[,DEVOU'TI:] #7 арт

ø Нам Джун Пайк ø ø Дмитрий Пригов ø

ø Илья Кабаков ø ø Энди Уорхол ø

ø The Cracking Art Group ø ø Dean Chamberlain ø

ø dEUS ø ø Evil Superstars ø

ø Kiss my jazz ø ø Dead Man Ray ø

ø Gore slut ø ø Bruce Nauman ø

ø Ugo Rondinone ø ø Stella McCartney ø

ø МаринаАбрамович&Улай ø

2 [,devou’ti:] ноябрь 2008

cоdержанuе

10 СТР. // АРХ_ФОН // ... Архитектор обратилась к важнейшему, на ее взгляд, аспекту творчества Нам Джун Пайка – непрерывности процесса изобретения и поиска новых возможностей для развития. Наземная часть здания решена архитектором как матрица, или сетка...

14 СТР. // МСК ПРОВОДНИК // ...Одни источники утверждают о наличии 150 сквотов в Москве, и это не всегда арт тусовка, иногда жильё на первый взгляд от обычных бомжей не отличающееся. Мы попробуем рассказать о десяти московских сквотах, проявивших себя наиболее ярко...

20 СТР. // МЕСТO //...Их связывает общее видение современного мира, и они заметно украсили культурную жизнь Праги. Своими источниками вдохновения считают дадаизм и поп-арт, которые удачно соединяются в их работах...

28 СТР. // FLASH //...Распространенными фонами для зарубежной светографики являются всевозможные свалки машин и другого железа, переходы метро и просто городские улицы, морские и лесные пейзажи....


иллюстрации: Нина Новикова ©

cоdержанuе

34 СТР. // УХО-ГОРЛО-НОС //...Не стоит копаться в музыкальных жанрах, эти ребята смотрят поверх них: это то, из чего эклектично сотканы полотна их треков, а управляет всем процессом джаз в наиболее чувственном понимании этого слова. Для Руди джаз - это образ жизни, его поведение, его способ создания музыки и игры с музыкой...

40 CТР. // ПOD-ГРУППА //...Его вторая пластинка «Moth-ertongue», вышедшая недавно - нагромождение кристально звучащих оркестровок, стелющихся космогенных

трипов, полифонических трепыханий старинных инструментов...

44 СТР. // СЕАНС//... Здесь вспоминают, поминают, постоянно говорят об истории, вымышленной или подлинной, такой которая живет только прошлым, либо такой, которая способная проявляться в настоящем...

48 СТР. // КАБЛУКИ, ХОЛСТЫ, АСФАЛЬТ И ВСЁ ПО СЕРЕДИНЕ //...Порой мы приобретаем вещи по распродаже или просто, потому что они нам

очень нравятся в надежде, что отнесем ее к портному или похудеем...

52 СТР. // RЕЦЕПТ //

58 СТР. // FАКТЫ //... 30 ноября 1946 г. родилась югославская художница Марина Абрамович. Одна из самых активных и скандальных фигур художественного пространства...


проект “Кегли” Бритва&Моряк ©

наd ноmером раbоталu

анна ардонова / анна башмакова / алла агаронова / ася глухова / наталья городилина / наталья глебкина / марина звидрина / карина караева / арсений костерин / степан капуста / сергей московских / саида мурадова / нина новикова / егор петров / екатерина прохожаева / евгения савушкина / анастасия томсинова / ирина титова / евгения самсонова-пряхина / алёна сычёва / дарья сейдузова / артём cтефанов / тихон ермаков / екатерина фролова / настасья щербина / мария lafert

обложка: Степан Капуста ©


колонkа энтузuастов


Аз – арт.

Что чувствует художник создающий гениальную, провокацию? Кем он себя ощущает? Кем ощущает себя человек создающий, банальную работу – художником? И что чувствует он в процессе её создания?Почитатели и противники есть у обеих сторон. У любого произведения найдутся почитатели и противники. Искусство с каждым новым произведением становится всё более и более спорным в оценке того или иного своего детища. Масса новых течений, направлений и отдельно взятых личностей сменяют друг друга, иногда оставаясь незамеченными. Коммерческое искусство – формат одних. Формат других – андеграунд. Но и на него будет спрос, стоит только кому-то решить: «Да будет так!». Растут не только скорости автомобилей и масштабы производства в Китае – скорости потребления искусства не отстают. Конечно, популярнее всего коммерческое – галереи, центры современного искусства растут, как грибы. Выставки сменяют одна другую, художники восходят и исчезают. Имена, названия, больше, больше – зритель, он же потребитель требует нового. Современное, искусство, которого так долго не было в нашей стране, заняло свою нишу, оно современное поэтому априори актуально, и ,стало быть, потребляемо. Но в месте с тем исчезло искусство андеграундного авангарда, которого раньше было в достатке, оно приобрело настолько подпольный вид, что его нужно тщательно разыскивать. В каждой стране у АРТа своё лицо, любая культура привносит в него свои особенности. Мы взяли отовсюду по немногу: Корея, Берлин, Бельгия, СССР, Нью-Йорк. Есть общество, значит есть культура, общество с высоким уровнем культуры предполагает наличие искусства. Мы избегали современное искусство и его

освещения в своём издании. Этот номер – исключение. И, возможно, в таком масштабе не будем касаться его в дальнейшем. Но это наша дань сегодняшнему дню – не тому на что есть спрос, а тому что нас волнует. У каждого автора свои отношения с этим термином – АРТ. И своё представление о его значении. Немного андеграунда, немного contemporary, немного звука и цвета, чуть-чуть наставлений и пара рекомендаций. Весьма противоречивый коктейль, приправленный отличными иллюстрациями. Приятного аппетита!

Мы

геометрuя

арх_фонmsk провоdнuk

арх фон


Флаксус в Арт-центре Нам Джун Пайка

Три недели назад, 8 октября 2008 года, в Корее недалеко от Сеула был открыт для публики Арт-центр Нам Джун Пайка. Построен он был еще в апреле этого года, но первая экспозиция разместилась в его стенах только сейчас. Сам дедушка видеоарта – американо-корейский художник Нам Джун Пайк (1932 – 2006) из-за своей кончины так и не увидел музей, задуманный семь лет назад, еще при жизни художника как музейное, выставочное и исследовательское пространство для демонстрации и изучения видеоарта и медийного искусства. Первая экспозиция арт-центра посвящена творчеству не только самого Пайка, но и многих других художников-представителей этих видов искусства.Идея создания музея появилась еще при жизни Нам Джун Пайка, а в 2003 году с большим размахом был проведен архитектурный

конкурс. Размах этот заключается в количестве поступивших на конкурс заявок – 940 из 53 стран мира. На суд жюри, возглавила которое француженка Одиль Декк, поступило 439 проектов. Победителем анонимного конкурса стала женщина-архитектор из Германии – Кирстен Шемель, руководитель собственной мастерской Kirsten Schemel Architekten, профессор Мюнстерского университета прикладных наук.Молодая архитектор Кирстен получила 20000 американских долларов, и следом за вознаграждением – заказ на реализацию проекта. Общая площадь нового центра Нам Джун Пайка составляет 5600 квадратных метров. Три его этажа уходят поз землю, два остаются над ней. Большая часть этого пространства будет служить местом демонстрации проектов как великого американо-корейского художника, так и других художников видеоарта и медийного искусства.


