Guitar Fair Magazine n13, Enero 2016.

UITAR AIRmagazineAll about the World of Guitar

G FEnero 2016

Nº 13

Guitar Fair Magazine · Copyright

MIGUEL ANGEL CORTES

REPORTAJES

El Rincón Sonoro

PROFESIONALES

Referente en tradición y modernidad

Miguel Angel CortésSantiago Pigmalión

by Abel Franco

Motörhead - Ace of Spades by Antonio Fernández Morell

Históricos: Marcos Kaiser Acústica: Akito Matsuda

Archtop: Mirabella Guitars Eléctrica: Lodato Guitars

Bajos: Willi Guitars

CONTENIDO

Miguel Ángel CortésPremio Giraldillo Al Toque 2014.

Santiago PigmaliónPor Abel Franco

6 Históricos - Marcos KaiserInstrumentos históricos desde Brasil.

18 Acústica - Akito MatsudaAcoustic Guitars & Ukeleles

22 Archtop Jazz - Mirabella GuitarsBalanced in the Art of Fine Stringed Instruments

32 Eléctrica - Lodato Guitars Italian Handmade Guitar & Bass

44 Bajos - Willi LuthierGuillermo Crisci, el arquitecto de bajos.

12 Miguel Ángel CortésReferente en tradición y modernidad.

38 Santiago PigmaliónLa pedagogía en la guitarra

50 Motörhead - Ace of Spades (1980)Por Antonio Fernández Morell.

REPORTAJES PROFESIONALES

EL RINCÓN SONORO

TeamGUITAR FAIR MAGAZINE: No. 13 · Enero 2016 · Año 2 · GENERAL MANAGER: José Luis Mármol · GRAPHIC DESIGN: Guitar Fair Magazine COLABORADORES: Manuel Fernández Morell, Abel Franco, · PORTADA: Miguel Ángel Cortés (Foto: GFM).

IndexGFM

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Guitar Fair Magazine - Enero 2016

All about the World of Guitar

UITAR AIRmagazineG F


International trade fair for guitars & basses

Passion for the instruments

GUITAR FAIR

Reserved SoundsRecording Audio Works

Especialistas en grabaciones en vivo para profesionales del Clásico, Jazz,

Flamenco, Barroco, Étnico, etc.

Contacto: [email protected]

Instrumentos históricos desde Brasil

Marcos Kaiser Early Musical Instruments

HistóricosGFM

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mis labores de práctica con pregun-tas acerca de las técnicas históricas o modernas. Después de todo, lo que más cuenta ¿qué es? ¿replicar mecanismos viejos o la mejora de las piezas individuales? Aquel am-biente fomentó mi curiosidad hacia la sonoridad, las diferentes técnicas, y fue genial el poder experimentar. Como recompensa por mi trabajo, me ofrecían el taller y maquinaria para hacer avanzar mis propios instrumentos.

de lo que vino después. La pasión por los instrumentos y la realización estuvo siempre ligada a este tipo de “territorio sueño”. Inicio Cuando era adolescente, me volví loco queriendo tocar música antigua, así que busqué ayuda para construir mi primer instrumento. Después de terminar la escuela técnica (me gradué en Mecánica) necesitaba un período de prácticas, y tuve la suerte de encontrar trabajo en una fábrica de clavecines. Allí, a pesar de reali-zar un trabajo repetitivo, envolvía

Más tarde, recibí una beca para Hungría. Allí pasé dos años, estu-diando la restauración y la música tradicional. Después de eso, pasé un tiempo de aprendizaje con Alex-ander Hopkins, un constructor de laudes en Mallorca, España. Siempre pagué con trabajo el conocimiento que amablemente me fue dado. Aparte de la amistad y el respeto que cultivé con estos profesionales, tuve la rara oportunidad de aprender un oficio como se hacía en el pasado: como aprendiz.

Al asistir a la escuela secundaria en Brasil, tuve que estudiar lejos de casa. Tenía que subir al autobús a las 6 AM, y para

ello debía despertar alrededor de 05 a.m. para que me diera tiempo de arreglarme! Afortunadamente, en la Radio Clásica, era el momento exacto para una emisión especiali-zada en música antigua (medieval, renacentista y barroca). Mi interés por la música antigua comenzó entonces. Fue mágico; transportó mis pensamientos lejos, y la forma

Históricos

¿Qué fue lo que vino primero: la innovación técnica o la necesidad artística?

GFM

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El porqué El porqué construir instrumen-tos históricos tiene que ver con el debate en torno a ¿qué fue lo que vino primero: la innovación técnica o la necesidad artística? Se sabe que en algún momento de la historia los compositores comenzaron a hacer uso de los más elaborados recursos armónicos, pero ¿qué fue primero? ¿el agotamiento de un modelo artístico y la posterior búsqueda de nuevos medios, o la invención y/o el descubrimiento de una nueva téc-nica que hace posible el uso de estos recursos? Esta es la pregunta que el enfoque histórico trata de resolver, con paciencia, con la reconstrucción de instrumentos musicales tempra-nos, con nuestros oídos modernos,

información y sensibilidad, y un enorme respeto por los logros de otros luthiers del pasado, sintetizado en la re-creación de objetos puede que nos ayuden a comprender las culturas perdidas en el tiempo.

Instrumentos Hago laúdes y guitarras barrocas. El laúd, derivado del oud árabe que tuvo Europa a partir del Siglo XV, se utiliza hoy en día para tocar un gran repertorio musical, desde el

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Renacimiento al Barroco. El instru-mento en sí tiene innumerables variaciones, pero terminó siendo olvidado y relegado a objeto de exhibición para museos en algún momento de la historia, hasta que fue ‘re-descubierto’ en el Siglo XX. La Ibérica ‘Reconquista’, coincide con la primera aparición de la Vihuela, el predecesor de la guitarra tem-prana. Este instrumento tiene una historia fascinante, y centrarse sólo en las guitarras barrocas ya es una tarea abrumadora. Hay demasiados modelos y escuelas, y en relación con España, hay muchas variaciones aún a la espera de ser estudiadas. Modelos Las guitarras barrocas que ofrezco se dividen principalmente en tres

familias: francés, italiano e ibérico. Los modelos franceses siguen modelos existentes de alrededor de 1740, de la familia Voboam. Eran hermosos instrumentos, con marquetería y rosetas intrincadas, construidas sobre un marco de luz, y chapadas en materiales exquisi-tos. A veces la parte trasera estaba hecha de abeto, chapeada. Los modelos italianos tienen, con la excepción de un modelo de Antonio Stradivari, generalmente espaldas cóncavas, trabajando en varios pentagramas, con un sonido un poco más incisivo. Por último, el grupo ibérico se compone de copias de instrumentos

como el Belchior Dias en la Real Academia de Música, otros instru-mentos de espalda plana, traseras estriadas y abovedadas atribuidas al mismo autor, e instrumentos basados en modelos existentes aun en los museos. Este grupo gener-almente están adecuados para la técnica del “rasgueado” y a veces, se encuentran manchas especiales sobre la caja de resonancia, propias del uso de técnica con pulgares. Materiales Al establecerme yo mismo como constructor, me especialicé en el uso de técnicas tradicionales. No uso herramientas eléctricas, o pegamen-tos sintéticos, en la creencia de que el uso de técnicas históricas puede ayudar a una mejor comprensión del

No uso herramientas eléctricas, o pegamen-tos sintéticos, en la creencia de que el uso de técnicas históricas puede ayudar a una mejor comprensión del diseño, la construcción, y las opciones prácticas que llevó al desarrollo de los instrumentos de cuerda en su tiempo.

