі я вирішив вико-

ристати бандуру, щоб мовою

звуків спілкуватися з акторами

(що було на той час новатор-

ством). І не просто як акомпо-

нуючий інструмент десь в тіні,

а на авансцені. Всі діалоги між

акторами йшли через бандуру.

Тоді в театрі це був експеримент

і, до речі, економічно успішний.

Після спектаклю критик в поваж-

ному віці підійшов до мене і ска-

зав: “Молодой человек, поэзия

здесь, конечно, не очень, но то,

как вы передали игру актеров –

это потрясающе. Это стоит того,

чтобы я пришел еще раз”.

Чи можливо молодому

бандуристові заробляти собі

на життя грою? Якщо так, то

яким чином?

Піаністи завжди заздрять, бо

вони не можуть взяти інструмент

на плече і виступити на вулиці,

або зірватись і поїхати на кон-

церт. Та вони й не мають стільки

запрошень, як бандуристи. Будь

чим можна заробляти і в кожній

сфері, але в тому випадку, якщо

ти професіонал своєї справи

на всі 100%. Професіональних

бандуристів не більше 15 у всьо-

му світі.

Ви досить часто відвідуєте

хлопців в АТО. Чому?

Насправді не так часто, як

хотілося б. Здебільшого, це

шпиталі. Коли сталася війна, то

перша моя думка була: чому я

… коли інструментом оволодіЄш, він віддячуЄ тобі такою своЄрідною палітрою звуків, з якою не може порівнятися жоден інший …


сиджу на місці, потрібно йти в

добровольці. Потім я зрозумів,

що сенсу буде більше, якщо

зароблятиму бандурою і кра-

ще підтримаю наших хлопців

фінансово, і, звісно, творчо. Та-

ким мій вклад буде ефективніший,

адже я не професійний солдат.

Виступаючи на Сході та у шпи-

талях перед пораненими моло-

дими бійцями, я гостро відчував,

наскільки їм зараз потрібна ду-

ховна підтримка. Коли починав

грати, помічав, як змінюються

їх обличчя! Переконаний, що в

бандурі є код нашої нації, котрий

нікого не залишає байдужим.

Ви відома особистість, мабуть

доводилося спілкуватися з

іншими відомими музикантами.

Останнім часом з Джамалою,

Златою Огнєвіч, Катериною

Бужинською, Оксаною Пекун,

Марією Бурмакою, Наталею Бу-

чинською та гуртами ТНМК, Не

Діля, ONUKA, TheDoox та багато

інших. А грати останнім часом – з

Тетяною Піскарьовою, Арсеном

Мірзояном, бандуристом Ва-

лентином Лисенком, джазовим

скрипалем João Silva (Ліссабон),

арфісткою Аліною Бжежінською

(Лондон), джазовою співачкою

NikiKing (Лондон).

Чи є особливе звернення (ім’я)

до Вашої бандури?

Часом жартома – моя друга ко-

хана. Всього в мене таких коха-

них – троє, для різних сцен.

З якими іншими музичними

інструментами звучить бандура,

так би мовити, на одній хвилі?

З гітарою неймовірно звучить.

З арфою і джазовим вокалом, з

клавесином та, безумовно, ве-

ликою приємністю є гра з камер-

ним оркестром.

Де можна придбати бандуру?

Виробляють в Канаді, трішки

у Львові. Багато їх залиши-

лось після радянського часу.

Я і сам почав робити для себе

бандуру. Бандура – унікальний

інструмент, котрий зроблений з

червоної верби, в яку потрапи-

ла блискавка. Адже після цього

дерево починає дзвеніти по-

особливому. Також я хочу сам

зробити старосвітську бандуру,

на якій грали ще наші прадіди.

Останнім часом все більше лю-

дей цікавляться національною

культурою. Прогнозовано, що

збільшиться кількість абітурієн-

тів і до Вашого ВУЗу. Що по-

радите молодим талантам?

Не лінуватись. В музиці не можна

слабо займатись, бути середняч-

ком. Для того щоб стати серйоз-

ним концертуючим музикантом,

потрібно інструментові віддавати

Переконаний, що в бандурі Є код нашої

нації, котрий нікого не залишаЄ байдужим.


від 6 годин на день. І вибира-

ти той інструмент, який дійсно

подобається, зрозуміти, чому ти

хочеш на ньому грати, і якщо вже

поставив ціль, то віддатись цьому

повністю. Грати кожного дня. Як

казав Чайковський: “Натхнення –

це такий гість, котрий не любить

відвідувати лінивих”.

Коли Вас просять зіграти свою

улюблену пісню, яка вона?

Якщо щось серйозне, то “Банду-

ристе, орле сизий”, а жартівлива –

західний міський романс “Ой, ти,

любко моя, з Коломиї”.

Що грає у Вашій автівці, коли

Ви прямуєте на роботу?

Як правило, це класична музи-

ка, фольк або джаз. Часом лю-

блю слухати FM-станції, такі

як Lounge FM. Життя настільки

вирує подіями, що тільки в дорозі

можна перепочити, насолоджу-

ючись спокійною музикою.

І на останнє, які курйози тра-

плялись під час виступів?

Різні і багацько. То щось пада-

ло зверху, то софіти лупили у

вічі так, що прийшлось грати з

закритими очима. Якось я грав

на інструменті, але мені забу-

ли включити мікрофон, то тільки

перші ряди змогли мене чути. А я

так самовіддано грав…(сміється)

Мені пощастило в день роз-

мови з Тарасом Яницьким по-

бувати і на його концерті, де

під віртуозну гру на бандурі

заспівала його дружина Люд-

мила Яницька. Слухачі на мить

завмерли, прислухаючись до

мелодії з кінофільму “Сутінки”

та треку з кінофільму “Амелі”. І

справді, неймовірний, загадко-

вий, дзвінкий і такий український

музичний інструмент - бандура.

Окрім концертної діяльності,

Тарас Яницький викладає аран-

жування, інструментування та

читання партитур у Вищій

педагогічній школі кобзарсько-

го мистецтва с.Стрітівка, Кагар-

лицького району. Працює викла-

дачем з фаху та є засновником

мішаної капели бандуристів в

Інституті мистецтв Київського

університету імені Бориса

Грінченка, веде клас бандури в

КНУКіМ. Також Тарас є солістом

Київського академічного ансам-

блю української музики “Дніпро”.


iRig UAПЕРВЫЙ АУДИОИНТЕРФЕЙС ДЛЯ ANDROID

BON JOVI СЖИГАЯ МОСТЫ


Явсегда придерживалась принци-

па - дважды в одну реку не во-

йти. Но все течет, все меняется.

Меняются люди, меняются об-

стоятельства. И сейчас я уже не столь

категорична в своих жизненных уста-

новках. Я, было уже, зареклась и от-

казалась от мысли, что когда-нибудь

моя любовь к Bon Jovi обретет второе

дыхание, но, как оказалось, никогда не

говори никогда.

Услышав новый альбом Bon Jovi

“Burning Bridges”, официальный

релиз которого состоялся в конце

августа этого года, на меня нахлы-

нули воспоминания и ностальгия, и

я решила вспомнить, за что же все-

таки я их когда-то так полюбила.

После откровенного разочарования

их творчеством последних лет, се-

годня я ощутила и прочувствовала

новых Bon Jovi. Альбом заслужива-

ет внимания, он как глоток свежего

воздуха и несет с собой надежду

на то, что поклонников группы еще

есть чем удивить и порадовать. Для

тех, кто следит за творчеством груп-

пы, не секрет, что за последнее вре-

мя было крайне мало хороших ком-

позиций и альбомов в целом. Более

того, излишняя коммерциализация

никого не красит и вызывает лишь

злость. И речь не только в текстах

и музыке, которые поставлены на

поток и штампуются без разбора.

Странная маркетинговая политика,

платное членство в фан-группе, PR

на всем и во всем, причем откро-

венный и очень навязчивый. Даже

благотворительная деятельность

Джона, бесспорного лидера груп-

пы, в таком свете воспринимается

как самореклама. Не спорю, быть

талантливым музыкантом и умение

продавать себя – совершенно не-

совместимые вещи, на мой взгляд.

Но так усердно направлять все уси-

лия на высасывание каждого цента

прибыли Bon Jovi уж точно не к лицу.

Да, они до сих пор собирают полные

стадионы и бьют рекорды по коли-

Джон Бон Джови о себе:

“Я никогда не прошу о помощи. Не

думаю, что люди хотят слышать от меня

такое… Может, конечно, они и хотели бы

увидеть мою слабость, но я им никогда

этого не позволю”.

“Ты пишешь песню и хочешь, чтобы она стала

уникальной и поистине великой. И когда ты

написал это потрясающее произведение, тебе

хочется поделиться им со всеми. Мне часто

говорят: тебе комфортно в этой среде, тебе

нравится собирать стадионы, а я хочу играть

в маленьком клубе. Да иди ты к черту! Я не

просто хочу выступать, а хочу сыграть в пу-

стыне! С аншлагом! Причем дважды…”.

ЗНАКОВЫЙ АЛЬБОМ

честву концертов. Да, они являют-

ся примером для многих уже очень

долгие годы и все также неплохо

держатся, создают хиты и, что не-

маловажно, отлично выглядят, как

для фактически уже ветеранов рок-

сцены. Но всему есть предел и своя

цена. К сожалению, уход из группы в

2013 году Ричи Самборы – тому под-

тверждение. И это далеко не первый

кризис в коллективе. За столь дол-

гую историю Bon Jovi видели все и

расходились уже дважды.

Первый раз после изнуритель-

ного международного тура 1989-

1990 годов в поддержку альбомов

“Slippery When Wet” (1986) и “New

Jersey”(1988).

Песни из этих альбомов сделали Bon

Jovi всемирно известными. Имея та-

кую сильную команду и поддержку в

лице Дезмонда Чайлда, Брюса Фэйер-

бейна и вездесущего Боба Рока,

они вышли на новый уровень своего

Алла Шведюк


развития. И по сей день такие композиции тех лет, как

“You Give Love a Bad Name”, “Livin’ On a Prayer”, “Born to

Be My Baby” и ряд других, вызывают шквал эмоций и за-

ставляют сердце биться быстрее. Очень по-хулигански и

очень романтично. Очень драйвово и очень позитивно.

“Мы зарабатывали свой хлеб, заходя в каждую дверь,

гастролируя по всем городам, играя во всех клубах, -

вспоминает Дэвид Брайан. - Тогда мы говорили, что сы-

граем в любом платном туалете и выдачу сдачи возьмем

на себя. Практически без перерывов, мы ездили по всей

Америке, по всему миру. Я и не думал тогда, что это мо-

жет быть настолько тяжело. Никто не мог предположить,

что нас настолько затянет. Приходилось ездить по всем

американским городам, по всем странам и продавать

свою продукцию”.

16 месяцев, более 20 стран и 200 концертов. Включая кон-

церт и в СССР (август 1989), событие для страны, в которой

на то время не было буквально ничего, поистине гранди-

озное. Двухдневный рок-марафон при участии Scorpions,

Ozzy Osbourne, Motley Crue, Skid Row собрал огромное ко-

личество зрителей.

Неудивительно, что эмоциональное и физическое на-

пряжение в коллективе после столь напряженного и

плотного графика гастролей дало о себе знать и выли-

лось в ссоры, обиды, раздражение и нежелание продол-

жать общение.

“Эти туры просто убили нас, - вспоминает Ричи Самбо-

ра. - Мы даже не могли больше разговаривать друг с дру-

гом. Мы вообще не могли разговаривать. Мы были как

зомби”.

“Все, кто окружал нас, хотели, чтобы машина продолжа-

ла движение, - говорит Дэвид Брайан. – Как-никак, она

приносила огромные деньги. Но на тот момент нам было

уже все равно”.

Разъехавшись по домам после последнего концерта,

каждый занялся своей карьерой по отдельности. Джон

выпустил свой первый сольник “Blaze of glory” (1990).

Ричи не отставал и также выпустил свой сольный альбом

“Stranger in this town” (1991). Тем не менее, спустя два

года и не без помощи именитого психолога, они вновь

собираются вместе для записи альбома “Keep the faith”

(1992), давшего новый толчок в развитии группы. Другой

стиль, новый имидж, повзрослевшие Bon Jovi.

“Мы не разругались между собой. Каждый лишь задал

друг другу вопрос: почему мне это больше не нравится?” -

вспоминает Джон Бон Джови.

“Мы осознали, что совсем не обязательно так загонять

себя. Создавай музыку, езди на гастроли - все в меру

своих возможностей, не истощая себя”, - добавляет Тико

Торрес.

Затем в свет выходит альбом “Crossroad” (1994), сбор-

ник действительно самых лучших хитов группы за всю их

историю, и вслед за ним “These days” (1995) ставший по-

следним, на мой взгляд, достойным творением Bon Jovi.

После чего состоялся второй по счету перерыв в сов-

местной деятельности коллектива. В этот раз спокой-

но и по обоюдному желанию. Джон выпустил второй

сольный альбом “Destination anywhere” (1997), продол-

жил сниматься в кино (к слову, актер из него – это об-

нять и плакать). Ричи также записал еще один сольник

“Undiscovered Soul” (1998). Тико открыл в себе талант

художника и скульптора, организовал несколько вы-

ставок своих произведений, заслужив уважение в арт-

сообществе. Дэвид также выпустил сольник “Under The

Full Moon” (1995), составленный из композиций для


пианино, и начал работать над са-

ундтреками к фильмам и театраль-

ными мюзиклами. Спустя 5 лет по-

сле записи последнего совместного

альбома, вдоволь насладившись

сольной карьерой, набравшись но-

вого опыта и наполнившись новыми

впечатлениями, коллектив собрался

вновь, и последовали свежие альбо-

мы. Но лично у меня большинство из

них вызывают лишь тоску и грусть.

Bon Jovi потеряли свое лицо, утра-

тили харизму, став такими, как все,

выпуская диски один за другим.

А в 2013 году последовал очередной

кризис в отношениях. Всех поклон-

ников группы просто ошеломила

новость - отыграв американскую се-

рию туров, Ричи Самбора покидает

коллектив, несмотря на дальнейшие

запланированные концерты по всей

Европе.

“Он всегда будет моим другом, -

комментируя уход Ричи, говорит

Джон. - Вы были бы счастливы, назы-

вать его своим другом. Все понима-

ют, что это изнурительно, что жизнь

весьма непроста, когда ты оди-

нокий родитель... Но рок-группа -

это не пожизненное заключение,

это не так…”.

Это уже третий по счету переломный

момент в карьере группы. Но теперь

все совсем по-другому. Группа не

взяла тайм-аут, не распалась по обо-

юдному желанию - из нее ушел ве-

ликолепный музыкант, верный друг

и высококлассный профессионал,

без которого Bon Jovi уже не те… И

я могу понять почему, но не принять.

Для музыканта важно развитие, важ-

но не стоять на месте, не почивать на

лаврах и рубить бабло на всем под-

ряд. Иначе – тупик и забвение. Этот

кризис закономерен. Для всех без

исключения. Вся жизнь построена на

взлетах и падениях. Кто-то выходит

на новый уровень, кто-то падает в

бездну небытия.

И вот, уже почти смирившись с тем, что мое сердце

никогда не забьется в ритме нового, цепляющего и

по-настоящему свежего альбома Bon Jovi, перестав

даже слушать их новые “творения”, я вдруг случайно

и с удивлением открыла для себя “Burning Bridges”.

Релиз прошел как-то тихо и незаметно, видимо по-

тому, что это своего рода разминка перед выпуском

очередного альбома в 2016 году.

Трек-лист состоит из 11 композиций:

1. A TEARDROP TO THE SEA

2. WE DON’T RUN

3. SATURDAY NIGHT GAVE ME SUNDAY MORNING

4. WE ALL FALL DOWN

5. BLIND LOVE

6. WHO WOULD YOU DIE FOR

7. FINGERPRINTS

8. LIFE IS BEAUTIFUL

9. I’M YOUR MAN

10. BURNING BRIDGES

11. TAKE BACK THE NIGHT

“Burning Bridges” знаменует собой окончание целой

эпохи - отношений Bon Jovi с их давним партнером

звукозаписывающей компанией Mercury Records.

Их сотрудничество продолжалось на протяжении 32

лет. На вопрос о причине разрыва столь длительных

деловых отношений Джон отвечает просто: “Послу-

шайте внимательно одноименную песню, там все

сказано”.

Это первый студийный альбом группы, записанный

без участия Ричи Самборы. Лишь одна композиция

написана в соавторстве с ним - “Saturday Night Gave

Me Sunday Morning”. Также это первый альбом, в ко-

тором нет, к сожалению, ни одной песни, созданной

при участии бессменного Дезмонда Чайлда.


Надо сказать, что критики разнесли в пух и прах новый

альбом. Они решили, что фаны должны обидеться на то,

что он не полноценный и получил такое странное опре-

деление - “специальное издание для наших фанов”, что

композиции не новые, а такие, которые не вошли в пре-

дыдущие альбомы. Мелодии заунывные, а тексты при-

митивные, и вообще - без Самборы все пропало. Также

ходят слухи о том, что альбом в таком формате решили

выпустить только для того, чтобы выполнить обязатель-

ства перед Mercury Records и поскорее расстаться с

ними. Вот такая неполная картина комментариев.

На все это хочется сказать вот что. Я более 20 лет слежу

за творчеством Bon Jovi , я очень преданный поклонник

и именно поэтому самый злостный критик. Да, не все так

гладко. Да, многое в последнее время разочаровывает.

И да, “Saturday Night Gave Me Sunday Morning” похожа

на Nickelback “Gotta Be Somebody”. Но это первый аль-

бом после “These Days”, который заставил меня сесть и

внимательно прослушать все композиции, одну за дру-

гой и раз эдак сто. Так что фаны не обиделись. :)) Нам

нравится альбом. И очень хочется верить в то, что, пока

еще очень несмелые и очень аккуратные, эксперименты

в стиле продолжатся, и в следующем году мы услышим

новых Bon Jovi.

Безусловным хитом “Burning Bridges” для меня являет-

ся композиция “Fingerprints”. Мелодичность и неземная

чистота звука акустической гитары в принципе и всегда

решает все, но здесь к тому же еще и очень мастерски

продуманы переходы и пассажи. Потрясающее гитарное

соло и глубокий вокал - вне конкуренции. Также хочется

выделить “Who Would You Die For” и “We Don’t Run”.

Одним словом, при более детальном знакомстве с аль-

бомом, возникает уверенность, что это только первая ла-

сточка, первая надежда на то, что все еще будет. Будет и

новый имидж, будут и новые хиты, и, возможно даже, чем

черт не шутит, возвращение блудного сына Ричи. Прият-

ные нотки, слегка отличных друг от друга по своему сти-

лю композиций, радуют, вызывая трепет и такое, ни с чем

не сравнимое, ощущение, когда находишься в ожидании

чего-то хорошего и это само по себе уже волнует.

Мне это ощущение напомнило то чувство, которое испы-

тываешь в преддверии концерта своей любимой группы.

Ранее ты даже вообразить себе не мог, что когда-нибудь

такое может произойти. Советское “голодное” детство,

когда увидеть клип на ТВ – это большая удача, а постеры

доставались с невероятным трудом и за неприличные

деньги у торгашей на книжном рынке Петровка. Но, ви-

димо, в этом и была вся прелесть того времени: бороть-

ся и найти, найти и перепрятать… И вот, 20 лет спустя,

совсем другая жизнь. Ты приземляешься в аэропорту

чужого и незнакомого города, с дрожью в коленках от

предвкушения такого долгожданного концерта, от ко-

торого тебя отделяют всего лишь часы да утомительная

очередь на паспортный контроль. Наконец грустный

сотрудник задает тебе стандартный вопрос, мол, чо те

надо, старче, в нашей то стране? А ты так с тихой гордо-

стью и видимым безразличием в ответ: “Да на концерт

я”. И тут происходит то, чего ну никак не ожидаешь от

сотрудника таможни: “На концерт? На какой? Bon Jovi?

Да? Ох же ж и крутотенюшка! У нас уже весь город гудит,

разговоры только об этом. Как долетели? У Вас все хоро-

шо? Я смотрю, перелет был с пересадкой, устали, навер-

ное, не очень удобно ведь, да? Ну, удачи Вам, наслаж-


дайтесь!”. И ты стоишь такой…

счастливый, безумный и до боли

родной чужим людям в чужом го-

роде. А потом концерт и все то,

о чем ты мечтал в свои 13 лет, и

даже помыслить не мог, что это

реально. Море эмоций, сорван-

ный голос, ощущение каждого из

собравшихся на переполненном

стадионе, как будто вы все одно

целое, один живой организм,

синхронно поющий, орущий и

прыгающий, совершенно за-

предельное, инопланетное жи-

вое существо. А еще ощущение

легкой грусти, как послевкусия

сбывшейся мечты…

Такие эмоции возвращают к жизни,

такие эмоции и есть сама жизнь.

Очень хочется верить в то, что

именно это и ждет всех нас. И с

выходом нового альбома будет

чему радоваться и чем гордить-

ся. Ведь всегда хочется боль-

шего. А пока наслаждайтесь

“Burning Bridges”, он очень легкий

и незаурядный.

История успеха группы Bon Jovi –

это путь от самых низов до мега по-

пулярности. Джон, идейный вдохно-

витель и основатель группы, вряд ли


мог надеяться на такой успех и признание. Начиная свою

карьеру с мытья полов в студии звукозаписи и без еди-

ного цента в кармане, он не загадывал далеко вперед,

а просто создавал то, что нравится ему, настойчиво пы-

таясь попасть в эфир радиостанций. Упорным трудом

пробивая себе дорогу в жизнь. При этом, как и все мы,

ошибаясь, заблуждаясь и сжигая мосты. Но внутренняя

сила и искренняя вера в то, что твое творчество найдет

своих единомышленников, что твой внутренний мир най-

дет возможность реализоваться, а твой голос - быть ус-

лышанным, ведут нас по жизни, оберегая и храня.

Мечтайте. Стремитесь. И никогда не сдавайтесь.

Keep the faith.

Интересные факты о группе

Первоначально группу собирались окрестить как Johnny Electric. Но со скрипом и не-довольством Джон согласился немного видо-изменить свою фамилию. Так John Francis Bongiovi стал Jon Bon Jovi, а группа полу-чила название Bon Jovi.

Первым в группу Джон пригласил своего хоро-шего товарища - клавишника Дэвида Брайана, который в свою очередь позвал басиста Алека Джона Сача и барабанщика Тико Торреса.

Место гитариста было отдано другу и со-седу Джона - Дэйву Сабо, который вскоре быстро ретировался и основал свою соб-ственную группу Skid Row, а его заменил Ричи Самбора, причем после 30-секундного прослушивания.

Первый же сингл - “Runaway”, выпущенный еще до создания группы, попал в топ-40 чарта Billboard Hot 100 и моментально стал хитом.

Именно Ричи предложил применить в песне “Livin’ On a Prayer” ток боксы, сделавшие песню такой узнаваемой с первых же аккор-дов. Джон был против этого изначально и даже не хотел включать эту композицию в альбом.

“It’s My Life”, созданная гораздо позд-нее, является продолжением истории, рас-сказанной в “Livin’ On a Prayer”. И в ней также можно услышать такое характерное и узнаваемое звучание ток боксов.

Коллекция гитар Ричи Самборы превышает сотню экземпляров. И как он сам говорит: “Когда я умру, я бы хотел, чтобы меня по-хоронили с гитарой”.

Поговаривают, что на свою первую гита-ру Ричи заработал, систематически сдавая свою кровь, то ли в двенадцатилетнем, то ли в пятнадцатилетнем возрасте.

Bon Jovi оказались первой американской рок-группой, которой советское правительство официально разрешило выступать в СССР. Бо-лее того, их альбом “New Jersey” был издан на единственной советской студии грамзаписи


“Мелодия”. Действительно – уникальный случай.

Воспоминания Джона о че-тырехзвездочной советской гостинице образца 1989 года, в которой их посе-лили во время проведения рок-фестиваля: “Мне повез-ло - у меня в комнате есть горячая вода, душ, отгоро-женный занавеской, и всего лишь несколько дружествен-но настроенных тараканов”.

Ричи и Джон занимались рас-круткой “Gorky Park”, на-писав и совместно исполнив песню “Peace In Our Time” для их дебютного альбома.

Этой осенью министерство культуры Китая запретило выступления Bon Jovi, за-планированные на сентябрь. Неофициально по причине того, что в клипе на песню “We Weren’t Born To Follow” содержатся кадры знаменитых китайских протестов 1989 года с площади Тяньаньмэнь. Власти страны не оставили без внимания и тот факт, что во время тура 2011 года в музыкальный видеоряд были включены изображения миро-

вых лидеров, в том числе и Далай-ламы.

Лид-гитаристом после ухода Ричи Самборы в 2013 году стал Фил Икс.

Этой осенью в качестве ритм-гитариста в группу пришел Мэтт О’Ри.

Что стоит обязательно посмотреть: документальный фильм о творческом пути группы Bon Jovi “When We Were Beautiful” (2009), режиссер Фил Гриффин.

ДИСКОГРАФИЯ:

Bon Jovi (1984)7800° Fahrenheit (1985)Slippery When Wet (1986)New Jersey (1988)Keep The Faith (1992)Cross Road (1994)These Days (1995)Crush (2000)One Wild Night: Live 1985 – 2001 (2001)Bounce (2002)This Left Feels Right (2003)100,000,000 Bon Jovi Fans Can’t Be Wrong (2004)Have A Nice Day (2005)Lost Highway (2007)The Circle (2009)Greatest Hits (2010)Inside Out (2012)What About Now (2013)Burning Bridges (2015)

ОЛЕГ ЛАПОНОГОВ

Середина 90-х была по-настоящему золотым временем для еще только зарождающе-

гося тогда украинского шоу-бизнеса. Новые имена и коллективы, запись песен, съемки

клипов, радио- и телевизионные хит-парады, слушатели, жаждущие открыть для себя

новую украинскую музыку, и продюсеры, готовые вкладывать средства в ее развитие.

Спустя какое-то время пик популярности большинства исполнителей прошел, их имена

канули в лету, и лишь немногие, а значит самые талантливые, остались в строю, продол-

жая радовать своих слушателей и по сей день. В их числе Табула Раса - группа, которая

громко заявила о себе в те самые 90-е, а в 2000-х пережила свое второе рождение. В

перерывах между концертной деятельностью лидер группы Олег Лапоногов рассказал

нам немного о себе.

Я счастлив, когда работаю, когда помню, что впереди нас ждет весна

Оксана ПаляницаЛЕГЕНДА В СТУДИИ


О ТВОРЧЕСТВЕ

Я разделяю понятия музыка и

шоу-бизнес, последний меня

мало интересует. Творчество –

вот моя жизнь. Я все время на-

хожусь в поиске. Когда созда-

ешь музыку, душа словно парит

в небесах. Это поистине непере-

даваемое ощущение. Особенно,

если получается не только на-

писать хорошую композицию,

но и наполнить ее глубоким

смысловым содержанием. Вот

тогда я чувствую подлинную ра-

дость. Безусловно, для любого

музыканта важен не только про-

цесс, но и результат, ощущение

удовлетворения от проделанной

работы. А если к тому же полу-

чаешь хорошие отзывы и но-

вых единомышленников, то это

приятно вдвойне. Но лично для

меня не менее интересна и кри-

тика. Это означает, что и в том и

в другом случае твое творчество

вызывает эмоцию. Ведь люблю/

не люблю – это понятия очень

субъективные. Главное – не быть

равнодушным. Если песня нра-

вится кому-то еще, кроме меня -

это прекрасно. Если не нравит-

ся - тоже неплохо. Рисуя в своем

воображении портрет именно

нашего слушателя, мне хочет-

ся думать, что это спокойные,

улыбчивые люди, которые очень

любят путешествовать, а еще

они, безусловно, романтики.

Во время своего пятилетнего

творческого отпуска я много

размышлял о том, в каком на-

правлении двигаться дальше.

Откровенно говоря, желание

бросить все и уехать на край све-

та, не оставляет меня и по сей

день, но одно я знаю точно – по-

следняя песня еще не написана.

Совсем недавно мы записали

шесть новых композиций, ко-

торые можно будет услышать в

рамках предстоящего концер-

та 21 ноября в киевском клубе

ATLAS. Постараюсь много не

болтать в промежутке между

песнями. :)

На дворе осень и очень хочется

тепла. Но я счастлив, когда рабо-

таю, когда помню, что впереди

нас ждет весна.

Я ЛЮБЛЮ

Люблю рисовать горы и ска-

зочные домики на берегу моря,

морское дно и голубое небо,

а еще автомобили, различные

цветы, или же просто фигурки да

линии.

Люблю читать русских и лати-

ноамериканских писателей, а

также православную литерату-

ру. Сейчас, например, увлекся

романом-репортажем Гарсиа

Маркеса “Опасные приключения

Мигеля Литтина в Чили”.

Когда-то давно я учился в теа-

тральном институте и мечтал об

интересной роли в спектакле.

