Dossier de prensa

Acerca del espectáculo

KOOZA™ cuenta la historia del Inocente, un solitario melancólico que busca su lugar en el mundo. El espectáculo regresa a los orígenes de Cirque du Soleil ® combinando dos tradiciones circenses: las acrobacias y el arte de los payasos. El espectáculo pone de manifiesto la exigencia física de cada número, todo su esplendor y su fragilidad, a través de una colorida mezcla en la que destaca el humor más bufonesco.

“KOOZA versa sobre la conexión humana y el mundo de la dualidad, sobre lo que es bueno y lo que es malo”, explica David Shiner, autor y director del espectáculo. “El tono es divertido y gracioso, ligero y abierto. Es un espectáculo que no se toma a sí mismo demasiado en serio, pero que tiene mucho que ver con las ideas. A medida que se van desgranando los números, explora conceptos como el miedo, la identidad, el reconocimiento social y el poder”.

El espectáculo empieza con el Trickster, que salta al escenario delante del Inocente como si saliera de una caja sorpresa. Y ésta es tan sólo la primera de muchas sorpresas. Durante su viaje, el Inocente entrará en contacto con infinidad de personajes cómicos, tales como el Rey, el Trickster, el Heimloss y el turista detestable y su Perro Malo.

Entre la fuerza y la fragilidad, la carcajada y la sonrisa, la confusión y la armonía, KOOZA explora temas como la identidad, el poder y el reconocimiento social a través de un universo visual exótico y electrizante que rebosa sorpresas, emociones fuertes y una gran dosis de audacia.

El nombreEl nombre KOOZA, que se inspira en la palabra sánscrita koza, que significa “caja”, “baúl” o “tesoro”, se eligió porque uno de los conceptos subyacentes de esta producción es la idea de “un circo en una caja”.

Números

Los House Troupe entran en acción en uno de los momentos más emocionantes del espectáculo. Entre sus acrobacias destacan las pirámides humanas, las volteretas en el aire y el “crash bash”, un temerario salto a través de un aro de tela que se inspira en el Nalukauq, el tradicional juego del manteo de los inuit, así como en los colchones de salvamento de los bomberos.

El atrezo no podría ser más sencillo: ocho sillas y un pedestal que el artista utiliza para crear una torre de 7 m sobre la que realiza un número de equilibrismo que revela su increíble forma física y control muscular.

Un grupo de jóvenes contorsionistas presentan un nuevo enfoque armónico del arte del contorsionismo. Destacan en este número las posiciones innovadoras, la velocidad de movimiento y el modo en que todos los miembros del equipo trabajan al unísono para crear unas imágenes de escultural belleza.

Charivari

Equilibrismo sobre sillasContorsionismo

Esta nueva versión del clásico número del monociclo introduce un pasajero más en la acción. Los dos artistas recorren el escenario en un continuo baile de pareja donde se combinan el equilibrio, la acrobacia, la fuerza física, la coreografía y el compañerismo.

Dúo de monociclo

La báscula lanza al aire a los acróbatas, que ejecutan primero unos quíntuples saltos mortales antes de repetir el mismo ejercicio a una altura de 9 m con uno o dos zancos metálicos atados a las piernas.

Báscula

Para realizar un número de aros tan difícil son necesarias grandes dosis de habilidad, pero esta artista es una de las mejores del mundo en esta especialidad. Este magnífico número, en el que pueden llegar a girar hasta siete aros a la vez, es una combinación de movimientos fluidos, magnífico contorsionismo, excepcional equilibrio e impresionante destreza.

Aros

En una innovación creada por el Cirque, el trapecio cruza el escenario de izquierda a derecha, pero este número va más allá del espacio físico de la carpa y de la destreza de la artista en el momento en que ésta se transforma en diversos personajes que interactúan con el Trickster y recrean situaciones que se superponen al espectáculo visual.

Trapecio individual

La Rueda de la muerte que aparece en KOOZA pesa 725 kg y gira a una velocidad vertiginosa impulsada únicamente por dos artistas que saltan y dan vueltas sin cesar en una muestra de acrobacia y trabajo en equipo sin parangón. Al igual que el cable de funambulismo, la Rueda de la muerte cruza el escenario en diagonal, de derecha a izquierda, para que la acción se desarrolle lo más cerca posible del público.

Rueda de la muerte

Cuatro funambulistas añaden más tensión a los 3.000 kg de los dos cables situados sobre el escenario a 4,5 m y 7,6 m de altura. Con gran agilidad, los artistas realizan en el aire movimientos que el resto de los mortales encontraríamos difíciles de llevar a cabo en tierra firme.

Alambre alto

Sofisticado y encantador, el Trickster es un ser increíblemente rápido y ágil, un genio que lo sabe todo sobre el mundo de KOOZA porque lo ha creado él. Aparece y desaparece del escenario sin cesar, pero cada vez que entra en acción se palpa la tensión en el ambiente. El Trickster creó este mundo para el Inocente, al que observa y gasta bromas con sus poderes, pero en realidad es el subconsciente del Inocente el que marca el compás en este baile…

Personajes

El Inocente es un personaje solitario, ingenuo y melancólico que se ha visto arrastrado al mundo del Trickster. De aspecto infantil, cándido e incauto, siente gran curiosidad por el nuevo mundo que le rodea, pero en cuanto usa los poderes del Trickster, descubre un universo inesperado e incoherente que no es más que el reflejo de su propia alma.

El Rey es el rey de los locos, el más burlesco de todos los personajes. Siempre despeinado y con una corona en la cabeza que tiene vida propia, está desesperado por ganarse el respeto de los que están más sonados que él.

El Trickster El Inocente El Rey

Los dos bufones de la corte son los lacayos chiflados del Rey, sus imprescindibles compinches en las extravagantes aventuras que tienen lugar en el reino de KOOZA.

Los Payasos

El Heimloss es un personaje muy extraño que habita bajo el escenario, donde se encarga del funcionamiento de las máquinas que dan vida a todo en el mundo oculto de KOOZA.

El Heimloss

En este mundo tan loco, hasta el perro está desquiciado: persigue a todo el mundo, no para de ladrar y es imposible controlarlo. La palabra “adiestramiento” no significa nada para él, pero como todo el mundo, se siente irremediablemente atraído por el Inocente y se convierte en su fiel compañero de juegos.

El Perro Malo

Vestuario

El vestuario del Cirque du Soleil – Datos:• Todos los trajes son hechos a medida y casi todos se

confeccionan en el Taller de vestuario ubicado en la sede internacional de Cirque de Soleil en Montreal (Canadá).

• El Taller de vestuario usa casi 50 km de tejidos procedentes de todo el mundo, el 80 % de los cuales son tratados y teñidos por el equipo de diseño textil.

• El calzado se fabrica a medida para cada artista en el Taller de calzado. A veces, los artesanos del taller adaptan zapatillas deportivas o de baile totalmente nuevas a las características específicas de un traje. En el Taller se producen unos 1.000 pares de zapatos cada año.