Нам Джун Пайк / Nam Junе Paik / родился в 1932 году в Корее. Музыкальное образование он получил в Японии, затем продолжил его в Германии, и в 34 года эмигрировал в США. В Германии Нам Джун Пайк после знакомства с музыкантом Джоном Кейджем и его творчеством начал экспериментировать с сочетанием медийных технологий и искусства. Пайк стал участником объединения Флаксус и одним из ярчайших мастеров перформанса, но поскольку мы говорим об арт-центре, посвященном видеоарту, то вернемся к этому виду искусства. В основе новых произведений Пайка лежало столкновение высокого искусства и повседневности, а главным изобразительным средством выступил телевизор. Пайк был первооткрывателем в сочетании приемов телевещания с видеопроектами, созданными художником, упорядоченными сложной визуальной и акустической матрицей.Одни проекты Пайка созданы для показа на

большом экране. Другие – для демонстрации одновременно на десятках телевизоров – некой матрице, или решетке. Эти приемы и легли в основу архитектурного решения проекта Кирстен Шемель.Сложность пространственного решения арт-центра продиктована, в первую очередь, неоднородностью ландшафта – под верхней параллелепипеднообразной частью здания скрываются подземные этажи с изгибами, спусками и подъемами при отсутствии плоских поверхностей.Архитектор обратилась к важнейшему, на ее взгляд, аспекту творчества Нам Джун Пайка – непрерывности процесса изобретения и поиска новых возможностей для развития. Наземная часть здания решена архитектором как матрица, или сетка. Особенность здания – единственный фасад-экран, состоящий из нескольких слоев отражающего стекла с нанесенной на него печатью горизонтальных полос.


Тонкие полосы, покрывающие стекло вытянутого по горизонтали фасада и его почти зеркально отражающая поверхность делают поверхность похожей на телевизионный экран.Интерьер наземной части здания сплошь «покрыт» сетью теней, падающих с потолка и стен на внутренние плоскости. Эта сеть непрерывно меняется в течение светового дня, подчеркивая нестатичность произведений видеоарта, и перекликается с клетками множества телевизоров, которые часто использовал Нам Джун Пайк. Визуально игра с фасадом довольно сильно напоминает работу Пайка All Star Video / 1984 /, а изменчивый темп внутреннего, даже не освещения, а решеток теней – темп музыки Рюичи Сакамото (его музыка звучит в этом произведении) и самого Джона Кейджа. Вообще в новом здании тени в естественно освещаемых помещениях и темнота в подземной части трактованы архитектором как важные составляющие пространства

для демонстрации видеоарта. Интерьеры здания не претендуют на самодостаточность – для полноценного вида им необходимы произведения именно медийного искусства – иначе пространство кажется «омертвелым». Пространство центра, существующее не как четкая и ясная система помещений, а как сложная матрица, делает архитектурный проект не просто выставочным пространством, а инструментом в руках кураторов, художников и посетителей.Казалось бы, первая экспозиция во вновь построенном центре Нам Джун Пайка должна быть посвящена творчеству его одного. Но арт-центр был открыт гораздо более масштабным событием – 8 октября начался фестиваль Now Jump, который продлится до 5 февраля 2009 года. Здесь собрано все, что связано с именем и творчеством знаменитого видеоартиста, музыканта и художника – произведения тех, кто сам повлиял на творчество Пайка, тех,


Настасья Щербина

кто оказался вовлеченным в его проекты и перформансы, а также молодых художников медиаискусства. Первый блок фестиваля представил работы участников объединения Флаксус: Джорджа Мачунаса, Йозефа Бойса, Нам Джун Пайка, Шарлотты Мурман, Джорджа Брехта и композиторов Джона Кейджа, Карлхайнца Штокхаузена и других. Второй блок представляет творчество группы музыкантов, хореографов и режиссеров – наиболее известные среди них: Ромео Кастеллуччи, Риодзи Икеда, Уильям Форсайт и группа «Римини Протокол». Третий блок объединил молодых и менее известных артистов. Возможно, масштабный фестиваль Now Jump превратит здание арт-центра Нам Джуна Пайка в место паломничества ценителей видеоарта.

Все фото, кроме последней: Nam June Paik Art Center ©Последняя: Kirsten Schemel Architekten ©

msk провоdниk


Прогулка по арт - Москве. История столичных сквотов.

Сквот (англ. squat) — нелегально занятое помещение. Сквотирование или сквоттинг (англ. Squatting) — акт самовольного заселения покинутого или незанятого места или здания лицами (сквоттерами), не являющимися его собственниками или арендаторами, а также не имеющими иного разрешения на его использование.Казалось бы, где-где, а в сегодняшней Москве, с её ценами на квадратный метр, явление невозможное. Ан нет! Конечно, о местах нахождения сквотов вы узнаете если не от близких знакомых, то только после их закрытия. Ибо разглашение тайны всем подряд приведёт к немедленной её ликвидации. Но если вы о таких местах не слышали, это не означает, что их нет. Они перманентны, и возникают с такой же частотой, как городские власти их ликвидируют. Это не сегодня сформировавшееся явление, и не в 90-е, как многие считают. В далёком 1902 году в Париже скульптор Альфред Буше основал сквот «Улей» на Монпарнасе, в тупике Данцига. Правда, после кутящей атмосферы модерна такие явления поутихли, но их в 60-е воскресили хиппи. В Копенгагене им удалось захватить целый квартал пустовавших военных казарм, где они создали колонию со своими законами и образом жизни. Власти до сих пор пытаются с ними бороться, однако хиппи пока одерживают победу. В Германии пик сквотирования пришелся на развал Берлинской стены. В восточном Берлине, после объединения было много пустовавших зданий, и главное было обосноваться до приезда полиции, поставив железную дверь и повесив замок. В 1994 году был принят закон, запрещающий занимать пустующие дома, но тех кто уже обжился, никто не имел права выгонять. У нас первая и самая яркая волна приходится на 80-е, потом чуть меньшая на 90-е, а в 2000-е их

официально нет. Одни источники утверждают наличие 150 сквотов в Москве, и это не всегда арт тусовка, иногда жильё на первый взгляд от обычных бомжей не отличающееся. Мы попробуем рассказать о десяти московских сквотах, проявивших себя наиболее ярко. Начнём наш путь от площади Маяковского, по Большой Садовой. Здесь в доме №10 до 2006 года существовала коммунна хиппи, по предлогом съёмок фильма «Место на земле». В этом доме когда-то жил Булгаков, и, возможно, сюрреалистичность персонажей, обитавших здесь в 2006 году, мало отличалась от героев булгаковского «Мастера и Маргариты». Сворачиваем в сквер, это первый поворот налево, идём под арку с надписью «Театр Практика», но нам интересен не он, а маленький театр-сквот в Мамоновском переулке. Разумеется, труппа театра не занималась самозахватом помещения, но внутри это настоящий сквот – маленькое подвальное помещение, больше похожее на малогабаритную квартиру, чем на театр, оформление сквотическое-непрофессиональное-уютное. И люди там очень приветливые!Прощаемся, нас приглашают на спектакль, но нам, увы, нужно идти дальше, поэтому отказываемся, но непременно вернёмся.Трёхпрудный переулок: здесь в 91-93 годах располагалась знаменитая московская арт-галерея, самая весёлая и ключевая площадка актуального искусства начала 90-х. Вернисажи проводились еженедельно по четвергам, в мансарде, имевшей отдельный черный вход со двора. Основатель этого сквота Авдей Тер-Оганьян жил в соседнем подъезде в двух выселенных квартирах. После выселения сквота из дома в Трёхпрудном летом 1993 г. большая часть художников перебралась в старый дом на Бауманской, где и была реанимирована практика четвергов под кодовым названием Галерея «Бауманская, 13».