Сейчас, конечно, уже не до это-

го, хотя было бы здорово…

Люблю нашу группу. 5 октября Та-

була Раса отметила свой 26 день

рождения. Не считая школьного

коллектива, это единственная

группа, участником которой я яв-

ляюсь. Могу сказать, что это моя

вторая семья. Сейчас многие жа-

луются на отсутствие или нехват-

ку концертов, а организаторы -

на отсутствие платежеспособной

публики. Мы же не ноем, а имеем

плотный гастрольный график, в

том числе выступаем и на кор-

поративах. Весь секрет успеха в

правильном менеджменте и же-

лании заниматься своим люби-

мым делом.

Я НЕ ЛЮБЛЮ

Меня всегда поражала удиви-

тельная способность людей пи-

таться слухами. Я много инте-

ресного узнавал о себе. Самые

нелепые - это то, что я прыгал с

Эйфелевой башни, или, напри-

мер, преподавал непонятно что

в горах Тибета.

Я не люблю очень оживленные

людные места или шумные тусов-

ки, к примеру. Меня не часто мож-

но там встретить. Зато, если на

улице узнают, отношусь к этому

хорошо - можно и пообщаться. :)

Я не люблю долго и много рас-

сказывать о своей жизни - мне

сложно судить о себе и своих по-

ступках. Знаю точно, что в труд-

ные времена мне очень помога-

ет вера. Есть Господь - и он меня

ведет.

Относитесь с уважением к природе, берегите нашу планету, любите родите-лей, ходите в церковь и

никого не слушайте!



ЗНАНИЕ – СИЛА!Значения мощностей в специ-фикации громкоговорителей, будь то рабочая, пиковая или максимально допустимая, яв-ляются их самыми базовыми характеристиками. При этом для рядовых пользователей эти цифры, как правило, не особо понятны и часто их по-нимают неправильно. В этой статье мы постараемся объ-яснить, что же на самом деле означает мощность. И самое главное, к всеобщему удив-лению (в чем я более чем уве-рен! – прим. перев.), к чему мощность вообще никакого отношения не имеет.

ТЕПЛО

Представьте себе, что коэффициент

полезного действия большинства

динамических громкоговорителей

составляет ничтожные 3%! Это озна-

чает, что аж три процента из подава-

емой на него усилителем электриче-

ской энергии преобразовывается в

акустическую, а именно - в звук, ко-

торый мы слышим в итоге. Львиная

доля энергии (те самые 97%) в пря-

мом смысле уходит в воздух, то есть

в тепло. Хотим дать больше “газу”

(больше мощности) - получим боль-

ше тепла, и, как следствие, на опре-

деленном этапе наступит момент,

когда динамик просто не сможет с

ним справиться и сгорит. “И сия пу-

чина поглотила их обоих” (с)

Классические (винтажные) громко-

говорители создавались тогда же,

когда и первые маломощные гитар-

ные усилители. Соответственно, и

мощность проектировалась под них,

была соизмеримой и относительно

невысокой. Но с современными вы-

сокомощными усилителями в оди-

ночку таким динамикам уже не спра-

И

GEARОЛОГИЯ МОЩНОСТЬ?... ГРОМКОСТЬ? ВЫБИРАЕМ ГИТАРНЫЙ ДИНАМИК

CELESTION!

По материалам

компании Celestion

Перевел и подготовил Иван ДубовТАК, ЧТО ЖЕ ОЗНАЧАЕТ

СЛОВО “МОЩНОСТЬ”?

Максимально допустимая

мощность (power handling) -

это наибольшее значение по

мощности (измеряется в Ваттах), ко-

торое производитель рекомендует

для определенного громкоговорите-

ля. Превышение этого значения при-

ведет к значительному риску поломки

громкоговорителя, как из-за превы-

шения амплитуды смещения катуш-

ки (когда она двигается дальше, чем

предусмотрено конструкцией и начи-

нает “рвать” диффузор), так и из-за

перегрева, в результате чего динамик

в прямом смысле поджарится с хру-

стящей сочной корочкой. :)


виться. Как с годами росла мощность усилителей, так и

конструкция динамиков должна была развиваться, чтобы

идти в ногу со временем. Новые материалы и техноло-

гии пришли на помощь производителям, чтобы громко-

говорители могли справиться с возросшим количеством

энергии и тепла. Однако в качестве побочного эффекта, к

удивлению, это привело к появлению совершенно новых

тональных красок их звучания.

У современных дизайнеров громкоговорителей под

руками широкий выбор материалов и технологий, со-

ответственно и элементов, влияющих на тональность и

итоговое звучание. Мы можем выбирать наиболее под-

ходящие решения для той или иной задачи.

ЗВУЧАНИЕ/ТОН

Первые гитарные динамики-“динозавры” создавались

с упором на эффективность, чтобы маломощные уси-

лители тех лет с ними звучали максимально громко. В

результате такой оптимизации конструкции, динамики

имели тенденцию к раннему появлению так называемо-

го “брейкапа” диффузора. Следовательно, невысокая

мощность и ранний “брейкап” диффузора стали синони-

мами того, что мы сегодня привыкли называть словами

“винтажный звук/тон”.

С ростом мощности усилителей вскоре обнаружилось,

что загоняя эти маломощные динамики за пределы их

безопасных режимов работы, начали проявляться не-

которые очень интересные и “вкусные” в плане звучания

и тональности вещи. Так что перед дизайнерами теперь

стояла задача найти способ позволить гитарному дина-

мику выдерживать такую увеличенную нагрузку, при этом

сохраняя как можно больше таких желанных тональных

красок. Решение этой задачи открыло миру множество

великолепных и уже ставших классикой гитарных гром-

коговорителей!

Что же получается? Что звучание/тональность в ито-

ге зависит от сложной комбинации свойств, в которых

мощность играет лишь вспомогательную роль, ни боль-

ше ни меньше. Да, маломощные динамики могут быть

“винтажными” по звучанию, но, как правило, не все. И

наоборот, высокомощные модели не всегда обязательно

имеют огромный запас по переусилению (его часто на-

зывают “headroom”) – все далеко не так просто, как мо-

жет показаться с первого взгляда.

ГРОМКОСТЬ

Один из наиболее типичных стереотипов у покупателей –

прямая связь между мощностью и громкостью дина-

мика. На самом деле такой параметр, как чувствитель-

ность или эффективность (измеряется в децибелах),

определяет относительную громкость. При одинако-

вом подаваемом уровне электрического сигнала в 1Вт,

30-ваттный динамик с чувствительностью 100дБ будет

звучать громче, чем, например, 75-ваттная модель с чув-

ствительностью 97дБ.

Конечно, вы можете нагрузить более высокомощный ди-

намик сильнее, подать на него больше мощности, чтобы

заставить его звучать громче. Но в ситуации, описанной

выше, как видим, мощность не имеет прямого отноше-

ния к громкости.

Давайте не забывать и о том, что человек ощущает уве-

личение или уменьшение интенсивности (громкости)

не линейно, а по логарифмическому закону. Это значит,

что увеличив мощность в два раза, мы на слух не ощу-

тим двухкратное увеличение громкости. Чтобы достичь

эффекта двухкратного увеличения громкости, мощность

нам, при всех прочих равных, придется увеличить в (!) 10

раз. Именно поэтому разница в подводимой мощности

в 1Вт и 100Вт для нас абсолютно не означает в 100 раз.

Этот диапазон в логарифмической шкале равен 20дБ.

Величина среднего пошиба, скажем так, не мало, но и не

много. И тут мощность для нас во многом утратит смысл,

потому что 30-ваттный, 60-ваттный и 100-ваттный ди-

намики на логарифмической шкале ощущаемой нами

громкости живут на участке в ничтожные 3-5дБ. :)))

ЧТО В ДЕЙСТВИТЕЛЬНОСТИ ОЗНАЧАЕТ

МАКСИМАЛЬНO ДОПУСТИМАЯ МОЩНОСТЬ

Разные производители гитарных динамиков использу-

ют различные методики для измерения и выведения для

покупателей этой самой максимально допустимой мощ-

ности. В компании Celestion каждый громкоговоритель


проходит строгое и продолжитель-

ное тестирование под нагрузкой, ис-

пользуя специально разработанный

источник широкополосного сигнала -

на слух он похож на обычный ничем

не примечательный шум. По резуль-

татам этого теста мы видим, на что

способна та или иная модель имен-

но по мощности, и сколько энергии

необходимо подвести, чтобы раз-

рушить динамик. Умело анализируя

полученные данные, мы затем вы-

числяем подходящее значение мак-

симально допустимой мощности.

Это значение выбрано оптимально

таким образом, чтобы практически

до нуля снизить риск повреждения

или разрушения модели, но при

этом оставить достаточный запас

по мощности динамика, чтобы его

звучание и тон подходили под за-

дачи, для которых он создавался.

Стоит отметить, что это значение

НЕ ЯВЛЯЕТСЯ абсолютным лими-

том, который не стоит превышать.

Скорее это похоже на “ограничение

скорости” на автотрассе. То есть вы,

конечно, можете превысить его при

желании, однако делать этого не ре-

комендуется, потому что может на-

ступить беда...

В целом же можно уверенно “ка-

чать” 75-ваттный динамик Celestion

75-ваттами хоть целый день напро-

лет*. Подняв мощность усилителя

до 100 Ватт, динамик честно отрабо-

тает еще час или около того, прежде

чем добросовестно “сгореть на ра-

боте”. Перегружайте по мощности

любой гитарный динамик и он спра-

вится, только делайте это непродол-

жительное время, не рассчитывайте

надолго.

ЧТО ЖЕ МНЕ ВЫБРАТЬ? КАКУЮ

МОДЕЛЬ?

При выборе громкоговорителей

на замену, в первую очередь убе-

дитесь, что импеданс динамика

(измеряется в Омах) совпадает с

выходным импедансом усилителя.

При замене нескольких динами-

ков в кабинетах 2х12” и 4х12”, про-

верьте, чтобы импедансы старых и

новых моделей совпадали. Разные

производители могут иметь свои

собственные рекомендации, но мы

в Celestion придерживаемся таких

правил:

1) Убедитесь в том, что общая мощ-

ность всех динамиков в кабинете в

сумме больше или как минимум равна

максимальной мощности усилителя.

2) При сочетании различных типов ди-

намиков будьте особенно вниматель-

ны при расчетах с мощностью, в зави-

симости от их количества в кабинете и

способа коммутации между собой.

• 60-ваттный + 30-ваттный динамики

в параллельном включении = 60 Вт

(дважды значение меньшего по

мощности динамика).

• Пара 60-ваттных и пара 30-ватт-

ных динамиков, подключенных па-

раллельно/последовательно в 4x12”

кабинете, обеспечивают 120 Вт мак-

симальной мощности.

3) Не будет никакой про-

блемой или ошибкой ис-

пользовать динамик, у

которого максимально

допустимая мощность

существенно больше вы-

ходной мощности уси-

лителя. Высокомощные

динамики имеют свою от-

личительную краску в звуке, и

это значительно расширяет воз-

можности выбора!

*Продолжительное использование способно повредить динамик даже на меньших, чем макси-

мально допустимые, уровнях мощности. Например, продолжительное “наказание” винтажного ди-

намика металкором с дроп строем, почти наверняка повредит его. :(


Далее я приведу рекомендованные модели Celestion для

тех или иных задач. Это всего лишь рекомендации, так

или иначе, они - это только направления для движения.

Выбор всегда за вами!

МОЙ ПЕРВЫЙ CELESTION

Первый шаг в верном направлении! Иногда замена гитар-

ного динамика для улучшения общего звучания может быть

запутанной и даже сложной. Так не должно быть... Вот не-

сколько предложений для покупки билета в мир Celestion:

Eight 15: 8-дюймовый малыш для накачивания “звуко-

выми” мышцами любого домашнего комбо.

Ten 30: 10-дюймовая модель с “большим” и взрослым

звуком для практики и занятий.

Seventy 80: больше “мясца” в свой первый кабинет 4x12”.

Винтаж-винтаж

В 1960-х, когда гитаристы нуждались в более серьез-

ном оборудовании для существенно более громкого и

прорезающего микс звучания, производители усилите-

лей обратились к Celestion с задачей создать надежные

громкоговорители, которые смогли бы выдержать воз-

росшую нагрузку и создать звучание, подходящее для

зарождающихся тогда новых музыкальных стилей. В ито-

ге мы предложили и сделали лучшее из того, что могли.

Слушая эти модели сейчас, мы узнаем, что звучания, ко-

торые создавали те модели, действительно особенные.

Именно поэтому мы называем их “винтажными”.

Celestion Blue: оригинальный, один из лучших Celestion –

теплое, сочное и колокольное звучание.

Heritage Series G12M: тот самый “brown sound”, кото-

рый создали великие Hendrix и Van Halen.

Heritage Series G12H(75): полноценное воссоздание

модели с H магнитом образца 1968 года.

Heritage Series G12H(55): модификация G12H с “басо-

вым” диффузором имеет плотное и густое звучание.

4Х12”

Гитарные кабинеты 4x12” изобрели в 1960-х для работы с

мощными усилителями, чтобы гитару было хорошо слыш-

но среди тысяч разъяренных фанатов (достойные PA си-

стемы появились только впоследствии). Сегодня 4x12” –

это синоним грубого рока и мощного метала. Заряжай!

G12M Greenback: вызывает духа “Whole Lotta Angus”

Vintage 30: рок-рок-рок, от Slash до Five Finger Death

Punch.

Heritage G12-65: рецепт для треш атаки в духе 1980-х.

G12T-75: неотъемлем от кабинетов Marshall 1960, как

горчица от хот-дога.

G12H-75 Creamback: для массивного звучания с упо-

ром на лид-партии.

G12K-100: мощь и низ, как у Mick Thomson (Slipknot) и

Stephen Carpenter (Deftones).

БУТИКЪ

Усилитель, построенный вручную из самых качественных

комплектующих для наиболее требовательных музыкан-

тов, нуждается в громкоговорителе, способном пере-

дать всю палитру и задумку создателя. Больше того, он

должен помочь оживить звук, который ты ищешь. Нет ни-

чего невозможного с Celestion!

Heritage Series G12H(75): полноценное воссоздание

модели с H магнитом образца 1968 года.

Heritage Series G12-65: блюз в стиле Robben Ford.

Celestion Gold: расслабленная палитра alnico c теплым,

экспрессивным и раскрывающимся звучанием.

A-Type: мощный бас с сочной серединой, англичанин в

Нью-Йорке. :)

G12K-100: мощный и теплый низ, при этом с отличной атакой

Vintage 30: царь-динамик, созданный для раскрытия

всех скрытых возможностей усилителя.

G15V-100 Fullback: да, это гитарный звук с 15-дюймо-

вым динамиком!

Максимальный запас по переусилению

Гитарные динамики Celestion славятся своим комплекс-

ным и музыкальным “брейкапом”. Но иногда нужна мо-

дель, которая вела бы себя максимально интеллигентно

и ровно. Для гитаристов, которым нужен максимально

чистый звук, которые играют быстро, громко и хотят

слышать все до мельчайших деталей, есть ответ.


G12K-100: огромный магнит для гигантского и чистого

шлепка.

Classic Lead 80: мощный и управляемый верх, деталь-

ная артикуляция каждой ноты.

G12T-100: 2-дюймовая голосовая катушка для того, что-

бы искажения и дисторшн формировал только усилитель.

Seventy 80: лучший друг моделирующих цифровых уси-

лителей.

G12H-75 Creamback: 75 ватт мощности с узнаваемым

характером звучания модели G12H - плотный низ и пан-

чевый динамичный верх.

Больше мощи!

Эволюция гитарных усилителей во многом была гонкой

за увеличением мощности. Союз винтажного динамика

родом из 1960-х и современного мощного аппарата се-

годня будет скоротечен - достаточно всего пары пауэр

аккордов. Как же быть? Приведенные ниже модели соз-

давались для работы с мощными гитарными усилителя-

ми, при этом сохраняя фирменное звучание Celestion.

G12M-65 Creamback: высокомощная модификация

модели G12M. Их можно качнуть хорошенько и без

опаски получить мощный винтажный звук.

G12H-75 Creamback: магнит типа H дает больше сфокуси-

рованности в звуке, больше тела в звучание Creamback.

G12-50GL Lynchback: хороший баланс между

винтажным рычанием и современным тоном

Vintage 30: оригинальный хот-род Celestion, создающий

уникальное и неординарное комплексное звучание.

Celestion Cream: обеспечивая высокий мощностной

рейтинг, сохраняет саму сущность звучания alnico моделей.

Alnico

В далеких 1950-х, компания Celestion модифицирова-

ла хорошо известный в то время громкоговоритель для

радио (модель G12), чтобы создать первый специализи-

рованный гитарный громкоговоритель. У него был маг-

нит из сплава алюминия, никеля и кобальта (сокращенно

AlNiCo) и звучание с задемпфированной атакой, коло-

кольными гармониками и тенденцией хорошо компрес-

сировать звук при сильной “подаче”. В своем узнавае-

мом синем обличии этот динамик стал неотъемлемой

частью звучания The Beatles, Queen, U2 и Foo Fighters.

Celestion Blue: оригинальный, один из лучших Celestion –

теплое, сочное и колокольное звучание.

Celestion Gold: более высокий рейтинг мощности, чуть

более гладкий бас и мягкие верха.

G10 Gold: сочный характер звучания Alnico плюс ско-

рость и отзывчивость 10-дюймовых моделей.

Celestion Cream: выводит класс Alnico в любой рейтинг

мощности, от 1-го до 90 Вт!

Сила 10-ки

Хорошо звучащий 10-дюймовый динамик дает быстрое,

панчевое звучание с широкой дисперсией и без излиш-

ней гулкости на небольших сценах. Такие модели также

могут предложить компактность, доступность по цене

и возможность раскачать овердрайв при более низкой

громкости, чтобы барабанными палками по затылку

лишний раз не схлопотать. :)

G10 Gold: все, что нужно от alnico динамика в 10-дюймо-

вом формате - роскошный звонкий тон, густая середина

и богатый низ.

G10 Greenback: созданный для рока, ритма и блюза!

Добавляет перчинку в виде грубого и объемного низа.

G10N-40: очень сбалансированный и универсальный

британский звук, с яркой верхней серединой и артикули-

рованными верхами.

Ten 30: богатый и экспрессивный, Ten 30 сочетает в себе

теплый низ с вокальной серединой и хорошо очерчен-

ным верхом. Чистое звучание очень открытое и раскры-

вающееся, а “качнув” сильнее, на первый план выходит

фирменный и объемный Celestion-овский звук.

Микс

Современный подход в сочетании различных моделей

с непохожим звучанием – источник поиска своего уни-

кального звука. Мы в Celestion искренне поддерживаем

такой экспериментаторский подход и предлагаем не-

сколько комбинаций на свой скромный вкус:

• G12H Anniversary / Celestion Blue

• Celestion Gold / Vintage 30

• Heritage Series G12M / Heritage Series G12H(55)

• G12M Greenback / Vintage 30

• Vintage 30 / G12T-75

• G12M-65 Creamback / G12H-75 Creamback

• V-Type / A-Type


ТОМ ПЕРВЫЙ:

METALLICAСегодня, в эру 7-ми, 8-ми струн-

ных гитар и пониженного строя,

тяжелая музыка все больше и

больше интегрируется с другими

жанрами, стирая стилевые рамки.

Нравится нам это или нет – дело

вкуса. Общаясь с ребятами, которые только берут в руки

свой первый инструмент, я замечал, что многие начина-

ют гнаться за пониженными строями, то опуская, то под-

нимая заводской комплект струн 10-46, играя нули на

только что приобретенном суперстрате и абсолютно не

уделяя времени работе над звукоизвлечением, темпом

и правильной атакой. Это выливается в поиск проблем

там, где их зачастую нет. Начитавшись форумов, начи-

нают грешить на “неламповый комбик”, “плохие струны”

или на медиатор с не такой надписью. В этой рубрике я

хочу обратиться к истокам, дабы познакомить юных гита-

ристов с той музыкой, на которой училось и росло боль-

шинство современных тяжелых команд.

Дебютный и уже ставший классикой альбом группы

Metallica – Kill ‘Em All (1983) любим всеми поклонника-

ми олдскульного метала. Яростные и запоминающиеся

хиты из этого альбома – неотъемлемая часть живых вы-

ступлений Metallica и по сей день. Риффы, которые мы

рассмотрим, помогут вам чувствовать себя увереннее

ЗОЛОТОЙ ФОНД РИФФОВАлексей Радченко

на высоких скоростях и сделают

ваш переменный штрих четким и

ровным.

Прежде чем вы начнете занимать-

ся, хочу обратить ваше внимание

на звук. Не нужно прятаться за пе-

регруженный фонящий саунд, вы-

кручивая ручку GAIN на усилителе

в максимальное положение. Это

верный путь к грязной и вялой ата-

ке. Если вы посмотрите живые вы-

ступления Metallica, то заметите,

что звук Джеймса и Кирка больше

похож на сухой и плотный кранч.

Это позволяет двум гитарам очень

хорошо читаться в миксе и давать

тот самый плотный саунд. Поэтому

выставьте ручку GAIN вашего уси-

лителя на 11-12 часов, добавьте

немного MIDDLE, дабы звук, кото-

рый вы извлекаете из гитары, был

максимально читаемым, сухим и

плотным. Это поможет развить

правильное звукоизвлечение и из-

бавиться от грязи. Вы будете чув-

ствовать себя уверенно и не напу-

гаете слушателей грязной игрой,

подключившись в хороший лампо-

вый усилитель где-нибудь в клубе.

Возьмите за основу, что метроном –

ваш лучший друг и помощник, а

каждый рифф следует отрабаты-

вать в умеренном темпе, постепен-

но увеличивая его до оригинально-

го, и не зажимая при этом мышцы

правой руки. Это сделает вашу игру

чистой, ритмичной и ровной.

А теперь настройте свою гитару в

стандартный строй Ми (E-A-D-G-

B-E) и начнем!

“Открывашкой” альбома является

боевик “Hit The Lights”. Разучивая

этот яростный рифф, включите ме-

троном в умеренном темпе и следи-

те за артикуляцией, играя четким

переменным штрихом правой ру-

кой. Увеличивая темп до 160 bpm,

старайтесь отслеживать, чтобы

ваша правая рука была расслаблена

и не “зажималась”.

Вступление песни “Motorbreath”

начинается с барабанной сбив-

ки и скоростного галопирующего

риффа. Это один из моих любимых

риффов - он отлично разрабатывает

выносливость правой руки и очень

круто звучит. Разберите его в мед-

ленном темпе, добиваясь чистоты

атаки, и постепенно увеличивайте

скорость до 180 bpm.

И в завершение - легендарная

“Metal Militia”. Зубодробительный

рифф в начале – ярчайший

пример того, как круто зву-

чит ровный и четкий пере-

менный штрих. Разбирая его, вы

либо сотрете медиатор в порошок,

либо добьетесь потрясающего

чувства контроля над правой ру-

кой, сохраняя расслабленность и

не снижая темп. Не спешите сра-

зу играть Metal Militia в 182 темпе.

Здесь очень важно выдерживать

все длительности и держать ско-

рость. Как можно больше практи-

куйтесь медленно и под метроном.

Если чувствуете, что правая рука

зажимается или болит – снизьте

темп. Заниматься лучше недолго,

давайте мышцам правой руки отдо-

хнуть и поддерживайте их в тонусе

регулярными и осознанными за-

нятиями по 15-30 минут. Если у вас

есть возможность, как можно чаще

записывайте собственную игру - это

помогает прогрессировать быстрее.


ра, привет! Твой творче-ский путь можно отсле-дить с 1989 года. Как ты пришел в музыку и конкретно в это направ-

ление, спрашивать, навер-ное, нет смысла. Но вот как ты решил, что твой инструмент именно бас-гитара, было бы интересно услышать. Привет. Ну, наверное, ничего нового я не расскажу. Как и все, был диким фанатом метала, ру-бился буквально от всего, где жужжала хоть какая то примоч-ка - от Bon Jovi до Slayer. Всегда мечтал стать барабанщиком, и даже пытался дома в сарае по-строить собственную барабан-ную установку из подручных ма-териалов (времена были такие). О том, чтобы купить все это, и мечтать было невозможно…

Я учился в музыкальной школе по классу фортепиано, поэтому с таким понятием, как ноты, зна-ком был практически с детства.

Еще поигрывал на акустической гитаре, подаренной родителя-ми, подбирал разные хиты тех лет. Естественно, как и все дети, рубился от Клиффа Бертона, а позднее и от Ньюстеда. Но в пер-вую очередь меня перло не от самой игры на басу, а от того, как круто музыканты бегали по сцене и мотали хаерами вертухи. :)))

А басистом я стал совершенно случайно. Как-то один товарищ сказал, что знаком с ребятами из группы Chemical Warfare, и они ищут басиста. Я быстрень-ко раздобыл концертную запись банды, выучил басовые партии на своей акустической гитаре... ну и, собственно, встретился с Ножом и Сашей и под запись все им сыграл. Ответ был коротким: “Зашибись!” Так я и стал басис-том в группе. Басистом без баса… :) Расскажи про свой первый ин-струмент и аппарат. В те годы это было не так доступно, как сейчас.

Благодаря моим родителям, которые меня всячески под-держивали в рок-начинаниях, у меня довольно скоро появи-лась бас-гитара Jolana. Сейчас уже не вспомню все остальные данные, но она была такая тре-угольная, синяя, с белой пане-лью. Мне тогда казалось, что у нее мега-удобный гриф, хотя он перевешивал саму деку раза в четыре, и поэтому при игре нужно было постоянно держать баланс, иначе могло на резком повороте унести. :)) Этакий тре-нажер для натирания пальцев в кровь... Подключалось все это к “мощнейшему” комбику Тайфун, который с радостью вырубался, как только на нем накручивался звук нужной мне громкости. Тем не менее, я был рад и этому, так как летом, на школьных канику-лах, работая два месяца на заво-де слесарем механосборочных работ, сам лично на него зарабо-тал... ну почти… примерно треть (школьникам плохо платили), а остальное докинули родители -

С момента создания и по сей день коллектив Gods Tower неизменно и верно исполняет тяжелую му-зыку, очень богато приправленную фолк-мотивами, при этом используя исключительно классиче-ские для рок-группы инструменты и их звучание (не прибегая к привлечению народных и традици-онных), что делает звучание команды достаточно интересным и уникальным в своем роде. Они дали сотни концертов как в странах СНГ, так и в Европе, выступая как сольно, так и на масштабных фести-валях, плечом к плечу с мировыми рок-звездами. На несколько “профильных” вопросов нам любез-но ответил музыкант, который играет в группе с самого ее основания - бас-гитарист Юрий Свитсов.


Ю

ИНТЕРВЬЮ Андрей Балука

спасибо им большое еще раз. Несмотря на все не-достатки этого произведения советских электро-паяльщиков, у меня был комбик! Ни у кого не было, а у меня был! :)

Слушая еще самые первые записи Gods Tower, можно заметить, что в композиции бас-гитара является своего рода фундаментом для всего остального. То же самое позднее можно услы-шать и в RASTA. Это твоя позиция в сочинении и аранжировках или оно так просто получается?Не помню уже, кто сказал, но кто-то из моих тог-дашних кумиров, возможно даже Ньюстед (кстати, мне всегда нравилась именно его “мясная” \м/ ма-нера игры): “Для того чтобы играть за 12-м ладом, есть гитары, а бас должен быть внизу и быть самым мощным инструментом в банде!” Вот тут я полно-стью с ним согласен!

Да и не умел я тогда фиги на грифе крутить. :)) Сей-час уже умею, но как-то все-таки мне больше по душе именно то, что ты назвал фундаментом... да... наверное, это самое точное определение. Мне нравится играть мощно “из-за уха”. Так мне хочет-ся. Ну не могу я играть, тихонечко щипля струнки, без подачи, когда все вокруг гремит. Это же ме-тал!!! Хотя я ни в коем случае никому не раздаю со-веты, что делать нужно именно так. Билли Шихэн и Стив Харрис тоже мне всегда нравились и дово-дили до состояния, когда “мурашки по телу бегут”.

Те, кто были на концертах Gods Tower уже по-сле реюниона, не могли не обратить внимание на новое звучание баса. Судя по фото со сце-ны, ты не используешь никаких педалей. Рас-скажи про свои инструменты и аппарат. Как у тебя получается звучать, как “каток”?

Рецепт моего звука очень прост: Warwick Corvette Bubinga & Ampeg SVT-4 PRO. Ну и, опять же, фор-мула: Каток = Подача + “из-за уха”.

Раньше я пробовал всевозможные педальки, при-мочки, процессоры, но пришел к выводу, что в на-шей музыке это не нужно. В студии - совсем другое дело, там можно поэкспериментировать, но “из-за уха” еще никто не отменял. :)

Какие струны предпочитаешь (марка, толщи-на) и как часто делаешь замену?