• Los sombreros son una pieza clave del vestuario en todos los espectáculos del Cirque du Soleil y al igual que la ropa, se fabrican a medida en el taller. Para ello, se toman medidas exactas de las cabezas de los artistas con un escáner portátil y los modistas confeccionan los sombreros con la ayuda de impresiones en 3D.

“Ha sido un reto fantástico, pero repleto de trampas. No quieres exagerar ni crear una caricatura cuando el objetivo es captar a un personaje”.

— Marie-Chantale Vaillancourt

Para crear el vestuario de KOOZA, Marie-Chantale Vaillancourt se inspiró en fuentes tan diversas como las novelas gráficas, la pintura de Klimt, las películas de Mad Max, las historias de viajes en el tiempo, la India y Europa del Este. También se inspiró en los movimientos del reloj, los soldaditos de plomo, los uniformes de las bandas de música y las ilustraciones de los libros infantiles, cuyos elementos fusiona para crear un estilo con reminiscencias de Alicia en el País de las Maravillas, el Barón Munchaüsen y el Mago de Oz.

Dado que el espectáculo exige muchos cambios de vestuario, Marie-Chantal estudió las técnicas que usan los magos para cambiar rápido de ropa a fin de crear su propia magia a través de los trajes de los artistas.

• Para el traje del Esqueleto, Marie-Chantale utilizó elementos de percusión hechos de fibra de carbono moldeado. Tienen el mismo aspecto y suenan igual que los huesos cuando los artistas se golpean entre sí para crear un ritmo musical.

• El disfraz del Perro Malo también fue todo un desafío, ya que el artista que lo llevara debía poder mover las orejas, sacar la lengua, babear y sacudir la cola.

• La Capa de las Ratas es un traje que crea la ilusión óptica de que hay unas ratas correteando por el cuerpo del artista antes de desaparecer en una trampa. Este efecto es relativamente fácil de crear en el cine, pero mucho más complejo de conseguir sobre un escenario. Después de muchos experimentos, la capa se confeccionó con 150 pieles sintéticas de rata dotadas de ojos de cristal que captan la luz. El efecto óptico de las ratas corriendo se basa en el mecanismo de las persianas. Además, algunas ratas cuentan con pequeñas ruedas para parecer más reales.

• En el espectáculo aparecen más de 175 disfraces y 160 sombreros. En total, 1.080 artículos, que incluyen zapatos, accesorios, pelucas, etcétera.

Uno de los disfraces de soldado lleva cosidas más de 400 piezas metálicas para crear el efecto de un traje blindado.

Música

La música de KOOZA encarna a la perfección el espíritu de este espectáculo, que versa sobre la conexión humana y la diversión en un mundo de dualidad. Varias canciones alegres de influencia intemporal se encadenan entre sí en un flujo continuo de formas y estilos. La música de KOOZA se inspira en los sonidos de la cultura pop occidental, desde el funk de los setenta hasta piezas totalmente orquestales. Además, tiene una fuerte influencia de la música tradicional hindú.

En todas las representaciones de KOOZA hay siempre seis músicos que tocan la trompeta, el trombón, el bajo, la batería, la percusión y el teclado, así como dos cantantes que cantan en directo.

“Me inspiré en la música pop occidental, desde el funk de los setenta hasta la música orquestal, pero también en la música tradicional hindú y en las bandas musicales de las películas de los años cuarenta y cincuenta, un período por el que siento una particular fascinación”.

— Jean-François Côté

Escenografía

La escenografía de KOOZA evoca una plaza pública que se transforma en la pista de un circo, cuya forma circular ofrece al público una vista excelente de 260° desde todas las filas.

El atrezo utilizado por los acróbatas no se oculta ni disimula en ningún momento, y la estructura de la carpa siempre está a la vista. Todo se hace de forma directa, sencilla y transparente para que el público pueda centrar toda su atención en los artistas y los números de acrobacia.

• La pieza central del decorado es una torre móvil denominada el Bataclan, que modifica la configuración del espacio según se mueve.

• El Bataclan traslada a los artistas de un punto a otro de la pista, hace las veces de tablado e incluye dos escaleras circulares.

• La decoración del Bataclan se inspira en la cultura hindú, en los autobuses de Pakistán y en las joyas de la India.

• Sobre el Bataclan se alza una estructura de tela gigante denominada el Void que está decorada con motivos que recuerdan la cara interior de las hojas, lo que le da un toque muy orgánico.

• Las “velas” que flanquean el Bataclan se abren y cierran como los pétalos de una enorme flor en las manos de dos personas que manejan las cuerdas y las poleas.

• El escenario está rodeado de focos empotrados que iluminan el rostro de los artistas con una cálida luz, al modo de las candilejas empleadas en el teatro del s. XIX.

• El diámetro del escenario en la parte superior es de 11 m, y de 13 m en el escalón inferior (el diámetro de una pista de circo estándar por el tamaño mínimo de una pista en la que los caballos pueden galopar con comodidad).

• Se trata del escenario más alto jamás diseñado para un espectáculo de Cirque du Soleil (1 m en lugar de 70 – 80 cm), dado que se necesita espacio en la parte inferior para el sistema hidráulico de la caja sorpresa (que se abre casi 2 m).

• Los técnicos y los artistas se mueven debajo del escenario sobre unas plataformas con ruedas similares a las usadas por el mecánico para examinar los bajos de un coche.

• La orquesta se encuentra en el nivel superior de la estructura.

“ Deseaba captar la esencia del circo creando un entorno escenográfico que ofreciera proximidad al público y le permitiera palpar el peligro de cerca”.

— Stéphane Roy

Creadores

Guy Laliberté nació en la ciudad de Quebec en 1959. Acordeonista, zancudo y tragafuegos, fundó el primer circo internacional de Quebec con el apoyo de un pequeño grupo de cómplices. Todo un visionario, Laliberté reconoció y promovió el talento de los artistas callejeros de la Fête foraine de Baie-Saint-Paul y creó Cirque du Soleil en 1984.

Guy Laliberté fue quien fusionó por primera vez las diferentes culturas y distintas disciplinas artísticas y acrobáticas que constituyen el sello distintivo de Cirque du Soleil. Desde 1984 ha guiado al equipo creativo en la creación de todos los espectáculos y ha contribuido a elevar el arte circense al nivel de las grandes disciplinas artísticas. Gracias a él, Cirque du Soleil se ha transformado en una organización internacional, tanto en su composición como en su área Àde influencia, con actividades en seis continentes.

En el año 2007, Guy Laliberté se embarcó en un nuevo proyecto vital: ONE DROP, una entidad que lucha contra la pobreza en el mundo ofreciendo un acceso sostenible al agua potable. Consciente de que el derecho al agua es fundamental para la supervivencia de las personas y las comunidades de todo el mundo, este proyecto transmite los valores fundamentales de Cirque du Soleil: la creencia de que la vida te devuelve lo que le has dado y que hasta el más pequeño de los gestos puede marcar una diferencia.