Чтобы попасть к следующему арт-месту нашего маршрута, на Петровский бульвар, нам нужно миновать довольно шумную Пушкинскую площадь. На неё можно выйти по Трёхпрудному, а можно попетлять, свернув на Большой Палашевский, а с него – на Сытинский переулки. И миновать не менее шумный Страстной бульвар.На Петровском бульваре когда-то расцветало самое крупное независимое творческое пространство Москвы. «Заповедник искусств на Петровском бульваре» занимал несколько домов и два двора. Основателем его был Александр Петлюра, а талисманами – старички Пани Броня и Абрамыч. Они обрели новую жизнь одновременно со своими жилищами – кино показы, модные перформансы, тусовки, дискотеки, магазины винтажной одежды. Сквот просуществовал пять лет и был закрыт в 1995 году.Дальше направляемся вверх к Чистым прудам, Рождественский и Сретенские бульвары – не самое тихое и спокойное место для прогулок, поэтому их лучше обойти по переулкам слева. Сначала Печатников, когда-то на пересечении его и Трубной улицы находился продуктовый магазин с дверью, оклееной огромными оранжевыми квадратами. Теперь нет этого магазина и этой арт-двери, а на их месте стоит большое несуразное стеклянное здание. После Печатникова в Рыбников, и вот она Тургеневская площадь. Отсюда нам нужно в Большой Харитоньевский переулок, это по левую сторону от Чистопрудного бульвара. Он приведёт нас к улице Чаплыгина, и первый поворот налево – Фурманный переулок! Здесь в расселенном доме в 1987 году появились первые захваченные под мастерские квартиры. Пустые квартиры заполнялись всё новыми и новыми людьми, переоборудывались в мастерские. Приезжали художники из других городов, зная, что в Фурманном они найдут не только крышу над головой, но и массу

единомышленников. Здесь распродавались ещё не высохшие картины, здесь летели шальные деньги и здесь было брошено зерно, впоследствии взошедшее в Трёхпрудном и на Петровском бульваре. Правда, к тому моменту, когда сквот разогнали, большинство художников либо обзавелось жильём здесь, либо уехало жить за границу.Но Фурманный переулок был не совсем пионером сквотов советской Москвы. Если с него снова вернуться на Чаплыгина, дойти до Покровки и через площадь Покровских Ворот свернуть в Хохловский переулок, можно посетить место обитания ещё более раннего сквота, известного как «Детский сад». Это было в 1984 году, когда от статьи “за тунеядство” музыканты, художники, поэты и прочие творческие личности стройными рядами маршировали в дворники, лифтёры и сторожа. Таким образом сторожа-художники получили огромные выставочные пространства пустующего детского сада, под самым носом врага – напротив находилась школа КГБ. Артемий Троицкий, Жанна Агузарова, Сергей Африка (Бугаев), Дмитрий Пригов, Илья Кабаков – из этого «Детского Сада» вышел весь авангард 80-х.. Сквот был закрыт в 1986 году.Мы прошлись по местам памяти сквотов 80х и 90х годов, теперь направимся к весьма современному. Если продолжить путь вниз по Хохловскому, то никак не миновать «Типографии Оригинал». Здесь почти год просуществовал сквот. Современный московский сквот, место тусовки художников, перформеров, киноманов и музыкантов. В нём одним из первых мероприятий прошел фестиваль «Молодым везде» при поддержке ГЦСИ, за год было здесь много всего разного, хорошего, нового. Но и этому сквоту, который был даже не на захватнических, а на полулегальных правах, пришел конец. Оттуда съехали галерея, дизайн студия и танцкласс, ушли художники и двери «Типографии Оригинал» закрылись. Ходят слухи,


что авангардности место не потеряет и там создадут музыкальную площадку. Но место с директором – это уже не свободная коммунна, настоящее искусство в таких местах не живёт.Уставшие от нашего марш броска могут по Забелина спуститься к метро Китай-город, а стойким оловянным солдатикам предлогаем дойти до последнего всё ещё существующего и даже не очень скрывающего своё существование московского сквота. По Солянке спустимся вниз к Яузскому бульвару, перейдём на противоположный берег Москвы-реки по Большому Устьинскому мосту и по Садовническому переулку дойдём до Пятницкой. На ней и находится последний московский сквот, в котором до сих пор кипит жизнь, «Третий путь» - место, куда заглядывает Жанна Агузарова, место где можно организовать любую выставку, если вы худо бедно знакомы с жителями сквота, место где царит и главенствует сквотерский дух, место где

нет ни одной одинаковой кружки.Пока мы готовили эту статью, гуляли по Москве, собирали данные и материалы, фотографировали. Мы поняли чего не хватает нашему журналу – редакции-сквота, конечно же! Помогите нам найти такое место, и мы вместе сможем создать свой маленький мир энтузиастов.

текст: Марина Звидринафото: Евгения Самсонова-Пряхина

Наташа Глебкина

вuдоuскатель

иллюстрации к разделу: анна башмакова ©

местоflash

место || галерея

место: Москва, Россия, Государственная Третьяковская галереясобытие: Директор Музея Энди Уорхола в Питтсбурге Томас Соколовский на открытии выставки «Энди Уорхол: художник современной жизни».Тогда Уорхол оказался в России второй раз. И никто не думал, что будет еще и третий, и четвертый. В первые дни на выставку было крайне сложно пробиться. Что, в общем, не удивительно. В 1962 году он, до того работавший в рекламе, создал сенсационную серию работ, на которых были изображены не люди, не пейзажи и т.п., но нечто не привычное - банки кока-колы и консервов, в том числе - знаменитые изображения банки томатного супа «Кэмпбелл», ставшие его визитной карточкой. Радикальные арт-критики сразу обратили на них внимание, заявив, что произведения молодого художника искусно вскрывают пошлость, пустоту и безликость западной культуры массового потребления. В дальнейшем его работы становились еще более эпатажными: выполненные в кислотной манере образы

кумиров современного общества: Мэрилин Монро, Мика Джаггера, Мао Цзэдуна. фотограф: Наташа Глебкина ©

место: Москва, Россия, Винзавод, Цех Белогособытие: Торжественная церемония награждения лауреатов II ежегодного всероссийского конкурса в области современного визуального искусства “ИННОВАЦИЯ”.“Инновация” - конкурс призван выявлять значимые явления, которые соответствуют новейшим стратегиям и тенденциям актуального искусства, а также привлекать внимание широкой общественности к процессам и достижениям в этой области культуры. Он проходил уже

три раза, и три раза счастливчики хорошо знакомые ГЦСИ получали там большие денежные призы. Наша редакция присутствовала на II церемонии, в 2007 году. Церемония впечатляла. Кроме человека-куба и летающих на цепях и ходящих по стенам актеров De la guarda всем запомнился маленький тиренок, сидевший у входа в зал.фотограф: Наташа Глебкина ©

место: Омск, Россия, Любинский проспект, 6 сентября 2008 года, вечер, четверть седьмого.история: Открытие международного театрального фестиваля “Академия”.Открытие сопровождалось карнавальным шествием, организованным московским театром “Огненные Люди”. Для этого была перекрыта одна из старейших улиц города от Комсомольского моста до здания Театра драмы. Она буквально за несколько минут заполнилась зрителями, привлеченными странными персонажами на ходулях и свингующими звуками духового оркестра, одетого в старую форму пожарных. И хотя до начала этого действа не верилось, что в Омске возможен хотя бы кусочек настоящего красочного карнавала, “Огненные люди” подарили жителям города, хоть и ненадолго, ощущение настоящего европейского уличного праздника, за которым совсем не обязательно ехать за моря и горы. фотограф: Арсений Костерин ©

место: Москва, Россия, ГЦСИсобытие: Открытие проекта “Блюз наоборот” Центра современного искусства (Эстония). На выставке были представлены работы Laura Kuusk , Neeme Külm , Kristina Norman , Jüri Ojaver , Jaan Paavle , Paul Rodgers , Jaan Toomik , Anna Hints. И это была одна из первых попыток познакомить российского зрителя с Эстонским искусством. Открытие сопровождалось перформансом «Лебедь, рак и щука». По залу ходил один из художников, носил на руках лебедя, а рак и щука были просто к нему прикреплены, и читал стихи (?). Смысл этого действа остается загадкой, но нам этот перформанс запомнился, поскольку Лебедем была наша подруга и коллега.фотограф: Наташа Глебкина ©

место: Хельсинки, Финляндиясобытие: Памятник Сибелиусу оказалось не так легко найти. Мы минут 40 блуждали около него и вышли правильно совершенно случайно. Дополним картину моросящим августовским дождиком и редко-редко пробивающимся сквозь тучи солнцем. Вот что странно, в какую погоду не снимай памятник с этого ракурса небо в нем всегда серое… Памятник создан в 1967 по проекту Эйлы Хилтунен, выигравшей конкурс на лучший проект памятника композитору, объявленный обществом Сибелиуса. Он представляет собой множество органных труб, объединенный не то в облако, не то в металлическую ленту. Конкурс вызвал огромный интерес у общественности: спор между абстракционистами и фигуративистами был решен, когда к композиции был добавлен бюст Сибелиуса. Памятник в прямом смысле интересен со всех сторон. Вы можете зайти внутрь, заглянуть в трубы огромного органа,

в каждой из которых достигаются различные акустические эффекты.