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diseño, la fabricación, y las opciones prácticas que llevó al desarrollo de los instrumentos de cuerda en el tiempo. Los instrumentos musicales no son más que herramientas, y para llegar a las formas artísticas del pasado, el uso de las técnicas y he-rramientas adecuadas es sólo el co-mienzo. Teniendo esta idea siempre presente es como comienzo a tra-bajar, la planificación de la madera a mano, uniendo las piezas con cola animal, con mi propio barniz, con resina de pino o ámbar elaboradas con recetas del Siglo XVIII, siguiendo una rutina de trabajo similar a la de los constructores antiguos. Las maderas son principalmente de Europa, del tipo adecuado para el espacio y el tiempo en que se hizo el instrumento original. Las maderas

tropicales solo cuando tienen alguna justificación. Es un placer cuando por fin tengo la excusa perfecta para utilizar el palo de rosa, caoba y elementos exóticos que he estado guardando celosamente durante estos años. Características Aparte de la resonancia, carácter, capacidad de toque, todas estas cosas, creo que es la investigación fresca que llevo a cabo, ese espíritu de indagación que figura en todos los aspectos de la práctica. Después de todo, ¡los instrumentos históricos son un tema vibrante! Es nuestro privilegio, como seres del Siglo XXI, poder mirar al pasado hoy en día con tantos recursos. Contrarres-tar la arrogancia de pensar que podemos comprender las culturas del pasado fuera de sus contextos, con la humildad de tratar de recrear

estos contextos. Y esta es una idea relativamente nueva. No hay que “arreglar” o “mejorar” como se hizo hasta el siglo pasado, pero sí parar, pensar, entender. Donde Habitualmente trabajo en contac-to directo con los músicos, a través de una lista de espera, y apariciones ocasionales en exposiciones.

MARCOS KAISER www.marcoskaiser.com [email protected] Natingui 1071. Vila Madalena SP São Paulo. 05443-002 Brazil.Tlf: (55 11) 30310745

Centrarse solo en el estudio de las guita-rras barrocas ya es una tarea abrumadora.

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International trade fair for guitars & basses

Passion for the instruments

GUITAR FAIR

Profesionales

PREMIO GIRALDILLO AL TOQUE 2014

Bienal de Flamenco - Sevilla

Por su madurez en todas las facetas de la guitarra flamenca

GFM

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ProfesionalesGFM

nal las empecé con catorce años. Por aquel entonces necesitaba un permiso de mi padre para poder tra-bajar y poder salir fuera de España. Recuerdo que era la compañía de Rafael Aguilar, con el ballet fla-menco “Diquela de la Alhambra”. En aquella gira ya estaba acompañando a jóvenes artistas, hoy ya consagra-dos como son Antonio Canales entre otros. En el primer año iba con mi hermano Paco Cortés, también gui-tarrista, pero a los siguientes años ya empecé a viajar solo y a conocer mundo. Tras aquello empecé a tocar para las figuras de aquel momento, como eran Canales, Javier Barón, Ramírez, Manolete, Mariquilla, Sara Baras, cuando todos éramos unos niños aun… Allí empezó todo.

¿Quien fue tu gran maestro en aquellos años? Destaco al primer profesor que

Todo empieza en las cuevas de Sacromon-te de Granada donde trabajaban mis padres. Fue una cosa natu-ral, desde niño y sin

darme cuenta, era una cosa natural. Con 4 años cogía la guitarra e imita-ba todo lo que veía como si fuera un juego. Es curioso como esto mismo lo hacen mis hijos ahora… Ya con ocho años aprendía tocan-do en los escenarios de las zambras, y poco después ya acompañaba al baile a artistas locales y tocando en algunas peñas, dándome esto algún dinero para comprar cuerdas y pequeños detalles. En aquella época compartía escenarios dispares y en numerosas ciudades, donde también acompañaba a diferentes artistas, algunos de ellos muy jóvenes, como Eva Yerbabuena, Beatriz Martín, etc. Mis primeras giras como profesio-

Referente en tradición y modernidad.

MIGUEL ANGEL

CORTESCortés en la prueba de sonido

antes de un concierto.Photos by Guitar Fair Magazine

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tuvimos mi hermano y yo, Pepe Amaya, hermano de mi padre, gran persona y muy culto, aunque no llegó a profesional. Aquel gitano que sabía leer música me enseñó las raíces del flamenco en la guitarra. Recuerdo que una vez aprendí el camino me iba muy joven con mi es-tuche, de aquellos antiguos, andan-do hasta el Albaicín donde vivía él. En aquella época no teníamos móvil para poder grabar las clases, y cuando me ponía un estudio me quedaba memorizándolo y tarareán-dolo durante todo el camino de vuelta, hasta que llegaba a mi casa y me ponía a practicarlo, y hasta que no lo tenía de memoria no dejaba la guitarra. Esta manera de aprender, dentro del mundo del flamenco, creo

Todos los cantes tienen sus leyes. Es un legado de muchos años de his-toria y de gran riqueza que se ha de conocer para poder avanzar.

que fue muy productiva.Cuando me inicié en el acompaña-miento al cante, con quien real-mente aprendí fue con Doña Carmen Linares, considerada La Gran Dama del Cante, con quien estuve 15 años trabajando, así como con mi hermano. Era una época donde no parábamos de viajar y trabajar, y a la vez iba formándome y creciendo como músico. También, el participar en la gra-bación de “Omega” junto a Enrique Morente, supuso un impulso impor-tante en mi carrera. El poder aportar

mi sonido en una de las grabacio-nes históricas del flamenco me dio universalidad, aparte de poder girar por todo el mundo junto al Maestro Morente.

Durante aquella época me iba guiando bajo las indicaciones de los artistas y sobre todo de mi hermano, con el que me llevo 15 años de

diferencia. Una vez cumplidos los 30 sentí la necesidad de proponer mi propia visión como músico y guita-rrista, y fue entonces cuando me vine a Sevilla a labrarme una carrera como guitarrista acompañante al cante, y también como solista. Todo aquel bagaje de tantos años me ha llevado a ser altamente valorado por los más grandes cantaores actuales.

ProfesionalesGFM

Miguel Ángel Cortés en plena grabación

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ProfesionalesGFM

¿Que se necesita para ser un gui-tarrista solista?

Pienso que el guitarrista solista debe de pasar por tres niveles:

Primero debe acompañar al baile, que a su vez ya acompaña al cante también. Esto te ayuda a coger ritmo, y fuera y soltura en las manos.

Luego viene el acompañar al cante para impregnarte de todos los palos y giros, buscando tu sitio como guitarrista, teniendo en cuenta siempre el no molestar al cantaor. Todos los cantes tienen sus leyes, con entradas, salidas, falsetas, etc. y es un legado con muchos años de historia y de una gran riqueza, que se ha de conocer para poder avanzar. Para llegar a un alto nivel lo primero debes ser muy aficionado al cante, además de tener cualidades. Quizás se deba ser un cantaor frustrado, como lo soy yo.

Una vez ya te sientes cómodo con estos dos niveles se podría decir que estás más capacitado para proponer tu propio camino como guitarrista, pero aun así, ser solista es muy difícil. En muchas ocasiones vemos a chicos de 20 años queriendo

mostrarse como solistas, y su falta de experiencia la notamos al primer toque.

Por si fuera poco todo esto, además el solista debe tener perso-nalidad, y esto es lo más difícil. En ocasiones hay guitar-ristas que muestran personalidad incluso acompañando al cante, como podrían ser al Maestro Manolo Sanlucar o Pepe Habichuela, que solo con escucharlos, y sin verlos, ya sabes quienes son. Y por último está proponer temas buenos y que se ganen a la gente.

¿Características buscas en tus guitarras? Sobre todo buen sonido, que suenen a flamencas, que sean cómo-das y que estén bien equilibradas. Me gustan las guitarras con persona-lidad, con un timbre propio y único. El sonido de la guitarra flamenca es difícil de conseguir, ya que queremos lo mejor de todas las características posibles, graves generosos, medios nasales y proyectados, agudos sedo-sos. No suelo fijarme en aspectos como el tipo de madera, y sí mucho en la comodidad, ya que le dedico entre 6 y 8 horas diarias al estudio, y no puedo terminar con las manos reventadas.

¿Con que constructores de guitarra trabajas actualmente?

A día de hoy toco con guitarras de Juan Miguel González y de Ramírez. Son dos constructores de gran pres-tigio y calidad, avalados por muchos años de profesión. Cada una de estas guitarras me da colores diferentes, pero no puedo decidirme por una sola. Mi guitarra González me da un timbre muy flamenco y a la vez redondo y cálido. Mi Ramírez no me sorprendió, ya que todos los profe-sionales conocemos la personalidad de este taller y el timbre que nos

Detalle de su nueva guitarra José Ramírez, réplica Ramírez I de 1913.

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Cortés en los estudios de Reserved Sounds / Ynsyde en

pleno proceso de mezcla.