En septiembre de 2009 Guy Laliberté fue el primer canadiense en viajar al espacio. Su misión era concienciar al mundo sobre los problemas del agua bajo el lema Moving Stars and Earth for Water (Removiendo cielo y tierra en busca de agua). Con esta Misión Poético-Social, Laliberté deseaba llegar al corazón de las personas a través de un webcast especial de 120 minutos de duración formado por varios números artísticos representados en 14 ciudades de cinco continentes, incluida la Estación Espacial Internacional.

Premios y distincionesEn 2008, Guy Laliberté recibió el título de Doctor Honoris Causa por la Universidad de Laval (Quebec). El año anterior recibió el premio al Empresario del Año que concede Ernst & Young en las tres categorías: Quebec, Canadá e Internacional. En 2004 recibió la Orden de Canadá, la mayor distinción del país, de manos del gobernador general de Canadá. Ese mismo año apareció en la lista de las 100 personas más influyentes del mundo publicada por la revista Time. En 2003 recibió el premio Never Follow Program que concede el grupo Condé Nast a los creadores e innovadores. En 2001 recibió el título de “Gran Montrealés” de la Académie des Grands Montréalais. En 1997, Guy Laliberté recibió la Orden Nacional de Quebec, la distinción más importante que concede el gobierno de Quebec.

Guy Laliberté Guía y fundador

A David Shiner le encanta hacer reír a la gente, pero se toma muy en serio el arte de los payasos. “Básicamente, el payaso es un personaje que nos ayuda a conectar con la parte más sagrada de nosotros mismos”, explica. “Es un papel difícil de desempeñar”.

David Shiner, conocido sobre todo por su labor de payaso, empezó a trabajar como mimo en las calles de París. Su carrera despegó en 1984, cuando fue descubierto en el prestigioso festival circense Cirque de Demain. Después, trabajó en varios circos famosos, como el alemán Circus Roncalli y el suizo Circus Knie y, en los periodos que tenía libres entre un compromiso laboral y otro, iba de gira con Cirque du Soleil y el veterano René Bazinet, con quien creó un número doble.

La primera relación formal de David con Cirque du Soleil fue en 1990, cuando estuvo de gira con Nouvelle Expérience por Canadá y Estados Unidos durante 19 meses, y posteriormente un año en Las Vegas. Es probable que Shiner sea el payaso más recordado de Cirque gracias a los números en los que pasa, literalmente, por encima del público y a las actuaciones improvisadas con cuatro miembros del público que deben emular una escena de una película muda. Nouvelle Expérience se grabó para HBO en 1991. Entre sus otras apariciones televisivas se encuentran numerosas participaciones en el programa The Tonight Show. KOOZA fue su primera creación como actor y director en Cirque du Soleil, a la que siguió Banana Shpeel.

David hizo su debut en el cine en 1992 representando el papel de un payaso en El aceite de la vida. Al año siguiente fue el compañero de Bill Irwin en Lengua silenciosa de Sam Shepard. Seguidamente, Shiner e Irwin crearon el tándem mudo Fool Moon, un espectáculo con música de Red Clay Ramblers, que también participó en Lengua silenciosa. Representaron esta obra “lunática e inspirada” de 1992 a 1999, incluidas tres temporadas en Broadway. Fool Moon fue galardonado con un Tony especial en 1999 y recibió el premio Drama Desk Award para experiencias teatrales únicas y el premio especial del Outer Critics Circle.

En el 2000, David creó el papel del Gato en el sombrero, maestro de ceremonias y guía de Seussical, un musical de Broadway. Tras recibir una subvención de la Pugh Foundation, Shiner creó un espectáculo para el Teatro ACT de Seattle, que después adaptó para la producción individual David Shiner in the Round.

“KOOZA versa sobre la conexión humana y el mundo de la dualidad, sobre lo que es bueno y lo que es malo”, explica David. “El tono es divertido y gracioso, ligero y abierto. Es un espectáculo que no se toma a sí mismo demasiado en serio, pero que tiene mucho que ver con las ideas. A medida que se va desgranando, explora conceptos como el miedo, la identidad, el reconocimiento social y el poder”.

David Shiner Autor y director

“El payaso toma las debilidades humanas más profundas y las transforma en algo divertido. Además, el payaso es un anarquista que rompe las reglas”.

Serge Roy pasó a formar parte de la familia de Cirque du Soleil mucho antes de que se constituyera oficialmente en la compañía que es hoy.

Serge nació en el seno de una familia muy musical. Su padre trabajaba de saxofonista en el próspero circuito de cabarets de Quebec y Serge heredó un gran entusiasmo y talento notable por la música. Cuando era niño, llegó a cantar alguna vez de forma profesional. Serge entró en el mundo del pop casi por casualidad y grabó una canción que fue un éxito, pero prefirió explorar otras vías artísticas que le resultaran más satisfactorias y gratificantes.

Estudió teatro y tocó la batería durante un par de años, pero no encontró su verdadera vocación hasta que visitó la comunidad artística de Baie St. Paul, que en esa época era un gran hervidero de ideas creativas en el que Gilles Ste-Croix y Guy Laliberté estaban montando los primeros números que acabarían conformando Cirque du Soleil. Serge supo de inmediato que había encontrado su sitio.

En 1984 y 1985 trabajó como director escénico del espectáculo Le Cirque du Soleil, pero después abandonó la compañía durante varios años para trabajar en otros proyectos. En 1989 regresó al Cirque en calidad de director de gira en Norteamérica de Nouvelle Expérience y, en 1992 y 1993, como director de gira de Saltimbanco.

Después estuvo más de dos años trabajando en otros proyectos antes de volver al Cirque en 1995 como coordinador artístico de Alegría en Norteamérica y Tokio. Más tarde ese mismo año, se incorporó a la gira europea de Saltimbanco, también como coordinador artístico. En 1995, Serge se convirtió en el director artístico de Quidam.

Dos años más tarde, cambió Europa por Las Vegas para trabajar como coordinador artístico de Mystère, representada en Treasure Island. Poco después, aceptó el cargo de director artístico de Dralion durante su fase de creación y en los primeros años de gira por Norteamérica. En enero de 2003 dejó Quidam para volver a ocupar el puesto de director artístico de su “primer amor”, Saltimbanco. KOOZA fue su primer proyecto como director creativo, al que siguió Banana Shpeel.

KOOZA combina dos grandes tradiciones circenses: los payasos y las acrobacias. “A pesar de ser muy diferentes, es un matrimonio que lleva siglos juntos. Ambos proceden del mismo mundo, el mundo del circo. Esta obra nos aproxima a la simplicidad y la humanidad del primer circo y nos acerca más al público, con el que se entabla una estrecha relación. Es un espectáculo que evoca el trabajo de los artistas callejeros con una mezcla de números de acrobacia y payasos que se halla muy arraigada en los orígenes del circo y de Cirque du Soleil”.