фотограф: Наташа Глебкина ©

место: Прага, Чехия, музей Кампаистория: Мы решили провести выходные в Праге, время выбрали не специально, но очень обрадовались когда узнали, что сможем посетить выставку. Она такая позитивная, зяряжает хорошим настроением и юмором, и очень хорошо дополняет осенние краски своими яркими цветами. фотограф: Екатерина Фролова ©

место: Москва, Россия, Университет Дизайна история: Репетиция показа кол-лекции Mon Plaisir дизайнера Анас-тасии Первушиной, в аудитории университета, когда-то бывшей вентиляционной. Мы там тусовались всё время, это была как квартира, там был диван и чайник, и по ночам мы ели там кильку. Здоровенные, огромные окна от пола до потолка с видом на старую Москву. Лаборанты сдавали вахтёрам ключи, а мы оставались на ночь, и никто не знал что мы там. Самые лучшие наши проекты, коллекции одежды, живописные полотна были созданы в этой аудитории!фотограф: Екатерина Прохожаева ©

место: Прага, Чехия, музей Кампа событие: Открытие выставки. На ней представлены работы The Cracking Art Group, в которую входят 6 художников Alex Angi, Kicco, Marco Veronese, William Sweetlove, Renzo Nucara и Carlo Rizzetti. Их связывает общее видение современного мира, и они заметно украсили культурную жизнь Праги. Своими источниками вдохновения считают дадаизм и поп-арт, которые удачно соединяются в их работах. На сайте музея (http://www.museumkampa.com/en/Current-Exhibitions-141.htm) написано, что их работы остроумные, позитивные, с чувством юмора и мы не можем с ними не согласиться. В основном экспозиция состоит из скульптур всяких милых цветных животных.фотограф: Екатерина Фролова ©

flash


В словарях Яндекса набираю слово «фотография». Толковый словарь живого великорусского языка Владимира Даля предлагает мне одно из самых старых определений, а именно: «ФОТОГРАФИЯ (греч.) – искусство снимать предметы на бумагу посредством света; светопись, солнопись. Такое архаичное, красивое определение – светопись – впечатляет. Чем не повод написать об искусстве, возвращающем фотографии ее древнее значение?Техника световой кисти, которую в последнее время все чаще называют светографикой – не новое и давно известное любителям фотографии художественное изощрение. Пожалуй, самое популярное течение за рубежом – это граффити светом или painting with light на фоне урбанистических пейзажей. Самое примечательное в этих умопомрачительно красивых снимках то, что многие из них созданы без использования фотошопа. Это в том числе является отличительной чертой фотографа Алана Яраса Alan Jaras, творческий псевдоним которого “Reciprocity”. Он создает экзотические сюрреалистические узоры из света, преломленного пластмассой. Создателем идеи урбанистического light painting считается Эрик Сталлер, который начал экспериментировать в этой области аж в 70-х. Понятно, что его работы представляют наибольший интерес для действительно инспирированных любителей, так как это истоки, и истоки по-настоящему выдающиеся. Изначально Сталлер был известен как скульптор и начал свои эксперименты с создания световых скульптур. Он обводил светом реальные объекты и снимал все это, по возможности в темноте, на длинной выдержке от 5 до 30 секунд.Распространенными фонами для зарубежной светографики являются всевозможные свалки машин и другого железа, переходы метро и просто городские улицы, морские и лесные пейзажи. Фотограф Дин Чемберлен Dean

Chamberlain создает настоящие мистерии, снимая таинственно сияющие залы храмов и дворцов. Все это действительно красиво и завораживающе. Подобные снимки выглядят как иллюстрации чудес фоторедакторов, но если присмотреться, в них чувствуется живое движение и глубина настоящего искусства.А вот что происходит у нас. Русские Интернет-сайты наводнены работами практически единственного фотодуэта, работающего со световой кистью. Название на слуху – Horyma. На виду и работы – броские, контрастные. Правда, в глазах у меня сильно пестрит от их просмотра.В основном это портреты – групповые или одиночные, а также натюрморты. Первое впечатление непосвященного – это не фотография, это фотошоп! Да, говорят создатели, и фотошоп, безусловно, присутствует. Однако, как утверждают они, эскизами для работ становятся обычные постановочные


Дарья Сейдузова

фотографии, которые дорабатываются в графических редакторах. Что ж, может, это все и так, но все-таки смотрится все это художество в отличие от зарубежной светографики уж очень обработанным.Horyma не признают за своих ни фотографы, ни художники. Они открыли собственную школу светографики. Курс стоит дорого – около $1000, и это всего за шесть занятий. Однако, желающих, насколько я могу судить, немало – восторженных отзывов в сети – пруд пруди. Сами авторы претендуют на собственную уникальность и исключительность, как, впрочем, многие творческие личности. Их искусство вроде бы рассчитано на субъективность восприятия. Цитата с сайта Hor-yma: «Все тона, цвета, пол и возраст персонажа определяются смотрящим (наверное, в зависимости от его воображения) и имеют привязанности лишь к настройкам монитора, (ибо фотолаборатории постоянно удивляют

нас тем, что получается на бумаге). Глубина и жизненность представляемого персонажа, думаю, определится не этой угрюмой концепцией, а пятнами, вспышками света, а также удачностью сочетания пятен и света». Пафосно. Но непонятно. Мне сама идея вполне импонирует. Смущает однообразие. Красиво, кое-где даже талантливо, но все же вся Horyma пересмотрена, перечитана, переварена, и непреодолимо хочется уже новой подачи, новых авторов, новых работ. Хочется идти от частного к общему, а не наоборот, и следить за развитием течения. Пока же приходится обслюнявливать без конца его истоки.А еще, как ни крути, все-таки претит мне дикая самовлюбленность первопроходцев, пусть у нас в России хоть какие-то эксперименты в области искусства и демонстрация их результатов и заслуживают всяческого уважения. Отдавая им должное, я, тем не менее, с высоты своего юношеского максимализма презираю дешевый самопиар, чем активно занимается Horyma. Впрочем, с другой стороны, здесь иначе далеко не уедешь. А поэтому – молодцы Horyma, хоть для меня, как для потребителя, они уже пройденный этап. Впрочем, словарь Абрамова в качестве синонимов к слову «потребитель» предлагает, в частности, определения «давалец», «пациент», а также «жертва».

на предыдущем развороте: слева на право “Captured in Light”, “Spicules of Light”, “Twisting Light #21”, Алан Ярас Alan Jaras © внуизу работа группы LICHTFAKTOR ©на этом развороте: слева Тоби Келлер Toby Keller (BurnBlue) © вверху “In a forest” Дин Чемберлен Dean Chamberlain ©

звук

иллюстрации к разделу: екатерина фролова ©

ухо-горло-носпоd-группа

ухо-горло-нос


Дело было так

Дело было так: в мае я попала на концерт dEUS в Москве , и закружилось, и понеслось… История бельгийской рок- сцены (это весьма скудное определение того музыкального явления, о котором я хочу рассказать), начавшаяся с конца восьмидесятых, обрушилась на меня оглушительным шквалом новых групп и имён! Если можно так выразиться, эта история для меня пошла вспять до самого 1991 года. Именно тогда в бельгийском городе Антверпене зародилось нечто, что сложно было бы обозвать каким-то музыкальным явлением или стилем, если хотите, это было целое движение, спровоцированное бойкой компанией парней интересовавшихся искусством, анимацией, режиссурой, музыкой конечно, и чёрт знает, чем ещё! Всё было предельно просто: отлично провести время - вот чего им хотелось!С тех пор вплоть до наших дней в Бельгии образовалось множество проектов, но забавно: везде фигурируют одни и те же участники. Руди Трувэ, Мауро Павловски и Том Барман - вот три ключевые фигуры, источники идей, сумасбродства и полной творческой раскрепощённости! За ними стоит множество групп: dEUS, Evil Superstars, Kiss my jazz, Dead Man Ray, Gore slut.Руди Трувэ, отучившись в школе искусств, а затем на аниматора, вдруг решил, что его интересует больше всего музыка, и с компанией друзей снял на окраине Антверпена бывший бордель - весьма экстравагантное местечко со свисающими с потолка крюками, огромной ванной и чёрными лампами. Они назвали его Heavenhotel и решили, вдохновлённые Энди Уорхолом, сделать из него обитель искусства: место, где работали бы художники, снимались экспериментальные видеоролики, и проходили репетиции! Идея быстро потерпела крах, после того как туда стали приходить друзья друзей друзей, а о творческой обстановке говорить становилось всё бессмысленней,