Detalle de su exclusiva guitarra Juan Miguel González

ofrece. La que tengo actualmente es una réplica de Ramírez I de 1913, y sinceramente tiene un sonido fla-menco elegante sin igual, sin contar que tiene unos detalles en el puente y en la roseta que la hacen única.

¿Quienes son los artistas con los que trabajas actualmente?

En estos últimos 10 años estoy vinculado a la calidad de Esperanza Fernández y Arcangel, artistas ya consagrados, y desde hace poco más de dos años a Rocío Márquez, quien está alcanzando el éxito en varios de los festivales y escenarios más importantes del mundo, como son el Teatro Real y el Palau de la Música

en España, o la Ópera National de Lorraine à Nancy en Francia. Rocío es una artista joven, que reivindica el Cante de Marchena pero con una visión actual. Y de forma más pun-tual suelo trabajar con otros artistas como son Estrella Morente, Marina Heredia, etc.

¿Que significa el nombre de José María Gallardo del Rey para ti? Una de las mejores cosas que me ha pasado en la vida ha sido conocer a mi “Hermano” Gallardo. Ya nos conocíamos desde que era un niño, y habíamos coincidido en un espectáculo de María Pagés, tocando La Amargura por primera vez en El Generalife en Granada, y desde entonces habíamos perdido el con-tacto. Un día lo llamé para partici-

ProfesionalesGFM

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par en un disco que grabé con una pieza dedicada a mi hijo, llamada El Calvario, y desde aquel momento no nos hemos vuelto a separar.

José María representa para mí la más alta sensibilidad en la compo-sición para Guitarra Española, mención aparte de su virtuosismo como intérprete internacional. Sus composiciones suenan a universal, a español y a flamenco por igual.Un día surgió la idea de realizar un trabajo que volviera a hermanar la Guitarra Flamenca y la Guitarra Clásica, históricamente unidas y que en las últimas décadas se habían vuelto casi enemigas o desconocidas entre sí. Quisimos hacer un “Acuerdo de Paz” y unir nuestros mensajes a favor de la Guitarra Española. Este trabajo se lanza bajo el nombre “Lo Cortés no quita lo Gallardo” donde aportamos por igual nuestra visión musical en diferentes piezas para dúo de guitarras, y con el que esta-mos recogiendo grandes críticas, así como numerosos conciertos dentro y fuera de España, uno de ellos fue en la pasada edición de Guitar Fair en Málaga.

Pretendemos que esto sea un sello con el que seguir mostrando un diálogo de calidad entre el Flamenco y el Clásico, donde podamos propo-ner nuevos lanzamientos, quizás con obras propias y también de otros autores y estilos. Romper con esa visión negativa que en algunos foros se sigue manteniendo, donde “El clásico es el que viste bien, sabe leer y estudiar, mientras que el flamenco es anárquico, siempre de juerga y de madrugada…” Algo con lo que en absoluto estamos de acuerdo.

¿Que nuevo proyecto tienes en cartera?

En estos momentos estoy tra-bajando con una propuesta para guitarra sola, donde me lanzo como solista y sin acompañamiento algu-no. Busco llenar el espacio sonoro como mi forma de ver la Guitarra Española y mis experiencias vividas. Para ello le he pedido a José María Gallardo que sea mi director musical, y que componga los motivos de este trabajo, para que después lo pueda llevar a mi terreno, con mi forma de interpretar y mi técnica.

Rara vez un guitarrista flamenco se sube a un escenario tocando obras compuestas por otro artista

pensando en el solista, y creo, por lo que llevamos avanzado, que dejará una muy grata impresión. Estáis todos invitados al estreno de este proyecto, que se hará en la próxima Bienal de Flamenco en Sevilla, el día 24 de Septiembre a las 23:00 horas en el Teatro Central.

MIGUEL ANGEL CORTESManagement: Manu Fernández Tlf: +34 - 618 74 22 25 facebook.com/miguelangel.cortes.75

ProfesionalesGFM

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de los planos y conseguía apoyarme en fotografías e ilustraciones. Afortunadamente, uno de mis amigos también tenía muchas gui-tarras de diferentes constructores, y todas ellas maravillosas. Eso me ayudó a tenerlas como referencia.

También John Greven, luthier de Portland (Oregón - USA) ejerció una gran influencia en mí. Soy dueño de una de sus guitarras, un instru-mento rico en sonido, y esto hizo que buscara la oportunidad de comenzar como luthier.

Empecé a aproximarme a la construcción de instrumentos de forma autodidacta. Compré li-bros y videos americanos sobre la construcción de

la guitarra, y aunque mi inglés no era muy bueno, seguía las indicaciones

”Me siento muy feliz de ser luthier: Me encanta el arte de construir instrumentos, y en ocasiones hasta consigo ganar dinero…”

AKIO MATSUDAACOUSTIC GUITARS & UKELELES

AcústicaGFM

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La mayoría de mis clientes me piden rosewood de Brasil para la trasera y los lados. La característica más notable es su aspecto estético. Después del último acabado el color cambia de forma espectacular. También el sonido es muy sexy en todo el registro, desde el grave al agudo. Es una madera increíble.

Materiales y característicasLa mayor parte de la parte superior de mis guitarras son de abeto alemán. Su característica sonora es de dulces agudos con armónicos suaves. El color es muy blanco y a veces aparece con bearclaw. Esto último personalmente me gusta mucho.

El inicioMi profesión ha sido durante mucho tiempo la de fontanero. Empecé a construir guitarras primero porque soy guitarrista también, y no estaba satis-fecho con los instrumentos que encontraba por aquel entonces.

AcústicaGFM

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InlaysLas incrustaciones originales son la mayor característica de mis guitarras. Mi esposa se encarga de los diseños y grabados e insertamos un solo modelo por guitarra, lo que las hacen únicas en el mundo. Ella dibuja el diseño original de acuerdo al motivo que nos traslada el propio cliente. Utilizamos conchas, maderas estabili-zadas y piedras reconstituidas como materiales, buscando expresar, en la medida que nos es posible, los colores de los motivos. Apenas hay luthiers en Japón que hacen trabajos de incrus-tación por sí mismos. http://www.waterroad-guitar.com/inlays/

AcústicaGFM

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Modelos Hasta el momento construyo cinco modelos, con la intención de añadir dos más en el futuro próximo:Deep Arte (Small Jambo), Merodia (OM /000), Type-D (Dreadnought), Couch（(Traditional Parlor) y Arte (Grand Concert).

Una forma de vida Estoy muy feliz de ser luthier: Me encanta el arte de construir instrumentos, y en ocasiones hasta consigo ganar dinero… Llevo una vida tranquila y sin estrés, me puedo tomar mi tiempo y hacerlo lentamente, recreándome en todos los detalles.En cuanto al trabajo de los inlays, la colaboración con mi esposa hace que sea más fácil la comuni-cación con los músicos. Me llamo a mí mismo un “wood-fetiche”, disfruto haciendo guitarras con diversas maderas.

Donde Principalmente realizo mis instrumentos pen-sando en mis distribuidores en Japón, que son los siguientes: www.blue-g.com/, www.dolphin-gt.co.jp/, www.mikigakki.com/umeda-acoustic/

Endorsees Mis guitarras son tocadas por algunos de los más renombrados instrumentistas de Japón, como sonKazumi Watanabe, Masaaki Kishibe y Ryouhei Simoyama.

Me gustaría nombrar a dos jóvenes promesas del arte de la construcción de guitarras, que sin duda encontrarán mucho éxito con sus instrumentos:Hiroshi Ogino y Keisuke Nisi.

WATER ROAD GUITARSLuthier Akio Masuda www.waterroad-guitar.com [email protected] omama 381-1. Midorisi gunmaken - Japan（376-0101

AcústicaGFM

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La investigación y la comprensión en la colocación de los Sound Hole Bridges ofrecieron a Mirabella mejorar su rendimiento, y permitir a la guitarra tener una respuesta rápida y efectiva, nunca antes conseguida.

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Empecé a tocar la guitarra a la edad de cinco. Mi padre era músico clásico y tenía la esperanza de que me convirtiera en un guitarrista clásico, pero

a esa temprana edad yo estaba más interesado en mis juguetes y carecía de la disciplina necesaria. Desgraciadamente mi padre falleció sólo cuatro años más tarde. Destrozado por la noticia, inespera-damente encontré refugio el instru-mento y sus sonidos, y empecé a jugar a ser Jimi Hendrix. A partir de ese momento, y a la edad de nueve años, me convertí

by Cristian Mirabella - Luthier.