Струны предпочтительно Elixir 45-105, но у нас в го-роде их не всегда можно так просто пойти и купить, поэтому, перефразируя Остапа Бендера, скажу: “Ну что же, удовлетворимся D’Addario”.

Ты довольно длительное время проводишь в турах как по странам СНГ, так и по Европе. На фоне всеобщей депрессии по посещаемости концертов, как бы ты прокомментировал все увиденное со своей колокольни.

Да всякое бывало... И концерты в клубе при 7 зрите-лях, и фестивали а-ля Woodstock и Masters of Rock, когда смотришь со сцены, а люди аж “за горизонт”. Скажем так, в пустом клубе на сцену, конечно, вы-ходить кисло и грустно, но это до первого аккорда! А потом понеслась душа в рай (или куда там кому угодно). Не хочу сейчас разводить сопли, как это принято в последнее время делать, и обвинять во всех смертных грехах интернет, всеобщую доступ-ность скачивания музыки, соцсети и YouTube.

Если ты настоящий металлист, то тебе плевать на все, кроме метала! Никого нет в зале? Играй для себя! Только честно. И со всей силы!


ОБЗОР

се продвинутые гитаристы и басисты прекрас-

но знают компанию ESP, которая уже долгие

годы выпускает отличные инструменты. Од-

нако мало кто знаком с ее дочерним брендом

Grass Roots, производящим для японского рынка

инструменты, копирующие легендарные модели

“американской классики”. В этом материале я хотел

бы остановиться более детально на бас-гитарах.

В мире гитар существуют как инструменты-

шедевры, представляющие собой произведения

искусства, так и гитары начального уровня, кото-

рые сгодятся лишь для обучения и развития на-

выков игры. Между этими крайностями лежит об-

ширная категория “рабочих лошадок” - неброских

инструментов с добротным звуком и адекватной

ценой. Именно такую бас-гитару я стал подыски-

вать себе не так давно, и эти поиски привели меня

к инструментам Grass Roots. Следует заметить,

что я ретроград и не особо жалую навороченные

современные басы, предпочитая им проверенные

олдскульные модели 50-60-х годов. На этой тер-

ритории бренд Grass Roots представлен беспрои-

грышной парой: Precision и Jazz Bass.

Начнем с “отца всех басов” - Precision. Модель

G-PB-45R визуально полностью идентична своему

прародителю полувековой давности и отличается

лишь надписью на грифе. Благодаря современным

краскам и лакам, покрытие корпуса выглядит от-

лично, несмотря на его относительно небольшую

толщину. Лак на грифе глянцевый, что, безусловно,

радует. Особенно на фоне постепенно затираю-

щегося матового покрытия моделей конкурентов.

Собран бас хорошо, хотя при дотошном поиске не-

значительные огрехи найти можно. Но я выбираю

инструмент не за “красивые глазки”, а по звуку и

удобству игры. И здесь Grass Roots выкладывает

на стол все свои козыри.

BY

Дмитрий Сакир


В

следующего ослабления (decay) вообще практиче-

ски нет. Затем идет долгий и ровный основной тон

(sustain), который оканчивается плавным затуха-

нием (release). Впрочем, сустейн настолько хоро-

ший, что вам вряд ли удастся часто слышать, как

он заканчивается.

По частотным характеристикам отмечу мягкие бар-

хатные низкие частоты, уверенную сбалансирован-

ную середину и отсутствие излишних высоких ча-

стот. Тембр этого баса универсален, но лучше всего

подойдет для джаза, блюза и электронной музыки.

Итак, подведем итог. Басы Grass Roots – безуслов-

но, отличный выбор в качестве “рабочей лошадки”.

Они просты и удобны в обращении, на них приятно

играть, и самое главное – они обладают серьезным

правильным звуком. К фамильным недостаткам

бас-гитар Grass Roots можно отнести отсутствие

альтернативных расцветок, ведь G-PB-45R может

быть только белым с черной панелью, а G-JB-47R

только черным с панелью в перламутрово-коричне-

вом цвете. Прямо как у Генри Форда, который гово-

рил: “Вы можете купить автомобиль любого цвета,

если этот цвет - черный”. Для кого-то отсутствие

других цветов может стать серьезным недостатком,

хотя я не придаю этому решающего значения, мне

нравятся оба цветовых решения. Ведь главное – эти

инструменты действительно звучат. А секрет от-

личного звучания инструментов Grass Roots в том,

что этот бренд не изобретает колесо, а использует

классический проверенный рецепт бас-гитары:

“Возьмите ольху для корпуса, клен для грифа и

немного палисандра для накладки. Все ингре-

диенты нужно хорошенько

просушить, а затем

смешать в нужных

пропорциях, скре-

пив клеем и

болтами. Теперь необходимо придать

бас-гитаре удобную классическую форму. В

финале добавьте фурнитуры и электроники по

вкусу. Готово! Играйте и получайте удовольствие!”

Густой резиновый звук с выраженным рыком сра-

зу дает понять, что у вас в руках настоящий “прес”.

Самое то, чтобы пробиваться сквозь рев перегру-

женных гитар, грохот барабанов и звон тарелок.

Этот бас просто создан для рок-музыки во всех ее

бесчисленных проявлениях. Для G-PB-45R харак-

терна мощная, но сбалансированная атака и при-

личный сустейн, поэтому отстройка звука не зани-

мает много времени и сводится к корректировке

частот в зависимости от конкретного усилителя.

Все это говорит о правильном подбо-

ре древесины и точном

соблюдении техно-

логии изготовления

инструмента.

Удобство игры обсуж-

дать нет особого смысла, ведь G-PB-45R полно-

стью повторяет форму классического баса, став-

шего эталоном уже много лет назад. Правильный

баланс веса, эргономичная форма корпуса, про-

думанное расположение органов управления и

отсутствие лишних деталей - очевидные плюсы.

Одним словом, все на своем месте и работает, как

надо.

Перейдем к Jazz Bass, а точнее к модели Grass

Roots G-JB-47R. Материалы и фурнитура ана-

логичны и не вызывают претензий. В отличие от

G-PB-45R, эта модель (тот экземпляр, который

испытывал я) собрана абсолютно безукоризнен-

но. Внешний вид и эргономика полностью позаим-

ствованы у Jazz Bass, и мне очень нравится перла-

мутровый коричневый pickguard.

Но главная изюминка этой модели кроется в ха-

рактере звучания. Не знаю, как этого добились ма-

стера, но звук невероятно ровный и напомнил мне

lead-тембры аналоговых синтезаторов, поэтому

воспользуюсь их терминологией и опишу звук баса

по характеристикам ADSR (attack-decay-sustain-

release). Атака (attack) короткая и уверенная, а по-



тому времени Motley Crue уже

купались в лучах славы и успе-

ха. Однако музыканты нужда-

лись в альбоме, который пока-

зал бы не только их разнузданность

и скандальность, свойственные всем

предыдущим работам группы с 1983

по 1987 года, но и привнес что-то

новое в их творчество. Безуслов-

но, многое здесь зависело от без-

оговорочного лидера команды и бас-

гитариста Никки Сикса. И вот, в канун

рождества 1987 года произошло то,

что в корне изменило его жизнь, да

и жизнь всей группы в целом. Музы-

кант перенес клиническую смерть

от передозировки героином. Мест-

ные СМИ мгновенно подхватили это

трагическое известие, и по всем

центральным телеканалам страны

пронеслась шокирующая новость о

смерти Никки Сикса. Сохранившиеся

редкие видеозаписи этих новостных

сюжетов и по сей день будоражат

кровь в жилах поклонников группы.

Но в ту ночь его сердце выдержало

и вновь забилось. Только жизнь уже

казалась другой, озарившись пони-

манием того, что так дальше просто

нельзя, пришло время что-то менять.

Спустя какое-то время началась ра-

бота над альбомом “Dr. Feelgood”, к

которой был привлечен популярный

продюсер Боб Рок (Aerosmith, Skid

Row, Metallica). Всем было поставле-

но строгое условие - никаких излиш-

К

1 сентября 1989 года, уже ставшая к тому времени одной из самых скандальных в музыкальной индустрии и “растлевающей” по версии моралистов, группа Motley Crue выпустила свой самый успешный альбом “Dr. Feelgood”. В этом году пластинке исполнилось уже 26 лет, но она все еще не теряет актуальности и вызывает живой интерес, в том числе и у подрастающего поколения рок-фанатов. Более того, многие музыкальные эксперты даже рекомендуют начинать знакомство с творчеством “Пестрого сообщества” именно с этой работы.

ЗНАКОВЫЙ АЛЬБОМ

Андрей Зозуля

MOTLEY CRUE

“DR. FEELGOOD” БЕЗ СТИМУЛЯТОРОВ

НАСТРОЕНИЯ


них увеселений во время работы над

альбомом. Вместо алкоголя – ящики

с минералкой.

“Никки лично “обнюхивал” всех,

даже если кто-то просто выходил

покурить, - делится воспоминания-

ми барабанщик группы Томми Ли. –

Он, конечно, не мог контролировать

все и всех, да и сам порой “грешил”,

но совместных попоек как раньше у

нас в кулуарах тогда не было”.

Открывает альбом гитарное интро

Мика Марса “T. n. T”. Под аккомпа-

немент гитары женский голос служ-

бы спасения сообщает: “Доктор, тут

юноша 17 лет, возможно, передози-

ровка”. Инструментал сразу перехо-

дит в энергичный дуэт ритм-секции

песни “Dr. Feelgood”, которая и дала

название альбому. В богемной аме-

риканской тусовке “Dr. Feelgood” –

это жаргонный термин, так назы-

вают либо драг-дилера, либо вра-

ча, который, пользуясь служебным

положением, “толкает” препараты

строгой учетности “налево”.

Следующая песня “Slice Of Your Pie”

с довольно сложной, как для глэм-метала,

мелодией напоминает, что перед нами все же

творение скандально-эпатажной группы: “Эй,

красавица, красавица, с милыми-милыми гла-

зами, угости меня кусочком своего пирога”.

“Rattlesnake Shake” – композиция продол-

жает тему предыдущего трека, я бы даже

сказал, связана с ней концептуально (“от

шейка гремучей змеи мое тело ломит”) и ра-

дует довольно зажигательным и запоминаю-

щимся риффом с клавишными на заднем плане.

“Kickstart My Heart” – принципиально новая,

отнюдь не глэм-металическая песня в творчестве

Никки Сикса и его группы. Забористый хард-рок, пере-

ходящий в чистый хэви-метал, которому даже Judas Priest

могли бы позавидовать.

“Without You” – типичная глэм-металическая баллада, которая стала бы украшением альбома и жемчужиной в репер-

туаре любой группы, схожей по стилю с Motley Crue. Все чисто и платонически. Приятной изюминкой является классное

соло Мика Марса в середине композиции.


“Same Ol’ Situation” – разухабистый глэм-метал, стили-

зованный под рок-н-ролл. Здесь очень хорошо чувству-

ется старая добрая группа, образца своих лучших творе-

ний предыдущих лет.

“Sticky Sweet” – самый слабенький трек в этом альбоме.

Такое ощущение, что он попал сюда случайно и записали

его “по приколу”. Ни музыкально, ни тем более лирически

в общую концепцию “протрезвевшей и повзрослевшей

группы” он не вписывается. Даже в самые бурные годы

Никки Сикс и Мик Марс были способны на большее и писа-

ли песни гораздо глубже по содержанию.

“She Goes Down” – зажигательная и, без преувеличения

можно сказать, моралистическая песня о девушке, слиш-

ком рано открывшей для себя взрослую жизнь. В записи

этой композиции принял участие Брайан Адамс, спевший

пару строчек в бридже.

“Don’t Go Away Mad” – самая глубокая и философская

песня в этом альбоме, повествующая об истории расста-

вания. Здесь здорово сведена “оркестровка”, за что от-

дельное спасибо Бобу Року.

“Time for Change” – идеальное завершение для такого

альбома. Философская баллада, в которой Никки Сикс

вспоминает и переосмысливает какие-то вещи и словно

прощается с прошлым.

Альбом “Dr. Feelgood” стал лучшим творением в истории

группы Motley Crue, возглавил чарт Billboard и впослед-

ствии стал семикратно платиновым. Песни “Dr. Feelgood”

и “Kickstart My Heart” номинировались на Грэмми за луч-

шее хард-рок исполнение. Песня “Time For Change” ста-

ла пророческой для Винса Нила – уже через 2 года его

заменил Джон Кораби. Также интересным фактом яв-

ляется то, что для работы над альбомом в качестве бэк-

вокалиста был приглашен Себастьян Бах - вокалист кон-

курирующей группы Skid Row.

Этот альбом стал для Motley Crue первым, записанным на

пути к реабилитации и трезвости, на который участники

группы встали в 1989 году. Наряду с коммерческим успе-

хом – а “Dr. Feelgood” разошелся тиражом в 6 миллионов

копий, – этот альбом также сыскал и успех творческий.

По мнению большинства фанатов и критиков – он стал

лучшим студийником группы.

Но самое главное, альбом “Dr. Feelgood” – это, возмож-

но, последний шедевр в жанре глэм-метал, который все-

го лишь через пару лет после выхода стал частью музы-

кальной истории, а сама группа Motley Crue уже никогда

не выпустит ничего лучше.


СТРУНЫ НОВОГО ПОКОЛЕНИЯ

MAXTONE WGC-4011


так, первым гостем нашего

обзора будет творение компа-

нии Maxtone. Музыкальные ин-

струменты и аксессуары этого

производителя пользуются немалым

спросом благодаря сочетанию до-

ступности и приемлемого качества.

Но вернемся к нашим гитарам.

MAXTONE WGC-4011ЦЕНА - 1532 ГРН (АКЦИОННАЯ ЦЕНА

В МАГАЗИНАХ JAM)

ЦЕНОВОЙ ДИАПАЗОН - ДО 70$

ИВнешний вид

Гитара выполнена в популярном

размере дредноут и доступна в трех

цветах: натуральном, черном и сан-

берст. Исходя из личного опыта, я

бы советовал обратить внимание

именно на санберст. Он эффектно

выглядит, скрывает нюансы факту-

ры дерева и на нем не так сильно за-

метны следы от пальцев. Одной ру-

кой играть, а второй держать тряпку

для протирки - это не наш выбор!

Конструкция

Корпус изготовлен из ламинирован-

ной липы, а верхняя

дека из ели. Колки -

закрытые, а стру-

нодержатель -

ОБЗОР

пластиковый. Лады сделаны не из

привычной нам стали или нейзиль-

бера, а из медного сплава. Впрочем,

не все так плохо, как может показать-

ся на первый взгляд. Колки очень

неплохо держат строй, гриф доста-

точно удобный и тонкий и, самое

главное - гитара строит по ладам.

Звучание

Теперь поговорим о самом важном

- о звучании. Настраиваем гитару,

берем аккорд и приятно удивляем-

ся. Конечно, это далеко не Yamaha,

но тембр достаточно приятный,

даже на струнах, установленных с

завода. Бас немного гулковат и звук

не такой объемный, как хотелось

бы, но общее впечатление весьма

Макс Роговой

“МОЯ ПРЕЛЕСТЬ”Обзор доступных акустических гитар

Все мы любим дорогие качественные вещи. Спиннинги с гироскопом и карбоновым удилищем, автомобили класса люкс, топовые смартфо-ны и зеркальные фотоаппараты. Безусловно, музыканты не являются исключением. Многие гитаристы способны часами рассуждать о досто-инствах инструментов ручной работы, нюансах просушки древесины и зависимости звучания от расположения волокон на деке. Но всегда ли нам нужны вещи такого уровня? И речь сейчас идет даже не о цене, а о целесообразности. Думаю, вы согласитесь, что брать с собой в турпоход профессиональный студийный инструмент - как минимум нелогично. Да и для обучения игре он будет несколько избыточен. Лично мне даже не-много обидно, когда гитара, предназначенная для выступлений перед многотысячной аудиторией жалобно стонет в неопытных руках юного падавана. (Да, я немного сноб :)) И тут на сцену выходят доступные акустические гитары так называемого “начального уровня”. Мы не бу-дем останавливаться на гитарах, которые продаются в супермаркетах по соседству с гречневой крупой и моющими средствами - их даже ин-струментами можно назвать с большой натяжкой. Мы поговорим о мак-симально доступных полноценных “акустиках”.

SAVANNAH SG-610


неплохое. А для того, чтобы сделать звук инструмента

еще лучше, достаточно просто заменить струны на брен-

довые американские D’Addario.

Итого:

Внешний вид: 6 из 10

Конструкция: 7 из 10

Звучание: 8 из 10

Цена/Качество: 7 из 10

Второй инструмент в моем обзоре - гитара фирмы

Savannah, новинка в наших краях. Этот бренд принадле-

жит группе компаний AXL Music и специализируется на

производстве доступных гитар и блюграсс инструмен-

тов (банджо, мандолины, резонаторы). Давайте посмо-

трим, что же Саванна “имеет нам предложить” :)

SAVANNAH SG-610ЦЕНА - 2091 ГРН


Внешний вид

Эта модель также имеет деку типа дредноут, но, в отли-

чие от Maxtone, доступна только в натуральном цвете.

Мелкие нюансы покрытия, безусловно, присутствуют,

но общее впечатление значительно приятнее, чем у пре-

дыдущего героя обзора. Покраска очень аккуратная, лак

отлично отполирован, гитарка блестит, радует с первого

взгляда и так и просится в руки.


Производитель заявляет, что дека инструмента изготовлена

из “whitewood”. Долгие поиски в недрах интернета так и не

дали мне 100% ответа, что же это за белое дерево такое, но

внешне оно очень похоже на тополь или липу. Впрочем, и то

и другое - вполне музыкальные породы, очень неплохо себя

зарекомендовавшие. Колки литые, закрытые, с плавным

ходом. Бридж и накладка грифа - палисандровые, а лады

очень достойно зашлифованы, не “кусаются” и не мешают

играть. Придраться можно разве что к шестой струне, кото-

рая не очень хорошо строит выше 12-го лада, но шанс того,

что вы будете активно играть в этой позиции, очень невелик.

Звучание

Savannah звучит заметно ярче, чем Maxtone. Возможно,

дело еще и в струнах, но с первых нот чувствуется, что эта

гитара однозначно классом выше (впрочем, она и подоро-

же). Некая “коробочность” в звуке присутствует, но в инстру-

ментах начального уровня это неизбежно. Тембр характер-

но фолковый, я бы даже сказал, “американский”, идеально

подходящий для игры аккордами и аккомпанирования.

Итого:

Внешний вид: 9,5 из 10


Звучание: 9 из 10


Последняя героиня нашего мини-обзора - гитара, не

нуждающаяся в каком-то особом представлении - Cort

AD810. Это безоговорочный бестселлер в Украине, став-

ший визитной карточкой компании Cort.

CORT AD810ЦЕНА - 2580 ГРН


Внешний вид

Так же, как и предыдущие инструменты, AD810 имеет

деку формы дредноут. Доступны три цвета на выбор: на-

туральный матовый (если быть совсем точным, то ско-

рее открытый - слой лака просто микроскопический),

натуральный глянцевый и черный матовый. Визуально

просто не к чему придраться: лак ровный, без потеков,

места склеек выполнены безупречно и, даже заглянув

внутрь инструмента, вы не найдете дефектов изготовле-

ния - контроль качества у Cort на высоте.


В отличие от остальных участников обзора, конструкция

AD810 каноническая: корпус из красного дерева и верхняя

дека из ели. Само собой, о цельном дереве в инструментах

этой ценовой категории речь не идет. Колки закрытые и по

плавности хода дадут фору даже некоторым электрогитарам.

Лады некрупные, идеально зашлифованные. Единственный

нюанс - заводские струны я настоятельно рекомендую сразу

после покупки сменить на что-нибудь брендовое.

Звучание

Звук этой гитары приятно удивляет. Тембр мягкий и

насыщенный, при этом верха не завалены и звенят

колокольчиками даже при игре перебором. Бас не за-

дранный, я бы даже сказал, интеллигентный. Гудение

или “коробочность” отсутствуют в принципе - звучание

полное и открытое. Определенно, гитарные мастера

Cort нашли какой-то секретный ингредиент, позволяю-

щий даже самым доступным инструментам звучать до-

стойно.

Итого:

Внешний вид: 10 из 10


Звучание: 9,5 из 10


Подводя итоги, хочу сказать, что когда 10 лет назад я ис-

кал себе максимально недорогую акустику, ситуация была

следующая. Большинство акустических гитар приемлемо-

го качества имели ценник 300$ и выше, а более доступные

инструменты не могли похвастаться ни привлекательным

внешним видом, ни звучанием. Но прогресс не стоит на

месте, и теперь выбрать себе достойную шестиструнную

подружку можно даже за относительно небольшие деньги.

Все три рассмотренные гитары отлично подойдут

для того, чтобы поиграть у костра “Изгиб гитары жел-

той”. Даже самый простой Maxtone и по звучанию, и по

внешнему виду значительно превосходит большинство

“львовских”, “черниговских” и прочих “социалистиче-

ских” гитар, переходящих от отца к сыну и трепетно хра-

нящихся на шкафах. Если же вы готовы отдать за инстру-

мент немного больше - обратите внимание на Savannah

или Cort - они действительно этого достойны!

*Цены указаны по состоянию на 31.10.2015

CORT AD810


Аліна Семенюк

ИНТЕРВЬЮ

и частий гість цього магазину. Чому саме JAM?

Відверто кажучи, це перше місце, куди я приход-

жу, коли мені щось потрібно. Насамперед, це такі

витратні речі, як струни та медіатори, безперечно.

Я купую їх дуже багато, оскільки тут дійсно гарний та

універсальний асортимент. Є на що подивитись та з чого

обрати. Та й взагалі – ціную спокійну та дружню атмосфе-

ру, майже як вдома.

А скільки ж тоді у твоєму арсеналі гітар?

Усього вісім. :) Плюс є ще одна, з моїх улюблених ста-

реньких, яку я зараз намагаюсь відновити.

Віддаєш перевагу якомусь конкретному гітарному

бренду?

Так, мені справді дуже подобається Gretsch. Це один із

класичних гітарних рок-н-рольних брендів і той випадок,

коли є не тільки ім’я, але й якість пізнаваного звучання,

що дуже важливо для професійних музикантів. До того ж,

з естетичної точки зору, це дуже красиві гітари, дизайн

яких був створений завдяки натхненню атмосферою 50-х

років минулого століття.

Знаю, що зовсім нещодавно Mad Heads випустили

новий альбом. Розкажи, які ще є гарні новини?

Насправді у нас багато змін. По-перше, ми готуємо

всеукраїнський тур на кінець листопада, плануємо висту-

пити у двадцяти трьох містах. А ще в нас з’явився новий

музикант, з яким ми всіх познайомимо під час запланова-

ного туру. Нещодавно закінчили зйомку одразу двох нових

кліпів. Є зміни також у звучанні, особливо це відчувається

в нових піснях.

Вадим Красноокий, фронтмен гурту Mad Heads, не лише талановитий співак, але

й майстерний гітарист. Тому його нерідко можна побачити у музичних магазинах.

Цього разу ми зустрілись у самому серці світу музичних інструментів – одному

з магазинів мережі JAM.

MAD HEADS


Т

Щодо альбому, то він має назву “8”.

Поясню чому. З одного боку, це 8-й

студійний альбом гурту Mad Heads,

а з іншого – 8-ка це магічне число і

виглядає, як знак нескінченності, що

встав на дибки. Так, музика – це магія.

Ось що ми хотіли сказати цією назвою.

Загалом над альбомом ми працю-

вали цілих чотири роки, тому пісень

там багато – 17 треків. Серед них є

вже добре відомі, такі як “Україна -

це ми”, “П’ятниця”, “Молода кров”,

решта пісень – нові. Наприклад,

“Пісня Сирени”, на яку ми нещодав-

но зняли кліп. Я вважаю, що цей аль-

бом – нове дихання, і в нашому ви-

падку вже восьме.

Так буває, що кожен окремий

музикант привносить щось нове

у звучання гурту в цілому. Ти

цілеспрямовано шукав ще одно-

го учасника?

Взагалі, спочатку я хотів знайти

клавішника, тому що раніше ми ніколи

так не працювали. Або, як варіант, ду-

мав взяти діджея. Також розмірковував

над тим, якби було цікаво, залучити

креативного програміста, тобто лю-

дину, яка створює синтезовані зву-

ки. Можливо це додало б нам більш

оригінального сучасного звучання.

Але, поспілкувавшись з різними музи-

кантами, з деякими ми зустрічалися

просто на репетиціях, зупинився на

гітаристі. Переконаний, що в рок-

музиці недостатньо просто добре

знати ноти, чи віртуозно володіти

інструментом. Мені важливо було

відшукати однодумця, цікаву творчу

особистість. І те, на чому вона грає –

фактично вже другорядне.

Розкрий же нарешті цю

таємницю, хто цей щасливчик?

Його звати Стас Семілєтов, він дав-

но працює на студії White, де ми

записуємося вже багато років. В

роботі над альбомом “8” ми разом на-

магалися віднайти потрібне звучання.

Окрім гітари, він також круто грає й

на інших музичних інструментах, має

чималий досвід концертних виступів

з різними рок-гуртами, найвідоміший

з яких – Мандри. В нашій новій

концертній програмі він бере на себе

роль першого гітариста. Деякі пісні

гратимемо в дві гітари, в інших я

повністю сконцентруюсь на вокалі. А

на майбутнє у нас є ще багато цікавих

творчих задумів, тому зміни в музиці

Mad Heads триватимуть.

Чого ще торкнуться зміни? Може

збираєтесь і назву гурту змінити?

Ні, назву поки що змінювати не

збираємося. :) А от із музикою точ-

но будемо експериментувати. Но-

вий альбом цікавий саме своєю

різноманітністю - в різних піснях

можна почути різні музичні стилі.

Фактично ми пройшлися по всьому,

що створювали Mad Heads протя-

гом всіх років свого існування. Тут

є рок-н-ролл, регі, ска, панк-рок. А

найновіші пісні – це вже зовсім су-

часна рок-музика. Думаю, за ними

можна зрозуміти, куди наш колектив

буде рухатися в майбутньому.

Зміни в економічній та політичній

ситуації в Україні, звісно, заче-

пили й шоу-бізнес. До нас мен-

ше стали приїжджати західні

виконавці, про російських вже й

навіть не йдеться. Чи відчули ви

на собі цей вплив?

Останнім часом, безумовно,

виступів стало набагато менше. А

ті, що відбувалися, були значною

мірою благодійними. Так, ситуація

в цілому складна. Але є й позитивні

моменти. Дивіться - ми нарешті

позбулися того засилля масової

російської поп-культури - це зви-

чайно великий плюс і наш шанс для

розвитку. Саме зараз українським

музикантам треба дуже багато пра-

цювати, якщо ми хочемо заповни-

ти вільний простір нашим власним

культурним надбанням. Людям це

дуже потрібно, вони вже втомились

чекати дійсно якісного українського

продукту. Тому ми і робимо все мож-

ливе - організовуємо найбільший

концертний тур з усіх, які у нас були

раніше. Ми хочемо співати для яко-

мога більшої кількості українських

слухачів. Нести мир і любов у кожний

куточок нашої країни.

Кому зараз буде легше заво-

ювати любов слухачів: молодим

амбіційним або ж досвідченим та

відомим виконавцям?

Дуже сподіваюсь, що ця ситуація буде

поштовхом для всіх наших музикантів

без виключення та всього українського

шоу-бізнесу. Раніше навіть культурно-

інформаційний простір був дуже ви-

кривленим, інакше працювали ЗМІ –


все наше рідне, національне було не

в пріоритеті. Згадайте тих українських

виконавців, які вважалися на той час

найбільш успішними. Серед них ми

практично не знайдемо жодного, який

би не засвітився у Москві. Тобто успіх

у Москві був обов’язковим для успіху

в Україні. Зараз все зовсім навпаки. :)

Чи простіше тепер стало

організовувати концерти?

Поки що не можу сказати, бо ми

вперше намагаємося зробити це

своїми силами в такому масштабі.

Ще не так давно існувало багато

безкоштовних концертів: фестивалі,

політичні заходи, якісь місцеві

бюджетні свята. А на касові кон-

церти українських артистів слухачі

практично не ходили. Зараз же, коли

люди приходять, купують квитки та

ідуть на твої виступи, вони голосу-

ють за ту чи іншу музику. Я пере-

конаний, що саме тепер настав мо-

мент зробити так, як воно і має бути,

як існує в усьому світі.

Чи стало більше українських фестива-

лів та чи змінилася їхня організація?

Власне зараз, змінився сам фор-

мат. Як правило, фестивалі існували

за гроші, заплачені кимось. Це було

безкоштовно для людей, які на них

приходили. У цьому був плюс. Але

ж був і мінус – люди не вирішували,

хто саме буде для них виступати.

Сьогодні з’являється все більше і

більше фестивалів, які розраховані

тільки на касовий збір, і, відповідно,

організатори насамперед вибира-

ють артистів з огляду на те, кого

слухачам буде цікаво почути. На-

приклад, раніше “Трипільське коло”

мав змогу надати вільний вхід,

бо існувала державна підтримка.