но именно там образовалась блестящая, экстравагантно-авангардная группа Kiss My Jazz! Это нескончаемый поток всяких глупостей, импровизаций, и непредсказуемых моментов - полная музыкальная анархия, компонентами которой являются рок, джаз, диско, кантри и даже детские песни! Однако попытки определённо точно сказать, как именно они звучат - жалкие потуги, достойные состраданияJ Не стоит копаться в музыкальных жанрах, эти ребята смотрят поверх них: это то, из чего эклектично сотканы полотна их треков, а управляет всем процессом джаз в наиболее чувственном понимании этого слова. Для Руди джаз - это образ жизни, его поведение, его способ создания музыки и игры с музыкой! Главное не воспринимать всё слишком серьёзно, иначе частности начнут заслонять целое, ирония - вот то, чем пронизаны все треки группы! Don’t worry, be happy, расслабься и постукивай в такт ногами, а хочешь - можешь и подпевать, и чем придурошней у тебя это получится, тем лучше! Кстати о постукивании в такт: очень уж похожа эта музыка на фри-джаз с его оторванностью от канонов классического джаза: непредсказуемая смена ритма, иногда полное его исчезновение, использование нехарактерных звуков, игнорирование гармонии и аккордов, в общем -эксперименты; однако при всём этом уловить настроение песни очень легко и так и тянет покачиваться и пританцовывать в такт каждому треку, только вот тебя на каждом углу ждут ловушки (всё те же смены ритма, паузы или и вовсе обрывающиеся на середине треки). Кто-то постоянно шутит над тобой, не забывай об этомJГруппа собралась в 92-м и уже тогда насчитывала около 15 человек. Вплоть до первого альбома “In doc’s place Friday evening”, вышедшего в 96-м, ребята репетировали и делали короткие аудиозаписи очень разных по стилю и технике отрывков, выражающих вкусы и пристрастия каждого участника. Однако объединяла их общая страсть к Тому

Уэйтсу, Capitan Beefheart, Chet Baker, Loius Neefs и Фрэнку Заппе. Их выступления в первую очередь были театрализованными шоу с выряженными в пух и прах трансвеститами или просто переодетыми лысеющими мужиками (их потом позаимствовали на некоторые свои выступления и в клипы dEUS!) , сопровождались видеороликами и безмерными алкоизлияниями. Позже они, конечно, успокоились, решив сфокусировать внимание слушателей на музыке. Всего у них было три основных альбома, с одной стороны повторяющих друг друга, но с другой - с весьма откровенно прослеживающимся движением к более упрощённому и мелодичному звучанию. Ирония была даже в их комментариях на свои треки на обложке второго альбома, где они несли всякую ересь, вроде: “‘Это чепуха, многие возненавидят это”, или “Аккорды и лирика записаны Руди и Стефом, находящимися в депрессивном состоянии в немецком отеле во время тура”, - вот, как-то так… На третий альбом их вообще вдохновили поездки с концерта на концерт по трассам с их дурацкими ресторанчиками и бурлящей в них своеобразной жизнью. Столь темпераментная и харизматичная группа, однако, воплощала собой смесь джаза с полнейшим игнорированием публики, а точнее её реакции. Их ни разу не заботил вопрос о продажах альбомов, как собственно и туры. Приглашения постоянно приходили, приходили и новые люди, желавшие поучаствовать в этом веселье. Музыканты были и хорошие и плохие, как сказал Руди, без хороших сложно было бы играть джаз, без плохих - панковать! А В 1999 году они просто сообщили, что расходятся, потому как всё , что могли взять от этого проекта они взяли, а повторять в дальнейших альбомах себя же - попросту жалко и скучно! Вот так-то, умей вовремя остановится! Участники разошлись в разные новые проекты, всё с таким же настроением и подходом к творческому процессу, а Kiss My Jazz осталась одной из самых культовых бельгийских групп, закатившая

в своё время целый экспериментально-музыкальный пир, эклектичное путешествие с lo-fi звучанием по сознанию каждого участника этой сумасшедшей бельгийской тусовки.У Руди Труве помимо Kiss My Jazz было множество других проектов, примечателен среди которых - Dead Man Ray. Группа образовалась спонтанно после получасового джема с Даамом Стювеном. У них вышло несколько альбомов, но в основном они промышляли импровизациями и записями саундтреков для фильмов. Даже альбомы они записывали весьма экстравагантным образом, как джаз 40-х годов: играли в студии джем и писали это всё на два микрофона, после чего нарезали запись на куски и получали из этого песни. Группа распалась приблизительно по тем же причинам, к тому же один из участников перешёл в группу Павловски, сказав, что они задают хоть какие-то рамки для игры, и это удобней, чем постоянная импровизация. У Руди же большинство его проектов подходят со временем к всё более “сырому” звучанию. Он как будто пытается вернуть к изначальной идее простоты и свободы каждый свой проект, как только он доходит до определённой степени развития. Птица не менее высокого полёта, нежели Руди Трувэ, Мауро Павловски, принявший некогда участие в Kiss My Jazz - харизматичный, раскованный гитарист, - настоящая находка для многих групп коих он сменил предостаточно на своём веку. Самовлюблённый (пожалуй, есть за что) и строящий глазки со сцены девушкам и фотокамерам, он как-то признался, что слушает всё подряд от Битлз, Заппы, Джона Зорна до top-100 и Мэрайи Керри! И не просто слушает, а “заимствует” то, что ему приглянулось, но делает это стильно и со свойственным ему шармом самодовольного, но талантливого красавца! Была у него группа своя Evil Superstars, в которой он был идейным вдохновителем, гитаристом, вокалистом и автором текстов, а остальные участники



признавались, что они - его фанаты, что исполнять то, что он придумывает и играть с ним - просто класс. Эта эксцентричная группа делала авангардную музыку со знанием того, как и чем её приукрасить (к примеру, цепкими, мелодичными гармониями), тем самым по доступности приближала её к популярной музыке в положительном смысле слова. Ко всему прочему, группа эта, вдохновлённая то ли гением, то ли чудаком, играла очень виртуозно! А распалась по очень даже прозаическим причинам - какие-то проблемы со звукозаписывающей кампанией. После ещё нескольких более или менее успешных групп, Мауро наконец попал в dEUS, что определённо должно было рано или поздно произойти. Правда участвовал он в dEUS где-то в 2006 году, а история группы началась всё в том же 1991-м.Тогда, совсем ещё юный Том Барман, увлекавшийся кинематографией (позже он снял почти все клипы для группы сам) и торчавший денно и нощно в богемной бельгийской тусовке,

собрал компанию единомышленников, как и он вдохновлённых Pixies, Velvet Underground, Violent Femmes,Leonard Cohen, чтобы играть вместе каверы на любимые песни. Всё пошло даже лучше, чем ожидали и уже к1992 году набралось достаточно собственного материала для дебютного альбома Worst Case Scenario. В первых двух альбомах группы принимал участие Руди Трувэ, что заметно отразилось на вокале Бармана и вообще на настроение группы! Бесшабашный замес рока, гранжа, джаза, панка и альт-попа тут же нашёл своих поклонников. Барман позже открещивался от мысли, что они играют авангардную музыку, но, кажется, он кокетничал! Многослойные песни с чередующимися настроениями, со сменой ритмической сетки, с безумно артистичным вокалом Тома буквально доказывают обратное! Их музыка была кинематографична, если можно так сказать. Всё шло просто отлично, поклонников становилось всё больше, уже намечался тур по США, но вдруг что-то там у них