Mirabella GuitarsBalanced in the Art of

Fine Stringed Instruments


Archtop JazzGFM

La investigación y la comprensión en la colocación de los Sound Hole Bridges ofrecieron a Mirabella mejorar su rendimiento, y permitir a la guitarra tener una respuesta rápida y efectiva, nunca antes conseguida.

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en inseparable de mi guitarra, y mi amor por estos instrumentos empe-zó a crecer, algo que continúa aún a día de hoy...

Inicio Crecí en Long Island, y a princi-

pios de los 80 me ofrecieron algo muy singular, la gran oportunidad de aprender el arte de Luthería. El ser en aquel momento el apren-diz de una de las tiendas de guita-rras más importantes de la Costa Este me dio acceso diario a un sinfin de instrumentos de época, conocer a muchos de los mejores guitarristas de la época, así como al fallecido lutier Jimmy D’Aquisto y ahora mi

amigo John Monteleone.

Actualmente soy más conocido por mis guitarras Archtop Jazz, aun que también ofrezco modelos eléc-tricos y hago un pequeño número de mandolinas y bajos.

MaterialesMis instrumentos se construyen

utilizando arces europeas para los lados y la trasera. El abeto alemán lo utilizo para la parte superior, y los motivos son a menudo de ébano, pero a veces puede ser Rosewood, Koa, y otros materiales exóticos.

Para mí es muy importante no olvidar que estoy construyendo una herramienta de trabajo para el músico, sin dejar de lado la belleza del instrumento. Así, por lo tanto, debe existir un equilibrio entre el arte visual y la ciencia acústica del instrumento. Creo que esto es lo que muchos de mis clientes están bus-cando en mí y en mis instrumentos. Una guitarra que de una capacidad de toque incomparable y que sea visualmente estimulante.

ModelosLos modelos que construyo prin-

cipalmente son cuatro:

The Jazz Classic - un instrumen-to de estilo tradicional con orificios “F”, incrustaciones de perlas y los enlaces de celuloide. La guitarra uti-liza “X” arriostrados, con una escala de 25,375 pulgadas. Construido con arce europeo y abeto alemán, que se puede pedir en un varios colores o Vintage Sunburst o rubio. Los motivos son de ébano.

The Jazz Moderne - Es uno de mis primeros diseños y Gracias a Dios es instrumento que aún solici-tan muchos músicos. El Jazz Moderne es una Archtop con gran hueco sonido que separa los agudos, graves y frecuencias medias de la guitarra, y permitir al guitarrista de Jazz muchos de los matices tonales en su registro agudo, sin sacrificar gran parte de su tono Archtop más popular. El instrumento utiliza un tradicional “X” tonificante y se ofrece en una escala de 25 o 25,375 pulga-das. Hecho de arce europeo y abeto alemán, la guitarra puede tener motivos de ébano Macassar o partes


laminadas personalizadas.

The Ovalhole - Este instrumento Archtop permite un sonido más abierto y es muy elocuente para el toque fingerstyle. Con una gran y cálida respuesta en la zona grave sin distorsionar, la guitarra está per-fectamente equilibrada en toda su tesitura. La guitarra usa “X” arrios-trados, viene en una variedad de escala de 25,375 o 25 pulgadas, y se ha construido usando arces euro-peos y abeto alemán. Los motivos son de ébano o se pueden pedir con laminados personalizados

The Trapdoor - “La Trampilla” es un diseño innovador. Mientras se mantiene dentro de la tradición, el modelo canaliza la transferencia y la reorientación de los sonidos de la guitarra a través de una serie de puertas. Dos orificios sonoros

laterales con puertas que se pueden cerrar, así como una tapa suspen-dida secundaria de picea en el lado bajo de agujero “F” permite al guitarrista para manipular la voz del instrumento, así como la dirección del sonido a través de los diferentes posicionamientos de las puertas. La guitarra utiliza un refuerzo “X” modi-ficado y se construye a partir arces europeos y abeto alemán para la tapa. Las estructuras interiores para las puertas laterales se construyen a partir de caoba de Honduras, así las puertas mismas están hechos de acero inoxidable pulido. El modelo ofrece escalas entre 25 y 25,375 pulgadas. Los colores, así como los motivos personalizados “One of a Kind” han permitido crear notables modelos, tales como “Carmella”, “Whale Watching Me” y “Bourbon on the Rocks”

Archtop JazzGFM

Para mí es muy importante no olvidar que estoy construyendo una herramienta de trabajo para el músico, sin dejar de lado la belleza del instrumento. Así, por lo tanto, debe existir un equilibrio entre el arte visual y la ciencia acústica del instrumento.

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El Crossfire - Es el más nuevo de los diseños Mirabella y ofrece un tradicional sonido corporal “vintage” al tiempo que entrega todas las evoluciones modernas en el toque y la capacidad tonal de un diseño mo-derno. El Crossfire utiliza un refuerzo “X” modificado y se construye con arces de Europa, con una cubierta de abeto alemán. Los motivos estándar son de ébano de Macasar, sin embar-go el modelo Deluxe utiliza motivos laminados.

InnovacionesHay varias innovaciones que se

pueden encontrar en los modelos Mirabella. Años de desarrollo en la boca de la guitarra han permitido a Mirabella el reconocer los beneficios del sonido de la “boca puente”. Mien-tras que antes otras guitarras habían

separado los orificios sonoros de sus instrumentos, la investigación y la comprensión en la colocación de estas separaciones o “sound hole bridges” ofrecieron a Mirabella me-jorar su rendimiento y permitir a la

guitarra tener una respuesta rápida y efectiva nunca antes conseguida. El uso de puertas Sound Hole o “trampillas” ha sido una revolución mostrada por Mirabella. A través

Archtop JazzGFM

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de la investigación y el diseño Mirabella Guitars ha encontrado la capacidad, no sólo de permitir al guitarrista escuchar el sonido del instrumento como nunca habían conseguido antes, sino también tener una proyección sonora varios pasos más allá y, de hecho ofrece al músico redirigir la voz de la guitarra, y cambiar el tono de un instrumento acústico según la configuración

elegida por el instrumentista. Esto permite adaptar de forma efectiva el sonido en múltiples formas.

DondeDurante muchos años Mirabella

Guitars se ha estado vendiendo directamente a los músicos que encargaban sus instrumentos. Aunque actualmente continuamos recibiendo peticiones de este modo,

son varias las boutiques de todo el mundo las que también realizan sus pedidos. Nuestros Instrumentos ya están disponibles en el Reino Unido, Europa y Japón.

EndorseesAlgunos de los mejores músicos

del mundo confían en nuestras guitarras, y actualmente nuestros endorsees son Ratko Zjaca y Steve Salerno.

Archtop JazzGFM

Gracias a la fortuna de estar en el lugar y el momento exacto, tuve la oportunidad de presenciar una redirección en las posibilidades de la Archtop como un instrumento moderno.

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Ratko Zjaca (www.ratkozjaca.com) es un músico innovador, después de haber estudiado con Joe pase, Jim Hall, Pat Metheny, Mike Stern, Bob Brookmayer, John Aber-crombie por nombrar unos pocos. Ha grabado con John Patitucci, Benny Bailey, Gary Peacock y muchos más, y en su haber tiene grabados nume-rosos discos, así como giras que programa con regularidad.

Steve Salerno (www.stevesalerno.com) es un músico activo de jazz y música clásica. Ha actuado con Jaco Pastorius, John Abercrombie, Mark Dresser y muchos más. Steve está continuamente recorriendo el mundo.

OtrosLos luthiers que siento que han

sido líderes y que más me han influido en mi trabajo han sido Juan D’Angelico y Jimmy D’Aquisto.

Fue en mis años de juventud cuando aprendí a reconocer y encontrar el sonido y la respuesta tonal que más tarde conseguiría en mis instrumentos, y todo llegó de la mano de aquellas innumerables gui-tarras D’Angelicos en las que trabajé.

Gracias a la fortuna de estar en el lugar y el momento exacto, tuve la oportunidad de presenciar una redirección en las posibilidades de la Archtop como un instrumento moderno, línea que ya empezó a marcarse en las obras posteriores de Jimmy D’Aquisto.