Але коли її було втрачено, фести-

валь почав забезпечувати себе

самостійно. Паралельно з’явилися

й інші фестивалі, які почали діяти так

само. Тобто немає можливості взяти

кошти десь - доводиться залучати

слухачів. Таким чином люди можуть

впливати на те, яких артистів будуть

запрошувати на такі концерти.

І так відбувається в усьому світі, той

же Glastonbury чи Sziget Festival.

Саме так. Якщо перейняти досвід

та навчитися робити все правильно,

то індустрія розваг допоможе напо-

внити як державний, так і місцевий

бюджети тих українських міст і сіл,

де цей захід буде відбуватися. А це,

безумовно, дуже важливо в наш час.

А чи запрошують вас виступати

до європейських країн?

Для того, щоб займатися шоу-

бізнесом, а не просто культурними

акціями, потрібно вкладати чималі

кошти, вивчати ринок, треба створю-

вати продукт, який буде зрозумілий

європейським слухачам. Ми таким,

принаймні поки що, серйозно не зай-

малися. Але в плані культурного

обміну нас запрошують регулярно.


Взагалі, колись давно група

Mad Heads починала з того, що ми

видавали наші альбоми в Німеччині,

співали англійською та частіше висту-

пали в Європі, ніж тут. Але та музика,

яку ми граємо зараз, вона була ство-

рена саме для українського слухача.

Разом з тим, з Польщею, наприклад,

культурні зв’язки у нас досить міцні.

Буваємо там майже щороку. Частко-

во це концерти для української

діаспори. Останній раз ми були там

у минулому році, приймали участь

у масштабному культурному заході

“Стадіон східної культури”, який про-

водився в кількох містах і скрізь на

стадіонах, з прямою трансляцією на

центральному телебаченні. Ми висту-

пали на одній сцені спільно з нашими

польськими колегами. Було чудово!

Справді приємно, що наших

вітчизняних музикантів все

частіше можна побачити на та-

ких заходах. Як гадаєш, цей дос-

від і нашому шоу-бізнесу може

надати змогу рости професійно?

Як я вже казав, все треба будува-

ти фактично з нуля. Певні напра-

цювання звичайно є, але оскільки

змінюється сама структура музич-

ного ринку в Україні, треба багато

чого починати спочатку і вчитися

робити те, чого ніколи не робили,

одним словом - потрібно ризику-

вати та експериментувати. І якщо

хороших музикантів в нашій країні

вистачає, то традиційно бракує

якісного менеджменту, піарників,

музичних журналістів, а також вміння

об’єднати все це в єдине ціле. Якщо

вдасться це зробити, то ось тоді нам

дійсно буде чим пишатись!

Сподіваємось, що так і станеть-

ся, а зміни в музичній індустрії

України відбудуться якнайкраще

та якнайшвидше. Дякую тобі, Ва-

диме, за те, що поділився з наши-

ми читачами думками та планами

на майбутнє. Хай тобі щастить!

Навзаєм! Дякую за гарну розмову і

до нових зустрічей у JAM!


Bass Ist

Fantastisch!


этой статье я хотел бы рас-

сказать о том, как многие

аспекты гитарного звука

не только не устаревают в

стремительно развивающемся

мире цифровых технологий, но

и находят новую жизнь в творче-

стве музыкантов, вдохновляя их

своим уже ставшим классикой

звуком на новые ступени роста

исполнительского мастерства.

Бесконечный поиск новых спо-

собов самовыражения приводит

к естественному развитию ги-

тарного оборудования, а имен-

но - педалей эффектов. Одной

из таких новинок 2015 года ста-

ла CryBaby Mini - новая педаль в

уже легендарной на сегодняш-

ний день линейке CryBaby.

С самого начала своего выпуска в

конце 60-х, педаль CryBaby стре-

мительно набирала огромную

популярность, вплоть до начала

80-х, когда ее звук стал ассоци-

ироваться с излишним подража-

нием звучанию таких титанов того

времени, как Джимми Пейдж,

к примеру. Позднее компания

Dunlop сумела дать новую жизнь

CryBaby, создав следующий виток

популярности гитарных эффектов.

Звук педали CryBaby мы слышим

в легендарном Woodoo Child, в

ярких фанковых ритмах 70-х, в

джазе, рэгги и современных тя-

желых lead запилах. Поэтому уже

просто невозможно представить

себе музыку второй половины

ХХ века без эффекта CryBaby.

В


CRYBABY MINI - НЕ ПЛАЧЬ, МАЛЫШКА

Алексей Радченко


Принцип ее работы достаточно прост:

это среднечастотный фильтр, который

передвигает свой “горб” от низких частот

к высоким, в зависимости от положения

педали. Тем самым получается эффект

“плачущего ребенка”, который при пра-

вильном акцентировании делает любую

гитарную импровизацию экспрессивнее

и значительно расширяет возможности

самовыражения музыканта, подчерки-

вая его индивидуальность. Удивляет то,

насколько разнообразно звучит этот про-

стой эффект в педалбордах самых раз-

личных музыкантов. Джими Хендрикс,

Джимми Пейдж, Кирк Хэмметт, Даймбэг

Даррелл, Слэш, Закк Уайлд, Джо Бона-

масса, - и это далеко не полный список тех

гитаристов, чей узнаваемый стиль испол-

нения не вообразим без педали CryBaby.

Сравнивая и пробуя разные модели, я от-

крыл для себя некоторые отличия в сте-

пени яркости, глубине хода педалей, на-

боре настроек и функций. Так, например,

модель Закка Уайлда ZW45 очень яркая,

быстро раскрывается и имеет более ши-

рокий порог как высоких, так и низких

частот. Надо сказать, что корпус для сво-

их педалей Закк разработал практически

самостоятельно, отшлифовав несколько

присланных ему металлических корпусов.

Сигнатурная модель Джими Хендрикса

сделана по образу и подобию и прибли-

жена по звучанию к аутентичной педали,

выпущенной Thomas Organ Company на

заводе JEN в Италии.

Модель Кирка Хэмметта имеет необы-

чайно ровное звучание во всем диапазо-

не хода педали, с плотным верхним реги-

стром и не так широко раскрывается, как

стандартная CryBaby Original. Кирк лично

принимал участие в разработке цветовой

гаммы, взяв за основу комиксы в стиле

хоррор, коллекционером которых он яв-

ляется. К примеру, рисунок ноги на па-

нели мрачно светится в темноте.


Благодаря своему воинственному внешнему виду,

очень узнаваемой педалью является Dime CryBaby

from Hell - подписная модель Даймбэга Даррелла.

Это несомненный фаворит среди всех любителей

тяжелой музыки. Как и модель Закка Уайлда, она

обладает более широким диапазоном высоких и

низких частот, что дает возможность соло партиям

звучать экспрессивнее и глубже. На корпусе раз-

работчики поместили 5-позиционный переключа-

тель, который позволяет выбирать различный диа-

пазон свипа (движения фильтра) и активировать

бустер. Чуть ли не самая важная ее характеристика -

это индикаторы включения/выключения педали.

Работая на темной неосвещенной сцене и не всег-

да с хорошим мониторингом, бывает непросто по-

нять, включился ли эффект. Поэтому такая функция

мне кажется максимально полезной.

CryBaby Слэша из Guns’n’Roses выделяется ярким

красным корпусом и, помимо эффекта wah-wah,

дополнительно оснащена встроенным эффектом

дисторшн, которые управляются соответствую-

щими контроллерами сбоку педали. На корпусе

есть красный и синий светодиоды, отвечающие за

включение\выключение эффекта wah и дисторшн,

соответственно.

Модель Эдди Ван Халена сделана на основе класси-

ческой CryBaby, но имеет ряд отличий. Когда потен-

циометр на педали Эдди слегка поизносился, этот

дефект дал неожиданный результат - возможность

немного по-другому раскрыть диапазон средних

частот. Создавая новую модель, разработчики спе-

циально подобрали такой потенциометр, который

в точности повторил звучание его педали, а также

сделали более “вокальным” тон с увеличенным ча-

стотным диапазоном скольжения. Педаль имеет

“true hardwire bypass” переключатель, два светодио-

да индикации включения и, конечно же, фирменный

полосатый дизайн в духе Эдди Ван Халена.

Казалось бы, ну что еще можно сегодня добавить к

этой легендарной и столь характерно звучащей пе-

дали? Реалии же наших дней таковы, что все стре-

мится к уменьшению, упрощению и минимализму.

И в этом году компания Dunlop вновь удивила ги-

таристов со всего мира, представив на выставках

свою новую модель CryBaby Mini.

Когда эта небольшая педаль попала мне в руки, я

не мог сдержать своего восторга. Во-первых, как


любому обладателю классиче-

ской CryBaby Original (или любой

другой полноразмерной квакуш-

ки), мне всегда было непросто с

ее размером и весом. Она значи-

тельно утяжеляет борд и занима-

ет много места. Но до недавних

пор выбирать не приходилось.

Новая же CryBaby Mini не просто

меньше своей “старшей сестры”,

она значительно легче. Внутри

металлического корпуса распо-

ложен не только индуктор Fasel,

но и 3-позиционный переключа-

тель, с помощью которого можно

выбрать три различных типа зву-

чания: low, vintage или modern.

Любимая педаль теперь легко

становится в педалборд, эконо-

мит место и звучит так же круто,

как и старшие модели.

Возможно многие консерваторы

начнут сетовать на неудобство

контроля из-за столь небольшой

плоскости педали. Поначалу мне

тоже казалось, что контролиро-

вать ход маленькой педали бу-

дет сложнее, нежели привычную

“лапу” классической квакушки.

Однако я был приятно удивлен,

когда при первом же знакомстве

понял, что педаль, которую прак-

тически не видно за ступней,

легко и удобно контролируется.

При этом очень четко ощуща-

ется момент включения и вы-

ключения кнопки. А на слух это

все тот же привычный, ставший

классикой, эффект wah-wah, ко-

торый мы все так любим.

Так что с уверенностью можно

сказать - современная тенден-

ция к минимализму и упрощению

имеет свои позитивные момен-

ты, в том числе и когда это ка-

сается гитарного оборудования.

Легендарная педаль CryBaby и в

2015 году не устаревает, скорее

наоборот - развивается и мо-

дернизируется, оставаясь по-

прежнему любимой многими

поклонниками гитарной музыки.

В магазинах JAM вы всегда

сможете попробовать новую

CryBaby Mini или же подобрать

ту педаль, которая подружится

именно с вашей манерой игры и

откроет новые возможности для

создания оригинальной и инте-

ресной музыки!


Александр Кузьменко

преподаватель электрогитары

purplejam.com.ua

5 ОШИБОК В ОБУЧЕНИИ ТЕХНИКЕ ИГРЫ

НА ЭЛЕКТРОГИТАРЕ


Работая преподавателем по классу гитары уже ше-

стой год, могу с уверенностью сказать, что основ-

ные ошибки в технике, постановке, звукоизвле-

чении достаточно распространенные, типовые,

совершаются и будут совершаться абсолютным

большинством студентов. Совсем уникальных случаев

в моей практике почти не было. Постоянно приходится

слышать на уроках отговорки-жалобы о том, что паль-

цы “коротковаты”, не достаточно развит слух, мизинец

какой-то “не такой” и так далее. Моя задача, как препо-

давателя, развеять эти заблуждения, систематизиро-

вать ошибки, дать четкие рекомендации по их устра-

нению, основываясь на опыте других студентов и моем

собственном. Существует целый ряд стереотипов и

ошибочных суждений о занятиях техникой игры на ги-

таре, которые обязательно сыграют не в нашу пользу.

Кроме того, не забывайте, что самый важный ресурс,

который мы обязаны правильно использовать, это вре-

мя на самостоятельные занятия дома. Только так, упор-

ным трудом, можно достигнуть желаемого результата и

отточить свое мастерство. Даже если бы нашим препо-

давателем стал сам Стив Вай, без усердных трениро-

вок в домашних условиях, все будет напрасно.

Итак, я выделил 5 самых распространенных ошибок,

которые встречаются в преподавательской практике.

1. “Главное – музыка, а не техника”

Данный посыл часто можно увидеть в комментариях

под более-менее техничным видео на YouTube или в

ветке форума по технике игры на электрогитаре. Как

правило, распространяют его “поклонники старой шко-

лы” или начинающие гитаристы. Что такое “музыка” в их

понимании - не ясно, чем “музыкальнее” соло в испол-

нении Ричи Блекмора запилов Пола Гилберта - тоже.

Как правило, дело в том, что большая часть гитари-

стов под техникой подразумевает лишь определенное

количество нот в секунду, сыгранное исключительно

ради понтов перед публикой. Но почему-то среди де-

сятков клонов Петруччи или Мальмстина мало чьи за-

писи производят именно тот эффект, по которому уже

с первых нот можно распознать высокое мастерство

исполнителя. Хотя с количеством нот в секунду у кло-

нов все в порядке и с оборудованием зачастую тоже.

Даже такие заезженные вещи, как “Little Wing”, “Mary

Had A Little Lamb” или популярные композиции AC/DC,

очень далеки от оригинала.

Суть данного заблуждения в следующем. Мало кто

рассматривает технику игры в широком смысле, а

именно, как способ достижения нужного эффекта от

исполняемого произведения. Сюда же можно отнести

и ритмику, и контроль над динамикой, и читаемость

сыгранных нот (сразу вспоминаем рекордсменов в

“Полете шмеля”), и чистоту нот, в конце концов. Пото-

му, если вы ставите перед собой цель приблизиться

к уровню мастерства признанных метров, а не балов-

ство на уровне Guitar Pro, то посидеть с метрономом,

записать и проанализировать свою игру во время

ежедневных занятий, все равно придется.

2. “Напряжение в руках при игре - плохо”

Если у вас есть знакомый профессиональный спорт-

смен, поинтересуйтесь, каково его самочувствие после

кросса длиной в 10 километров или 10 раундов спар-

ринга. Очевидно, что это не приятная усталость или

полная расслабленность. Мышцы будут болеть, тело

будет ныть и печь. Безусловно, при игре на гитаре мы-

шечное напряжение не столь активно, да и в разы мень-

ше, но кардинально эти затраченные усилия ничем не

отличаются. Правильная техника дает только гарантию

того, что они будут минимальными, вероятность трав-

мироваться также сводится к минимуму. Но напряже-

ние, пусть даже и после всего лишь минуты игры в пре-

дельном для себя темпе, обязательно останется.

Какое-то время назад мне на глаза попалась статья,

авторство которой принадлежит одному из практику-

ющих преподавателей, в которой говорилось о том,

что напряжение в мышцах при игре на гитаре в бы-

стрых темпах - это прямой путь к врачу, а играть нужно

все время легко и расслабленно. В конце статьи, прав-

да, автор делает поправку на то, что сам он хоть и за-

нимается долго, но сыграть в оригинале большинство

известных быстрых downstroke вещей ему не удается.

Когда тот же Гатри Гован на своих мастер-классах го-

ворит о важности играть расслабленно, в большинстве

случаев он обращается именно к той категории гитари-

стов, которые только учатся играть (90% посетителей

любых мастер-классов именно начинающие). Само со-

бой, что никакого напряжения при игре простой гаммы в

медленном темпе быть не должно. А вот рекомендации

для гитаристов среднего уровня о том, как преодоле-

вать, например, застои в темпах, встречаются не часто.

И не забывайте о том, что самые известные фирмачи

не раз упоминали об ощущениях жжения и забитости в

мышцах при продолжительной игре в своих предель-

ных темпах. Понятно, что в начале движения напряже-

ния вообще не должно быть, а если оно и есть, то это

первый признак неправильной техники или постанов-

ки. Понятно, что с каждым разом нужно стремиться

прилагать меньше усилий, делая движение более эко-

номным. Но для серьезных занятий и при повышении

скоростной планки без ощущений жжения, забитости

не обойтись. Как говорится: “no pain – no gain”.


http://www.mooeraudio.com

3. “Играю по 6 часов в сутки -

прогресса нет”

Подобную фразу часто приходит-

ся слышать уже на первом занятии.

Сразу начинаю расспрашивать,

мол, как занимаешься, что играешь.

И тут же оказывается, что из 6 часов

2 часа ученик просто бренчит под

телевизор какую-то хроматику, 2

часа ковыряет по табам ентерсенд-

мен, остальные 2 часа в лучшем

случае смотрит различные уроки на

YouTube. О персональном плане за-

нятий или о записи и отслеживании

своих результатов, само собой, речь

не идет.

Помните, что крайне важно разде-

лять свое учебное время на технику

и музыку. В занятиях музыкой мы

применяем уже полученную технику,

сюда можно отнести съем на слух,

написание композиций, импрови-

зацию под минус и т.п. Занятия тех-

никой требуют большей концентра-

ции, они более занудные и обычно

похожи на настоящую тренировку –

постоянная запись сыгранного

материала, отслеживание ошибок.

Без этого рассчитывать на высокий

уровень мастерства не приходится.

4. Отсутствие объективной оцен-

ки технического уровня

Если музыкант занимается сам без

преподавателя или же у него нет

знакомых профессиональных гита-

ристов, то определить правильность

сыгранного, оценить самого себя,

будет крайне сложно. Как правило,

в таком случае руководствуются

чисто субъективной оценкой. На-

пример, в этом темпе пассаж звучит

плохо, в этом - хорошо. Почему пло-

хо, в чем причина, конкретно в какой

ноте или нотах происходит ошибка -

не понятно. В большинстве случа-

ев музыкант либо просто забьет

на ошибку и будет играть другое

упражнение, либо попробует выси-

деть количеством времени упраж-

нение в надежде, что после энного

повторения все магическим обра-

зом зазвучит. Но так происходит да-

леко не всегда. А вот если записать

себя, внимательно послушать, най-

ти причину плохого звука, локализо-

вать ее, понять, почему так вышло

(неправильный штрих, медиатор за-

девает струну или может левая рука

играет раньше правой) - гляди, и за-

звучит все, как надо. Тем более мы

живем не в 80-е годы и качественно

записать гитару в домашних услови-

ях с помощью компьютера - очень

просто. Как правило, чем раньше

студент начинает вести ежедневные

записи своей игры, тем гораздо бы-

стрее у него развивается слух к тех-

ническим нюансам, и как следствие -

прогресс в темпах и качестве игры.

5. Отсутствие плана занятий

Если продолжить проводить парал-

лель со спортом, то не будет лиш-

ним упомянуть о важности плана

занятий. Сложно представить себе

атлета, который, приходя в спор-

тивный зал, выполняет хаотичный

комплекс упражнений под настрое-

ние, не считая подходы и повторе-

ния. Все согласятся, что вряд ли в

таком случае можно рассчитывать

на какой-то значимый прогресс. Но

почему-то среди начинающих или

уже играющих гитаристов в пода-

вляющем большинстве случаев на-

блюдается именно такая картина.

Я не буду описывать детально все

принципы в занятиях техникой са-

мостоятельно в домашних условиях,

которых придерживаюсь как я сам,

так и мои ученики, но как пример –

это и построение своего плана за-

нятий, и учет количества затрачива-

емого времени на каждую технику, и

преодоление застоя в темпах. Для

начала вам просто необходимо вы-

писать все играемые вами упражне-

ния (сюда же можно отнести и куски

риффов или соло) и еженедельно

отмечать прогресс в темпах по ним,

добавляя темп очень постепенно и

только лишь в том случае, если ка-

чество вашей игры существенно

улучшилось.

Да, это уже не просто сесть и

побренчать на гитаре под теле-

визор. Здесь и начинается

настоящая работа. Но никто и не

говорил, что обучение на электро-

гитаре должно быть захватываю-

щим и приятным, это не компью-

терная игра. Поверьте, ощутимые

первые результаты обязательно

будут уже через месяц такой прак-

тики. Терпения и удачи в освоении

инструмента!



Павел Драч – звукорежиссер и аранжировщик, принимавший участие в создании первого

альбома группы “Пара Нормальных” – поведал о различиях между саунд-продюсером,

звукорежиссером и аранжировщиком, “заворачивании” песен в музыкальную обертку, а

также о том, какую роль играет профессионализм вокалиста, почему записывать песни –

дорогое удовольствие и существует ли универсальный рецепт создания супер хитов.

ИНТЕРВЬЮ

Валерия Наливайко

ПРОФЕССИЯ: ЗВУКОРЕЖИССЕР

верное, с минусов, потому что их не так много.

Первый и самый большой – сидячий образ жизни

за компьютером. Второй – ненормированный гра-

фик, поскольку никогда не знаешь, сколько нужно

проделать работы для необходимого результата, а

график часто поджимает.

Не скрою, от переизбытка музыки на работе в сво-

бодное время хочется тишины. Но это не значит,

что на досуге я ничего не слушаю. Меня рассла-

бляет не тишина, а смена музыкального жанра. К

примеру, если весь день занимаюсь рок-песней,

то к вечеру в машине приятно включить лаунж или

хорошую электронную музыку.

Но такие незначительные издержки профессии

перекрываются весомыми плюсами. Я очень лю-

блю свою работу за возможность общаться с абсо-

лютно разными, невероятно творческими людьми,

участвовать в их музыкальной жизни, помогая во-

площать музыкальные идеи и вдохновение в более

осязаемые энергии. Иногда, конечно, меня при-

водят в смятение слишком уж уверенные в своей

гениальности люди – настоящие таланты, обычно,

очень скромны.

ЗНАКОМСТВО С ПРОФЕССИЕЙ

Я работаю в звукорежиссуре около 10 лет. С этим

делом познакомился еще в школе, классе в де-

вятом. У нас при лицее была музыкальная студия,

где мы с друзьями пели в хип-хоп группе. Кому-то

нужно было писать аранжировки для этого твор-

ческого “безобразия”, вот я и начал осваивать

профессию аранжировщика. Через какое-то вре-

мя осознал, что для меня интереснее занимать-

ся звуком, чем петь, и в итоге поступил на звуко-

режиссуру в Киевский Национальный Университет

Культуры и Искусств (КНУКиИ). А до этого просто

смотрел различные телепередачи, и интересно

было наблюдать за взрослыми дядьками, которые

сидели за огромными пультами и крутили какие-то

непонятные штуки на них. Теперь это делаю я, но

уже с пониманием того, что именно они там крути-

ли и зачем вообще все это надо.

БЕЗУМНЫЕ ТРУДОВЫЕ БУДНИ, ИЗОБИЛИЕ

МУЗЫКИ И ТАЛАНТОВ

Каждая профессия имеет как плюсы, так и мину-

сы. Звукорежиссура – не исключение. Начну, на-


Еще мне нравятся веселые моменты моих рабочих

будней. Здесь, наверное, самое смешное – это на-

блюдать реакцию “непосвященных” людей на об-

щение двух звукорежиссеров, в особенности на их

жаргон. Услышав беседу двух “звукарей”, вы вряд

ли поймете, о чем идет речь, и будет казаться, что

или вы сошли сума, или они. Например: “выдави

низ для жирку”, “сделай ярче посуду” или “добавь

воздуха тарелкам”.

ТРИ В ОДНОМ?

Над созданием одной песни может трудиться целая

команда профессионалов, которая состоит из са-

унд-продюсеров, аранжировщиков и, собственно,

звукорежиссеров. И между этими понятиями суще-

ствуют очень тонкие грани. Например, саунд-про-

дюсер находит идею звучания и знает, как должен

звучать тот или иной исполнитель в зависимости от

исходного материала: песен, характера певца, со-

временных течений и трендов. Аранжировщик пишет

непосредственно аранжировку, создает музыкаль-

ную композицию на основе мелодии, как дирижер.

А звукорежиссер – применяет технические и твор-

ческие аспекты звука, знает, как и на каком уровне

должен звучать тот или иной инструмент. В общем –

режиссирует звук, делает детальную кропотливую

работу. В той или иной мере каждый аранжировщик –

звукорежиссер. И каждый звукорежиссер – саунд-

продюсер. Суть, скорее, не в том, что именно делать,

а как. Звукорежиссура не приемлет безответствен-

ного отношения к своему делу, невнимательности,

“пофигизма” и отсутствия эстетического вкуса.

ВОЛШЕБСТВО ПРЕВРАЩЕНИЯ

Звукорежиссура, признаюсь, иногда схожа с вол-

шебством. Очень часто, когда человек приносит

песню и просит сделать аранжировку, уже при пер-

вом прослушивании начинаешь внутренним ухом

слышать какие-то инструменты, цепляясь за ин-

тересные моменты, и мозг сразу пытается их обы-

грать. Бывает и такое, что не слышишь с первого

раза ничего особенного, но сердце лежит к песне.

Тогда ты просто садишься, включаешься в про-

цесс, и все идет само собой. Впрочем, случается

так, что и сердце молчит, и мозг. Вот тогда в бой

идет опыт, чтобы сделать, как говорится, конфетку!

Звукорежиссер, скажем так, это человек, который

заворачивает конфету (песню) в красивую обертку

(аранжировку). Он смотрит на нее, пробует на вкус,

определяет, какая должна быть обертка по дизайну,

рисует это и красиво оборачивает. И здесь самое

главное – не испортить ее привлекательность, сде-

лать ее особенной и узнаваемой. Поэтому иногда

мне приходится отказываться от проектов, если я

не чувствую музыку, которую сажусь делать, или

считаю, что не смогу сделать так, чтобы гордиться

этими песнями в будущем.

АППАРАТУРА ВОКАЛ “НЕ ДЕЛАЕТ”

Помимо написания аранжировок, я занимаюсь за-

писью, сведением, мастерингом вокала. Прежде

всего, работа с вокалом заключается в том, чтобы

заставить исполнителя передать голосом эмоци-

ональную нагрузку песни. В данном случае самое

важное – эмоция, пусть даже человек немного не

попадет в тон, но он сумеет зажечь в слушателе ис-

кру, а по телу побегут мурашки. Здесь нужно быть

немного психологом и находить тесный контакт с

исполнителем, чтобы он чувствовал себя комфорт-

но. Программы и аппаратура могут помочь всего

лишь дотянуть ноту, но это процентов двадцать

красоты вокала, все остальное – вокалист и его

профессионализм, изюминки его тембра.

Кстати, правду говорят, что нет одинаковых голо-

сов. Сколько людей, столько тембров. Конечно,

бывают и схожие, но у всех обязательно есть своя

изюминка, какой-то очень личный специфический

окрас. Тембр ведь не только от строения связок

зависит, но и от характера человека, и даже от его

настроения. Я не могу четко сказать, какие именно

тембры приятнее слуху. Тут также много факторов

- стиль песни, ее высота, какие инструменты ис-

пользовались в аранжировке. Но, конечно, всегда

приятнее слушать плотный тембрально богатый

вокал, нежели писк котенка.

О МУЗЫКАЛЬНЫХ ИНСТРУМЕНТАХ

Нет таких инструментов, которые бы невыгодно

или некрасиво звучали. В принципе, все сочета-

емо, с правильным подбором инструментов и хо-

рошим сведением. Каждый голос уникален, и ты

всегда стараешься подобрать ему уникальный ин-

струментальный набор, который будет не забивать

и глушить голос, а дополнять его и поддерживать.

Лично у меня любимый инструмент, конечно, ро-

яль, но это не значит, что я везде его использую.

Каждая аранжировка индивидуальна, аутентична.

И все инструменты любишь, так или иначе.

НЕДЕШЕВОЕ УДОВОЛЬСТВИЕ

Человеку, не связанному с музыкой, который в

первый раз сталкивается с необходимостью за-

писать песню, суммы могут показаться немалы-



ми. Ведь многие думают, мол, ну что здесь такого

особенного - сидит человек, нажимает на клавиши,

так сказать, не уголь же разгружает с вагонов. Но

на самом деле это очень кропотливая работа, ко-

торая требует применения очень дорогостоящего

оборудования, собственных финансовых вложе-

ний и времени на обучение, приобретение опыта, а

также творческих усилий. Поэтому писать песни и

аранжировки – это достаточно затратное занятие.

Но, обычно, студии стараются находить какой-то

выход из ситуации для любого клиента. Аранжи-

ровка может стоить, к примеру, от $100 до $2000.

Отличаются они и инструментальным набором (с

большим бюджетом можно прописать множество

живых инструментов), и временем, затраченным

аранжировщиком на проект (больше времени - все

более детально проработано), и уровнем оборудо-

вания. Также стоимость зависит от имени саунд-

продюсера.

ХИТЫ СОЗДАЮТСЯ СЕРДЦЕМ

Нет какого-то правильного и единого рецепта соз-

дания хитов. Хитовая песня обычно та, которая

идет от души, от сердца, даже если она очень про-

ста. Людям, как правило, нравятся незатейливые

мелодии, тем более, что они моментально “въе-

даются” в голову. Как только человек чувствует ис-

кренность композиции – она автоматически начи-

нает ему нравиться. А с точки зрения аранжировки,

такая работа ничем не отличается от других - ты

чувствуешь музыку и на основе своего внутренне-

го чутья создаешь аранжировку. Например, в свое

время мы с напарником написали очень много пе-

сен, которые в итоге стали хитами группы “Пара

Нормальных”. Но мы даже не знали о таком кол-

лективе, потому что на тот момент его еще не су-

ществовало. Мы просто писали то, что нравилось

нам, ни под кого не подстраиваясь.