Serge Roy Directeur de la création

“Esta obra nos aproxima a la simplicidad y la humanidad del primer circo y nos acerca más al público, con el que se entabla una estrecha relación. Es un espectáculo que evoca el trabajo de los artistas callejeros con una mezcla de números de acrobacia y payasos que se halla muy arraigada en los orígenes del circo y de Cirque du Soleil”.

Graduado por la National Theatre School de Canadá, Stéphane Roy ha trabajado de diseñador de escenarios y director artístico en más de 100 producciones en Montreal y el extranjero. Aunque ha desarrollado su carrera sobre todo en el mundo del teatro y la danza, también ha colaborado en proyectos de cine, televisión y publicidad, así como en espectáculos de variedades.

A lo largo de los años, Stéphane ha entablado una estrecha relación con varios directores y compañías artísticas. Por ejemplo, ha diseñado los escenarios de más de 20 obras que se han representado en Espace Go y en el Théâtre du Nouveau Monde de Montreal. Desde 1995, ha diseñado los escenarios de varias producciones del famoso grupo de danza internacional La La La Human Steps.

Stéphane ha ganado numerosos premios y galardones, como el de Revelación del Año otorgado por la Asociación de Críticos de Teatro de Quebec en 1989. En 1992, esta misma asociación le concedió el premio al mejor diseño de escenarios. Su talento también ha sido reconocido por el Conseil des Arts de la Communauté Urbaine de Montréal, la Academia de Cine y Televisión Canadiense y por la Académie Québécoise du Théâtre.

Dado su perfil profesional, al que se añade un padre arquitecto, una madre involucrada en el mundo del teatro y un enfoque artístico y social del espacio escénico totalmente distinto, era de esperar que, antes o después, Stéphane Roy acabara gravitando hacia el mundo de Cirque du Soleil, y viceversa. Su colaboración formal con el Cirque comenzó con Dralion y siguió con Varekai, Zumanity y Zarkana. “En el teatro, el diseño del escenario da forma al discurso del autor y a la visión del director. En Cirque du Soleil, descubrí una página en blanco, una nueva manera de crear escenarios, una oportunidad para llevar más allá mi enfoque artístico. Siempre empiezo un nuevo diseño sin ideas preconcebidas. El proceso creativo es libre y abierto, sin puertas cerradas para los diseñadores.

En KOOZA, Stéphane “deseaba captar la esencia del circo creando un entorno escenográfico que ofreciera proximidad al público y le permitiera palpar el peligro de cerca. Un espacio escénico donde todo se hace de forma directa, sencilla y transparente, donde incluso el atrezo de los acróbatas, la estructura de la carpa y la orquesta están a la vista”.

Stéphane Roy Diseño de escenarios

“Deseaba captar la esencia del circo creando un entorno escenográfico que ofreciera proximidad al público y le permitiera palpar el peligro de cerca. Un espacio escénico donde todo se hace de forma directa, sencilla y transparente, donde incluso el atrezo de los acróbatas, la estructura de la carpa y la orquesta están a la vista”.

En los últimos 20 años Marie-Chantale Vaillancourt ha diseñado vestuarios para numerosas producciones teatrales y de danza, ópera y cine. Su trabajo, que combina las dos disciplinas en las que está especializada —el diseño de escenarios y el diseño de vestuarios—ha viajado por todo el mundo.

Desde 1989 colabora estrechamente con el prestigioso autor, actor y director Robert Lepage creando vestuarios para muchas de sus producciones, entre las que se encuentran Les sept branches de la rivière Ota, La Géométrie des miracles, La Face cachée de la lune, la gira de Peter Gabriel Growing Up, La Trilogie des dragons y KÀ, para Cirque du Soleil.

Su trabajo ha sido reconocido en Canadá con numerosos premios importantes, como los dos premios Masque que recibió en 1995 y 2005 por el diseño de vestuarios. Además, ha sido nominada en múltiples ocasiones para diversos galardones, como los premios Genie y Jutra por su trabajo con Robert Lepage en la película Nô.

“Aunque KOOZA no es específicamente un espectáculo de payasos, hay varios personajes representados por payasos”, puntualiza Marie-Chantale. “Necesitaba evitar los tópicos y caricaturas y concentrarme más en los arquetipos de personajes universales que no cambien nunca. Los diseños tienen una estética cercana a la del hebreo, pero filtrada por la perspectiva cándida del protagonista, el Inocente”.

“Para crear el vestuario me inspiré en fuentes tan diversas como las novelas gráficas, la pintura de Gustav Klimt, el Baron Münchhausen, las películas de Mad Max, las historias de viajes en el tiempo, la India y Europa del Este. El universo inocente, exótico e intemporal de KOOZA evoca el mundo de los juguetes, los soldaditos de plomo y los libros infantiles, con reminiscencias de Alicia en el País de las Maravillas y el Mago de Oz”.

Marie-Chantale Vaillancourt Diseño de vestuarios

“Para crear el vestuario me inspiré en fuentes tan diversas como las novelas gráficas, la pin-tura de Gustav Klimt, el Baron Münchhausen, las películas de Mad Max, las historias de viajes en el tiempo, la India y Europa del Este”.

Jean-François Côté es un autodidacta de los teclados. Compositor y prolífico músico electrónico desde los ochenta, es muy conocido en la escena musical de Los Ángeles. Ha trabajado con algunos de los principales cantantes y grupos pioneros de Quebec. Es famoso por mezclar diferentes estilos de música con la música electrónica para inventar nuevas formas.

En su adolescencia, Jean-François era un prometedor jugador de hockey, pero a los 16 años descubrió su verdadera vocación cuando empezó a tocar los teclados para grupos de

rock y soul en Montreal y a desarrollar un estilo y sonido muy propios. A esa edad también consiguió un trabajo como guardia de seguridad en el primer espectáculo de Cirque du Soleil. “Por la noche me escabullía para tocar los teclados de René Dupéré y pulir mi técnica”.

Años más tarde, cuando tocaba para la cantante Julie Masse, su estilo llamó la atención de Benoit Jutras, compositor de Cirque du Soleil. Este encuentro derivó en su primera colaboración con la compañía en calidad de editor musical y director de orquesta de “O” y Mystère. También diseñó el sonido de la secuencia de los tambores de Taiko en la película El paso de la vida creada por el Cirque para Imax.

Según Jean-François, el Cirque es uno de los entornos más estimulantes en los que se puede trabajar como compositor. “A pesar de su tamaño, el Cirque se mantiene fiel a su objetivo original: crear espectáculos de alta calidad. La libertad que ofrece el Cirque a los creadores es inigualable.”

Para expresar los aspectos humanos y graciosos de KOOZA, Jean-François Côté se inspiró en la música pop occidental, desde el funk de los setenta hasta la música orquestal, pero también en la música tradicional hindú y en las bandas musicales de las películas de los años cuarenta y cincuenta, un período por el que siento una particular fascinación”.

Jean-François Côté Compositor

“Me inspiré en la música pop occidental, desde el funk de los setenta hasta la música orquestal, pero también en la música tradicional hindú y en las bandas musicales de las películas de los años cuarenta y cincuenta, un período por el que siento una particular fascinación”.