He utilizado estos dos constructo-res maravillosos como plantilla para mi trabajo. Para entender la impor-tancia de permanecer conectado a la tierra en lo que funciona y que es válido para el músico, así como también impulsar nuevas ideas, pero sólo aquellas que sea buenas para un instrumento válido y necesario. Esto refuerza mi trabajo, y creo que me va a ayudar a crear maravillo-sos instrumentos para guitarristas increíbles....

Archtop JazzGFM

MIRABELLA GUITARSLuthier: Cristian Mirabellawww.mirabellaguitars.commirguitars@aol.com1-631-842-3819P.O.Box 482 Babylon, NY 11702

Fue en mis años de juventud cuando aprendí a reconocer y encontrar el sonido y la respuesta tonal que más tarde conseguiría en mis instrumentos.

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EléctricaGFM

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EléctricaGFM

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Lodato guitarras es el resultado de la pasión por la música transformada en un instrumento. Soy músico, profesor de gui-tarra clásica, y mi pasión

por la construcción de instrumentos nace de la necesidad de contar con un instrumento electroacústico adecuado a mí. De hecho mi primera guitarra nació precisamente bus-cando mis necesidades: quería una guitarra única. Básicamente cada músico busca “su instrumento”, y yo, con mi pasión y mis instrumentos, trato de ayudar a los músicos en esta búsqueda. La producción

Las guitarras Lodato comienzan a fabricarse a partir de 2008 a través de un proceso en un taller pequeño y modesto, con sede en Italia, en Torre Annunziata (una localidad cerca de Pompeya) hechos a mano, en la provincia de Nápoles. La producción actual incluye la construcción de unos 15 instrumentos al año, entre guitarras y bajos, distribuido a través de la página web y directamente desde el taller.

Materiales

Los que eligen un producto hecho a mano siempre ponen en valor la excelente calidad de las materias primas, por lo que nunca se ahorrar dinero en estos aspectos.

En el caso de un bajo o una guitarra todo gira alrededor de la madera: Confiamos en la cuidadosa investigación y selección por parte de los distintos proveedores es-pecializados de materias primas, rigurosamente seleccionadas por los luthiers, profesionales que hacen su trabajo con pasión y profesionalidad, y que son capaces de proporcionar material de excelente calidad a un

precio justo.Para el suministro de componen-

tes electrónicos y hardware, la elec-ción de producto a utilizar es mucho más amplia, porque hay muchos fabricantes de todo el mundo. La intención es encontrar piezas particulares y quizá hechas a mano, siempre eligiendo entre productos excelentes.

Calidad y diseñoLodato Guitars se distinguen por la calidad de los materiales, el cuidado en el ensamble, la singularidad de los instrumentos individuales y un diseño original.Trabajamos con especial atención en el montaje de las piezas. Funda-mental utilizamos pegamentos espe-ciales que se utilizan puramente en luthiería, y una vez “soldadas” todas las partes, hechas con excelente madera elegidas a conciencia, que se permitir la transmisión natural de las vibraciones producidas por el mismo. De hecho, nuestros instru-mentos tienen un sustain y una transmisión armónica excepcional. También, para evitar la atenu-ación de las frecuencias naturales emitidas por la madera, se prefiere el acabado natural con pinturas de aceite, que además de proteger el instrumento, destaca la hermosa veta de la madera.

El diseño de Lodato Guitars es único: es el resultado de la cuidadosa con-sideración de muchos factores, tanto prácticas como estéticas, en relación con la elección de los dibujos y los colores de los bosques, creados a lo largo de los años. La intención del luthier es siempre la de adaptar el

instrumento a las necesidades del músico, y transmitir en nuestras creaciones todas sus recomendacio-nes y peticiones. ModelosA través de los años siempre he puesto un especial énfasis en las solicitudes, consejos, evaluaciones y observaciones formuladas por los profesionales, o simplemente por apasionados. Los instrumentos son creados en base a dos modelos originales: Pom-peya y Oplontis.Cada instrumento es una creación única, ya que todas las piezas que

Guitar Corpus Nylon Pompei


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componen el instrumento son hechos a mano, a partir de la madera en bruto. Por lo tanto, cada instru-mento será similar a otro, pero nunca el mismo.

Nuestros principales modelos son: Corpus Nylon/Steel Guitar Es una guitarra de cuerpo sólido, diseño único e ideal para actuacio-nes en directo, no teniendo caja de resonancia, lo que hace que no de problemas de retroalimentación.El sonido se caracteriza por un timbre denso y dinámico, ataques limpios, claros y brillantes, atribuible a la de una guitarra acústica/clásica electrificada.Modelos disponibles Pompei e Oplonti. Cavus Nylon/Steel Guitar Es una guitarra de cuerpo semi-hueco, diseño único e ideal para actuaciones en directo, no teniendo caja de resonancia, lo que hace que no de problemas de retroalimen-tación. Tiene un sonido redondo, sostenido y armónicamente rico debido al tono de la cámara y la madera Topfine.

Modelos disponibles, Pompeya e Oplonti.

Cavus SteelBass Es una Acoustic Bass Fretless semi-hueca, diseño único e ideal para actuaciones en directo, sin ape-nas caja de resonancia y por ello sin problemas de realimentación. Tiene un sonido redondo, sostenido y har-mónicamente rico debido al tono de la cámara y la madera Topfine.Su sonido se caracteriza por un tim-

bre denso y dinámico, ataque limpio y brillante, atribuible a la de un bajo. Cavus Power Bass - ZEN Belcanto El ZEN-Belcanto Cavus Power Bass es un bajo eléctrico de cuerpo huevo de 6 cuerdas, 26-key, de dis-eño único y de sonido excepcional y equipados con puente sin trastes.Construido a petición expresa del M° Antonello Losacco, el bajo fue concebido, diseñado y construido para las refinadas necesidades musicales: ligero y ergonómico, pero bien equilibrado, mástil deslizante, y sonido equilibrado y dinámico sin ruido de fondo.

Guitar Cavus Nylon Pompei

Guitar Corpus Nylon Pompei

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LODATO GUITARSTorre Annunziata (NA) - ITALYTel. +39 3286267412facebook.com/[email protected]


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Hoy en día es mucho el material didáctico que hay disponible en internet. La cantidad de información es tan alta que a menudo sobrepasa nuestras expectativas. Al mismo tiempo, como en otras disciplinas, la competi-tividad parece aumentar y la destreza técnica de los músicos se vuelve más alta con la llegada de las nuevas generaciones… parece que si no eres un virtuoso no eres bueno. Al margen de la polémica o la diversidad de opiniones que esto pueda crear, lo importante a tratar en este número de la revista es algo que es esencial para que podamos seguir disfrutando de generaciones repletas de música y con amor real por su instrumento: la pedagogía. ¿Cómo se enseña la guitarra? ¿Cómo se debería de enseñar?. Santiago Pigmalión es un músico español que viajó a Los Ángeles y estudió en el Musicians Institute, teniendo al alcance a músicos de máximo prestigio. Pudo dar clase con ellos, con “los grandes”; conocer a multitud de compañeros de diferentes culturas

y tocar con ellos e intercambiar ideas personales y musicales.Santiago está enfocado muy directamente a la pedagogía en su labor profesional. Con un disco a punto de ver la luz, este titulado en Magisterio Musical, nos revela su extenso punto de vista acerca de la metodología

musical… y personal. En numerosas ocasiones hemos conversado acerca de cómo enseñar a diferentes niveles. Ambos coincidi-mos en que el trato y trabajo personal están íntimamente ligados con la enseñanza musical y que separarlos es un error. Podemos enseñar la teoría de la música pero… si podemos enseñar a ser creativos y a disfrutar el

instrumento sabiendo de música… ¿por qué no hacerlo?

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LA PEDAGOGÍA EN LA GUITARRA

Santiago Pigmalión por Abel Franco

Photos by Ros Vima

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Bienvenido a esta sección Santiago. Muchas gra-cias por atender a mis preguntas. Me gustaría abarcar varios puntos en estas páginas;

sobre todo a los aspectos humanos relacionados con la pedagogía y al rendimiento a la hora de aprender a tocar un instrumento. Antes de nada háblanos acerca de tu formación.