Екатерина Фролова

не заладилось, почти все члены группы устали от жёстких графиков тура, от исполнения одних и тех же песен (не забывайте, в какой свободной среде они “выросли”) и решили разойтись по другим проектам. Вышедший в 1999 году третий альбом The Ideal Crash - практически история ужасного периода в жизни Бармана; вместе с тем многие его считают лучшим альбомом группы, в отличие от предыдущих, более сложным по настроению, неким путешествием по разным состояниям. Потом был долгий перерыв, в течение которого Барман вспомнил о старой страсти и занялся съемками своего фильма Any Way The Wind Blows и созданием нового танцевального проекта Magnus. В 2006 dEUS вновь собрался в новом составе и записал альбом Pocket Revolution. Многие критики приняли его довольно вяло, говоря, что революцией, пусть и карманной, даже не пахнет. Это всё чушь… Можно сказать, что группа пошла противоположным Руди Трувэ путём, от юношески-максималистичной, авангардной музыки к упрощению в плане композиции но с более зрелым и сложным звучанием. Последний их альбом Vantage Point стал доказательством этого движения. Из музыки нельзя вычленить или заменить ни одного звука, песни настолько цельные и объёмные по звучанию, что кажется, что они всегда существовали, и только сейчас их исполнили и услышали! Вообще, dEUS - вкуснейшая эклектика разных стилей и направлений в отменном исполнении, в их музыке - множество аллюзий на самые разные группы, но всё удивительно органично сочетается и создаёт фирменное звучание dEUS, при том, что ни одна песня не повторяет другую; это как абсолютно разные фильмы с разными сюжетами! С тех пор, как я о них узнал, я превратилась в одержимую фанатку, почти ежедневно переслушивающую те или иные их композиции, и мне не надоедает! Каждый раз вскрывается всё новый и новый слой, новое настроение и звучание. Это моя самая длительная музыкальная страсть и я обожаю

находить такие группы, которые впиваются в меня и утоляют, одновременно всё больше раздражая, музыкальную жажду!Быть может, не совсем ясна связь всего этого с искусством? Для меня она очевидна: стремление к свободе ради красоты, веселья, нескончаемых экспериментов, слияния воедино великого множества различных компонентов для создания некой объёмной субстанции, не просто музыки, а практически визуально ощутимых композиций! Поиск - вот тот вектор, который можно в наши дни приравнять искусству, важно не то, что найдёшь, а то, как ты ищешь!

поd-группа


Егор Петров

Особенные

Три творческих организма, совершенно разных по стилю, идеям и подаче мы объединили всего лишь потому, что их музыке, мы полагаем, место в равной степени как в музыкальных сторах, так и в музеях соременного искусства. Самые художественные музыканты последних лет в нашем обзоре. Nico Muhly – это удивительное создание. Невероятно молодой сочинитель, который выглядит как типичный студент колледжа, а меж тем генерирует изумительной прелести и ювелирной сложности музыку. Музыку, которую можно аттестовать как нео-классику с огромной стилистической амплитудой. Этот юный поклонник Стравинского живет себе в нью-йоркском чайнатауне, местной прессой квалифицируется как подмастерье обесценившегося Филиппа Гласса, дружит с половиной городских музыкальных джокеров вроде того же Энтони Хегарти из Antоny and the johnsons, который нет-нет, да и пожеманничает на записях Мьюли, сотрудничает с такими немаленькими артистами как, например, Бьорк. И сочиняет, сочиняет, сочиняет. Его вторая пластинка «Mothertongue», вышедшая недавно - нагромождение кристально звучащих оркестровок, стелющихся космогенных трипов, полифонических трепыханий старинных инструментов. Может, это не совершенная музыка, но может, и Джейсон Стэтем засланный киборг. У человека с совестью не должно возникнуть желания опровергать ни то, ни другое. Cocorosie вынуждают нас истово благодарить бога за то, что он соорудил такие вещи как кельтские арфы, микросинтезаторы и тетю Тину. С помощью первого и второго сестры-причудницы выпекают свою ажурную музыку, а третье – это, собственно, то, благодаря чему они появились на свет и приобрели такое название (Сoco и Rosie, так в детстве их звала Тина Хантер, мама). Этот затейливый дуэт из Бруклина сумел

звук скрипящей дверцы кухонного гарнитура и нервные щипки струн арфы превратить в самый занятный вокал и аккомпанемент американской инди-сцены. Их первый альбом поражал своей шизофренической красотой и столь экстравагантной манерой складывать песни – из обрывков эмоций, звуков, мыслей. Нарочитый минимализм и даже примитивизм, пожалуй, их главный конек (в случае оформления второго альбома – в буквальном смысле – там были аляписто нарисованы трое совокупляющихся коней). Последнее их творение – The Ad-ventures of Ghosthorse and Stillborn – уже более значительно по саунду, там много электронных аранжировок, которые, кстати, делал Валгир Сигурссон, продюсер нескольких альбомов Бьорк, но все также умильно по той инфантильной ауре, которая исходит от Co-corosie. Арт-хип-хоповое трио Sa-Ra – люди в заокеанском рэпе тертые. Один, Taz, работал с Доктором Дре еще на заре карьеры гуру G-Фанка, когда тот писал свой великий альбом The Chronic, другой, Shafiq, продюсировал треки шквалу собратьев по цеху и не только (например, Duran Duran тоже прибегали к его услугам), третий, OmMas, помогал поднимать карьеру 50 cent, Lauryn Hill, Foxy Brown и много кому еще. Устав от обслуживания магистральных звезд черной музыки, они объединились, чтобы записать несколько треков для себя, душу отвести. Результат небольшой студийной сессии разразил целую войну среди рекорд-лэйблов за право подписи их в свой каталог. Sa-Ra производят шипящий, кисельный хип-хоп, обволакивающий зефирными гармониями и опрятным речитативом. Их треки напоминают действие от хорошего глинтвейна после зимней прогулки – тепло и уют их большое достоинство. А подписал их, к слову, на свой лэйбл Кейни Уэст, рэпер с самым куртуазным вкусом из всех современников. cлева на право: Nico Muhly, Sa-ra, Cocorosie

сеанс


сеанс

Берлин как сущность

Берлин, безусловно, является одним из городов с выдающейся визуальной культурой. Прежде всего потому, что здесь слишком много музеев, слишком много галерей, слишком активная художественная жизнь, всего слишком. Это «слишком», однако, не переходит в состояние пресыщения, так как художественная среда настолько органична вписана в пространство города, что воспринимается уже не радикально, а вполне традиционно. Сознание художника направлено на постоянное изучение конкретного места, его правил, табу, его ненавязчивой свободы и колоссального культурного потенциала, от памяти фашизма в форме золотых плиток на мощенных улицах до визуально-акустической пластики «Трехгрошовой оперы» Бертрольда Брехта в интерпретации Роберта Уилсона, который использует изобразительную матрицу города,

превращая действие, в частности, в ожившие полотна раннего Георга Гросса. Цвет и настроение полотен художников группы «Мост» будто навсегда останутся в городе. Здесь даже «высшее общество», воспетое в авторских фотографиях Энди Уорхола и высмеянное им в переодевании, надевании этой жизни на себя, выглядит вполне органично, оно гармонирует с культурой поп-арта, которая уже пережита Берлином, однако иногда всплывает на лавочках старьевщиков, собирающихся в Тиргартене на блошиный развал. Поп-арт как своеобразная нео-игра, как осмысление себя, своей сущности, своего положения, своей роли, которая становится сверх-задачей, превращается в единственное возможное поведение, когда необходимо взять в руки веник и совок и под руководством Йозефа Бойса вычистить город, привести его в порядок, сделать нечто действительное, физическое; плод этого труда в виде бытовых нагромождений, бумаг, бутылок,


пыли затворить в стеклянном кубе и заявить «Die Revolution sind wir» “Революция это мы”. Память – одна из важнейших составляющих сознания города. Здесь вспоминают, поминают, постоянно говорят об истории, вымышленной или подлинной такой, которая живет только прошлым, либо такой, которая способная проявляться в настоящем. Она может быть частной, но переживаемой в пространстве искусства, как это делает Бойс, она может быть общественной, вписанной в ландшафтную плоскость, как в проекте художницы Сюзаны Хиллер (Хиллер «воссоздает» иудейские районы, помещая дорожные знаки с указанием конкретных населенных пунктов), либо наигранно личной, как в работе Марселя Брудхайерса, «уничтожающего» пленку своим именем (Брудхайерс пишет на пленке собственные инициалы, проекция этих букв становится произведением), или же тотальной, вырабатывающий собственный

изобразительный язык, как в работах Клее, заявившего: «All will be Klee». Эта история может быть подозрительна, уязвима как любой живой организм, однако она манифестирует новую эру, отказавшуюся от ready-made’a Марселя Дюшана и возможности написать собственное имя на поверхности Луны, но предложившую всемирный сон, после колоссальной игры. На огромном экране Уго Рондиноне веселые клоуны спят… Приятных сновидений

Карина Караева

cлева: My Name as Though It Were Written on the Surface of the Moon, Брюс Науман Bruce Nauman©вверху: Where Do We Go From Here?, Уго Рондинон Ugo Rondinone©

kаблуku, холсты, асфальт u все посереduнерецепт

kаблуku, холсты, асфальт u все посереduне


Искусство гардеробного минимализма.