это трудно поверить, но миниатюрной эльфийке с колдовским голосом из та-инственной страны льда

и огня в этом году исполняет-ся 50 лет. Вклад Бьорк в поп-музыку сложно переоценить. Кроме того, ее неповторимые песни, смелые студийные и мультимедийные эксперимен-ты, завораживающие кон-цертные шоу, яркие сцениче-ские образы и нестандартные видеоклипы, расширили го-ризонты мирового культур-ного пространства в целом. При том, что из своих 50 лет почти 40 она “в шоу-бизнесе”, Бьорк всегда была и остается символом творческой незави-симости, и это не мешает ей регулярно штурмовать чарты и собирать аншлаги. Что на-зывается, волшебная сила ис-кусства в действии! По случаю юбилея одной из самых выдающихся артисток современности предлагаем ва-шему вниманию 50 фактов из ее обширной и насыщенной творческой биографии.

выпустить второй диск, но она отказа-лась. На полученные за альбом день-ги будущая звезда купила пианино и начала сочинять собственные песни. 5. В возрасте 14 лет она организо-вала девчачью панк-группу под на-званием Spit and Snot, а затем джаз-фьюжн-проект Exodus. 6. В 1981 году Бьорк и басист Exodus Якоб Магнуссон образовали группу Jam-80, вскоре ставшую называться более замысловато – Tappi Tíkarrass (Cork the Bitch’s Ass). В свой панк-рок музыканты смело добавляли элементы фанка и джаза. В том же году проект выпустил EP “Bítið fast í vítið” (“Bite Hard Into Hell”), а в 1983 – альбом “Miranda”. Также Tappi Tíkarrass попали в документальный фильм “Rokk í Reykjavík”, а Бьорк – на обложку его официальной видеокассеты. 7. В 1983 году певица вошла в состав новой группы KUKL (Sorcery) вместе с Эйнаром Ерном Бенедиктссоном и Тоуром Эльдоном (последний поз-же стал ее мужем, в 1986 году у них родился сын Синдри). KUKL под-вязались на ниве готического рока и именно в составе этой команды Бьорк начала расширять вокальный диапазон, вставляя в свои партии визги, вой и рычание.

BJORk полвека с исландской сказкой

Максим Вихоть

1. Бьорк Гвюдмюндсдоуттир роди-лась 21 ноября 1965 года в Рейкья-вике в семье хиппи и до 5 лет про-жила в коммуне. 2. В 6 лет она поступила в рей-кьявикскую музыкальную школу Barnamúsíkskóli, где изучала класси-ческое фортепиано и флейту. 3. Певческая карьера Бьорк нача-лась в 11 лет. На школьном концер-те она спела диско-хит Тины Чарльз “I Love to Love”, и один из учителей послал запись на тогда еще един-ственную исландскую радиостан-цию RÚV. Прозвучавшая на всю страну песня так впечатлила пред-ставителей местного лейбла Fálkinn, что они предложили юной певице контракт на запись альбома. 4. Свой дебютный альбом Бьорк запи-сала в 1977 году с помощью отчима, который играл на гитаре. Пластинка, названная просто “Bjork”, содержит исландские детские песни и несколь-ко кавер-версий популярных песен, переведенных на исландский, в чис-ле которых “The Fool on the Hill” The Beatles и “Your Kiss Is Sweet” Стиви Уандера. Альбом был выпущен тира-жом 7000 копий и за пределами Ис-ландии не распространялся.

По горячим следам Бьорк предлагали

:


В

ЮБИЛЕЙ

Интересно, что в 1989 году Бьорк в составе The Sugarcubes успела по-бывать в СССР. Выступив в Виль-нюсе, группа заехала в Ленинград, чтобы принять участие в большом сборном концерте на стадионе им. Кирова. Проведя на стадионе не-сколько часов (было продано около 100 билетов и концерт отменили), The Sugarcubes в недоумении вер-нулись домой.

10. Параллельно с The Sugarcubes Бьорк участвует в других проектах. В частности, в 1990 году она запи-сала и выпустила с би-боповой груп-пой Trio Guðmundar Ingólfssonar аль-бом “Gling-Gló”, который считается вехой в исландском джазе.

Первое большое выступление груп-пы состоялось на исландском фе-стивале, на разогреве у культовых английских панк-анархистов Crass. После шоу впечатленные британцы предложили KUKL выпустить пла-стинку на их лейбле Crass Records. Альбом “The Eye” вышел в 1984 году и сопровождался двухмесячным ту-ром по Европе, в рамках которого KUKL выступили на Roskilde Festival в Дании, став первой исландской группой, сыгравшей на нем.

Одно из самых знаменитых шоу KUKL на исландском ТВ - Бьорк на седьмом месяце беременности с оголенным животиком поет “Like A Virgin” Мадонны. 8. В 1986 году группа KUKL транс-формировалась в Sykurmolarnir, сменив готику на психоделический пост-панк. Однако мировой извест-ности новая команда добилась под англоязычным названием The Sugarcubes и во многом благодаря своей солистке Бьорк.

В 1987 году их песня “Birthday” с дебют-ного сингла “Einn mol’á mann”, облож-кой которого была открытка с фото Ми-хаила Горбачева и Рональда Рейгана на саммите в Рейкьявике, стала хитом в Великобритании и США и вызвала интерес у музыкальных критиков.

9. Из посыпавшихся предложений от лейблов The Sugarcubes выбрали независимую лондонскую контору One Little Indian, на которой, к слову, Бьорк выпускается до сих пор. В 1988 году группа выпустила дебютный альбом “Life’s Too Good”, сделавший The Sugarcubes первой исландской группой, получившей мировую славу. Стоит сказать, что среди поклонни-ков исландцев оказались такие глы-бы, как Дэвид Боуи и Игги Поп.


В Исландии все вращается вокруг природы,

24 часа в сутки

17. В 1994 году Бьорк выиграла две премии BRIT Awards в категориях “Лучшая исполнительница” и “Лучший интернациональный новичок”, а также выступила в Нью-Йорке на MTV Unplugged. 18. Второй альбом Бьорк “Post” увидел свет в июне 1995 года. Соз-данный при участии Нелли Хупера, Трики, Грэма Мэсси и Howie B, он сохранил музыкальную канву своего предшественника.

“Музыкальная сердцевина разби-та на несколько частей, и я хотела показать, что альбом затрагивает различные музыкальные стили: индастриал-рок на “Army of Me”, джаз на “It’s Oh So Quiet”, экспе-рименты с трип-хопом на “Enjoy”, “Possibly Maybe” и “Headphones”, - пояснила Бьорк.

Однако общая концепция была иной. Если альбом “Debut” был сборником суперхитов за десять лет, то альбом “Post” был записан за два года.

“Для меня эти песни, как письмо в Ис-ландию, на родину, как поток моих мыс-лей, которые я хотела бы передать сво-им родственникам, друзьям и близким. Расставание с ними было большим прыжком для меня”, - говорит певица. 19. Также в 1995 году Бьорк запи-сала исландскую народную песню “Vísur Vatnsenda-Rósu” для альбома коллабораций “Chansons Des Mers Froides” французского композитора и продюсера Эктора Зазу, а в 1996 засветилась в двух треках (“Keep Your Mouth Shut” и “Yoga”) на альбо-ме Трики “Nearly God”. 20. В сентябре 1996 года лондонская полиция чудом предотвратила поку-шение на жизнь Бьорк и ее близких. Блюстители порядка перехватили письмо-бомбу, присланное одержи-мым фанатом Рикардо Лопесом из Майами. Во многом под впечатлени-ем от этого инцидента Бьорк записа-ла и выпустила поворотный в своем творчестве альбом “Homogenic”.


Кроме авторских тем “Gling-Gló” содержит ремейки джазовых стан-дартов, среди которых “Ruby Baby”, “I Can’t Help Loving That Man”, “You Can’t Get a Man with a Gun”, “The Blacksmith Blues” и “O Mein Papa”. В некоторых треках Бьорк играет на гармонике. Альбом “Gling-Gló” до сих пор остается самым продавае-мым на родине релизом певицы.

11. В 1991 году Бьорк приняла уча-стие в записи двух песен (“Qmart” и “Ooops”) для альбома “ex:el” британ-ских электронщиков 808 State. Эта работа пробудила в ней интерес к хаус-музыке и положила начало ее дальнейшему сотрудничеству с ли-дером 808 State Грэмом Мэсси. 12. В 1992 году The Sugarcubes, каза-лось бы, достигли пика своей славы, сопровождая U2 в их “Zoo TV Tour”. Однако даже выступление перед сум-марной аудиторией в 700 000 чело-век не смогло сгладить противоречия внутри команды, и под конец года она распалась, при этом до сих пор оста-ваясь главной рок-группой Исландии.

“После The Sugarcubes меня охва-тывали смешанные чувства - смесь радости освобождения и страха. Не-которое время уже было очевидно, что у меня с другими членами груп-пы разные вкусы. Вообще-то, все честно - правильного вкуса не быва-ет”, - скажет позже певица. 13. После распада The Sugarcubes Бьорк переехала в Лондон, где на-чала работать с продюсером Нелли Хупером, который, среди прочего, работал с Massive Attack. С ним Бьорк создала свой первый миро-вой хит “Human Behaviour”. В треке используется семпл из “Go Down Dying” Антониу Жобима.

“Мелодию для Human Behaviour я написала так, как будто я еще ре-бенок. Текст тоже навеян детским восприятием, и видео, которое мы сделали вместе с Мишелем Гондри, тоже основано на детских воспоми-наниях”, - вспоминает Бьорк.

14. Видеоклип, созданный Мишелем Гондри - свободная интерпретация детской сказки о трех медведях. Его видеоряд был вдохновлен мульт-фильмом Юрия Норштейна “Ежик в тумане”. Клип был выдвинут на 6 номинаций на MTV Video Music Awards, не выиграв ни в одной. Так-же он был номинирован на Grammy в категории “Лучшее короткое музы-кальное видео”. 15. Второй сольный альбом Бьорк “Debut” вышел спустя 16 лет после дебютного - в июле 1993 года. В осно-ве своей он имел сплав электронной танцевальной музыки хаус, джаза и трип-хопа. В альбом вошли песни, на-писанные Бьорк, начиная с подрост-кового возраста до самого момента записи и сотрудничества с Хупером.

Продажи пластинки превзошли все ожидания лейбла, и она попала в чарт Великобритании на третью позицию и в чарт США на шесть-десят первую. “Debut” получил по-ложительные отзывы в британской музыкальной прессе. Были отмече-ны уникальные вокальные данные Бьорк и удачное решение идти в сторону расширения круга музы-кальных жанров.

Бьорк с недоумением отреагировала на столь лестную критику, утверждая, что если бы она “создала точно такой же альбом и при этом родилась где-нибудь в Ноттингеме, то получила бы совершенно другие оценки, так сказать, возвращающие с небес на землю”, и что “Debut” “был частично пробой сил, и не так уж он хорош. Я могу писать намного лучше”. 16. Успех альбома “Debut” сделал возможным совместную работу ис-ландки с различными, в том числе очень известными, музыкантами. Бьорк записала песню “Play Dead” c авторитетным английским кино-композитором Дэвидом Арнольдом для фильма 1993 года “The Young Americans”. Также она написала пес-ню “Bedtime Story” для альбома Ма-донны 1994 года “Bedtime Stories”.


21. Вышедший в сентябре 1997 года “Homogenic” отли-чается от предыдущих альбомов концептуальностью и более смелыми экспериментами. В нем был представлен новый музыкальный стиль Бьорк, основой которого стала однородность материала, а также соединение электрон-ных битов и аранжировок струнных и других традицион-ных инструментов в песнях, которые были посвящены родине исполнительницы - Исландии.

“В Исландии все вращается вокруг природы, 24 часа в сутки, - рассказывает Бьорк. - Землетрясения, снегопады, дождь, лед, извержения вулканов и гейзеров… Все кажет-ся первобытным и неподконтрольным. С другой стороны, Исландия очень современная, везде хай-тек. Здесь, как нигде в мире, самое большое число людей, которые вла-деют и умеют обращаться с компьютерами. Я показала это противоречие на “Homogenic”. Электронные биты отразили ритм, сердцебиение жизни. А винтажные струнные созда-ли старомодную атмосферу, добавили колорит”.

Для меня эти песни, как письмо в Исландию, на родину, как поток моих мыслей, которые я хотела

бы передать своим родственникам, друзьям и близким

22. “Homogenic” стал первой большой вехой в сотрудни-честве между Бьорк и Марком Беллом, она называла его одним из тех музыкантов, которые наиболее сильно по-влияли на ее карьеру.

“Если бы я отвечала на вопрос, кто больше всего повли-ял на меня, то это были бы Штокхаузен, Kraftwerk, Брай-ан Ино и Марк Белл”, - сказала певица. 23. Обложку альбома разработал известный британский дизайнер Александр МакКуин.

24. Журнал Slant Magazine назвал “Homogenic” “если и не лучшим электронным альбомом всех времен, то уж точно лучшим в этом десятилетии”, а Pitchfork Media за-явил, что альбом является “одной из самых идеальных записей всех времен и, вполне возможно, Бьорк уже ни-когда не сможет приблизиться к уровню столь бесспорно захватывающей красоты”.


25. 1999 год был отмечен для Бьорк сотрудничеством с датским кинорежиссером Ларсом фон Триером, в чьем фильме “Танцующая в темноте” певица выступила в роли исполнительницы главной роли и автора саундтре-ка. Картина получила “Золотую пальмовую ветвь” Канн-ского кинофестваля, а Бьорк – звание “Лучшей актрисы”. Впрочем, этот опыт трудно назвать удачным – после него Бьорк зареклась сниматься в кино. 26. Звуковая дорожка к фильму “Танцующая в темноте” - первый альбом-саундтрек Бьорк, названный “Selmasongs”, увидел свет в сентябре 2000 года. Его украшением стал дуэт с Томом Йорком из Radiohead “I’ve Seen It All”, номини-рованный на “Оскар” в категории “Лучшая песня”.

27. В августе 2001 года вышел пятый студийный альбом Бьорк “Vespertine”. На нем присутствуют камерный оркестр, хоры и новая электроника (в лице группы Matmos), однако, по сравнению с “Homogenic”, “Vespertine” отличается более минималистичным и атмосферным звучанием.

“Это была попытка создания музыки, полностью состо-ящей из вздохов, шепота и музыки музыкальных шкату-лок”, - резюмировала певица.

В записи альбома использовалось множество “живых” сем-плов для создания битов и звуковых эффектов, включая звуки перетасовки колоды карт на “Cocoon” и “Hidden Place”, ходьбы по снегу на “Aurora” и треск льда на “Frosti”.

““Vespertine” очень личный, очень спокойный и мирный, полная гармония человека с собой, - делится своими мыслями Бьорк. - После одержимости реальностью, тем-нотой, когда все время думаешь, что все остальное - дерьмо, вдруг, знаете, кажется, что придумать рай не так уж и плохо. Раньше я считала, что это бегство от жизни. Этот альбом в большей степени о создании собственного рая, но где-нибудь под кухонным столом, так что он очень личный”.

28. “Vespertine” до выхода альбома “Vulnicura” являлся самым длинным альбомом Бьорк, продолжительностью 55 минут 33 секунды. 29. В 2002 году у Бьорк вышли ретроспективный бокс-сет “Family Tree”, на котором присутствуют ранее неопу-бликованные композиции, и сборник “Greatest Hits”, а в 2003 - бокс-сет “Live Box”, состоящий из четырех дисков с концертным материалом и DVD. 30. Очередной лонгплей Бьорк “Medúlla” увидел свет в ав-густе 2004 года. Основой нового эксперимента певицы стал человеческий голос – большинство звуков на альбоме явля-ются натуральным или модифицированным вокалом. Обра-ботанные на компьютере сложные вокальные партии образу-ют полифонические структуры. Из привычных инструментов Бьорк оставила барабаны и фортепиано в одном из треков.

В записи приняли участие барабанщик-вокалист Soft Machine, икона британского прог-рока, Роберт Уайетт, многостаночник от авант-рока Майк Паттон, канадская мастерица горлового пения Таня Тэгак, американский битбоксер Rahze, его японский коллега Dokaka и не-сколько хоров.

31. В августе 2004 года Бьорк исполнила песню “Oceania” из альбома “Medúlla” на открытии Летних Олимпийских игр в Афинах. 32. В 2005 году у певицы вышел сборник ремиксов на песню 1995 года “Army of me” под названием “Army of Mixes”, с целью помочь жертвам цунами в Индийском океане, а 2 июля 2005 она приняла участие в междуна-родной серии фестивалей “Live 8”, выступив в Японии.

33. В том же 2005 году вышел второй в дискографии Бьорк альбом-саундтрек “Drawing Restraint 9”. На этот раз к одноименному документальному фильму ее мужа, художника Мэттью Барни.

34. В октябре 2005 года на юбилейной церемонии вру-чения Q Magazine Awards Бьорк получила премию “Inspiration” (Вдохновение) из рук Роберта Уайатта, свое-го коллаборатора в работе над альбомом “Medúlla”. 35. Группа The Sugarcubes, с которой Бьорк делала пер-вые шаги к мировой славе, воссоединилась ради един-ственного концерта, который состоялся 17 ноября 2006 года в Рейкьявике. 36. Бьорк записала кавер-версию песни Джони Митчел “The Boho Dance” для альбома “A Tribute to Joni Mitchell”, вышедшего в апреле 2007 года. 37. В мае 2007 года у певицы вышел новый студийный альбом “Volta”, ознаменовавший возвращение Бьорк к более доступным музыкальным формам, относительно форматной электронике и танцевальным “корням”. На “Volta” исландка удовлетворила давнее, по ее словам, желание поработать с модным хип-хоп продюсером Тим-балэндом. Впрочем, тут же оказались и проверенный Марк Бэлл, и солист Antony and the Johnsons Энтони Ха-герти, и виртуоз африканской коры, и мастер китайской пипы, а также диковинный электроакустический инстру-мент Реактейбл. 38. Клип на песню “Innocence” был снят любительским тандемом Fred&Annabelle, победившим в конкурсе, объ-явленном на официальном сайте певицы. 39. В поддержку “Volta” Бьорк провела 18-месячный тур, в рамках которого впервые после 9-летнего пере-рыва посетила Латинскую Америку и после 12-летнего – Австралию и Новую Зеландию.

ющий в себя интерактивные приложения, обучающую программу для детей и, собственно, студийный альбом. Центральная часть “Биофилии” была сосредоточена на серии интерактивных приложений для айпада, создан-ных ведущими программистами и дизайнерами. Свое приложение для каждой из 10 песен на новом альбоме. 44. В июне был издан первый сингл “Crystalline”. Эта пес-ня была написана с использованием одного из несколь-ких инструментов, спроектированных и построенных специально для проекта, - “гамлесты”, смеси челесты и гамелана. Второй сингл “Cosmogony”, который служит основной темой для остальных приложений, был вы-пущен 19 июля 2011 года, затем последовали “Virus” и “Moon”. Полный альбом и оставшиеся приложения были изданы 10 октября 2011 года. 45. Еще один слой многогранного интерактивного про-екта “Биофилия” - это обучающая программа, состоя-щая из серии воркшопов для школьников, исследующих взаимосвязь музыки и науки, и обучение учеников в воз-расте 10-12 лет, используя приложения Бьорк в качестве отправной точки. Городской совет Рейкявика по образо-ванию решил ввести это в программу во всех школах го-рода на ближайшие несколько лет.

40. Осенью 2008 года увидел свет сингл “Náttúra” - еще один трек Бьорк, записанный при участии Тома Йорка. 41. В 2009 году под общим названием “Voltaïc” вышла серия релизов, содержащих материал, связанный с аль-бомом “Volta”. CD с 11 треками, сыгранными вживую в лондонской Olympic Studios, DVD с концертами в Пари-же и Рейкьявике в рамках “Volta tour”, сборник клипов на песни “Volta” и альбом ремиксов на синглы с альбома. 42. В мае 2010 года Бьорк вместе с Эннио Морриконе стала лауреатом престижной премии Polar Music Prize, основанной менеджером шведской группы АBBА Стигом Андерсоном в 1989 году. В июне увидел свет совместный ЕР Бьорк и американской группы Dirty Projectors “Mount Wittenberg Orca”, а в сентябре певица выпустила “The Comet Song”, песню для саундтрека к финскому мульт-фильму “Муми-тролль и комета”. Также в 2010 году ранее неизданная песня Бьорк “Trance” украсила фильм “To Lee, with Love”, посвященный дизайнеру Александру МакКуину. 43. В марте 2011 года стартовал новый глобальный эксперимент Бьорк под названием “Biophilia” - проект-комбинация музыки с технологическими инновациями в разрезе взаимоотношений науки и природы, включа-


46. В 2012 году мир замер в тревоге после новости о том, что Бьорк предстоит операция на голосовых связках. Од-нако в ноябре, к радости своих поклонников, певица со-общила, что после удаления полипов она снова сможет давать концерты и записывать песни. 47. В июне 2014 года Бьорк записала оригинальные во-кальные семплы для американской авант-хоповой груп-пы Death Grips, которая полностью построила на них свой альбом “Niggas on the Moon”. Позднее в этом году альбом “Biophilia” был включен в постоянную коллекцию Нью-Йоркского музея современного искусства МоМА, а концертный фильм “Björk: Biophilia Live” был показан в 400 кинотеатрах по всему миру (примечательно то, что организацией показа фильма мог заняться любой жела-ющий, заполнив специальную заявку на сайте певицы). 48. 18 января 2015 года, за два месяца до запланированной даты релиза, новый альбом Бьорк “Vulnicura” просочился в Сеть. С 20 января он уже официально продавался на iTunes.

И снова после умопомрачительных экспериментов Бьорк вернулась к традиционным формам. При прослушива-нии “Vulnicura” прослеживается явная параллель со зна-ковым “Homogenic”. И дело не столько в саунде, вновь основанном на симбиозе электронных битов и струнных аранжировок, сколько в настроении. Если “Homogenic” был инспирирован стрессом после чудом несостояв-шегося покушения, то над “Vulnicura” певица работала, переживая развод с мужем Мэтью Барни.

“Надеюсь, эти песни могут стать помощью, костылем для других и наглядным доказательством биологическо-го процесса как такового: рана и исцеление раны. Психо-логически и физически на этот процесс уходит опреде-ленное время”, - говорит Бьорк. 49. В марте в Нью-Йоркском музее современного искус-ства состоялась премьера уникального видео от Бьорк “Stonemilker”. Певица “заморочилась” объемно-панорам-ным роликом с “виртуальной реальностью”, который был снят с использованием камеры 360-градусного обзора.

“Нашей задачей было создать видео, которое перенесло бы вас на берег океана, прямо в середину нашего ма-ленького оркестра, - пояснила певица. - Когда вы оде-нете очки виртуальной реальности, вы увидите себя на пляже в окружении 30 музыкантов, сидящих вокруг вас”. 50. К октябрю этого года Бьорк в три захода презенто-вала в сети подборку ремиксов на песни из альбома “Vulnicura”. На физическом носителе все 12 треков будут выпущены неизменным лейблом One Little Indian, в фор-мате эксклюзивной двенадцатидюймовой полупрозрач-ной пластинки.

А в декабре запланирован выход альбома “Vulnicura: The Acoustic Version - Strings, Voice and Viola Organista Only” или попросту “Vulnicura Strings” с песнями, аранжи-рованными одними только струнными и изобретенным Леонардо ДаВинчи инструментом виола органиста.



предыдущей статье, посвя-

щенной советам по выбору

палочек для начинающих и

не только барабанщиков,

я затронул тему их маркировки.

Расшифровку этих коротких об-

щепринятых кодировок неслож-

но найти в интернете, но однаж-

ды, трудясь над рудиментами,

когда мышцы и связки оттачива-

ли движения в сотнях повторов,

а мысли мои витали в облаках, я

задумался о том, что еще могут

нести в себе эти цифры и буквы.

Совсем недавно я начал пользо-

ваться палочками VATER модели

Fatback 3А и решил поразмыс-

лить, что же может скрываться

за этими тремя “А”. Это привело

меня к некой “3А” концепции, ос-

нованной на моем опыте работы

в студии и склонности находить

символизм и скрытый смысл во

всем, что меня окружает.

За этой концепцией стоят три

очень простых, но очень важных

слова:

– ATTENTION (внимание, концен-

трация или же собранность)

– ARTICULATION (артикуляция

или же выразительность)

– ATTACK (атака, как основа зву-

чания)

Давайте же теперь поговорим о

каждом из этих понятий более

подробно.

Для меня студийная работа

очень сильно отличается от игры

живьем, как в физическом, так и

Эрланд Сиволапов

В

... ИЛИ О ЧЕМ СТОИТ ПОДУМАТЬ

БАРАБАНЩИКУ В СТУДИИ, КОГДА

БАРАБАНЫ УЖЕ НАСТРОЕНЫ,

А МИКРОФОНЫ РАССТАВЛЕНЫ.


КАК ОСЕДЛАТЬ ДРАКОНА

комна-

те никого

нет, а звукоре-

жиссер и продюсер го-

ворят со мной через наушники.

Эти принципиальные для меня

отличия и формируют мой под-

ход к студийной работе. Здесь

проявляет себя первое “А”.

ATTENTION. Главное в игре в

студии - это внимание и кон-

центрация. Потратьте доста-

точно времени перед началом

вашей сессии на создание

наиболее комфортных усло-

вий для игры. Расставьте ба-

рабаны и стойки, проверьте

настройки педалей, высоту

стула, выставьте в конце концов


в психологическом аспектах. На

концерте нужно уметь распре-

делить силы так, чтобы вашей

выносливости хватило дожить

до последнего удара. А иногда,

особенно если вы играете рок

или метал, чтобы “добежать”

хотя бы до конца песни и лишь

тогда отдышаться. В студии вы

можете делать перерыв хоть

после каждого

температуру на кондиционе-

ре так, чтобы вам было удобно

и ничего лишнего не занимало

ваши мысли. Настройте ком-

фортный микс в наушниках. Вам

предстоит сыграть ваши партии

раз и навсегда, и то, что вы упу-

стили какие-то нюансы, потому

что чего-то не слышали, уже не

будет оправданием, в отличие

от концерта, где у вас обычно

не хватает на это времени. Вни-

мательно следите за тем, чтобы

каждый удар был точным и вы-

веренным, чтобы не было форш-

лагов, удары руками и ногами

должны четко совпадать с ме-

трономом и между собой. Вни-

мательно выслушивайте каждый

такт, чтобы ваша партия не кон-

фликтовала с другими инстру-

ментами и в ней не было лишних

акцентов или неоправдан-

ных сбивок. Помните

о том, что ваша партия

будет основой для за-

писи всей остальной

группы и от вашего

результата во многом за-

висит успех всего мероприя-

тия. Не двигайтесь дальше до

тех пор, пока не будете на 100%

уверены, что все звучит так, как

надо.

ARTICULATION. Многие бара-

банщики недооценивают роль

артикуляции в игре на инстру-

менте. Если в условиях концер-

та я могу согласиться с тем, что

динамика немного уходит на

второй план, особенно если мы

говорим о рок-концерте, то в

студии от этого аспекта вашей

игры зависит очень многое. Вы-

куплета, если это

поможет добиться

лучшего результата. С

другой стороны, концерт

для меня - это прежде всего

веселье и кайф от обмена энер-

гетикой с публикой и своими то-

варищами по команде. В студии

я один на один с инструментом,

и зачастую кроме

меня в

разительность позволит самому

простому ритмическому рисунку

заиграть всеми красками. Ме-

троном - основа любой записи,

но немного “оттянутый” малый

барабан в медленных песнях

добавит драматизма. Обычный

ритм 4/4 зазвучит подвижнее,

если, играя на хай-хете, вы бу-

дете акцентировать каждую чет-

верть. Добавьте акценты в ваши

сбивки и они зазвучат интерес-

нее и увереннее. В студии, как

нигде, у вас есть возможность

уделить внимание артикуляции

и добиться того, чтобы ваши

партии звучали наилучшим об-

разом.

ATTACK. Хватит гладить бара-

баны! Помните о том, что чем

больше звука барабана будет

в снимающем его микрофоне,

тем меньше придется звукоре-

жиссеру чистить ваши дорожки

от лишнего шума. И тем больше

шансов, что он предложит вам

работу. Четкий сильный удар по-

зволит в полной мере раскрыть-

ся звучанию каждого барабана,

и понадобится лишь минималь-

ная дальнейшая обработка, что-

бы убрать лишний гул и получить

яркий щелчок и чистый тон. Если

вы хотите быть услышанным в

миксе - бейте по барабанам и

они зазвучат суше, четче и ярче.