Muchas gracias Abel, es un placer colaborar contigo y con Guitar Fair Magazine :)

Empecé siendo autodidacta y luego estudié varios años en La Factoría de Músicos, la primera escuela de rock de España. Cuando terminé Magisterio Musical cumplí mi sueño de estudiar en Musicians Institute. Soy también aficionado a la Filosofía, Psicología, Coaching y Marketing. Como alumno, ¿cuál ha sido tu expe-riencia dentro y fuera de España?

Durante mis años en La Factoría aprendí los modos griegos de una forma similar a como se enseña en Musicians Institute. Tocábamos en

directo y nos enseñaban a inter-pretar temas del Real Book. En Magisterio en la Complutense tuve muy buen@s docentes que nos ense-ñaron a abrir nuestra mente. Casi la mitad de la carrera son asignaturas de Psicología.

Pero lo que más me impresionó de MI fue que muchas de las cosas que aprendí en Magisterio, ell@s llevaban décadas aplicándolas. Allí escogí dos asignaturas que cam-biaron para siempre mi forma de estudiar, una fue “Guitar Workout” y otra fue “Accelerated Learning”. La Psicología está muy reconocida allí y eso influye en su forma de pensar y de enseñar.

A nivel pedagógico, ¿qué tiene EEUU que no tenga España y vice-versa?

Lo que conocemos como Música Moderna forma parte de su cultura, al igual que ocurre aquí con la Gui-tarra Clásica, y por tanto está mucho más academizada. Aquí tenemos músic@s de un nivel impresionante, pero conozco poc@s profesor@s de música moderna que tengan por costumbre leer libros de pedagogía.

En EEUU, al igual que la Psicolo-gía, también son reconocidos el Coaching o los libros de autoayuda. California fue bendecida por la visita de vari@s gurús como Paramahansa Yogananda. Gracias a la influencia de la filosofía hindú, y a la corriente del Nuevo Pensamiento, allí se cree que todo está en la mente y la traba-jan. Los swamis influyeron en toda su sociedad.

En Magisterio sí te enseñan a no juzgar, a elaborar recursos para el aula o a hacer una programación

didáctica, pero pedagógicamente no sé si tenemos algo que aportarles. En MI ese tipo de cosas son una máxi-ma, a parte de que Howard Roberts, su fundador, también se inspiró en la filosofía zen para su creación. Se tiene muy mitificada la imagen de músico en Estados Unidos. Cuéntanos tu opinión sobre esto.

Allí la Música tiene un papel muy importante en la Educación. El en-torno es favorable, hay una industria musical. Pero también es cierto que sólo conocemos las historias de

España tiene mucho que aportar y va a tener mucho que decir en unos años, pues estamos viviendo una crisis cultural, y siempre tras una cri-sis viene una etapa de florecimiento.

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quienes triunfan. El entorno ayuda, por supuesto, pero sobre todo ayuda que seas más fuerte que tu entorno, e insisto, lo que hacen much@s estadounidenses y en concreto las personas de éxito es entrenar su mente. En EEUU se vende todo muy bien porque tienen amor propio. Si nosotr@s nos quisiéramos más y nos vendiéramos mejor, otro gallo nos cantaría, pues tenemos mucho que aportar. Pero aún tenemos muchos pre-juicios. ¿Qué principios son los básicos en tu opinión para poder ser un buen docente?

Ser primero alumn@ y tener la mente abierta. Formarse como docente. Un cirujano no se mete a operar sin saber. Estudiar Magisterio o Pedagogía o asistir a cursos de especialización pedagógica, inteli-gencia emocional, coaching... Allí se aprenden los principios básicos.

Motivación, si las clases son motivadoras, está hecho el 80% del trabajo. Liberarse de pre-juicios. No motivaremos a nuestr@s alumn@s diciéndol@s que la música que escuchan es mala o no tiene mérito. Desde el punto de vista terapéutico hay teorías que indican que quizá ciertas músicas son más beneficio-sas que otras, pero son sólo teorías y además no apuntan hacia la técnica sino hacia el tipo de intervalos y

emociones que transmiten.

Aprendizaje significativo, que los nuevos conocimientos estén relacio-nados con los que ya posee el alum-n@. Meterles un taco de apuntes que no saben ni cómo digerir no les va a hacer avanzar a no ser que lo comprendan.

Recursos para cada área. Para mí los mejores recursos son las canciones. Eso nos lo repetían cons-tantemente en el MI: “canciones, canciones, canciones... la Música son canciones”. Pero por supuesto no las debemos reproducir como autómatas. Hay que analizarlas téc-nica, melódica y armónicamente. Y por otro lado las Nuevas Tecnologías. Internet y los smartphones disponen del más amplio abanico de recursos que jamás hemos conocido.

Seguimiento. Como dijo Séneca: “Ningún viento es favorable a un mariner@ que no conoce su rumbo”. En la pedagogía y el coaching se trabaja por objetivos y por áreas. Se hace un seguimiento del estudio y una evalución continua. Cada alumn@ debe tener su ficha y saber dónde está, hacia dónde quiere ir y cómo conseguirlo. From Madrid to Hollywood es el nombre de tu proyecto como peda-gogo. Profundizando un poco más en este punto, cuéntanos con más detalle qué es exactamente y en qué

Si nosotr@s nos quisiéramos más y nos vendiéramos mejor, otro gallo nos cantaría, pues tenemos mucho que aportar.

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se basa.

FMTH es una escuela de clases personalizadas presenciales y online de música moderna enfocada tanto al músico amateur como al profesional de guitarra, bajo y piano moderno. Nuestra metodología está fundamentada en el Coaching Musi-cal y hacemos un “traje a medida” pues cada persona es un universo diferente y complejo. Tenemos un currículo básico de contenidos pero no se enseñan siempre de forma secuencial, sino en función de lo que el alumn@ necesita y/o quiere aprender. El seguimiento en base a objetivos es uno de los pilares básicos de nuestra metodología y preparamos a quienes así lo desean para los exámenes de Rockschool y de la Royal School. También apostamos por el componente social. Nuestras jam sessions son un verdadero disfrute y l@s alumn@s se dan cuenta de que enseguida pueden salir a tocar y disfrutar del placer del directo. Con todo esta arquitectura pedagó-gica que nos detallas, ¿realmente eres consciente de la complejidad que tendría establecer éste sistema como base o norma en las institu-ciones musicales españolas?

Por supuesto, Roma no se cons-truyó en un día. Pero creo firmemen-te que la pedagogía es la clave para construir una industria musical de calidad. España tiene mucho que aportar y va a tener mucho que decir en unos años, pues estamos vivien-do una crisis cultural, y siempre tras una crisis viene una etapa de floreci-miento :D Además, las neurociencias están demostrando la importancia de la Música para nuestro desarrollo cognitivo, por lo que es fundamental

que le demos un lugar más impor-tante en nuestras escuelas y en nuestras casas. Las escuelas modernas que están incorporando formación pedagógica para sus profesor@s y hacen énfasis en que l@s alumn@s aprendan he-rramientas de coaching y de marke-ting musical liderarán este nuevo panorama. Qué recomendarías a los nuevos músicos que quieren aprender a tocar la guitarra, ya sea acústica, clásica, flamenca, eléctrica, etc.?

Que se pregunten por qué y para qué quieren hacerlo, qué les mueve desde dentro; qué es lo que quieren expresar y si lo están haciendo correctamente. Que no hagan de la técnica un fin en sí mismo, pero que la aprendan bien desde el principio.

Que aprendan o compongan cancio-nes, porque la música son canciones y que no se pasen todo el día hacien-do escalas. Que busquen un@ buen@ profes@r pues les ahorrará años de disgustos. Que sean ell@s mism@s y sobre todo, sobre todo, que disfruten del camino. ¿Tienes preparado algo para los próximos meses dentro del campo de la docencia?

Sí, actualmente estoy trabajando en el método ENJOY de FMTH, un método pedagógico que recoge mis conocimientos, investigaciones y experiencias probadas durante años en clase y también en un método in-novador para el conocimiento del diapasón que me ha facilitado mu-cho la improvisación y que también conocen mis alumn@s. Aunque son

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proyectos a medio-largo plazo, pues ahora estoy centrado en mi disco. Háblanos ahora de tu faceta más creativa: ese disco… ¿de qué trata?