Clarence Ford es un prolífico bailarín, coreógrafo, profesor y director de cine de Toronto cuyas creaciones han sido vistas y disfrutadas en Canadá, Estados Unidos y el resto del mundo. A Clarence le gusta colaborar con otros artistas. Ha trabajado con el legendario James Brown y en videoclips de artistas como Robbie Williams y Barenaked Ladies.

A los 5 años, Clarence soñaba con convertirse en jugador de hockey profesional. En el instituto practicaba atletismo y batió el récord nacional escolar de los 100 m lisos, gracias a lo cual recibió varias ofertas para becas de atletismo en Estados Unidos. A los 17 años descubrió el baile y su carrera artística despegó con Soul Express, un grupo de danza que realizaba giras por Canadá y aparecía en programas de televisión, incluido un programa propio en la cadena CBC.

Desde un punto de vista estilístico, Clarence Ford es un innovador, ya que fue uno de los primeros coreógrafos de Norteamérica en integrar los bailes de la calle y el hip hop en las disciplinas olímpicas de patinaje artístico y natación sincronizada. De hecho, su sensacional coreografía llevó a dos patinadores olímpicos a ganar sendas medallas de oro.

Clarence es el creador de las coreografías de varios espectáculos sobre hielo, como Stars on Ice, y de estrellas del patinaje como Kurt Browning, Scott Hamilton, Victor Kraatz y Shae-Lynn Bourne. También ha diseñado la coreografía de numerosas ceremonias de premios, como las de los premios Juno, Genie y Gemini de Canadá.

Su trabajo en el cine le ha llevado a Los Ángeles, las Antillas y Europa en proyectos para estudios del calibre de DreamWorks, Universal y Miramax. Entre las películas en las que ha colaborado se encuentran El terror de las chicas, protagonizada por Will Ferrell, El Esmoquin, con Jackie Chan y Jennifer Love Hewitt, y El hermano secreto, con Eddie Griffin y Billy Dee Williams.

Ford también ha ideado las coreografías de unos 40 anuncios de televisión, y ha producido, dirigido y coreografiado desfiles de moda e innumerables eventos especiales, como el desfile de Reebok para Fashion Television o los conciertos de Arrested Development, Soul Decision y Sugar Jones.

Clarence Ford comenzó a trabajar para Cirque du Soleil en 1997, cuando Debra Brown le invitó a participar en los talleres del estudio y le solicitó algunas coreografías para

La Nouba. Poco después, se incorporó al programa de formación general que se imparte en la sede internacional del Cirque en Montreal.

La coreografía de KOOZA se inspira en la cultura pop urbana, la excentricidad de los vodeviles, el jazz y los espectáculos callejeros. “Se trata de una fusión de coreografías que evoluciona siguiendo su propio lenguaje, un lenguaje que despierta sentimientos, transmite poder ¡y emociona al público!”

Clarence Ford nació en Toronto.

Clarence Ford Coreógrafo

“Se trata de una fusión de coreografías que evoluciona siguiendo su propio lenguaje, un lenguaje que despierta sentimientos, transmite poder ¡y emociona al público!”

Martin Labrecque Diseño de iluminación

Jonathan Deans Codiseño de sonido

Martin ha trabajado en unas 100 producciones teatrales, y KOOZA es el segundo espectáculo de Cirque du Soleil en el que se encarga de la iluminación tras trabajar en Corteo, VIVA Elvis y, más recientemente, en The Immortal World Tour de Michael Jackson.

Martin Labrecque ha contribuido al éxito de varios espectáculos en Quebec, como L’Homme en Lambeaux, por el cual recibió un premio en 2001. En 2003 creó, junto a Patrice Dubois, una obra sobre la vida de Orson Welles: Everybody’s Welles pour tous, que le valió un premio Masque a la mejor producción de Montreal. Posteriormente, volvió a ganar dos premios Masque por Le Peintre des Madonnes (2005) y Hosanna (2007), ambas dirigidas por Serge Denoncourt. Además, ha sido nominado en una docena de ocasiones por otros trabajos de iluminación.

Antes de incorporarse a Cirque du Soleil, Martin Labrecque diseñó la iluminación de dos famosos espectáculos circenses producidos por Cirque Eloize, Rain y Nomade, que dirigió Daniele Finzi Pasca, autor y director de Corteo.

KOOZA es el primer trabajo de Martin con el director David Shiner. “Recuerdo que lo primero que me dijo David fue ‘quiero que la gente vea a mis payasos’, así que uno de los mayores desafíos fue conseguir realzar el rostro de los actores cómicos –un aspecto crucial para apreciar su actuación– sin alterar el equilibrio ni comprometer la estética del espectáculo. Fue una tarea harto difícil, sobre todo si se tiene en cuenta que sus rostros debían verse desde todo el escenario”.

Martin Labrecque nació en Montreal.

Jonathan Deans es uno de los diseñadores de sonido más solicitados del teatro musical. Él es el hombre detrás del sonido de KOOZA, su noveno proyecto para Cirque du Soleil tras Saltimbanco, “O”, Mystère, La Nouba, Zumanity, KÀ, Corteo y, más recientemente, LOVE, Wintuk, CRISS ANGEL Believe, VIVA Elvis y OVO. Para Jonathan, el enfoque creativo del Cirque, basado en el progreso constante y el trabajo en equipo, es muy estimulante.

Actor infantil de éxito, a Jonathan le ha fascinado la electrónica desde siempre. A los 15 años se incorporó a la Royal Shakespeare Company, donde empezó a desarrollar su interés por el sonido dentro del contexto teatral. Tras trabajar durante un breve período como técnico de sonido para Morgan Studios, donde se codeó con artistas de la talla de Cat Stevens, Paul Simon y Rick Wakeman, regresó al mundo del teatro para mezclar el sonido de la comedia musical A Chorus Line. Desde entonces, ha concatenado un éxito tras otro como operador de sonido en producciones como Evita, Cats, Bugsy Malone o Sonrisas y Lágrimas. Su último trabajo para Broadway fue el diseño del sonido de Pirate Queen, que se estrenó en abril de 2007.

En el West End trabajó como diseñador de sonido en los musicales Marilyn, Time, Les Misérables, Mutiny, Jean Seberg, Broadway Ragtime, Fosse, King David, Damn Yankees, Taboo y Brooklyn.

Los grandes éxitos cosechados por Jonathan le han hecho valedor de varios premios, entre los que destaca el Entertainment Design Award a la Producción del Año por su trabajo en “O”, que recibió mientras daba los últimos retoques al sonido de La Nouba en 1998.

Los teatros permanentes del Cirque y el Grand Chapiteau son dos mundos bastante diferentes para Deans, en lo que a diseño de sonido se refiere. Deans opina que lo mejor del Grand Chapiteau es la proximidad entre los artistas y el público, que crea una intimidad especial para la experiencia de entretenimiento. “De todos modos, aunque las exigencias técnicas sean diferentes, la textura de la música y las capas de sonido son las mismas. Sea cual sea el entorno en que se representa KOOZA, queremos que el público sea consciente, a través del sonido, de que entra en un mundo diferente”.