Во времена глобального экономического кризиса женской половине Земного шара свойственны две крайности, когда дело касается собственного имиджа: поставить на себе крест с девизом “есть проблемы поважнее!” или уйти с головой в шопинг с идеей, что перед смертью, может, и не надышишься, но закупиться можно на славу- кто знает, что будет завтра? Ни один из этих способов, в конечном результате, не решит проблем на бирже, и полегчает только Ваш кошелек, но вполне возможно, что на пару минут красивая кофточка заставит Вас забыть о глобальных проблемах и сложенных в стопочку счетах. Думаю, несколько сезонов спустя многие из нас ни раз задумывались , зачем была приобретена та или иная вещь. Скинув корпоративные оковы полгода назад, к концу лета внезапно для самой себя обнаружила, что большая часть моего гардероба не была использована ни разу за время вне офиса. Более того, значительная часть того самого неиспользованного добра висела с неоторванными ценниками со времен, когда я еще бережно собирала наряды по утрам. И хотя за последние месяцы мною было приобретена всего пара дополнений к моей растущей коллекции, для меня самой это было своеобразным открытием нового континента: я никогда не видела себя как человека, покупающего вещи для собственного временного удовлетворения. Зависимостью от шопинга я никогда не страдала, но, будучи дизайнером по профессии, я часто смотрю на вещи как на произведения искусства, что и приводит к многолетнему собиранию пыли творениями от Marni, Alexander McQueen и Balenciaga в моем гардеробе. За время моей работы в индустрии моды, я собрала у себя в архивах значительное количество истории за последние 10 лет: как истории развития собственного вкуса, так и истории моды. Рядом

с ультра низкими джинсами от Diesel висели юбки от Comme Des Garcons, вдохновленные стилем Керри из “Sex and the City”, по соседству с пиджаком-корсетом от Aleksandr McQueen, по которому я когда-то страдала полгода, уютно утроились романтические шелковые платья от Philosophy by Alberta Ferretti и брюки мужского покроя от Stella McCartney. Можно сказать, что мой гардероб мог бы носить диагноз шизофрении. Помимо осознания, что у меня слишком много неодетых вещей, я пришла к выводу, что мне необходимо срочно очистить мою колекцию от вещей, не представляющих винтажную или дизайнерскую ценность.Уютно устроившись на полу комнаты, которая когда-то была дополнительной спальней для гостей, а несколько лет назад превратилась в мою гардеробную, я начала перебирать вещи с еще присутствующими ценниками и вещи, не тронутые мною за последние два года. Сортировка происходила под жестоким девизом: если вещь успела быть мною забыта за пару лет или не была одета ни разу- значит, она мне не нужна! Несмотря на то, что у меня ни разу не возникла мысль “О Боже, как я могла потратиться на Это!”, я невольно задумывалась над причинами покупки той или иной вещи. Во времена, когда люди дрожат перед биржевыми взлетами и падениями, когда тысячи ежедневно теряют работу, а цены на акции таят, как лед на солнце, мне кажется, необходимо трезвым взглядом посмотреть на реальность ситуации и собственные приоритеты. Возможно, что мы стоим на пороге глобального минимализма, как в образе жизни, так и в искусстве и моде. Возможно, что личные перемены надо начинать с гардеробного минимализма, так как именно в нем можно порой найти самые затаившиеся собственные проблемы. Перебрав свою коллекцию несколько раз, я обнаружила, что количество вещей на вешалках изменилось не сильно, но, несмотря на это, рядом со мной образовалась достаточно


солидная красочная горка, что немедленно перевелось у меня в глазах на потраченную валюту и привело в легкий ужас. В конце концов, нужны ли мне все три бежевые юбки, когда одна из них от Yves Saint Laurent, а остальные две от Zara и Banana Republic? Казалось бы, выбор так элементарен, но я даже не знала, что их у меня три! Горка была немедленно рассортирована на три категории: 1. перепродать на eBay или в местном комиссионном магазине, 2. отдать подругам и 3. в пожертвования. Узнав о моем плане распродажи на eBay, мои подруги и знакомые, внезапно для меня, проявили инициативу сделать распродажу у меня на дому: в тяжкие экономические времена зачем продавать кому-то незнакомому, когда дизайнерские вещи, с любовью собираемые годами, могут найти любящий дом у Ваших соратниц! Расставание с красочным пиджаком от Marni в яркий цветочек, платьями от Alberta Ferretti и свитерами, приобретенными в Гонг Конге, было, конечно, нелегким, но держать их в гардеробе только потому, что они мне когда-то приглянулись из-за дизайнерской ценности, не было смысла. Пришлось расстаться и с многими вечерними вещами от Ralph Lauren Collection- в реальном мире меня вряд ли ждет приглашение на церемонию вручения Оскара или День Рождения Анжелины Джоли. Зато армия моих девченок ушла от меня в 5 утра счастливая и удовлетворенная, значительно обновив свой гардероб. Остаток вещей был выставлен на eBay или продан в дизайнерскую комиссионку, чем я не только оплатила нашу Нью-Йоркскую квартиру на несколько месяцев вперед, но и купила мужу новый спортивный велосипед. В результате, мой гардероб оказался лучшим вложением капитала, чем акции.Третья часть была запакована в коробку для дальнейшего переправления за океан нуждающимся подругам. Пережившая чистку коллекция была тщательно


на каждый день и широкий черный пояс. Кто бы мог поверить, что такие простые вещи могли отсутствовать в моей забитой до предела коллекции? В трудные времена нам, женщинам, свойственно делать себя счастливыми с помощью покупок косметики и одежды, но мы порой забываем о приобретенном, аккуратно сложив покупки в шкаф и забыв о них на следующий день. После чистки моего гардероба я придерживаюсь нескольких простых правил, которые мне очень помогают: 1. Не делать спонтанных покупок.В независимости от того, на распродаже вещь или нет, ее всегда можно отложить на пару дней или зайти за ней на следующий. Давая себе время на обдумывание, порой мы можем разумно оценить будущую покупку и найти или не найти ей место в своем гардеробе. 2. Не покупать вещи, не подходящие ни к чему в вашем гардеробе.