Es la recopilación de las cancio-nes que he compuesto desde que dejé El Bufón de Lear hace ya más de 10 años. Es un disco bastante ecléctico y personal, con temas instrumentales como “Gaviotas en Eivissa” con un toque chill-out y otros cantados, de diferentes estilos e influencias. Por ejemplo “La Generación del Color” que suena más funkera, o “Dímelo” que tiene un toque más bossa. Está compuesto

íntegramente por mí. Las voces las estoy grabando junto con Irassema que ya tiene una larga trayectoria y varios trabajos en el mercado. ¿Cuándo podremos escucharlo?

Pues en principio lo tenía previsto para 2014, pero debido a mi pequeña incursión en la política tuve que posponerlo. Realmente ya está grabado casi completamente, sólo faltan algunas voces y la masteri-zación.

Desde Guitar Fair Magazine te deseamos mucha suerte con tus

proyectos y te agradecemos tu ama-bilidad y disponibilidad. ¡Un abrazo Santiago!

¡Muchas gracias a vosotr@s y un placer! ¡Larga vida a la Guitarra y a la Música! :)

SANTIAGO PIGMALIÓNconnects.mi.edu/Santiagosoundcloud.com/[email protected].: 660339239

Aquí tenemos músic@s de un nivel impresionante, pero conozco poc@s profesor@s de música moderna que tengan por costumbre leer libros de pedagogía.

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Abel Franco

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Muy pronto me di cuenta que no me interesaba trabajar construyendo ca-sas y que lo único que me interesaba era jugar con mi guitarra.

Así, en el 2001 construí mi primer guitarra clásica de cuerdas de nylon de la mano de Esteban González, fui su aprendiz y trabaje en su escuela Desde niño, mi pasión

fue el arte, y mis juguetes favoritos las herramientas, siempre armé y desarmé todo lo que se me cruzaba en

el camino, y todos los juguetes que no podía comprar, los fabricaba con cartón y cinta autoadhesiva. Con estos materiales, a los 9 años, hice mi primer intento de construir una guitarra. A los 15 tome un curso de cons-trucción de instrumentos con mate-riales reciclados, donde hice algunos instrumentos de viento y percusión. Soñaba con tener una guitarra eléctrica pero la crisis económica lo hacía imposible. Así fue como here-dé mi primera guitarra, una Faim hecha en Argentina en los años 70` totalmente abandonada. Volver esa guitarra a la vida se convirtió en mi juego favorito, siem-pre encontraba alguna excusa para desarmar otra vez mi Faim.

Formación Quería ser arquitecto, y a los 18 años me inscribí como Técnico Constructor. Cursé talleres de elec-trónica, carpintería, dibujo y tuve mis primeras experiencias laborales.

Guillermo Crisci, el arquitecto de bajos.

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durante 3 años. En el 2004 emprendí un viaje a la ciudad de México para especiali-zarme en instrumentos eléctricos con el Maestro Carlos Carbajal, reconocido por ser uno de los master builders de Fender en los años 70`. Con él tuve la suerte de conocer por dentro instrumentos que pensé que solo vería en revistas. Juntos hici-

mos muchas replicas de modelos clásicos y restauramos numerosos bajos y guitarras vintage. En su taller usábamos muy pocas maquinas y herramientas. Una de las técnicas más valiosas que aprendí con él, es la del tallado con cuchillo, al estilo Guitarrero de Paracho. Esta técnica simplifica todo, con una sola herra-mienta de fabricación casera se

logran resultados sorprendentes.Durante mi estancia en México tome cursos de especialización en marquetería, barnices y rosetas con el Maestro Abel García. También, tomé cursos de puesta a punto de violines y de joyería, para mejorar la técnica de la incrustación,Desde que regrese a Buenos Aires en el 2010, tome cursos de electró-nica, fabriqué pedales de efecto y comencé a construir mis primeros pickups y preamplificadores.

Escuela Trabajo solo, de una manera muy artesanal. Hago casi todo a mano, uso muy pocas maquinas. Aprendí técnicas de luthiers clásicos, y creo que históricamente los mejores resultados se dieron cuando los instrumentos fueron construidos a mano, con mucho corazón, paciencia y esfuerzo ... me encantan las maquinas, los barnices y los electrónicos modernos… pero creo que los instrumentos produci-dos en serie, en lugar de progresar, van perdiendo calidad con el paso del tiempo. Pienso que el bajo eléctrico es un instrumento joven, y se encuentra en constante evolución. Considero al Presicion y Jazz Bass como los padres del bajo eléctrico moderno, la mayoría de los bajistas se iniciaron tocando y escuchando estos modelos. Si bien estos instrumentos, son de fabricación simple y fueron diseñados para su producción en serie, hoy a 60 años de su creación, es imposible hablar de bajos, sin mencionarlos. Podemos corregir y mejorar sus diseños, pero si nos alejamos mucho de las bases, será mas difícil complacer a los músicos, que están acostumbrados y conocen a la perfección estos modelos.

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InstrumentistaMi primer instrumento es la

guitarra clásica, amo el sonido de las cuerdas de nylon. Me encanta para tocar tangos y animar fiestas.

Toco un poco de guitarra eléc-trica, y me gusta mucho jugar con los efectos.

Hace un tiempo que estudio bajo con el Maestro Daniel Maza, con él

estoy aprendiendo muchísimo.Instrumentos

Construyo instrumentos de cuer-da acústicos y eléctricos.

Actualmente me dedico mayor-mente a los bajos eléctricos moder-nos.

Mi idea es construir instrumen-tos livianos y ergonómicos, balan-ceados en peso y sonido, tratando de

mantener las cuerdas lo más cerca posible de los trastes, para lograr la mejor afinación y comodidad.

Comienzo pensando en el ins-trumento desde su base acústica. La idea es que tengan buen volumen, sustain y ataque al tocarlos desco-nectados. Con esta base como punto de partida nos aseguramos que la cuerda entrega las vibraciones de forma óptima a los pickups.

Materiales Uso maderas estacionadas y

escogidas personalmente.Elijo cada pieza según su fun-

ción en el instrumento, teniendo en cuenta su peso, densidad, dirección

A los 9 años hice mi primer intento de construir una guitarra con cartón y cinta autoadhesiva.

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y contraste.

Utilizo las más populares como Maple, Ébano, Caoba , Palo de rosa, Nogal, etc.

Pero mis favoritas son las made-ras tropicales. Afortunadamente, en América, existe una amplia variedad de maderas exóticas como el Moradillo, Guanacaste, Ziricote, Palosanto, etc. y aunque la mayoría son desconocidas comercialmente, las considero maderas preciosas, tanto por su estética, como por sus propiedades, que las hacen óptimas para su uso en las diferentes partes, que componen un instrumento musical.

En cuanto a terminaciones, ac-tualmente uso barniz poliuretánico,

casi exclusivamente. Puede ser brillante, mate o satinado. Con este material logro los mejores resulta-dos en cuanto estabilidad, dureza y transparencia.

Amo los acabados naturales, se ven mejor estéticamente y no afectan mi salud, ni la del medio am-biente, pero no los considero aptos para giras o escenarios pequeños, son muy blandos, requieren mante-nimiento y cuidados especiales.

Características

Una de las características que se pueden ver en mis bajos, son los trabajos de incrustación.

Me gusta que cada instrumento sea único, y las incrustaciones son como tatuajes sobre el diapasón. Utilizo diferentes materiales como

madreperla, abulone, marfil, plata y carey, para lograr combinaciones de colores y contrastes con la madera.

En ocasiones viene el músico con la idea, y le armo el instrumento con el diseño que escogió. A veces se me ocurre el motivo y el nombre y nace el bajo a partir de esa idea.

Otra de las características es el uso de rampa, puede ser al estilo Gary Willis o entre los pickups puente y mástil, o incorporar ambos pick-ups dentro de la rampa.

La mayoría de los bajistas, tocan apoyados sobre la pastilla aguda o grave y en el espacio entre ambas, es incomodo tocar, porque no hay apoyo para el pulgar ...y los dedos ín-dice y medio se vuelven más torpes, al no frenarse contra el pickup.

El uso de rampa nos permite to-car con la misma comodidad desde

Creo que históricamente los mejores resultados se dieron cuando los instrumentos fueron cons-truidos a mano, con mucho corazón, paciencia y esfuerzo.