Jonathan Deans nació en Inglaterra.

“Uno de los mayores desafíos fue conseguir realzar el rostro de los actores cómicos –un aspecto crucial para apreciar su actuación– sin alterar el equilibrio ni comprometer la estética del espectáculo”.

“Queremos que el público sea consciente, a través del sonido, de que entra en un mundo diferente”.

Leon Rothenberg cuenta con una dilatada experiencia en composición musical y programación. En 1995, mientras estudiaba música e informática en el Oberlin College, fue a Mumbai a conocer la música clásica del norte de la India en el Sangit Mahabharati School. En 2002 se graduó en un máster de Diseño de Sonido por el California Institute of the Arts.

“Me gusta pensar que mi planteamiento del sonido es muy musical. Cuando era pequeño tocaba varios instrumentos y sabía que quería dedicarme a la música de mayor. Con 8 años ya realizaba experimentos con los sonidos con un proyector de carrete. En la Universidad empecé a componer música para obras teatrales y me di cuenta de lo interesante que sería combinar la composición musical con el diseño de sonido”.

Una vez finalizados sus estudios, Leon empezó a trabajar como técnico de producción en diversas obras de pequeña envergadura en el sur de California, pero no tardó en colaborar en producciones más importantes en el Mark Taper Forum de Los Ángeles y en Nueva York, entre otros lugares. En 2003, codiseñó el sonido de una gran producción de King Lear que se representó en varios puntos de Los Ángeles y Francia. También ha trabajado en varias películas de animación experimentales e impartido clases de escucha creativa y diseño de sonido.

Leon Rothenberg captó la atención de Jonathan Deans, diseñador de sonido de varios espectáculos de Cirque du Soleil, cuando acababa de licenciarse, pero tardaron varios años en trabajar juntos. Su primer proyecto con Jonathan fue como su asistente en KÀ, representado en el MGM Grand. Su colaboración continuó en Corteo y en el gran espectáculo LOVE del Mirage. Leon ha trabajado por primera vez como codiseñador de sonido para Cirque du Soleil en KOOZA, donde comparte esta responsabilidad con Jonathan Deans.

“Buscamos una manera distinta de crear amplitud y profundidad con el sonido, nuevas maneras de envolver al público a través de diferentes perspectivas, pero sin perder nunca la intimidad con él”.

Leon Rothenberg nació en Boston, Massachussets.

Leon Rothenberg Codiseño de sonido

Danny Zen empezó a trabajar en los talleres de Cirque du Soleil como soldador en 1990, pero en sus credenciales también constaba que sabía coser prácticamente de todo y que era un experto piloto de ala delta y un gran entusiasta del paintball.

Ese año, Danny acompañó al Cirque Réinventé en su primera gira europea y después trabajó por primera vez como rigger en Nouvelle Expérience. En 1992, estuvo de gira con Saltimbanco como técnico de carpas y, en 1996 fue el jefe de riggers de Quidam.

En su calidad de director técnico del Creation Studio del Cirque, ha participado en la creación de Alegría, Mystère, Quidam, Dralion, Varekai, “O”, La Nouba y KÀ. Para Danny, el trabajo del rigger no es meramente mecánico. “Este trabajo también tiene su lado creativo. Colaboramos estrechamente con el director de decorados porque muchos equipos acrobáticos forman parte del decorado y hay que combinar los requisitos tecnológicos con los artísticos”.

La máxima prioridad para Danny es la seguridad de los artistas y, en este sentido, ha participado en la elaboración de las normas de seguridad que deben aplicarse en todas las producciones del Cirque. Además, es el responsable de la formación de los riggers. “El rigger es la persona que está más cerca del artista. De hecho, tiene su vida en sus manos”.

Danny trabajó en la creación de Corteo y Zarkana, y KOOZA es el segundo espectáculo de Cirque du Soleil donde se ocupa del diseño del rigging y los equipos acrobáticos, una labor que combina con sus tareas de director de investigación y diseño técnico en el Creation Studio.

“En KOOZA, el equipo creativo minimizó la manipulación del escenario para que el público se concretara en los números. Las acrobacias aéreas son del máximo nivel y el objetivo es que todo fluya con gran sencillez y ligereza desde todos los puntos de vista”.

Danny Zen nació en Saint-Luc, Quebec.

Danny Zen Diseño de equipos acrobáticos y rigging

“Me gusta pensar que mi planteamiento del sonido es muy musical”.

“El rigger es la persona que está más cerca del artista. De hecho, tiene su vida en sus manos”.

André Simard empezó a trabajar en Cirque du Soleil en 1987, año en el que creó el número del trapecio volador para Nouvelle Expérience, toda una revolución en el ámbito de las acrobacias aéreas. Bajo su dirección, los movimientos que desarrollan los acróbatas entre el cielo y la tierra, ya sea en un teatro o bajo una carpa, adquieren la fluidez de los movimientos del ballet. Entre 1989 y 2000 fueron premiados en distintos festivales internacionales trece de los números que creó Simard para Cirque du Soleil, el National Circus School y su propia compañía de artistas, Studio de création les gens d’R.

Las artes circenses estarán siempre en deuda con Simard por crear en 1995 las acrobacias con telas. Otra muestra de su innovación tecnológica y coreográfica, derivada de su colaboración con el diseñador de equipos acrobáticos Jaque Paquin, es el número del barco en “O”. Simard también ha diseñado casi todos los números aéreos de los ocho espectáculos que el Cirque representa actualmente en todo el mundo.

André Simard lleva más de 30 años combinando con éxito y con un gran equilibrio armónico, sus tres especialidades: las bellas artes, el deporte de élite y el circo. A principios de la década de 1970, mientras estudiaba en el Institut des Arts Graphiques de Montreal, era miembro del equipo nacional de gimnasia de Canadá. Además, mientras se preparaba para las Olimpiadas de 1972 en Munich, se dedicaba a formar a payasos y a otros artistas en el Centre Immaculée-Conception de Montreal, centro precursor de la National Circus School.

Según explica Simard, “intento aplicar la biomecánica al entrenamiento deportivo y añadirle el poder evocador de las artes escénicas”. Este enfoque es el que aplica en las clases que imparte en el National Circus School, en el Centre National des Arts du Cirque de Châlons-sur-Marne y en la École Nationale de Cirque de Rosny-sous-Bois, estos dos últimos en Francia.

En 1995 fundó el Studio de création les gens d’R en Montréal, que promueve la expresión artística y emocional a través de las acrobacias aéreas. En 2001, la compañía estrenó Échos bajo los auspicios de la Bienal de Venecia.

En KOOZA, André Simard se siente en su elemento por su alto contenido acrobático y por el riesgo, el valor y la fragilidad que deben demostrar los artistas. “KOOZA regresa a los orígenes de Cirque du Soleil mostrando el esfuerzo físico en su estado más puro, explorándolo en todas sus dimensiones y en toda su fragilidad”.