Современные технологии сем-

плирования и прочие студийные

хитрости могут решить очень

многие проблемы звукоизвле-

чения. Но не боитесь ли вы, что

проще будет все “нарисовать”

или нанять студийного музыкан-

та, что вас не позовут на запись

следующего альбома вашей же группы? Чтобы этого не произошло, бейте в барабан! На втором

куплете закончились силы - не страшно, отдышитесь и продолжите играть с того места, на котором

остановились. Неуверенно звучит сбивка - запишите ее отдельно. Запись - не соревнование, здесь

нужен результат и не важно, на сколько частей вы разделили задачу.

Основные тезисы этой статьи стары и во многом очевидны, однако многое из сказанного часто упу-

скается, причем не только начинающими барабанщиками. Надеюсь, что-то из упомянутого выше

позволит вам добиться лучшего результата в вашей будущей студийной работе. Ибо для меня мой

концепт “3А” работает так же надежно, как и мои палочки VATER “Fatback” 3A.


“Хватит гладить барабаны!”

“Многие барабанщики недооценивают

роль артикуляции”

ЭРЛАНД СИВОЛАПОВ

“Главное в игре в студии - это

внимание и концентрация”

ATTENTION

ARTICULATION

ATTACK


РИТМ: ЛОВИ И ДЕРЖИ

ногие говорят, что музыка без ритма – это скучно и пресно. На самом же деле все гораздо проще: музы-

ки без ритма не бывает вовсе. Это тот фундамент, который за-кладывает основы музыкально-го произведения. Это сама суть музицирования. Более того, ритм сопровождает нас повсю-ду, где бы мы ни находились. Мы чувствуем его в биении нашего сердца и в легком дыхании при-роды, в размеренном течении жизни и в хаосе шумного мега-полиса. Все живет под звуки сво-ей собственной музыки. Ритм – это и есть жизнь. Главное – уметь его удержать. Давайте обратимся к истокам, окунемся в стихию ударных ин-струментов, без которых сегодня уже просто невозможно пред-ставить наше существование, и поговорим о музыке более пред-метно. Задача барабанщика со-стоит в том, чтобы создать ритм и передать это ощущение всем. Такова суть и правила игры. Но насколько же это соответству-ет действительности? Неопыт-ные новички, как правило, любят очень громко стучать в барабаны, не сильно прислушиваясь к дру-гим музыкантам. Те же, в свою очередь, сосредоточены на соб-ственной игре, мол, мы тут игра-ем свое красивое, а ты уж, друг, давай стучи. В результате ритм не держит никто, и семь из деся-ти начинающих украинских групп играют нечто, что и музыкой на-звать то можно с очень большой натяжкой. Печально.

КАПЕЛЬКА ИСТОРИИТак сложилось, что танцеваль-ная этническая музыка в своей основе всегда имела четкий, сочный ритмический рисунок, проверенный сотнями лет и де-сятками тысяч топающих ног. Но в период становления и раз-вития классической музыки со-временные европейцы стали пренебрегать ударными ин-струментами. Желая доказать собственную интеллектуальную ценность, они уделяли много внимания романтизму метафор, красоте мелодий и богатству гармоний. Считалось, что людям высшего общества с тонкой ду-шевной организацией не к лицу сумасбродные энергичные тан-цы, такое времяпрепровожде-ние больше было свойственно людям низшего сословия. Вот потому ударные инструменты и перкуcсия на какое-то время отошли на второй план и стали играть второстепенную роль, скорее ненавязчиво подчерки-вающую настроение музыкаль-ного произведения, лишь слегка расставляя акценты в нем. Но, как известно, в нашей жизни все циклично: эпохи сменяют одна другую, культурные границы стираются, искусство видоизме-няется. И ударные инструменты уже очень давно отвоевали свои позиции, вернувшись во все му-зыкальные стили. Но, к сожале-нию, многие люди и до сих пор находятся в плену стереотипов, не совсем понимая, что такое ритм и что с ним делать. КРУПИЦА ТЕОРИИДавайте же попробуем разо-браться и прочувствовать, что такое ритм. Хлопните в ладоши. Скажем, че-тыре раза подряд. Медленно. А теперь в такт хлопкам начните

притопывать ногами и двигать тазом. Попробуйте, можно даже прямо перед зеркалом – хлопните еще восемь раз и подвигайтесь в таком темпе. Получилось? Тог-да я вас поздравляю: только что вы сплясали под собственную музыку в ритм! Выражаясь академическим язы-ком, ритм – это последователь-ность звуков, чередование силь-ных и слабых долей. Гитарист, флейтист, баянист, скрипач, пи-анист – каждая сыгранная ими музыкальная фраза имеет свой ритм. К слову, фортепиано – это самый настоящий перкуссион-ный инструмент! Вы нажимаете на клавишу, и в это время ма-ленький молоточек бьет по стру-не, струна вибрирует, получается звук. Выходит, что вы играете на очень большом количестве ма-леньких струнных барабанчиков! Одним словом, чтобы играть синхронно и слаженно, нужно, чтобы каждый музыкант ощущал заданный ритм. А потому это чув-ство надо развивать. Вы спроси-те как? Да вот хоть бы так. НЕМНОГО ПРАКТИКИСамое главное в ритме – это не громкость и форшлаги, а пуль-сация, биение. Музыкальная теория называет это “метром”. Если вы умеете чувствовать пульсацию, то вас уже не оста-новить. Во всяком случае, за-конными методами. :) Есть несколько способов на-учиться чувствовать ритм. 1. СТАРЫЙ ДОБРЫЙ МЕТРОНОМДа-да, опять этот скучный тикаю-щий монстр. Метроном всем уже так надоел, скажете вы. Но, увы и ах, без него никуда. Сам по себе он никак не поможет вам обрести то самое внутренне чувство рит-

Дмитрий ВасилецМНЕНИЕ СПЕЦА

М

ма, но технически штука невероятно полезная, с каждым следую-щим занятием навык “попадать” все растет и растет. Самый простой способ – играть в каждый “щелчок”. Однако это быстро надоедает, к тому же дает очень широкое поле для само-обмана – часто мы понимаем, что не попали только тогда, когда совершенно сбились с ритма. Я предлагаю немного изменить план и поиграть с метрономом в слабую долю, т.е. пусть он щел-кает между вашими ударами. Вот увидите, это гораздо сложнее, и, пожалуй, полезнее. 2. РИТМИЧЕСКАЯ ИГРАВот это уже веселее! Я не знаю историю происхождения этой игры, лично мне ее показал один театральный режиссер. Отличный способ поразвлечься с друзьями, особенно, если они музыканты.Садитесь в круг, кладете руки себе на колени. Рассчитываетесь на порядковые номера – от одного и “до упора” (смотря сколько ваших друзей согласилось на эту безумную затею). И все вместе начинаете отбивать ритмический рисунок на 4/4: удар руками по ногам, хлопок, два щелчка пальцами правой и левой руки пооче-редно. Как только ритм установится, начните передавать “счет” - на щелчок правой руки громко произнесите свой порядковый номер, на щелчок левой – порядковый номер любого другого человека, который находится вместе с вами в кругу. Тот, кому вы передали счет, делает все точно так же – на щелчок правой руки говорит свой номер (как бы принимая ваш посыл), на щелчок ле-вой – номер кого-нибудь еще. Условие – ритм можно постепенно ускорять (по общему согласию), но нельзя замедлять. Задача – как можно дольше продержать “счет”. Со временем ритмичес-кий рисунок можно менять на более сложный. 3. РИТМИЧЕСКАЯ ХОДЬБАЭто довольно странный способ, но он действительно работает. Однажды, когда вы окажетесь одни в довольно просторном поме-щении, попробуйте просто походить в ритм. Для пущей уверенно-сти можете включить метроном, но желательно ходить в удобном, комфортном для себя темпе. Возьмите наш любимый ритм 4/4 и хлопайте - вначале на 1 и 3, потом на 2 и 4, потом на 1 и 4, 2 и 3, в общем, поиграйтесь уж там сами. Главное – все действия долж-ны выполняться спокойно и расслабленно. Удивительно простой способ почувствовать “метр”. ФИНАЛЬНОЕ НАПУТСТВИЕНикогда не забывайте, что ритм – это важнейшая и неотъемле-мая составляющая музыки. Барабанщик вы или гитарист, скри-пач или играете на треугольнике – помните, для чего вы все это делаете. Развивайте свое мастерство и чувство ритма, рабо-тайте над собой и совершенствуйтесь каждый день. Ритмичной игры вам и будьте счастливы!


ВСЕГДА В СТРОЮ!

з д а в н а барабаны использо-вались не

только для созда-ния музыки и сопро-вождения различных ритуальных обрядов, танцев и церемоний, они так же широко применялись, как сигнальные инструменты для передачи сообщений при военных шествиях и дей-ствиях, и даже как предупреждение об опасности. Наряду с этими функциями, существуют еще и тех-ники исцеления лечебными ритмами, ритмами эт-нических барабанов.

Этнические барабаны – это прекрасный способ окунуться в древность, закрыв глаза мысленно перенестись к истокам человечества. Речь идет не о миллионах лет, но, как минимум, о тысячах, ког-да были изобретены первые прототипы ударных инструментов. В руинах Месопотамии были най-дены маленькие цилиндрические барабаны, изго-товленные около 3000 лет до нашей эры. Возраст найденного в Моравии барабана датируется пятым тысячелетием до н. э., в Древнем Египте барабаны возникли за 4 тыс. лет до н. э.

Сегодня барабаны плотно заняли свою нишу в му-зыке и сердцах людей. Некоторые традиционные

Перкуссионные ударные инструменты

Артем

Паламарчук

б а р а б а -ны уже

давно ис-пользуются

в эстрадной музыке. Это,

прежде всего, всевозможные лати-

ноамериканские (бонги, конги, кахоны, тимбалес) и

африканские (дарбуки, джембе). Интерес к этим инструментам подогревается еще и тем, что звукоизвлечение не ограничивается не-сколькими приемами игры. В случае с восточным барабаном дарбукой (или же его басовым собра-том - думбеком), их число может достигать десятка! Это могут быть удары ладонью, пальцами, костяш-ками пальцев, в центр пластика, с краю, а также всевозможные комбинации этих приемов. Раз-ные техники подразумевают разную тембральную окраску, насыщенность звучания и динамику при игре: от еле слышной дроби подушечками пальцев до плотного “низа” в центре или яркого и стреляю-щего звука на ободе барабана.

В этой статье мы рассмотрим чаще всего встреча-ющиеся в наших широтах интересные этнические барабаны разных народов, дабы иметь представ-ление о них. Вашему вниманию будет представле-на краткая история возникновения и небольшое, но емкое описание инструмента.


И

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ

ДАРБУКА

Дарбýка (тарбука, дара-бука, тарамбука, думбéк) - старинный ударный музыкаль-ный инструмент неопределенной высоты звучания, небольшой ба-рабан, широко распространен-ный на Ближнем Востоке, в Египте, странах Магриба, в Закавказье и на Балканах. “Дар-бука” - это только одно из мно-гочисленных названий этого инструмента, этимологически связанное, по всей видимости, с арабским словом “darba” (уда-рять). В оригинале изготавлива-ется из глины и козлиной шкуры в качестве пластика. Современные дарбуки более гуманны к фау-не и их пластики производятся из искусственных материалов, а корпуса дарбук производятся по большей части из металла.

Прапрадеды этого инструмента датируются примерно IV-III веком до нашей эры, но есть данные и об экземплярах возрастом в 7000 лет до н.э. В современной европейской традиции кубко- образный барабан впервые встречается на миниатюре в кантигах Альфонса Мудрого (1221-1284 гг.). Девушка дер-жит его на плече в марокканской

манере. В персидских миниа-тюрах он появляется с XIX века и расположен уже на коленях.

По размерам различают соло-дарбуку, называемую в Египте таблой, и басовую дарбуку – до-холу (эта разновидность дар-буки, благодаря мощному басу, незаменима в перкуссионных ансамблях). В Египте исполь-зуется также дарбука промежу-точных размеров, называемая сумбати. Широко распростране-ны также маленькие сувенирные дарбуки.

В Египте и Сирии наиболее ка-чественные дарбуки произво-дят методом литья из специаль- ного сплава алюминия. Это позволяет делать цельным и точным обод дарбуки, соблю-дать в нужных местах необходи- мую, доходящую до 1 см, тол-щину стенок корпуса. Затем на корпус наносят мозаику из натурального перламутра или красного дерева, лучшие в мире мастера-мозаисты - потомст-венные мастера мозаики. Все покрывается сверху нескольки-ми слоями лака по специальной технологии. Лак поверх мозаики придает ей прочность, а дарбу-

ке глянцевый, играющий в лучах света, блеск. В Сирии вместо мозаики используют красивую аппликацию.

Мастера Турции предпочитают керамику, также они массово используют металлическую штамповку для дешевых инстру-ментов и отливают корпус из чу-гуна для более профессиональ-ных и тяжелых дарбук. Глиняная дарбука - это удивительный ин-струмент. Мелодичный, тонкий керамический звон и раскатис-тый бас создают атмосферу по-настоящему теплого домаш-него очага и производят неиз-гладимое впечатление. Лучшую глину для керамики добывают в старинном городе Измир, где на протяжении многих столетий научились исключительно тон-кой работе с керамикой. В ре-зультате одно- или двукратного обжига в печи, при температуре более 1000 градусов по Цельсию, глина переходит из порошкового несвязанного со-стояния в стеклообразную спек-шуюся монолитную массу очень высокой прочности.

ДЖЕМБЕ

Джéмбе - западноафрикан-ский барабан в форме кубка с открытым узким низом и ши-роким верхом, на который на-тягивается мембрана из кожи - чаще всего козьей. По форме относится к так называемым ба-рабанам в форме кубка, по зву-кообразованию - к мембранофо-нам.


Похожий внешне на предыдущий ударный инстру-мент, однако отличающийся материалом корпуса. Производится он из цельного куска дерева (при-мерно 60 см высотой и диаметром мембраны в 30 см) с натянутой на него шкурой антилопы или козы. В современном мире мембрана также произ-водится из искусственных материалов.

Появился в Малийской Империи в XII веке и образно назывался “Healing Drum” (Исцеляющий Барабан). Полагают, что открытая форма корпуса происходит от обычной дробилки зерна. Играют на джембе дву-мя руками. Основных звука три: низкий удар (бас), высокий (тон) и шлепок-звонкий (слэп). Играющий стоит, при этом барабан подвешивается на специ-альный ремень или ставится на особую стойку. Так-же на джембе часто играют сидя, при этом барабан зажимается между ног. Некоторые просто садятся на лежащий на земле инструмент. Для африканских ритмов характерна полиритмия, когда несколько барабанных партий создают общий ритм.

Широкую популярность приобрел в XX веке благо-даря группе Le Ballet Africains - национальному ан-самблю Гвинеи. Популярности джембе также содей-ствовали его габариты - он относительно прост для ручной переноски, и легкость в освоении - он имеет довольно сильный бас, а звукоизвлечение доступно для начинающих. В Африке мастера игры на джем-бе называют djembefola. Джембефола должен знать все партии исполняемых в деревне ритмов. Каж-дый ритм соответствует определенному событию.

Джембе - как аккомпанирующий, так и солирующий инструмент, позволяет многое рассказать слушате-лям и буквально заставляет людей двигаться!

БОНГИ

Бонго или бонги - кубинский ударный инструмент, состоящий из пары одноголовых, открытых бараба-нов, соединенных друг с другом. Барабан большего диаметра называется “эмбра” (hembra - исп. женщи-на, самка), а меньший - “мачо” (macho - по-испански “самец”). На сегодняшний день производители про-должают экспериментировать с размерами бонгов.

По всей видимости, бонги попали в Латинскую Америку вместе с рабами из Африки. Исторически бонги связаны с такими стилями кубинской музы-ки, как Salsa, Changui и Son, которые появились на Восточной Кубе во второй половине XIX века. Одна-ко следует отметить тот факт, что подобные бонго пары барабанов с керамическими телами и коз-линой шкурой были найдены в Марокко, а также в Египте и других ближневосточных странах.

КОНГИ

Конга - это узкий высокий кубинский барабан с аф-риканскими корнями, возможно, происходящий от барабанов Макута (Makuta) или барабанов Си-кулу (Sikulu), распространенных в Мбанза Нгунгу, Конго (Mbanza Ngungu, Congo). Человека, играю-щего на конгах, называют “конгуэро” (“conguero”).


В Африке конги изготавливались из полых бревен, на Кубе этот процесс напоминает изготов-ление бочек. Собственно, изна-чально кубинские конги изготав-ливались как раз из бочек. Эти инструменты были обычны для афро-карибской религиозной му-зыки и румбы. Сейчас конги очень популярны в латинской музыке, особенно в таких стилях, как саль-са (salsa), меренга (merengue).

Большинство современных кон-го имеет деревянный или фи-бергласовый корпус и мембра-ну из кожи (пластика). При игре стоя конги обычно находятся приблизительно на расстоянии 75 см от края корпуса до головы исполняющего. Также на конге можно играть в положении сидя.Хотя конги возникли на Кубе, их внедрение в народную и попу-лярную музыку в других странах привело к диверсификации тер-

минологии для документации и исполнителей. Бен Якоби в своем труде “Introduction to the Conga Drum” полагает, что барабаны на-зываются congas на английском, но tumbadoras на испанском.

Названия отдельных барабанов, от большого к маленькому, как их принято называть на Кубе:

Супертумба (supertumba) мо-жет достигать размера в диаме-тре порядка 14 дюймов (35,5 см).

Тумба (tumba) обычно имеет диаметр от 12 до 12,5 дюймов (30,5 - 31,8 см).

Конга (conga) обычно в диаметре от 11,5 до 12 дюймов (29,2 - 30,5 см).

Кинто (quinto) порядка 11 дюй-мов в диаметре (около 28 см).

Рекинто (requinto) может быть ме-нее 10 дюймов в диаметре (24,8 см).

Рикардо (ricardo) примерно 9 дюймов (22,9 см). Так как этот ба-рабан часто закрепляется на пле-чевом ремне, то он обычно уже и короче традиционной конги.

Термин “конга” был популяри-зирован в 1950-х годах, когда латинская музыка захлестну-ла США. Кубинская сон (son) и нью-йоркский джаз смешались и дали новый стиль, названный впоследствии мамбо, а позднее сальса. Слово “конга” произошло от ритма la conga, часто играе-мого на кубинских карнавалах. Ударные, на которых исполнялся ритм la conga, имели название tambores de conga, в переводе на английский conga drums.

КАХОН

Кахóн (исп. Cajón - коробка, ящик) - ударный музыкаль-ный инструмент родом из Перу.


установленным на внутренней ее части гитарным струнам. Су-ществуют также современные кахоны с механизмом “отклю-чения” дребезжания (опять же, сродни малому барабану).

Различают несколько разновид-ностей кахонов: трихон, отличие которого от стандартного кахона, дошедшего до наших дней, заклю-чается в том, что внутри его кор-пус разделен на три части, каждая из которых при игре воспроизво-дит свой, отдельный тембр звука; и кахонга – это смесь кахона и бонгов, по сути это кахон, разме-щенный в горизонтальной плоско-сти с разными по объему секто-рами (как бонги), но материалом ударной части служит не пластик, а фанера (или та же тапа).

В семидесятых годах двадцатого века перуанский композитор и мастер по изготовлению кахонов Каитро Сото (Caitro Soto) пре-поднес кахон в качестве подарка испанскому гитаристу Пако де Лусии, посетившему Перу. Звук кахона так понравился Пако, что известный гитарист приобрел еще один инструмент до отъезда из страны. Немного позже Пако де Лусия представил кахон в му-зыке фламенко, и его звук стал прочно ассоциироваться и с этим музыкальным направлением.

В наши дни традицию использо-вания кахонов в латинской музыке продолжают многие музыканты-перкуссионисты. Одним из них является перуанский барабанщик и перкуссионист Алекс Акуна (Alex Acuna), чья подписная модель кахона выпускается фирмой Gon Bops, модельный ряд которой в широком ассортименте пред-ставлен в сети магазинов JAM.

Представляет собой коробку, выполненную из дерева или дру-гих материалов. Появился этот простой, на первый взгляд, ин-струмент на просторах Перу в начале XIX века. Поскольку какие-либо этнические музыкальные инструменты были запрещены колониальным испанским прави-тельством, рыбаки использовали обычные ящики из-под фруктов как ударные инструменты. Музы-ку невозможно запретить!

Пик популярности кахона пришел-ся на середину века, но до конца XIX века музыканты продолжали эксперименты с его материала-ми и устройством для достижения лучшего звука. С этого времени он стал распространяться по всей территории Латинской Америки и к XX веку стал неотъемлемой частью перуанской и кубинской музыкальной культуры.

Корпус кахона внешне ничем не отличается от советской тумбоч-ки, но имеет крепкие, доволь-но толстые (порой до 11-13 мм) стенки, чтобы ящик смог

выдержать вес кахониста, усев-шегося сверху. Передняя, она же ударная, часть кахона, называ-ется тапой (исп. Tapa). Она также выполнена из фанеры, однако самой тонкой во всей конструк-ции кахона (3-4 мм толщиной). Ударяя в разные части тапы, му-зыканты извлекают разный по характеру и тону звук: по цен-тру тапы – глубокий бас, ближе к верхнему краю – звонкий, дре-безжащий звук, похожий на звук малого барабана в современной ударной установке.

Играть на кахоне можно не толь-ко руками. Часто музыканты пользуются рутами (вид бара-банных палочек, состоящих из определенного числа тонких прутьев, собранных в пучок, и дающих рассеянный, мягкий звук) и щетками (похожи на веники, своеобразные барабан-ные палочки, применяющиеся в большинстве своем в джазе; дают мягкое шуршание и рас-сыпающийся щелчок при шлеп-ке). Дребезжание в верхней ча-сти тапы происходит благодаря


УДУ

Уду (от игбо Udu - сосуд, мир) - африканский глиняный бара-бан-горшок, происходящий из племен Игбо и Хауса в Нигерии. Глубокие, настигающие звуки, которые производил уду, многим казались “голосами предков” и первоначально его использо-вали в религиозных и культур-ных церемониях. При ударе по отверстию инструмент издает глубокий низкий звук, по поверх-ности - звенящий керамический звук. Может иметь мембрану на поверхности. С точки зрения фи-зики - это резонатор Гельмгольца.

Племена Игбо и Хауса жили раз-общенными группами, поэтому каких-то определенных, “пра-вильных” техник игры на уду нет. Сохранилась только технология изготовления этих ударных ин-струментов. Единственной общей для всех нигерийских музыкантов основой техники являются уда-ры по боковому отверстию, с от-крыванием и закрыванием другой рукой горловины барабана. При этом получается гипнотический бас, за что многие так любят уду. Инструменты уду сочетают в себе уникальное “аква-резонансное” звучание и теплую “земляную” ви-брацию, создавая цельный сплав

глубоких и высоких обволакиваю-щих тонов. Приятный на вид и на ощупь, успокаивающий и умиро-творяющий на слух, уду способен увести вас в глубокую медитацию, подарить чувство комфорта и спо-койствия. Существует интересная техника игры на уду из стеклопла-стика, когда свойства резонатора изменяются с помощью налитой в горшок воды. С водой барабан приобретает поистине мистиче-ское звучание.

Несмотря на появление в со-временном мире вариаций уду из стеклопластика и дерева, са-мым популярным материалом для изготовления этого инстру-мента остается глина. Сейчас большинство мастеров делают барабаны на гончарном круге, но в Нигерии до сих пор широко распространен традиционный способ изготовления - без ис-пользования станков и сложных инструментов.

Теперь, уважаемый читатель, ты с легкостью сможешь разо-браться в основных видах пер-куссии, выбрать инструмент для себя и начать его осваивать, если, конечно, ты до сих пор этого еще не сделал.


иевская группа Way Station уже давно стала уз-наваемой на местной post-rock сцене. В архи-ве у музыкантов имеются несколько синглов, один полноформатник и многочисленные вы-ступления, как с нашими коллективами, так и с

западными. Основатель и главный идеолог группы - Никита Юдин любезно согласился ответить на наши вопросы, связанные с прошлым и будущим “пере-садочной станции”. В конце прошлого года у вас вышел цифровой сингл “2 Million Light Years” и мне показалось, что новые песни стали более мрачными и даже какими-то де-прессивными, чем те, которые мы слышали на ва-шем дебютнике... Да, много кто говорил нам, что звучание стало другим и более тяжелым. Я объясню это тем, что мы не стоим на месте, стараемся дать слушателю что-то новое. В одном из интервью Найджел Годрич (продюсер Radiohead) ска-зал, что с каждым новым релизом слушатели ждут боль-шего. Получив ожидаемое, никто не удивится. Скажут: “О, да, это то, чего мы ждали...”. Так постепенно может пропасть интерес к группе. Поэтому надо прыгнуть выше своей головы, дать фэнам сверх того, что они ожидают. Вот тогда будет успех! Этот принцип я взял за основу творческого развития. Наша цель - заставить вибриро-вать струнки души каждого слушателя, не ограничивать себя жанровыми рамками, а более минорный лад только способствует этому. Что касается “2 Million Light Years” - это новый виток в нашем творчестве. Данный сингл за-дал настроение для всего будущего альбома.

WAY STATION

Новый альбом будет в духе Radiohead? Могу точно сказать, что у Radiohead можно многому по-учиться. Они умеют удивлять. Каждый отдельный альбом звучит так, как будто он написан совершенно разными группами. Но все же есть что-то одно, что делает их уз-наваемыми - будь то голос Тома Йорка или ритмические рисунки. Когда я первый раз услышал Radiohead, мне они жутко не понравились, но потом, как что-то запрещен-ное, хотелось послушать еще. В итоге, эти ребята силь-но повлияли на мой музыкальный вкус. Мы не стремимся сочинять музыку в духе известных западных групп, у нас нет такой цели. Однако у них очень многогранная музы-ка, и каждый может найти что-то интересное для себя. Расскажи о вашем альбоме “The Ships”, который вышел два года назад. Доволен ли ты полученным результатом или, как и многие музыканты, хотел бы что-то сейчас изменить? Этот альбом собран из композиций, написанных на про-тяжении длительного периода времени. Например, пес-ню “Корабли” я сочинил еще тогда, когда даже и мысли не было о создании Way Station. И ставшая хитом “Dark Sea” написана примерно в то же время. Спустя год или два, родились такие композиции, как “The Noise Was Ended Now” и “The Heaven and the Earth”. Все треки не похожи друг на друга, сочинялись в разное время, идеи долго вынашивались, потом перед записью много раз видоизменялись, поэтому одной из самых сложных за-дач было заставить весь альбом звучать целостно. Я ду-маю, это получилось. Ну, и менять что-либо, конечно же,

Константин Сурин

Где-то там далеко плывут другие корабли...

ИНТЕРВЬЮ


К

не хочется, да и нет смысла, когда альбом уже издан. Диск вышел в нестандартной упаковке, я имею в виду, что даже на западе группы редко из-дают диски в таком виде. Чья это была идея и насколько для тебя важна визуальная часть, т.е. все, что связано с оформлением? Да, обложка диска напоминает се-мидюймовый винил. Это своего рода фишка лейбла AZH Music. У них есть несколько релизов в та-ком формате. Идея в том, чтобы ярче смотрелась картинка на об-ложке. Это ведь первое, на что об-ращаешь внимание, когда берешь диск в руки... Представляю недо-умение коллекционеров, купивших этот диск, когда они пытались впих-нуть его на полочку, рассчитанную под стандартные CD. Визуальное оформление я считаю не менее важной составляющей, чем музы-кальный материал. Причем это ка-сается не только обложки диска, а и оформления веб-страниц, афиш, постеров, выбора шрифтов, различ-ных видео-роликов и т.д. Все это вы-полняет функцию упаковки и должно дополнять музыкальную составляю-щую. Никто не обратит внимание на продукт, если коробка невзрачная и не вызывает никакого интереса, ка-кой бы вкусной ни была начинка. Идея же нашей графики пришла в голову достаточно просто. Разгля-дывая фотки в программе Google Earth, я наткнулся на фото корабля на фоне норвежских гор. Мне сразу понравилась цветовая гамма и глу-бина этой фотографии. Написав ав-тору, я получил положительный от-вет на использование изображения в качестве обложки альбома. Вот и вся история. Вы остались довольны сотруд-ничеством с AZH Music? Будете продолжать работать с ними и в будущем? Сотрудничество с AZH Music ограни-чилось только релизом “The Ships” и скромной его презентацией. Это молодая команда, которой еще многому предстоит научиться. У нас разные взгляды на то, чем должен

заниматься лейбл, и для следую- щего релиза мы хотим найти ребят посерьезнее. Тем более, что мы полу- чили предложения от парочки зару- бежных лейблов. От каких именно - пока держим в секрете. С кем вы выступали на презента-ции? Хедлайнерами того вечера была аме-риканская группа Lymbyc Systym - достаточно известные ребята у себя на родине. А на разогреве вы-ступили молодые украинские пост-рокеры This Cold Normandy. В поддержку “The Ships” вы оты-грали много концертов в Киеве. Какой был самый запоминаю-щийся? Сложно сказать, какой концерт са-мый запоминающийся. Впечатле-ния музыкантов зависят от многих факторов: насколько аппарат на сцене соответствует райдеру, на-сколько качественно все органи-зованно. В идеале эти нюансы не должны обсуждаться, а впечатление от концерта должно основываться на эмоциональной составляющей от взаимодействия с публикой. Нас всегда тепло принимают, каж-дый концерт запоминается чем-то особенным, но, к сожалению, су-ществуют мелкие проблемы, свя-занные с неопытностью организа-торов или очень малым бюджетом, вложенным в концертную площад-ку. Так что, если смотреть только на технические и организационные нюансы, один из самых запомина-ющихся концертов - это разогрев Maybeshewill в Киеве. Как тебе новость об их распаде? Хотели бы выступить с ними в по-следний раз, когда они приедут в Киев в следующем году? Новость как новость, ничего ужас-ного не произошло. Любое оконча-ние чего-либо свидетельствует о начале чего-то нового. Что касается Maybeshewill, я думаю, эти ребята еще заявят о себе, а может это во-обще коварный план такой: сделать грандиозный тур в связи с распадом группы, а через годик-два сделать еще более грандиозный реюнион.