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Bajos

el mástil hasta el puente. También me gustan mucho los

entrastados en abanico. Esta técnica abre caminos inexplorados, y se pue-den hacer muchas combinaciones como híbridos entre guitarra y bajo.

TonoEn cuanto a sonido, mis instru-

mentos son versátiles, con la posibilidad de conectar los pickups como bobina simple, humbucker o en paralelo. Permiten obtener un sonido desde Jazz Bass, pasando por un Musicman o un bajo moderno.

El sonido puede ser pasivo para un sonido vintage o se puede sumar un sistema electrónico activo para lograr más ganancia y un ecualiza-dor de tres bandas, para realzar o atenuar frecuencias bajas, medias y agudas. De esta manera podemos abarcar un amplio rango tonal.

Utilizo los circuitos más popula-res, a elección del músico, y hace unos años que estoy construyendo e instalando mi propia línea de pick-ups, hechos con imanes de Alnico y mis circuitos preamplificadores.

ExperienciasEste oficio me dio la posibilidad

de probar y conocer muchísimos instrumentos. Todos tienen algo especial y es muy difícil elegir.

Los modelos clásicos me gustan todos, me encantaría tener una col-ección :) Alembic, marcó el camino del bajo eléctrico moderno, hicieron el primer bajo activo con mango a través del cuerpo.

El primer bajo que me dejo ena-morado, fue un Tobias del 73´ con circuito Bartolini, perfecto por donde se mire.

Y muchos más, Fodera, Conklin, Spector, etc.

WILLI LUTHIERGuillermo Crisci www.Williluthier.com / [email protected]: 005411 - 4639 5387Joaquín V. González 2520 - Villa del ParqueBuenos Aires - Argentina

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Una vez un niño me preguntó: ¿Lemmy, tienes resaca? y yo le dije que para tener resaca primero había que dejar de beber... Descanse en Paz, Lemmy Kilmister...

Digital Art by Spellsword95

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y al baterista Lucas Fox (aunque empezaron a ser conocidos con la incorpo-ración de Phil Campbell a la guitarra y Mikkey Dee a la batería), el grupo Motörhead.

Pero el pasado día 28 de diciembre conocíamos la noticia de la pérdida de Lemmy Kilmister, front-man y auténtico líder de la super banda Motörhead, donde componía, ponía la voz y tocaba el bajo de una manera prodigiosa. Al igual que con el falleci-miento de Ronnie James Dio, con ésta pérdida se acaba una época gloriosa, además de la existencia de uno de los mejores y más laureados grupos de Hard Rock/Heavy Metal que han pisado este pla-neta en su historia. Lemmy nació en la Nochebuena de 1945 en Burslem (Reino Unido) y en 1975 fundó, junto al guitarrista Larry Wallis

Saludos queri-dos lectores, ante todo desearos un feliz año 2016, ojalá

que venga cargado de alegrías para todos. El primer Rincón Sonoro de este año quería dedi-carlo a algún grupo que soltara notición durante el 2015. Varios han sido los candidatos ya que, por ejemplo, hemos tenido el anuncio del regreso de Guns and Roses, disco nuevo y gira de Iron Maiden tras superar Bruce sus problemas de salud, la gira del 50 aniversa-rio (ahí es nada) de los Scorpions… Etc. Como dije antes, muchos candidatos a abrir este rincón sonoro.

Los mayores éxitos ven-drían en los años 1980 y 1981 con la publicación de los discos Ace Of Spades (1980) y Overkill (1981). En ésta época la banda era un auténtico fenómeno den-tro del panorama heavy

MotörheadAce Of Spades

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El Rincón Sonoro

El segundo tema, Love Me Like a Reptile es muy del corte Hard Rock de grupos como AC/DC pero con la diferencia del corte de voz tan particular que tiene Lemmy, y de la velocidad. Uno de mis temas favori-tos de toda la discografía de esta banda. Muy buena y con un solo de guitarra espectacular. De nuevo encontramos otro ritmo demoledor en Shoot You In The Back, espectacular la fusión del Heavy con Punk (os recuerdo que hablamos de 1980, y a muy pocos se les había ocurrido fusionar estos estilos) que hacen en esta canción. Obra maestra. Live To Win, o lo que vie-ne a ser la filosofía de la

fundaron, que utilizan una foto de ellos mismos para hacer una portada. En cuanto ponemos el vinilo suena un tema: Ace Of Spades, sencillo que da título al disco y que, sin duda, es la composición más conocida de la banda, que es como una auténti-ca bofetada en la cara, y es que es realmente salvaje. Un ritmo demo-ledor y perfecto. Subidón de adrenalina total. VH1 la colocó entre las 10 mejores canciones Hard Rock de todos los tiem-pos. Aparece en la banda sonora de un total de 6 videojuegos y de 9 series de televisión. Seguro que alguna vez en la vida la habéis escuchado, aunque no la conocieseis.

inglés. En 2005 Ganan un Grammy en la categoría Best Metal Performance por una versión del tema Whiplash de Metallica. A continuación voy a desglosar el famoso Ace of Spades (As de Picas), cuarto álbum de estudio de la banda. Una autén-tica joya. Fue publicado el día 8 de noviembre de 1980 por la discográfica Bronze Records y tiene una dura-ción total de poco más de 45 minutos. Alcanzó el cuarto puesto en las listas de ventas en UK. En la portada aparece una foto de la banda, era la primera vez, desde que se

banda, aquí hemos venido para triunfar, para ganar. BUENÍSIMA! Posee, junto con la anterior, Shoot You In The Back, los que para mí son los mejores dos solos de guitarra de todo el disco. Llegados a esta altura de disco, y solo llevamos 4 cortes del vinilo, empeza-mos a visualizar que este nuevo sonido y estas nue-vas mezclas que se nos ofrecen, abrirán camino al futuro Trash Metal que bandas como Metallica o Megadeth abanderarán pocos años después. Fast and Loose supone un pequeño descanso en cuanto la velocidad y ritmos cañeros. A pesar de que no fue de las más conocidas del disco, tiene

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opinión personal, puede ser un intento de balada. Pero que difícil debe ser, para un grupo que toca a 200 por hora, hacer una composición lenta. Así que se quedó en algo in-termedio. Aún así, de 10. The Hammer es la última canción del disco. Trallazo para terminar, como no podía ser de otra forma, y ese final de canción con el mítico Belive me, the Hammer is coming Down! Trash Metal en estado puro. Un auténtico acierto elegir The Hammer para poner fin a esta joya de disco que, injustamente para mi, fue eclipsada por el Back in Black de AC/DC, publicado unos meses antes. Espero que os haya gustado la lectura, yo os aseguro que lo he pasado como un niño volviendo a escuchar este Ace of Spades. Por último desear que allá donde esté Lemmy Kilmister siga haciendo lo que más le gusta, convir-tiendo canciones en Him-nos y tocando ese bajo a todo volumen. Descanse en Paz...

Antonio Fernández Morell.

ese aíre comercial que la hace sencilla de escuchar. No obs-tante es muy buen tema. (We are) The Roadcrew, sexto corte, es una pasada. El típico estribillo que, cuando lo escu-chas por primera vez, piensas que puede llegar a convertirse en un himno sin problemas. Volvemos a la velocidad, con unos ritmos de batería tremendos y de nuevo esa sensación de soltar adrena-lina por un tubo. Me encanta. A destacar el efecto wah-wah en el solo. Fire Fire y Jailbait son puro Hard Rock, quizá donde más luzca la batería. Bastante parecidas en ejecución. Muy pesadas y con una fuerza atronadora. Dance no viene a decirnos nada nuevo con respecto a lo escuchado anteriormente. Por destacar algo, puede ser la canción donde Lemmy más arriesga con la voz. La desgarra como en ninguna otra. No obstante, no es de las que más me gustan. Bite The Bullet apenas dura minuto y medio. El principio me recuerda un poco a temas de Black Sabbath. A pesar de ser tan corta es pura energía. The Chase is Better than the Catch, canción numero 11 y la más larga de disco… Tam-bién la más lenta de todas. Como en todo el guión del disco, historias de amores y desamores, de soledad y de momentos de tristeza. En

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Guitar Fair Magazine n13, Enero 2016.

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