André Simard nació en Montreal.

André Simard Diseño de números acrobáticos

“KOOZA “KOOZA regresa a los orígenes de Cirque du Soleil mostrando el esfuerzo físico en su estado más puro, explorándolo en todas sus dimensiones y en toda su fragilidad”.

Cuando era joven Rogé Francoeur soñaba con ser actor, pero ha sido entre bastidores y no sobre el escenario donde ha dejado huella. Tras estudiar Bellas Artes en Quebec y escultura en la Universidad de York en Toronto, inició su carrera en el diseño de decorados para el cine, el teatro y la televisión.

Rogé empezó en el cine como decorador y diseñador de maquetas y decorados. Trabajó en numerosas películas, entre las que se encuentra Taming of the Demons (1985) de

Emile Radok, una obra clave para el desarrollo de su carrera. También aplicó su perspectiva tridimensional a la película Shadow of the Wolf (1992) de Jacques Dorfmann, a la película para televisión Zelda (1993) dirigida por Pat O’Connor y Screamers (1995) de Christian Duguay.

En 1996, Rogé Francoeur trabajó como asistente creativo, decorador y maquetista en Cinema Avenue Japan, una importante feria del cine con sede en Tokio. En los últimos seis años, Rogé da clases de diseño y pintura de decorados en una escuela superior de Saint Hyacinthe, Quebec.

La primera colaboración de Rogé con el Cirque se produjo en 1992, cuando trabajó con el diseñador de vestuarios Dominique Lemieux en la creación de Saltimbanco. Posteriormente trabajó con Michel Crête en el diseño de los decorados de Mystère y Alegría en 1993 y

1994. Desde 2003 trabaja como asesor en proyectos de I+D del Cirque y ha colaborado estrechamente con el departamento de vestuarios. Fue a raíz de su trabajo en Alegría que la compañía decidió contratarle para KOOZA, siendo ésta la primera vez que trabaja en un espectáculo del Cirque como diseñador.

“KOOZA explora el mundo de los payasos imaginado por David Shiner”, explica Rogé. “El trabajo de los actores cómicos es muy bueno y los decorados no deben hacer sombra a sus personajes. Mi mayor preocupación ha sido que los decorados fueran sencillos, ergonómicos y compatibles con el diseño general de la obra. Mi visión de los decorados es impresionista, puesto que sólo se ven en su plenitud cuando se contemplan a distancia o cuando están iluminados”.

Rogé Francoeur nació en Macamic, Quebec.

Rogé Francoeur Diseño de decorados

“Mi visión de los decorados es impresionista, puesto que sólo se ven en su plenitud cuando se contemplan a distancia o cuando están iluminados”.

Florence Cornet lleva más de dos décadas explorando nuevas maneras de conectar con el público a través de sus diseños de maquillaje. Después de graduarse por el Collège de Sainte-Foy de Quebec a principios de los años 1980, Florence asistió a los cursos de maquillaje impartidos por el diseñador de decorados canadiense Yvan Gaudin. Esta experiencia despertó en ella su vocación de futuro. Continuó su formación en la escuela Mytho Maquillages de Mikie Hamilton e inició su prolífica carrera profesional antes de cumplir los 20. En 1985 viajó a Francia para realizar unas prácticas y acabó trabajando como directora artística y diseñadora de decorados de un espectáculo multicultural en el Festival Mundial de Marionetas. Desde entonces, no ha dejado de trabajar en el ámbito del maquillaje, el diseño de vestuario, la dirección artística y las marionetas. Ha trabajado en unas 200 producciones en Quebec en Le Théâtre Petit à Petit, el Théâtre du Trident, el Théâtre de la Licorne y el Théâtre du Nouveau Monde, entre otros. Además, ha trabajado bajo las órdenes de varios directores teatrales de Quebec como Serge Denoncourt, Dominic Champagne, Claude Poissant, Wajdi Mouawad, Denise Guilbault, Michel Lemieux y Victor Pilon.

Además de impartir clases de maquillaje desde hace 20 años en varias escuelas teatrales, incluida la National Circus School de Montreal, Florence Cornet también ha trabajado en el cine y la televisión (p. ej. es la directora de maquillaje de la serie televisiva Hommes en quarantaine). En el 2000 fue nominada para el premio Gémeaux (mejor maquillaje) por su trabajo en Une Âme Immortelle, película producida por Cine Qua Non Film y dirigida por Bernar Hébert.

Esta no es la primera vez que Florence Cornet trabaja para Cirque du Soleil. En 2004 trabajó como ayudante de maquillaje en KÀ, así como en varios eventos especiales. En KOOZA trabaja por primera vez para el Cirque como diseñadora maquillaje. “Exploré diferentes texturas inspiradas en Oriente Medio y África, donde se usa mucho el oro, las joyas, el brillo y la tierra. Adopté un estilo que favorece la espontaneidad de los gestos, acentúa la asimetría de las líneas y realza lo que es instintivo y ritual”.

Florence Cornet vive en Montreal desde hace 20 años. Nacida en Toulon (sur de Francia), se trasladó a Quebec a la edad de cinco años.

Florence Cornet Diseño de maquillaje

“Exploré diferentes texturas inspiradas en Oriente Medio y África, donde se usa mucho el oro, las joyas, el brillo y la tierra. Adopté un estilo que favorece la espontaneidad de los gestos, acentúa la asimetría de las líneas y realza lo que es instintivo y ritual”.

Información breve

• Durante las giras se consumen muchos productos y servicios locales, como alimentación, biodiesel, maquinaria, comida y bebida para el público, servicios bancarios, servicios de mensajería y servicios de reciclaje, todo lo cual supone unos ingresos considerables para la economía local.

• Durante su estancia en una ciudad, el circo contrata a más de 120 personas locales para ayudar con la venta de entradas y los servicios de acomodador, guardarropía y administración.

• La cocina cuenta con un director de cocina y tres cocineros.

• Con el circo viajan due especialistas en medicina deportiva.

KOOZA• El estreno mundial de KOOZA tuvo lugar en abril

de 2007 en Montreal (Canadá) y desde entonces se ha representado en más de 47 ciudades de doce países.

• KOOZA representó el espectáculo número 1.000 en Santa Mónica (California) en 2009; el 1.500 en Tokio (Japón) en 2011, el número 2.000 en Dallas (Texas) en 2012 y el número 2500 en Viena, Austria en 2014.

• Más de 5 millones de personas han visto KOOZA.

Los artistas y el equipo• Los artistas y el equipo de KOOZA representan 24

nacionalidades (los artistas representan 18 nacionalidades): Argentina, Australia, Bielorrusia, Bosnia-Herzegovina, Brasil, Canadá, China, Colombia, Ecuador, Francia, Hungría, India, Japón, Kazajastán, Moldova, Mongolia, Rumania, Rusia, España, Suecia, Ucrania, Estados Unidos y Reino Unido.