Современные маркетинговые тех-нологии скоро дойдут до абсурда, так что всякое может быть. А по по-воду выступления - это для нас уже превращается в добрую традицию - быть на разогреве у Maybeshewill, когда они дают концерты в Киеве. Посмотрим, может, пересечемся на одной сцене и в этот раз. Изначально в творчестве Way Station прослеживается некая космическая тематика. Это свое-образная фишка или название группы никак не связано с этим? Когда-то в детстве я прочел книгу “Пересадочная станция” Клиффор-да Саймока. Она мне запомнилась. И когда встал вопрос о том, как на-звать группу, я сразу вспомнил о ней. Так и пришло название коллек-тива. Когда творчество обрело фор-му, концепцию и инструментальное направление, название было пере-ведено с русского языка на англий-ский, как в оригинале. Космос нас вдохновляет, но это не является фишкой. В какой-то степени я бы хо-тел вообще никак не связывать твор-чество с космической тематикой, но тогда вдохновение где-то в другом месте искать придется. :) Ну, а если серьезно, то это способ передать какие-то глубокие подсознательные инстинкты, мысли и эмоции. Если сопоставить внешний космос вну-треннему, который у каждого свой глубоко в душе, то наша музыка при этом является связующим звеном, пересадочной станцией между ре-альным миром и внутренним космо-сом каждого человека. Как думаешь, мы не одни в этой Вселенной или НЛО - это просто миф, который придумали пред-приимчивые американцы, так же, как и мифический, по утверж-дению некоторых скептиков, по-лет на Луну? Если честно, я не особо задумыва-юсь, есть ли внеземная жизнь или нет. Если есть, хорошо. Может мы когда-то и встретимся. А если нет, то это как-то ни хорошо и ни плохо. Лично мне все равно. Больше меня волнует то, кто МЫ такие, откуда и зачем... К слову, американцы на Луне были - это факт.


Ну, это спорный вопрос. Холодная война ведь тоже была фарсом и нужна была для того, чтобы скрыть реальное положение вещей. Лично для меня покорение космо-са - это показатель научно-техниче-ского прогресса, никоим образом не связанного с политикой! Новость о фальсификации высадки на Луну въелась в голову сторонникам вся-ких “Теорий Заговоров”. А ведь эти доказательства, указывающие на то, чего якобы не было, тоже вполне мо-гут быть сфальсифицированы. Тут уж сам выбирай, насколько хочешь быть обманутым. Я стараюсь быть аполи-тичным и не влезать в бессмыслен-ные дискуссии о том, кто прав, кто виноват, холодная война и прочее. Я за МИР и за взаимоуважение! Все мы обычные люди, и не имеет значения, кто и какой национальности первым покорил это небесное тело. Расскажи немного о том, на ка-ком инструменте ты играешь? Какие струны используешь? Моя гитара сделана немецкой фа-брикой Framus, модель Diablo Pro, радует меня с каждым днем все больше и больше! Этот производи-тель более известен по бас-гитарам Warwick. Струн перепробовал очень много. Отмечу самые понравив-шиеся: Dean Markley серии Blue Steel, Ernie Ball и Dunlop Pure Nikel, а сейчас ставлю себе никеливые D’Addario калибром 11-56. А как ты стал эндорсером Framus?Как-то поговорил с менеджером

сети JAM - которая является офи-циальным представителем бренда в Украине - о том, что не прочь стать эндорсером. Он отправил запрос ребятам из Framus, и вот моя фотка уже у них на сайте в разделе “Арти-сты”! Можете меня поздравить! Искренне поздравляем! А какую гитару ты хотел бы приобрести еще, будь такая возможность? Я бы хотел сделать кастомную гита-ру на заказ у той же фирмы Framus! Тем более, что теперь у меня есть такая возможность. Но для этого нужно деньжат немного накопить. А откуда пошла такая фишка - играть смычком на гитаре в конце сета на своих концертах? Уж очень мне нравится, как звучит гитара, когда по ней смычком игра-ешь. Появляется масса обертонов, звук прямо врезается в уши. В то время, когда я еще учился в консер-ватории и слушал Led Zeppelin, меня впечатлил Джимми Пейдж своими экспериментами. Я тут же раздобыл смычок у знакомой скрипачки и по-неслась... Потом открыл для себя Sigur Ros с их уникальным звуком. А сейчас я все больше и больше на-блюдаю смычок в руках гитаристов. Это становится трендом что ли... Надо будет новую фишку приду-мать. :) Ты вот сам занимаешься сведени-ем и мастерингом своих релизов, в то время, когда многие наши музы-канты только и мечтают записать и

смикшировать альбом в какой-ни-будь западной студии с именитым продюсером. Твое мнение на этот счет? Стоит ли игра свеч? У западных звукорежиссеров, ко-нечно, есть чему поучиться. Однако я думаю, что необязательно пере-плачивать кучу денег ради именитого западного продюсера. У нас в стра-не есть достойные студии и звуко-режиссеры. Лучше позаботиться о том, чтобы человек, который будет вас писать и сводить, понимал ваше творчество, вникал в идею, и вы ему доверяли. У меня сложно с доверием в этом вопросе, вот и научился все делать самостоятельно. Тем более, я представляю, КАК в конечном итоге должна звучать композиция, которую я же и сочинил. И вообще, мне всегда нравился процесс записи и сведения. Сам ты лично с каким продюсе-ром хотел бы поработать и в ка-кой западной студии записаться? На ум сразу пришло два имени: Джон Конглетон, работавший над одним из моих любимых альбомов “Tunnel Blanket” группы This Will Destroy You и Росс Робинсон - известный по работе с более тяжелыми командами, таки-ми как Deftones, Korn и другими. А во-обще, конечно, сложно сказать. Для меня важно, чтобы звукорежиссеру нравилась музыка, которую он сво-дит или пишет. Чтобы мы с ним были на одной волне. Что касается студии, наверное, мечта любого музыканта это попасть на студию Abbey Road, и


я - не исключение. Но на самом деле хороший аппарат в хорошем поме-щении и, самое главное, знающий звукорежиссер - вот рецепт успеха. Много ли к тебе людей обращают-ся с целью записать и свести аль-бом в твоей домашней студии? Что посоветуешь молодым музы-кантам, которые только собира-ются пойти первый раз в студию? Ну, поскольку это не является моим основным заработком, я стараюсь не набирать много заказов. В основном я пишу и свожу группы, которые мне интересны. Да, советы могу дать. Первое, на что следует обратить внимание, это на качество аранжи-ровки! Вот сочинили вы, например, две разные партии гитар. Где потом они должны лежать в миксе? Можно раскидать их по краям стерео-пано-рамы, можно одну продублировать, а вторую оставить в центре, а можно обе партии продублировать. Зача-стую звукорежиссеру приходится за вас принимать такие решения. Так что старайтесь продумывать все это еще на этапе сочинения композиции. Второй момент - качество исполне-ния. Современные техники записи и редактирования дошли до того, что можно записать отдельно хоть три ноты, а потом нарезать и смонтиро-вать из них целую композицию! Ну, не стыдно ли вам? Как же потом это все живьем звучать будет? Уделяйте много времени занятиям на инстру-менте. Представьте, как музыканты записывались в 70-х и 80-х годах, все писалось на пленку, без права на ошибку. А вообще, постарайтесь ос-воить азы звукозаписи в домашних условиях, чтобы уметь записать свое демо и свести трек так, как вы хоти-те, с вашим видением. В наше время цифровые техно-логии практически полностью вытеснили аналоговую запись. Лично тебе какой звук больше нравится? Цифровые технологии настолько шагнули вперед, что неподготовлен-ный слушатель вообще не отличит аналоговую запись от цифровой. Я за грамотную комбинацию аналог-цифра. Например, писать и редак-тировать в цифре, а сводить на ана-

логовую ленту. В каждой технологии есть свои преимущества и недостат-ки. У меня, например, половина при-мочек на гитаре цифровые. Как ты относишься к проблеме “loudness war”? Я пока не сталкивался с этой про-блемой вплотную. Гонка громкости актуальна для форматной музыки. Группы, играющие post-hardcore, например, так похожи друг на друга. Должны же они чем-то отличаться. Вот и давят микс компрессорами и лимитерами, меряясь у кого громче. Люблю, когда есть динамика, когда барабанщик начинает сильнее ва-лить в кульминации и это слышно в миксе. Все равно на большинстве радиостанций всю музыку прого-няют через жесткий компрессор, чтобы подогнать по громкости тре-ки разных исполнителей. И “война громкости” теряет свой смысл. Сейчас стиль post-rock стал очень популярен как у нас, так и за рубе-жом. Ты не боишься затеряться во всем этом многообразии? Я не выбирал жанр для своей группы. Просто музыка, которую я стал сочи-нять, наиболее подходит под описание пост-рока. Не люблю, когда начинают навешивать ярлыки на музыку, а потом еще и стараются не выходить за обще-принятые жанровые рамки, ограничи-вая себя и свое творчество. Я думаю, любая музыка, идущая от сердца, обя-зательно найдет своего слушателя. Напоследок хочется спросить, ког-да же выйдет ваш новый альбом, в каком духе он будет? И планируют-ся ли изменения в саунде группы?

Не хочу загадывать и говорить о каких-то конкретных датах, творче-ский процесс идет полным ходом. Есть много наработок, из которых будут рождаться новые композиции. Конечно же, будут изменения и в са-унде - сингл “2 Million Light Years” яр-кий тому пример. Мы не стремимся клепать похожие друг на друга аль-бомы чуть ли не каждый год. Лучше не спешить, но сделать достойный релиз, который самому в плейлист загрузить захочется. В каком духе будет наш следующий альбом? Эммм... в духе Way Station. Планируете ли вы выходить на европейский рынок, искать за-падный лейбл и пробивать себе туры за границей, как это делают те же Stoned Jesus, к примеру? Планов и желаний у нас много, и все они будут воплощаться в реальность с выходом новых релизов. Европей-ский и американский рынок уже не-много знаком с нашим творчеством. Львиная доля физических копий альбома “The Ships” была распро-дана за рубежом. Много раз наши треки были в ротации на западных онлайн-радиостанциях. Хотелось бы, чтобы и наш слушатель больше обращал внимание на своих земля-ков. А в ближайших планах у нас - за-писать годный альбом!

Дискография:

Single “Road” (2013)Single “Last Launch” (2013)CD “Ships” (2013 AZH Music)Single “2 Million Light Years” (2014) www.waystation.com.ua


то раньше можно было, томно вздыхая, грешить на то, что

в Украине нет хорошей музыки. Особенно этот синдром

обострялся после просмотра некоторых музыкальных кана-

лов. Ленивые, конечно, и по сей день продолжают питаться

“музыкальным фаст-фудом”, гурманы же оттачивают свой вкус,

переворачивая интернет в поисках еще неизвестных, но уже та-

ких талантливых, исполнителей. Хорошо, что последних хватает.

С ними же и хочется вас познакомить. Итак, поехали!

ВОСЬМИЙ ДЕНЬ. Мягкий лирический вокал с весьма дерзки-

ми гитарными партиями, приправленными непослушной элек-

троникой. Куда больше о них скажет дебютный альбом “Крізь

тіло”, который музыканты представили этой осенью. И правда,

их музыка проникает глубоко в душу.

URBAN GYPSY. Они виртуозно переиграли на свой лад песни

Jamiroquai, The Lost Fingers, Майкла Джексона и др. Теперь все

звучит в стиле джаз мануш, главной особенностью которого яв-

ляется светлый, позитивный характер и цыганские интонации.

ANEBO. Здесь тебе и голос с хрипотцой, и не скучающая, пери-

одами даже уносящаяся в трэш, гитара. Другими словами то,

что должно быть в рок-группе. А еще у них на бас-гитаре девуш-

ка-блондинка. Вот как!

INDYTRONICS. Эмоциональная, ретроспективная музыка с

мягким вокалом, а потому их легко можно спутать с типичной

зарубежной инди-рок группой. А все потому, что ребята замах-

нулись на Запад (чего, кстати, даже не стесняются и не скры-

вают).

NOUSINTHIS. Все просто: для ценителей пост-рока “задум-

чивая” гитара идет в комплекте с проникновенным вокалом. И

хотя количество подписчиков фан-странички в соцсетях не до-

тягивает до тысячи, это не мешает им успешно гастролировать

по Европе.

НАСТЯЗНИКАЄ. Три девушки, не считая бас-гитариста. Краси-

вый, чувственный, женственный соул-джаз с остро-сладкими в

своем привкусе текстами.

US. Маги и волшебники украинской электроники. Кстати, они

еще могут прихватить титул по самому большому количеству

дуэтных исполнителей на имеющийся у группы репертуар (че-

тыре официальных сингла, три из них – дуэтные).

CHEROKEY. Эти четыре бородача заряжают танцевальным драй-

вом с нотками романтического ретро-саунда в стиле alternative

dance/nu disco/electropop. Их музыка полна свободы и независи-

мости – как то присуще знаменитому индийскому племени Чероки.

Знай наших или долой “музыкальный фаст-фуд”!


MADE IN UKRAINE

ЭНаталья Хицкая

Миха Рубанов

Scream, Inc

АНАЛОГОВО-ЦИФРОВАЯ

ВОЙНА ПРОДОЛЖАЕТСЯ


ценивая тот или иной прибор, мы чаще всего пред-

ставляем себя в вакууме. “Вот, если мы в звукои-

золированной комнате “воткнем” такую-то гитару

в такую-то цепь ...”, - говорят нам видео обзоры. А

ведь на деле помимо самого аппарата есть еще звуко-

режиссер, микрофон (а то и не один), который снимает

гитарный звук, его позиция, состояние самого аппарата,

характеристики помещения и море других моментов, ко-

торые на практике просто не дадут нам звучать так, как

того хотелось бы в идеале.

Мы с ребятами ездим в довольно многочисленные концерт-

ные туры и играем песни не самой безызвестной группы

Metallica. Следовало ожидать, что в определенный момент

организаторы начнут выполнять райдер и ставить нам

именно те Marshall JCM900, Peavey 5150, Mesa Boogie Dual

ОБZOR

Rectifier и т. п. Но никто не мог даже и подумать, насколько

недовольны мы будем добытым из них звуком...

Из концерта в концерт, во время прошлого тура, мы с

вокалистом садились напротив динамиков наших ка-

бинетов и, что было сил, крутили ручки на головах и на

педалях. Несмотря на опыт и старания всей техниче-

ской команды, мы через раз были раздосадованы полу-

чавшимся звуком, а крутить его до бесконечности, ког-

да тебя ждут 68 человек оркестра, просто не дадут. Все

это время, ехидно улыбаясь и с легкой тенью сопере-

живания, на нас посматривал басист, ведь он уже в тот

момент использовал свой планшет в связке с iRig HD и

“строился” за полминуты. Я же, как адепт аналоговых

технологий, с пеной у рта доказывал всем, что гитара

должна быть только “живая”. До момента, пока меня не

О

Люди сожгли Джордано Бруно, Жанну Д’Арк и сделают еще многое, дабы помешать прогрессу. Напри-мер, сожгут еще киловатты электричества, тысячи ламп и миллионы динамиков. Аналогово-цифровая война продолжается! Адепты Света все так же навязывают нам свои кабинеты, головы, педалборды, а тем временем... Громоздкие, еще пару-тройку лет назад, процессоры сегодня уже перебрались к нам в айфоны и тактично предлагают купить себя за смешные деньги. Давайте попробуем разобрать-ся, на чьей же стороне правда.


начал выводить из себя саундчек

перед одним из концертов, и я, руг-

нувшись, не обошел цепь “педали -

комбо - микрофон - пульт” простым

включением айфона в ди-бокс вме-

сто всего этого. Полученный эффект

напрочь перекрыл все предыдущее

восхищение “живым” аппаратом.

Итак, коснемся непосредствен-

но технических тонкостей игры “в

айфон”. Многие люди боятся это

делать исключительно потому, что

никогда не пробовали (это как пер-

вый раз прыгнуть в воду с пирса или

учиться кататься на велосипеде,

или поцеловать соседку по парте).

Не переживайте, ваша гитара будет

отлично звучать из любых колонок

и наушников. Более того, с совре-

менных устройств можно запускать

метроном, подложку для импрови-

зации или любой другой минус, с

которым вы хотите играть.

Как же все это работает? Все предель-

но просто. Нужен лишь аудиоинтер-

фейс (то бишь - сам iRig) и программа

(тот же Amplitube, который идет в на-

грузку) . Принцип работы, с которым

знакомы уже многие музыканты -

подключаем гитару в аудиоин-

терфейс, открываем нужную нам

программу и наслаждаемся цифро-

вым звуком. Некоторые могут засо-

мневаться, мол, как же так, даже если

и цифра, то как мобильный девайс мо-

жет заменить небезызвестные Kemper

Profiler или Axe FX? Но мы же живем в

2015 году, и вычислительная мощность

наших мобильных устройств вплотную

приближается к уровню среднего ПК

или ноутбука. И аудиоинтерфейсы, та-

кие как iRig HD, Line6 SonicPort, Apogee

Jam или JamupPlug, позволяют оциф-

ровать сигнал так же, как это делают

студийные аудиоинтерфейсы, но в

карманном формате.

А как насчет управления всей нашей

системой в условиях концерта? Как

переключать звуки, включать эффек-

ты, менять пресеты, не бегая каж-

дый раз к телефону/планшету? Для

этого производители, такие как IK

Multimedia или Positive Grid, сделали

специальные беспроводные контрол-

леры (например, Blueboard). Назнача-

ем на нужную нам кнопку нужную нам

функцию, и вуаля - весь педалборд за-

нимает меньше места, чем литровая

бутылка колы, без которой, разумеет-

ся, нельзя приступать к работе. :)

А как же надежность? Что, если во

время концерта что-то произойдет,

и вся цифровая прелесть зависнет

или сломается? Если говорить пря-

мо, то всеми нами любимая анало-

говая техника может сломаться с тем

же успехом. Не раз и не два во вре-

мя наших выступлений перегорали

лампы, отходили контакты, умирали

динамики. Конечно, никто не отри-

цает, что и с девайсом может что-то

произойти, но по своему опыту могу

сказать, что за время игры “в айпэд”

все, что ломалось, было аналоговым,

как то ди-бокс или мультикор.

Кроме того, важнейший элемент

цифрового звучания – это програм-

ма, которой мы пользуемся. Я вы-

брал для себя JamUp Pro. Наиболее

используемые, помимо нее, Bias

Amp, BIAS FX и Amplitube. Каждая

из них удобна и хороша по-своему.

Объединяет их одно - эмулируют

эти программы одни и те же комбо /

кабинеты / аналоговые педали.

Отдельно хочется остановиться на

таком понятии, как “matching”. Эта

технология позволяет в точности

скопировать понравившийся звук

любого гитариста и использовать его

когда угодно. Каково же было мое

удивление, когда, джемуя с басистом

у него дома и перебирая пресеты

для очередного концерта, я узнал

звук черного альбома Metallica.

Далее про удобство пользования в

домашних условиях. Удобство? О чем

вообще может идти речь? Положил

телефон на колени, надел наушни-

ки и не мешаешь не то что соседям,

а даже спящим в твоей же комнате

друзьям. Захотел - вывел на любые

“колонки”, захотел - в комбо или ли-

нейный вход микшерного пульта.

Теперь коснемся самого меркан-

тильного вопроса - цены. Все так

называемое “железо”, то есть сам

аудиоинтерфейс и контроллер,

обойдется в сумму около 200 у.е.

Софт же стоит гораздо меньше - от

5 до 30 у.е. за программу. Насчет

самого девайса - тут цены варьиру-

ются от “не сильно много” до “очень

сильно много”, ибо такие возмож-

ности нам предлагает фирма Apple.

Android-лагерь начал присоединять-

ся лишь совсем недавно и исключи-

тельно во флагманских устройствах.

Но даже общая сумма в 500-600 у.е.

не сравнится со стоимостью анало-

говых устройств.

Остается главный козырь, которым

обычно апеллируют любители анало-

га - “живость звука”. На что я могу от-

ветить – пробуйте, господа, пробуйте!

Только эксперимент поможет устано-

вить, кто же на самом деле прав.

Подводя итог, я могу сделать сле-

дующий вывод. Да, бесспорно,

приятно взять в руки педаль, под-

ключить ее в ламповый комбо, кру-

тить и наслаждаться натуральными

обертонами “живого” звучащего

аппарата. Но на деле, в условиях со-

временного шоу-бизнеса, в реали-

ях СНГ’шного пространства, всегда

стоит иметь возможность выбора.

Держите в кармане наготове iRig и

увидите, насколько быстро вы пере-

станете возить за собой аналоговые

приборы и гитарные стеки.



НОВОЕ ПОКОЛЕНИЕ ГИТАРНЫХ ПРОЦЕССОРОВ ТУРОВОГО КЛАССА

ИНТЕРВЬЮ

тремительно ворвавшаяся в высшую лигу отечественного шоу-бизнеса в 1997 году, после триумфа на домашнем фести-вале “Червона Рута” в Харькове,

группа Танок На Майдані Конго являет собой образец стабильности, вот уже почти два десятилетия оставаясь “в топе”, вне зависимости от музыкаль-ных мод и политических коллизий. Начав с адаптированного к местному колориту гибрида хип-хопа и рока, который получил название “укрхоп” и стал нишей для целой когорты по-следователей, ТНМК со временем вышли далеко за пределы ими же придуманного стиля, сумев сохра-нить свой узнаваемый почерк. На их альбомах поп-баллады соседствуют с панк-боевиками, а тяжеловесная индустриальная поступь - с озорны-ми карибскими ритмами. Мало того, в объемном портфолио “Танков” целые концептуальные программы, включающие то unplugged-версии собственных хитов, то их джазо-вые обработки, то симфонические аранжировки. Две такие программы ТНМК успели представить в нынеш-нем году. О них, а также о других новостях группы мы побеседовали с лидерами команды Олегом “Фа-готом” Михайлютой и Александром “Фоззи” Сидоренко.

Сейчас группа Танок На Майдані Конго совместно с группой Схід-Side готовит программу под названием “Jazzy”. Я знаю, что это не первая серия этого проекта. Вспомните, пожалуйста, когда и как он зародился?Фагот: Этот проект начался с нашей песни “Jazzy”, которая появилась в 1998 году. Тогда все и родилось. Мы писали наш первый альбом “Зро-би мені хіп-хоп” и Котя (Константин Жуйков, бас-гитарист ТНМК – прим. ред.) придумал песню “Jazzy”. Для ее записи нам нужны были джазо-вые музыканты. Ну и к кому я мог обратиться? Конечно же, к своим однокурсникам по харьковской кон-серватории Алексею Саранчину и Дмитрию Александрову. “Пацаны, - сказал я, - такая вот есть тема, нужно поиграть”. Они пришли, мы записали трек и во время записи я придумал словосочетание “Схід-Side”. Мы же из Харькова и это была аллюзия на разделение американской хип-хоп тусовки на Восточное и Западное Побережье, East Coast - West Coast. А Харьков - значит Схід-Сайд. После этого они свой джазовый коллектив так и назвали - Схід-Side. В 2003 году возникла идея сделать вместе не одну, а несколько песен “танковских”, уже известных, рас-

крученных хитов, в джазовой об-работке. И так получилось, что мы приурочили все это к дню рожде-ния Дили (Эдуард Приступа, экс-вокалист ТНМК, создатель проек-та НеДіля - прим. ред.) и Мурчика (Александр Муренко, известный ба-рабанщик, бывший участник группы Схід-Side - прим. ред.), которые ро-дились в один день. И 18 сентября в киевском клубе 44 презентовали эту программу. Под конец шоу туда зая-вился Turbo B из британской группы Snap! и мы еще минут 40 джемовали вместе. Потом частично этот джем мы включили в альбом. После этого вы выпустили аль-бом “Jazzy”?Фагот: Да, лайвовый, с материалом, записанным в клубе 44. Вы еще где-то исполняли эту программу?Фагот: Да, на канале М1. Именно ее, в этом же составе. Больше, по-моему, нигде. Насколько программа, которую вы готовите сейчас, будет отли-чаться от той “Jazzy”?Фагот: Дело в том, что наше сотруд-ничество со Схід-Side было, скажем так, двусторонним. Тогда была наша идея: “Пацаны, а давайте сделаем

БОЛЬШЕ, ЧЕМ ПРОСТО ХИП-ХОП


С

“танковские” песни в джазе”, а по-том было встречное предложение: “А давайте теперь Схід-Side напи-шет музыку, а вы тексты и сделаем вместе такую программу”. Был такой проект. Еще Володя Шабалтас, тог-да гитарист Схід-Side, к сожалению, уже ушедший в мир иной, писал му-зыку для него. Треки из этой второй, “схидсайдовской” программы мы во-обще никогда не играли вживую. Хотя нет, один трек, помню, играли с Рэн-ди Брекером на юбилее Схід-Side - “Все чесно” называется. И в “Jazzy”, которую мы готовим на 24 октября, мы объединяем две эти программы: и музыку ТНМК, адап-тированную Схід-Side, и музыку Схід-Side, в прочтении ТНМК. Что-то будет исполнено впервые, так что ждите эксклюзив. Много репетируете?Фагот: Ну, уже репетиций пять точно было. В каком составе будет Схід Side?Фагот: Алексей “Лепа” Саранчин и Дмитрий “Бобин” Александров. И еще Денис Дудко (бывший бас-гитарист Схід-Side, а ныне участник группы Океан Эльзы - прим. ред.) обещал выйти хотя бы на один трек. Я его пригласил – он согласился.

Получится ли у него по графику – по-смотрим. Алексей Саранчин был какое-то время штатным клавишником ТНМК. Какие у вас отношения сейчас?Фагот: Совершенно нормаль-ные. Мы выше всяких личных “негараздів”. “Jazzy” – не первый, скажем так, оригинальный проект ТНМК. 2015 год вы начали с повторно-го исполнения в киевском театре имени Ивана Франко программы “Симфонический хип-хоп” - сим-фонических обработок ваших пе-сен в сопровождении харьковско-го Молодежного академического симфонического оркестра “Сло-божанский”. Расскажите, пожа-луйста, как возник этот проект.Фагот: Мне давно хотелось сделать что-то с симфоническим оркестром. Фоззи все время упирался: “Да ну, да ну…”. Я так понимаю, что просто боялся этой темы. А мне вот хоте-лось-хотелось. И в какой-то момент Вселенная, видимо, услышала мои мысли. Мне позвонил мой препо-даватель по фаготу в харьковской консерватории Гарри Артушевич Абаджян и предложил, говорит: “Михайлюта, не хочешь сыграть с

нашим оркестром?” Я подумал, что если оно уже вот так вот прямо само приходит, надо делать. Пришел к па-цанам, говорю: “Играем!” Ну, и Фоз-зи потом признал, что он лоханулся, что боялся этой темы - ему очень понравилось. Потому что это такое “мясо” - играть с симфоническим оркестром. Вот так оно и срослось. Тот же Гарри Артушевич нашел Юру Яковенко (дирижер МАСО “Сло-божанский” - прим. ред.), который взялся за аранжировки. 27 марта 2013 года, на мой день рождения, прошла генеральная репетиция, а 29 марта мы презен-товали программу в Харьковском оперном театре. А через полгода, в октябре мы сыграли ее первый раз в Киеве, в театре имени Ивана Фран-ко. И еще через полтора года, в фев-рале 2015 повторили там же. Сильно ли отличалась новая про-грамма от оригинальной?Фагот: Нет, всего лишь доделали пару треков. Кстати, планируем снова повторить, потому что и нам очень интересно, и сам проект вы-шел очень успешным, и мы его вста-вили в наш repeat-list. Дата уже есть?Фагот: Да, 14 февраля, Национальный

Максим Вихоть ТНМК


Академический Драматический Театр имени Ивана Франко. Ждем всех. Еще хотим “привязать” Львов. Львов очень хочет. В конце прошлого года в интервью по случаю вы-хода альбома “Дзеркало”, ты сказал, что уже есть концепция нового альбома ТНМК. Уже начали во-площать ее в жизнь? Есть новые песни?Фоззи: Концепция пока что реализовывается только лишь написанием текстов, потому что мы физически не можем полноценно заняться новым материалом. Вчера мы готовились к фольклорной программе для фестиваля “Країна Мрій” во Львове, сегодня мы готовимся к джазо-вой программе, а завтра мы играем нашу обычную про-грамму. Слишком много у нас сейчас всего происходит. Надо немного остыть. Чтобы заняться созиданием, надо какой-то голод иметь. Мое такое мнение. Мне ближе продумывать концепцию заранее, собирать тексты. А сядем мы за новые песни через неделю, через год или через два – этого никто не знает. Главное, чтобы были идеи, о чем будут эти песни. В этом году вы оба напомнили о себе, как сольные артисты. У Фоззи вышел очередной альбом в рам-ках проекта MetaMoreFozzey, а у Фагота сингл и

клип. Давайте немного поговорим о вашем само-стоятельном творчестве. Вопрос Фоззи: над тре-тьим альбомом MetaMoreFozzey, получившем нему-дреное название “CD”, ты работал почти десять лет. Почему так долго?Фоззи: Точнее с 2007 года, восемь лет получается. А дол-го, потому что никто не хотел им заниматься. Я начинал его делать с Артуром Даниэляном (саундпродюсер, участ-ник группы Qarpa – прим. ред.). А как только диски пере-стали продаваться и пиратство окончательно победило, смысла в студийных проектах, таких как у нас, не стало. Вот. А потом просто стало жалко этого материала, захоте-лось довести его до ума. Вот Фагот помог со студией, а Женя Чистяков, он же диджей Дяблик, исполнил роль са-ундпродюсера, который все это собрал. То есть было про-сто желание доказать себе, что ты можешь это закончить. В альбоме собраны песни разных лет. Каким годом датированы самые свежие?Фоззи: Этим годом. Совместная песня с Дилей “The Story Of Lave”. Альбом уже дописывался, когда Диля предложил сделать ее. Так что песни с 2007 по 2015 год. Такой себе отчет о проделанной работе. Кто автор музыки? Ты сам сочинял?Фоззи: У каждой песни своя история. Есть трек, кото-


рый не подошел группе ТНМК. Какие-то лупы мне про-сто люди скидывали, дарили, а я на них что-то бормотал. Кто тут автор музыки? :) А доводили до ума Фагот и Женя Чистяков. На студии Fahot Production House они все это добили и спасли. На альбоме “CD” много приглашенных звезд, как, впрочем, и на предыдущих альбомах MetaMoreFozzey. Как ты подбирал коллаборато-ров?Фоззи: Со всеми, опять же, свои истории. Диля сам об-ратился, мол, есть вот такая идея, давай сделаем, дела-ли же во всех, давай сделаем и сейчас. Кашу Сальцову я уговаривал. У меня была идея песни “Центр дупи” (в альбоме называется “CD” - прим. ред.) и мне там слы-шался такой ангельский голосок, который непосред-ственно будет петь про центр дупы. Я долго ее уговари-вал. Она сопротивлялась, но я уговорил. В итоге пошла навстречу. Спасибо, добрая девочка. А Наталия Гордиенко?Фоззи: Когда возникла идея песни “L&M”, я спрашивал у Фагота, кто мог бы спеть такую партию. Он порекомен-довал Наташу. Хотя для нее пришлось менять тональ-ность, она очень хорошо справилась и в альбоме даже две песни с ее участием. С Франыком Пашей мы делали несколько песен, просто одна была совсем уж давниш-няя, и я ее в альбом не включил. Знаю, что MetaMoreFozzey это чисто студийный проект, хотя также знаю, что тебя все эти годы пери-одически пытались уговорить выступить живьем…Фоззи: Это очень сложно было бы сделать технически. Те же звездные дуэты – собрать всех этих людей… Я не вижу, как это можно было бы реализовать. А клипы предполагаются?Фоззи: Мы снимали один клип на совместную песню с Фаготом “Хочу я здхя”. Снимали на Майдане, в его пер-вую фазу, когда Майдан был позитивный, креативный и так далее. А потом, когда началось смертоубийство, мы поняли, что получается не смешно. Так синхронно, не сговариваясь, все пришли к такому выводу, и клип не со-стоялся. А в дальнейшем планируешь что-нибудь экранизи-ровать из альбома?Фоззи: Мне Виктор Придувалов как-то дважды предла-гал: “Давай я тебе что-нибудь бесплатно сниму”. Я го-ворил: “Витя, не надо”. Тут надо или тянуться к какому-то уровню, или… абы как… Тем более, что для меня это всегда был проект по утилизации идей. В какой-то аннотации к выходу “CD” было сказа-но, что, по твоим словам, это последний альбом MetaMoreFozzey. Это правда?Фоззи: Да. Выпустить сингл ничего не мешает. Мы с Дя-бликом, еще не закончив запись, говорили о том, что еще обязательно сделаем что-то вместе. Но как альбом – это последний. Разница между песнями в одном


AMPLIFICATION

альбоме не должна составлять 8 лет. Они все очень раз-ные, музыкально и по смыслу… То есть в понятии пластин-ки, лонгплея больше ничего не будет. В виде синглов – да. Это не означает, что ты заканчиваешь с сольным творчеством?Фоззи: Нет. Просто не будет больше альбомов. Да меня и Фагот задушит, если я к нему снова приду и скажу: “Да-вай еще альбомчик сделаем”. :) А у Фагота не так давно вышел сингл “Мантра” и клип на эту песню. Мне понравился трек, клип же сразу вызвал в памяти видео Woodkid “Iron”…Фагот: Мой клип – это посвящение Йоанну Лемуану, он же Woodkid. Он был сделан под впечатлением от его ви-део. Woodkid мне понравился тем, что он в своих кли-пах работает чисто по киношным канонам. Это тот же Довженко или тот же Дель Торо. Это классическая дра-

Среди них есть англоязычные…Фагот: Они почти все англоязычные. На кого они рассчитаны? Учитывая, что у нас публика в большинстве своем английским владеет на уровне ниже среднего, имеешь прицел на европейский рынок?Фагот: Имею прицел – это раз, а во-вторых, я не согла-шусь про публику. Наша молодежь уже настолько раз-вита, что при хорошем музоне им абсолютно по бара-бану, на каком языке слушать, украинском, английском или русском. Тем более треки рождаются по-разному. У “Мантры”, например, текст появился через полгода по-сле того, как была сделана музыка. И он появился укра-инским. Я таким его увидел. Также и с англоязычными треками. К каким-то у меня были варианты и украинско-го текста, и английского, и русского. Но когда начинаешь записывать, понимаешь, что тебя не устраивает звуча-ние, что к этой музыке больше клеится английский язык.

Тексты ты сам пишешь?Фагот: Тоже по-разному. Некоторые сам пишу. Некоторые мне помогают. У меня есть подруга, которая живет в Лондоне. Сейчас такие технологии, что музыку ты делаешь здесь, а по тексту работаешь дистанционно. На студии у меня есть парень, который очень толко-во работает с английскими текстами. Я делаю какие-то наброски. Если у меня оно само формируется, я сам записы-ваю текст. Если же у меня есть какие-то отдельные фразы, а дальше не идет, я начинаю работать с другими людьми. Недавно состоялось живое выступле-ние проекта Fahot. Это был дебют?Фагот: Совершенно верно. В интернете выложены некоторые

фрагменты выступления – у тебя живой состав. Что за музыканты?Фагот: Все отличные ребята. С некоторыми мы познако-мились на джемах, некоторых я видел со стороны, как они работают, некоторых на том же YouTube… Вот и пригласил.

Дебют, надо сказать, состоялся на высоком уровне: в Stereo Plaza на одной сцене с Энди Флетчером из Depeche Mode...Фагот: Мне позвонила Екатерина Судоргина и спросила: “Как там твой сольник? Вот у нас есть такое мероприя-тие. Не хочешь ли сыграть?” Первым делом, понятное дело, у меня был стрем. Через три месяца выступать (это было летом), а у меня был сведен на тот момент только один трек. Но в то же время я понял, что если не согла-шусь на этот “дэдлайн”, то, учитывая мое педантичное отношение ко всему, выверять все эти звучки и словечки буду еще годами, и мой перфекционизм может сыграть со мной злую шутку - буду откладывать, откладывать, доводить, доводить, а надо брать и махать шашкой. И я согласился. Понял, что мне нужна эта авантюра. И, мне кажется, не прогадал.

матургия, которая используется в съемках клипа. Да, я впечатлился его фактурой и черно-белой эстетикой. Но все образы в моем видео – это то, что окружает меня, то, что сейчас происходит с Украиной, где люди все добро из себя достают, чтобы бороться с тварями. Как много уже есть материала у проекта Fahot?Фагот: На данный момент полностью готово 6 треков, но процесс продолжается. Собираешься ли ты оформлять этот материал в какой-то альбом, ЕР или полноформатник?Фагот: Собираюсь. Хочу оформить это в альбом и снять еще немного видео. Какие сроки себе устанавливаешь?Фагот: Эта осень выходит очень насыщенной. Сейчас мы играем “Jazzy”, 27 ноября я собираюсь попеть Синатру с биг-бэндом в Carribean Club. С таким графиком я просто физиче-ски не успею в этом году закончить альбом. Но постараюсь в первой половине следующего его доделать. Материала на самом деле много, это доведено до ума только 6 треков.


Какие впечатления от выступления в рамках сольно-го проекта? Как принимала публика?Фагот: Я прекрасно понимал, что публика шесть со-вершенно новых треков будет, конечно, воспринимать оценивающе. Я не ждал, что все сразу начнут ска-кать. Но уже на четвертом-пятом треке увидел, как люди в зале начали танцевать. То есть мне уже был такой маячок, что я делаю все правильно. Ну и, мониторя потом отзывы в сети, я не видел не-гативных. Хотя была, конечно, лажа по звуку – нам “повезло”, что именно на нашем выступлении за-вис пульт. Играло 4 коллектива, но именно на нас он за-вис. Была вынужденная пауза, пока перегружали пульт. Ты собираешься ставить живые выступления Fahot на регулярные рельсы?Фагот: Да, я хочу играть. И знаешь, уже после первого выступления пошли запросы – люди звонят и предлага-ют организовать концерт. Пока так, а дальше посмотрим.

У тебя своя студия – Fahot Production House. На ней ты дела- ешь и альбомы ТНМК, и свои собственные треки, и Фоззи по- могал доводить до ума сольник. Расскажи о ней пару слов.Фагот: Это продакшн-студия, которая занимается звуком под музыку и под кино. Ей уже лет шесть. Мы занимаемся разным: пишем музыку к рекламе, делаем аранжировки, дублируем кино, озвучиваем. То есть все, что касается звука. Я доволь-но долго ее собирал. Что-то придумал себе изначально, но по многим вопросам советовался с профессионалами. У меня не было инвестора. Это не был бизнес-проект, когда взял ин-вестора, вложил, а потом начал отбиваться. Я хотел, чтобы у меня под руками был ресурс, который позволит мне реали-зовывать все мои идеи и задумки. Так оно сейчас и работает. Единственное, что мы там не пишем - барабаны. Помещение не позволяет. Так что барабаны мы находим, где записать, а все остальное делаем у себя и выходит очень достойно. Ко-нечно, есть куда стремиться. Периодически мы что-то апгрей-дим, но я не гонюсь за топовыми студиями – это совершенно другой уровень вложений. Для моих целей меня все устраивает.


естиваль “Республика” в Каменце-Подольском можно назвать уже своей, отдельной республикой

со своими “жителями”. Еже-годно в начале сентября сюда съезжаются тысячи зрителей со всех городов Украины и не только. В этот раз желающих по-сетить старинный город на По-долье и побывать на одном из крупнейших фестивалей страны оказалось гораздо больше, чем в прошлый. Я смогла убедиться в этом лично: квартиру на 4-6 сентября удалось найти лишь на третий день поисков. А в се-редине второго дня фестиваля у организаторов даже закончи-лись браслеты: они не рассчи-тывали на такой ажиотаж. За два дня фестиваль посетило около 5,5 тысяч человек. И среди них не только каменчане и не только украинцы, а и жители Молдовы, Беларуси и даже Японии!

В этом году “Республика” от-праздновала свой маленький юбилей - 5 лет. Музыкальных сцен, кстати, тоже было пять. Помимо главной сцены, была еще акустическая Art-Dvir, рег-ги-сцена, “тяжелая” сцена “Тун-нель” и сцена “Ратуша” в самом центре старого города. Послед-няя стала подарком не только

для тех, кто купил билет на фе-стиваль. Наслаждаться музыкой, звучавшей в центре города, мог-ли абсолютно все желающие. Программу также подбирали с учетом разных вкусов и возрас-тов: здесь звучал и симфони-ческий оркестр, и аутентичная музыка в рок-обработке от груп-пы Мотор’Ролла, и metalcore от Jinjer. Рядом с этой площадкой также развернулась ярмарка, где можно было вкусно поесть. Запахи шашлыка и жареных на костре овощей не давали спо-койно пройти мимо и искушали всех прохожих до поздней ночи.

Своего рода экспериментом стала в этом году акустическая сцена. Здесь выступили Колос, ПНД, Dakooka, Panivalkova, Один в Каное, Zapaska и многие дру-гие. Небольшая площадь, от-веденная для зрителей на этой


РЕПОРТАЖ

Ф

Оксана Паляница

локации, не могла вместить всех желающих. Поэтому часто мож-но было наблюдать, как, слу-шая кого-то из своих любимцев, люди толпились за сценой или у входа. Организаторы уже сдела-ли себе пометку на следующий год: перенести акустическую сцену на территорию Старой крепости. Там и места поболь-ше, и антураж поинтереснее.

Самая благоприятная погода сложилась в первый день фе-стиваля. Во второй и третий день шел дождь, который на общее настроение гостей не по-влиял, но добавил хлопот орга-низаторам. Из-за сложных по-годных условий вышел из строя пульт звукорежиссера, и чтобы праздник продолжался, им при-шлось в срочном порядке искать другой. С поставленной задачей ребята справились, и празд-ник продолжился. Но часть ис-полнителей, ранее заявленных в расписании главной сцены (Fontaliza, Jinjer и Bahroma), при-шлось перенести на другую локацию в центр города.

Самые ожидаемые события про-

исходили на главной сцене. Бес-сменными ведущими фестиваля и в этот раз стали Виктория Жу-ковская и Мяч-Дредбол. Всех музыкантов встречали горячо и активно, но традиционно хед-лайнерам досталось чуть боль-ше зрительской любви (Даха Браха, BRUTTO, Onuka и Бум-бокс). Группа ТКН пережила на сцене “Республики” своеобраз-ный дебют, впервые выступив со своей новой вокалисткой Оль-гой Вербецкой. BRUTTO начали свое выступление с девиза: “Кто мы такие? - BRUTTO - Чего мы хотим? - Чтобы было круто!” И было настолько круто, что даже тучи разошлись во время высту-пления этих ребят!

Сергей Михалок на “Республике” - это уже почетный гость. Сначала он приезжал вместе с группой Ляпис Трубецкой, после - со сво-ей новой командой, которая за несколько дней до начала фести-валя отметила первую годовщи-ну своего существования.

Больше всего зрителей подтяну-лось к главной сцене к вечеру тре-тьего дня. Здесь публику развле-кали Кожаный олень, O’Torvald и Бумбокс. Женя Галич порадовал фанатов, стоящих у турникетов, раздачей автографов, а некото-рых - даже селфи с собой. А вот Андрею Хлывнюку зрительской любви было, видимо, чересчур много. Со сцены он намекнул, что


музыканты - такие же люди, и временами хотят про-сто послушать других музыкантов или попить кофе вместо того, чтобы бесконечно раздавать автогра-фы и фотографироваться.

Традиционной фишкой “Республики” стал обмен телевизоров на билеты и скидки. Телевизоры в глазах организаторов - это “зомбоящики” и корень зла. Поэтому от них надо избавляться. Родителю “Республики” Андрею Зоину такая идея пришла после десяти лет жизни в Испании. По его словам, испанская молодежь очень активная, интересует-ся и разбирается в том, что происходит в стране и в мире. По возвращении оттуда Андрей захотел расшевелить и украинскую молодежь, и теперь ре-ализует эту задачу через созданный им фестиваль. Кроме зомбоящиков в этом году предложили из-бавиться еще и от старых ковров. Всего к началу фестиваля набралось около 100 предметов, с ко-торыми люди добровольно распрощались. Ковры организаторы пообещали использовать для обо-рудования репетиционных баз некоторых музыкан-тов, которые выступали здесь.

Еще одна неотъемлемая часть “Республики” - это стрит-арт. В завершающий день фестиваля экс-курсовод Денис провел журналистам экскурсию по граффити, оставленных на стенах Каменца-Подольского за последние пять лет. Все объекты за время экскурсии охватить не удалось, поэтому основное внимание было уделено тем из них, ко-торые размещались в старом и частично в новом городе. Среди увиденных картин одна из новинок была нарисована всего за неделю до начала фе-стиваля аргентинским художником с подольскими корнями Хорхе Помаром. На картине высотой в пя-тиэтажный дом изображены флаги разных стран, которые по задумке автора символизируют то, что

не имеет значения, в какой стране мы живем и на каком языке говорим - все мы дети одной плане-ты. Но это еще не все новинки на этот год. После завершения музыкальной части “Республики” Ан-дрей Зоин и компания займутся художественной его частью. Каменец-Подольский еще пополнится картинами Михаила Коробкова, Анны Звягинцевой и команды художников из Одессы “М-97”. К выбо-ру художников, как и к выбору музыкальных кол-лективов, организаторы подходят, руководству-ясь одним принципом - это должны быть люди из абсолютно разных уголков Украины. “Уже пять лет мы привозим группы с востока и Крыма. Мы хотим, чтобы они приезжали к нам, видели кто мы и как мы живем. Это Горловка, Краматорск, Донецк, Лу-ганск, Севастополь. В этом году все они тоже тут”, - говорит Андрей Зоин. Таким способом организа-торы пытаются донести мысль, что единственная республика, имеющая право быть на территории Украины - это одноименный фестиваль.

После завершения фестиваля его создатели берут трехнедельный тайм-аут, а позже приступят к под-готовке следующей, уже шестой по счету “Респу-блики”.



РЕКОМЕНДУЕМ ПОСМОТРЕТЬ

Федор Шевченко

1. Джеймс Браун: путь наверх (2014) Get on Up

Режиссер: Тейт Тейлор.Актеры: Чедвик Боузман, Нелсан Эллис, Виола Дэ-вис, Октавия Спенсер, Дэн Эйкройд, Ленни Джеймс.

В нашу, как бы выразился бессмертный Фрэнсис Скотт Фиц-джеральд, “эпоху клубняка, репа и поп-певиц” не каждый уже вспомнит имя крестного отца соула или, как он сам себя на-зывал, “мистера Динамита” – Джеймса Брауна. Дорогие чи-татели, на этот раз жерла Голливуда сняли нечто действитель-но стоящее, что затронет душу не только заядлого меломана и обычных любителей петь в душе по утрам назло соседям, но и просто ценителей хорошего кино. Фильм рассказывает о человеке невероятно сложной судьбы. Поднявшись в оди-ночку на самый верх из полнейшей нищеты, Джеймс был в центре той кардинально новой волны, которая впоследствии дала толчок для развития всех музыкальных стилей современности. Помимо этого он вошел в историю, как активный гражданский деятель и ярый защитник прав черных, что, естественно, сделало Брауна кумиром молодежи тех лет. Однако, несмотря на бешеное количество фанатов и поклонниц, его всю жизнь преследовало одиночество, и когда пришла “осень патриарха”, певец остался один на один со славой и собственными убеждениями.Так стоил ли пройденный путь финала? У самого Джей Би мы точно ничего не выудим, но несмотря ни на что, до последнего вздоха он продолжал зажигать мир своей музыкой и танцем, сводивших с ума миллионы.

2. Кадиллак Рекордс (2008) Cadillac Records

Режиссер: Дарнелл Мартин.Актеры: Эдриен Броуди, Джеффри Райт, Бейонсе Ноулс, Гэбриел Юнион, Коламбус Шорт.

Согласно Википедии, это фильм о сексе, кадиллаках, рок-н-ролле, чикагском блюзе и самом Чикаго 1950-х годов. Да, секса и блюза там хоть отбавляй, но также это картина о человеке, давшем чернокожим исполнителям Америки шанс доказать всему миру и себе, что и они на что-то спо-собны – основателе лейбла “Chess Records”, Леонарде Чеззе (Эдриен Броуди). В “Кадиллак Рекордс” расска-зывается о жизни и пути становления таких музыкальных легенд, как Мадди Уотерс, Литтл Уолтерс, Хоулин Уолф, Этта Джеймс, Чак Берри, Вилли Диксон и Роллинг Стоунз.

Но если абстрагироваться от имен, высеченных золоты-ми буквами в Зале славы рок-н-ролла, то получим ленту о человеческих взаимоотношениях, о дружбе и верности,

1

2


о выборе, который мы делаем каждый день. Приправьте все это коктейлем из зажигательной музыки, подсолите скользящим визгом слайда по грифу электрогитары, поп-корн в одну руку, друзей – в другую, и получите атмосферу шестидесятых для всей компании.

3. Убить Боно (2011) Killing Bono

Режиссер: Ник Хэм.Актеры: Бен Барнс, Роберт, Шиэн, Кристен Риттер.

Жили-были когда-то в Дублине два брата – Авен и Нил Маккормики, которые учились в одном классе с Полом Дэвисом Хьюсоном, плевали в реку Лиффи, мечтали о славе и параллельно играли фолк-рок в своем гараже, а потом вдруг Пол стал Боно, его группа The Hype пре-вратилась в U2, и все изменилось. Дабы поспеть за одно-классником, ирландские братья решают рвануть в Лон-дон, но и там, будто по велению злого рока, каждый успех соперников добавляет им лишь новых неудач. И тогда в голове у Нила рождается идея – им надо убить Боно...

3


РЕКОМЕНДУЕМ ПОЧИТАТЬ

МАРКИ РАМОН “ПАНК-РОКОВЫЙ БЛИЦКРИГ”Оригинальное название: Marky Ramone: Punk Rock BlitzkriegИздательство: Music Press BooksДата выхода: 3 сентября 2015

Жутко громко (первые два предло-жения в аннотации от издательства капслоком) и запредельно близ-ко (в первые дни осени), почти как бестселлер с вышедшим сроком давности, заявляет о себе био-графическая книга Марки Рамона “Панк-роковый блицкриг”. Парень успел создать коллекцию денима с Томми Хилфигером и даже за-пустить линию соусов к пасте соб-

ственного имени, значит, как делать рекламу, он знает.

Книга обещает “аутентичный, пря-мой и всегда честный взгляд на людей, которые изобрели заново рок-музыку”. Да-да, ни больше, ни меньше, именно изобрели заново, и не кто иной, как Ramones. Если же опустить все громкие заявления, то книга однозначно понравится фанам группы, ведь Марк собирается рас-сказать о Ramones от самых исто-ков, через алкогольные и прочие за-висимости и до самого счастливого момента воссоединения группы. За чтение также стоит браться любите-лям покопаться в подноготной панк музыки и американской рок-сцены 80-х годов. А если же вам интерес-на оборотная сторона славы рок-звезды, лучше еще раз перечитать “Героиновые дневники” Никки Сикса.

БИЛЛИ АЙДОЛ “ТАНЦУЮ САМ С СОБОЙ”Оригинальное название: Dancing with MyselfИздательство: Simon & Schuster LtdДата выхода: 1 октября 2015

Это мемуары о лихих 80-х, которые действительно стоит почитать. Не-зависимо от того, кем для вас явля-ется Билли Айдол: идолом или, как некогда писал его учитель химии, лентяем. Книга расскажет историю Майкла Броуда до “секса, наркоти-

ков и рок-н-ролла”, поведает о том, как волна панка захватила скромно-го парня из Стэнмора и превратила его в легенду рока. Айдол расскажет о временах “Контингент Бромли”, верных спутников Sex Pistols, сре-ди которых были Siouxsie and the Banshees, Chelsea, Generation X и об успешной сольной карьере. По-советует, как попасть на MTV даже с самым провокационным контен-том и заполучить качественного сессионного гитариста, обладателя “Грэмми”. “Танцую сам с собой” – это захватывающая история взлетов и падений, приправленная хлестким юмором и толикой самоиронии.

Елена Слободенюк


ПАТТИ СМИТ “ПОЕЗД М”Оригинальное название: M TrainИздательство: Bloomsbury Publishing PLCДата выхода: 6 октября 2015

Отечественный читатель уже зна-ком с книгой “Просто дети”, первой частью автобиографии Патти Смит. Кажется, что только совсем недав-но она анонсировала начало рабо-ты над второй книгой, и вот “Поезд М” уже в пути. Если первая книга была сосредоточена на Нью-Йорке и больше походила на любовный ро-ман не столько с городом, сколько с фотографом Робертом Мэпплтор-пом, то вторая увлечет читателя в дебри экзистенциальной грусти о “неизбежных утратах, с которыми мы все сталкиваемся в жизни”.

“Поезд М” отправится в путь из кафе в Гринвич-Виллидж, где Пат-ти Смит каждое утро наслаждалась чашечкой черного кофе, в Мекси-ку, Германию и США. Путешествие от Каса Азул (сейчас музей Фриды Кало) до Берлина и обратно на ро-дину пронизано размышлениями о сути творчества и писательском ремесле. По дороге к осмыслению себя она посещала могилы Жана Жене, Сильвии Плат, Артюра Рембо и Юкио Мисима. Многие музыкан-ты нашли вдохновение в творчестве Патти Смит, а теперь она открывает свой источник каждому, кто умеет по-настоящему слушать.

ДЖО ПЕРРИ, ДЭВИД РИТЦ “РОК-Н-РОЛЛ: МОЯ ЖИЗНЬ В И ВНЕ AEROSMITH”Оригинальное название: Rocks: My Life in and out of AerosmithИздательство: Simon & Schuster LtdДата выхода: 8 октября 2015

Основатель, лид-гитарист и автор песен Aerosmith Джо Перри пора-довал поклонников группы выходом своих мемуаров еще в прошлом году. Уже тогда книга побила рекор-ды продаж в своей жанровой кате-гории, и вот год спустя те, кому не хватило первого тиража, могут при-обрести переиздание. Теперь-то мы точно знаем, за что платим.В “Моей жизни в и вне Aerosmith”, начиная с предисловия, которое написал Джонни Депп, читатель найдет много громких имен. В кни-гу попали воспоминания о Джим-ми Пейдже, Эллисе Купере, Чаке Берри, Эле Хершфельде и Джоне Белуши. Обязательно читать всем, кто хочет прочувствовать запал шоу, которые собирали стадионы, и при-коснуться к истории звезд Зала сла-вы рок-н-ролла.

Сам же Джо Перри заверяет, что книга не только о блеске славы, но и о семейных ценностях. Да вот толь-ко кто захочет читать о счастливом, вот уже как тридцать лет, семьянине Джо, когда есть тот самый парень, который заводит толпу с первого ак-корда?

ДЖОН КАРТЕР КЭШ “ДОМ КЭША: НАСЛЕДИЕ МОЕГО ОТЦА, ДЖОННИ КЭША”Оригинальное название: House of Cash: The Legacies of My Father, Johnny CashИздательство: Insight Editions, Div of Palace Publishing Group, LPДата выхода: 8 октября 2015

Еще одно переиздание прошлогод-ней книги. В этом году “Дом Кэша” выходит в мягкой обложке, версия для тех, у кого не хватило кэша на шикар-ное издание с дорогой полиграфией и фотографиями за полторы сотни евро. Здесь должна быть неперево-димая английская шутка о том, что десять лет назад у нас был Кэш, Хоуп и Джобс, а теперь нет ни денег, ни на-дежды, ни работы. Но если говорить серьезно, то эта книга, написанная единственным сыном Джонни Кэша и Джун Картер, “маст хэв” для всех тех, кто давно заслушал до дыр пластинку “At San Quentin”, пересмотрел в сотый раз “Переступить черту” и перечитал все, написанное Человеком в Черном.Это чрезвычайно личная биография о натуре страстной, чья музыка была отражением его жизни. Книга со-средоточена скорее на внутреннем мире Джонни Кэша, на становлении ценностей и семейных отношений, нежели на его публичной жизни, ярких выступлениях и толпах по-клонниц. “Дом Кэша” можно назвать последним разговором отца и сына о глубоко личном и общечеловече-ском одновременно.

CVP-709

JAM Music Magazine 11 Autumn 2015

Documents

Transcript of JAM Music Magazine 11 Autumn 2015