• Aunque el inglés y el francés son las lenguas principales durante las giras, también se hablan otros idiomas, tales como chino, español o ruso.

• Unas 130 personas viajan en las giras, incluidos más de 100 artistas y miembros del equipo. El resto son acompañantes oficiales (parejas e hijos). De toda la plantilla del circo, 53 son artistas.

La carpa de entrada• La carpa de entrada acoge los puntos de venta

de merchandising, comida y bebidas.

La carpa VIP ROUGE• Con capacidad para 240 personas, también se usa

para funciones privadas.

La carpa artística• La carpa artística incluye una zona de vestuario, los

camerinos, una zona de entrenamiento totalmente equipada y una sala de fisioterapia.

La cocina• La cocina es el corazón del pueblo: no sólo sirve 300

comidas al día, seis días a la semana, sino que es el lugar de encuentro de los artistas y los miembros del equipo.

El Grand Chapiteau• El Grand Chapiteau tiene capacidad para unas

2.600 personas sentadas.

• El Grand Chapiteau está formado por 18 piezas de lona ignífuga recubierta de vinilo. Ha sido fabricado en Burdeos (Francia) por Voileries du Sud-Ouest, una empresa conocida en todo el mundo por sus grandes carpas.

• La lona de la carpa y sus once túneles pesan unos 5.000 kg.

• El Grand Chapiteau mide 20 m de altura y tiene un diámetro de 51 m.

• Los cuatro mástiles se levantan a 25 m del suelo.

• Se necesita un espacio de 17.000 m² para albergar todo el circo, con las tiendas y los camiones incluidos.

Montaje del circo• Se necesitan unos nueve días para montar el circo

y unos tres días para desmontarlo.

• Son necesarios 60 camiones para transportar el equipo de ciudad en ciudad.

• El Grand Chapiteau, la carpa de los artistas y la carpa VIP ROUGE están climatizadas.

Una ciudad sobre ruedas

La ciudad itinerante de Cirque du Soleil se compone del Grand Chapiteau, la carpa de entrada, la carpa artística, la taquilla, la cocina, las oficinas y los almacenes, entre otras piezas. Además, genera su propia electricidad y sólo utiliza los servicios de agua y telecomunicaciones locales para su infraestructura.

Acerca de Cirque du Soleil

Desde sus inicios en 1984, cuando estaba formado por 20 artistas callejeros, Cirque du Soleil se ha transformado en una gran empresa ubicada en Quebec que produce espectáculos artísticos de alta calidad. Su plantilla de 4.000 empleados consta de más de 1.300 artistas procedentes de más de 50 países.

El Cirque du Soleil ha maravillado y entusiasmado a más de 155 millones de espectadores en más de 300 ciudades de 40 países en los seis continentes. La sede internacional de Cirque du Soleil se encuentra en Montreal, Canadá.

Para más información sobre Cirque du Soleil, visite cirquedusoleil.com.

La misión La misión de Cirque du Soleil es invocar la imaginación, provocar los sentidos y despertar las emociones de las personas en todo el mundo

Cómo nació Cirque du Soleil Todo empezó en Baie-Saint-Paul, una pequeña localidad cercana a la ciudad de Quebec (Canadá) donde, a principios de la década de 1980, un grupo de curiosos personajes deambu-laba por las calles sobre zancos haciendo juegos malabares, bailando, soplando fuego y tocando música. Eran Les Échassiers (los zancudos) de Baie-Saint Paul, una joven agrupación de teatro callejero fundado por Gilles Ste-Croix que en esa época ya causaba admiración entre sus conciudadanos, incluido Guy Laliberté, fundador de Cirque du Soleil.

La compañía fundó posteriormente Le Club des talons hauts (El club de los tacones altos) y en 1982 organizó La Fête foraine de Baie-Saint-Paul, un evento cultural en el que artistas callejeros de todas partes se reunían para intercambiar ideas y animar las calles de la ciudad durante varios días. La Fête foraine volvió a celebrarse en 1983 y 1984, y Le Club des talons hauts atrajo la atención del público. Fue entonces cuando Guy Laliberté, Gilles Ste-Croix y sus camaradas empezaron a acariciar un sueño alocado: crear un circo de Quebec que viajara por todo el mundo.

En 1984 la ciudad de Quebec celebraba el 450 aniversario del descubrimiento de Canadá por Jacques Cartier y buscaba un espectáculo que llevara los festejos por toda la provincia. Guy Laliberté presentó una propuesta para un espectáculo llamado Cirque du Soleil (El circo del sol). A los organizadores les gustó y ¡desde entonces Cirque du Soleil no ha parado!

DATOS:En 1984 había 73 personas trabajando en Cirque du Soleil. En la actualidad, la compañía cuenta con una plantilla de 4.000 personas en todo el mundo, incluidos más de 1.300 artistas.

• En la sede internacional de Montreal trabajan casi 1.500 personas.

• En el Cirque se desempeñan más de 100 puestos de trabajo distintos.

• En total, la plantilla del Cirque habla 25 idiomas y representa casi 50 nacionalidades.

• Desde 1984, más de 100 millones de espectadores han visto un espectáculo de Cirque du Soleil.

• Casi 155 millones de personas verán un espectáculo del Cirque du Soleil en 2014.

• Cirque du Soleil no recibe ninguna subvención pública o privada desde 1992.

En el 2015, Cirque du Soleil presentará 19 espectáculos diferentes alrededor del mundoESPECTÁCULOS EN ARENAS

ESPECTÁCULOS EN CARPA

Europa/Asia América del Norte/Europa

América del Norte

Asia Australia/Asia

SudaméricaAmérica del Norte/Europa Europa/América del Norte

América del Norte

Las marcas registradas Amaluna, Corteo, JOYÀ, KÀ, KOOZA, KURIOS - The Cabinet of curiosities, La Nouba, Mystère, “O”, OVO, Quidam, TORUK - The first flight, TOTEM, Varekai, Zarkana, Zumanity – the Sensual Side of Cirque du Soleil, Cirque du Soleil, el logotipo del sol, son propiedad del Cirque du Soleil y se utilizan bajo licencia. La marca registrada LOVE es una propiedad de The Cirque Apple Creation Partnership y se utiliza bajo licencia. La marca registrada The Beatles es una propiedad de Apple Corps Limited. Las marcas registradas CRISS ANGEL y Believe son propiedad de Criss Angel y se utilizan bajo licencia. La marca registrada Michael Jackson THE IMMORTAL World Tour es una propiedad de Cirque Jackson I.P., LLC. Marcas se utilizan bajo licencia. La marca registrada Michael Jackson ONE es una propiedad de Cirque Jackson I.P., LLC. Marcas se utilizan bajo licencia. El nombre Michael Jackson, su imagen, su parecido y marcas asociadas son propiedad de Triumph International, Inc. y se utilizan bajo licencia. © 2010 Cirque Jackson I.P., LLC.

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Mandalay Bay en Las Vegas

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