рассортирована по сезонам, цветам и по случаю. Самое главное правило в любом гардеробе: порядок и организация - если вы не знаете, что у Вас есть, риск покупать однообразные вещи возрастает в несколько раз. Вечерние платья были убраны мною в дальний угол, а коктельные – в отдельный шкаф, любимые топы вывешены на видные места, пиджаки рассортированы по цветам и выделены в отдельное место, свитера разобраны по моделям: водолазки, вечерние, кашемир и повседневные, аккуратно сложены в шкафы с пропитками от моли, рубашки и шелковые блузки удобно утроились в центре, так как используются мною чаще всего. Брюки и юбки сгруппированы по сезонам и цветам. В конце процесса я обнаружила, что, несмотря на огромное количество оставшихся вещей, у меня не хватает некоторых необходимых базовых экземпляров: нужна пара черных сапог без дико высокого каблука, пара золотых лодочек


Саида Мурадова

Если замечательный пиджак от Marni очень хорошо смотрится на манекене или знаменитости в глянцевом журнале, это еще не значит, что эта вещь нужна Вам. Знайте свой стиль и будьте ему верны! 3. One in- one out!При покупке новой вещи от одной уже имеющейся Вы должны избавиться! 4. Никогда не покупайте вещь, если она не сидит на Вас идеально!Порой мы приобретаем вещи по распродаже или просто потому что они нам очень нравятся в надежде, что отнесем ее к портному или похудеем. Никогда не поддавайтесь на обманчивый свет в раздевалке магазина или на ласковую речь персонала - если вещь на Вас не сидит, она Вам не нужна!Несмотря на уменьшение моего гардероба всего на 30%, я чувствую себя более минималистически, чем когда-либо, даже если мне еще очень далеко до настоящего гардеробного минимализма. Увидев количество выбранных вещей и сумму денег, в которую оно мне обернулось, я осознала свою собственную реальность. Не будем спорить, любой женщине нужна основная база, отражающая все аспекты ее жизни и ее характер, но только реалистически посмотрев в самые дальние углы своего шкафа, можно до конца понять, как неправильно большинство из нас строит эту базу. В любом гардеробе должна присутствовать изящная юбка-карандаш, пара дорогих черных брюк, несколько кашемировых свитеров, строгий костюм, черное платье, пара хороших сапог и пара лодочек нейтральных цветов, одно вечернее платье, одно коктельное и пара рубашек или блузок отличного покроя. Если задуматься, то все это доступно каждой женщине, поскольку любой хороший гардероб не строится за один день, но на этом можно базировать бесконечное количество вариантов и постепенно дополнять свою коллекцию более дешевыми вещами.

За один из моих любимых топов из H&M я всегда получаю уйму комплиментов, и никто никогда еще не угадывал, что он именно от H&M, так как я никогда не ношу его с дешевыми дополнительными вещами. Правильная база позволит Вам дополнять ее более доступными экземплярами, главное, чтобы они были куплены потому, что они Вам нужны, а не потому, что они были дешевы или на распродаже. И в конце концов, добротная дорогая вещь классического покроя всегда принесет Вам возврат больше, чем некоторые акции.

fаkты

fаkты


Арт - ноябрь

На этот раз мы подготовили вашему вниманию арт даты. Некоторые из них имеют отношение к современному искусству, некоторые – к классическому, другие просто сопутствующие. Но все они интересны, по крайней мере, нам хотелось, что бы их интересно было читать. Приятного аппетита!

1 ноября 1512 г. впервые Риму был представлен потолок Сикстинской капеллы Capella sistina работы Микеланджело. Сикстинская капелла - бывшая домовая церковь в Ватикане, построена в 1473 — 1481 годах архитектором Джордже де Дольчи по заказу папы римского Сикста IV, отсюда и название. Ныне Капелла — музей, выдающийся памятник Возрождения.

3ноября 1888 дата первого исполнения симфонической сюиты «Шехерезада» Николая Римского-Корсакова. Была представлена в Санкт-Петербурге.

4ноября 1946г. в Париже образована ЮНЕСКО — Организация Объединённых Наций по вопросам образования, науки и культуры.

5 ноября 1878г. родился Кузьма Сергеевич Петров-Водкин, российский и советский живописец-символист, график, теоретик искусства, писатель и педагог. Заслуженный деятель искусств РСФСР с 1930. Самая известная картина – «Купание красного коня» – написана в 1912 году, стала этапной для художника и принесла ему мировую известность.

6 ноября 2006 года в Лондоне на станции метро Knights-bridge (Найтcбридж) открылась выставка Art Below «Искусство под землёй». На ней были представлены репродукции работ 24-х молодых художников, работающих в разных жанрах и технике. Девиз выставки - “Превращение рекламного пространства в пространство искусства”, работы разместили в пластиковых боксах, предназначенных для рекламы. В число авторов попали двое наших соотечественников - Ольга Лавренкова и Николай Ищук. Четыре недели фотографии, живописные и графические произведения украшали станцию.

7 ноября 2006 года в московской галерее «С‘Арт» состоялось открытие выставки «В СССР секса не было»

9 ноября 1911 парижанин Жорж Клод патентует неоновую рекламу.

12 ноября 1859 в Париже цирковой артист Жюль Леотар (Jules Leotard) впервые даёт представление на воздушной трапеции.

13 ноября 1968 г. состоялась премьера мультфильма, посвящённого группе Битлз – Yellow Submarine (Жёлтая подводная лодка), работа режиссера-мультипликатора Джорджа Даннинга.

14 ноября 1925г. в Париже открывается выставка искусств сюрреалистов, включающая работы Макса Эрнста, Ман Рэя, Хоана Миро и Пабло Пикассо.

16 ноября 1913 в свет вышел первый том «В поисках утраченного времени» классического автобиографического романа Марселя Пруста. Книга была опубликована в Париже.

17 ноября 1904 родился Исаму Ногути, американский скульптор японского происхождения и ландшафтный архитектор. Ногути мог успешно комбинировать американский модернизм с традиционным японским прикладным искусством. Чем бы он ни занимался — интерьерной и ландшафтной архитектурой, декором или скульптурой, - Ногути видел себя связующим звеном между художественными традициями Востока и Запада. Он был другом Диего Риверы и Фриды Кало. Однажды ревнивый Диего застал жену в обществе Ногути и чуть не застрелил его, но к счастью, всё обошлось. В 1958 году Исаму Ногути создал сад для штаб-квартиры ЮНЕСКО в Париже.

18 ноября 1787 родился Луи Жак Манде Дагер (Louis Daguerre), французский художник и изобретатель, один из создателей фотографии. Он был также известен как танцор, канатоходец, театральный художник. Он творил чудеса на сцене, например, вместе со своим компаньоном построил диораму: сидящие зрители могли увидеть какой-нибудь огромный собор снаружи, а потом вдруг оказаться внутри. Для этого писались две картины, размером до двадцати двух метров в высоту. Диорама имела огромный успех в Париже и прославила Даггера. В конце 1820-х вместе с Жозефом Ньепсом он работал над созданием метода фотографии. В 1833 г. Ньепс скончался. Дагерротипия была изобретена уже после этого, практически случайно, как следствие очередного опыта.

21 ноября 1990 на индонезийском острове Бали Мик Джаггер сочетался браком с американской фотомоделью Джерри Холл, которая была его подругой более десяти лет.


23 ноября 1928 в Москве открылся Дворец культуры железнодорожников. Согласно Ильфу и Петрову, построен он был благодаря драгоценностям тёщи Ипполита Матвеевича Воробьянинова, которые были спрятаны в 12-м стуле из гарнитура мастера Гамбса.

24 ноября 1954г. родился сербский кинорежиссер Эмир Кустурица, отмеченный наградами крупнейших кинофестивалей Европы, включая две «Золотые пальмовые ветви» фестиваля в Каннах и кавалера французского Ордена литературы и искусства.

28 ноября 1974 состоялось последнее выступление Джона Леннона на сцене во время концерта Элтона Джона в «Мэдисон Сквер Гарден».

30 ноября 1946 г. родилась югославская художница Марина Абрамович. Она считается одной из самых активных и скандальных фигур художественного пространства Европы. С самого начала своей карьеры в Белграде в 1970-х Марина Абрамович была первопроходцем перформанса. На одной из своих первых выставок в 1974 году она легла в центр горящей пятиконечной звезды, обмотав вокруг головы живого питона.Известность ей принесла инсталляция «Отношения в пространстве», 1976г. Полностью раздетая художница и ее возлюбленный немецкий художник Улай (Уве Лейсипен) соприкасались друг с другом, тёрлись, терзали друг друга в бешеном ритме и в конце концов разбивались, приченив друг другу боль. Улай в течение двенадцати лет был соавтором и возлюбленным Марины. Они познакомились в 1975 году, удивительно, что день рождения у них был в один день.Композиция «Коммунистическое тело, Капиталистическое тело» (1980-е) стала протестом против разделения людей идеологическими барьерами. В 1997 году Марина Абрамович получила престижную премию «Золотой лев» Веницианской биеннале за перформанс «Балканское барокко». Сидя в белом платье среди окровавленных костей, художница все протирала и протирала их на глазах у потрясенных зрителей.Инсталляции Марины Абрамович иногда вызывали шок у зрителей (в 1988 году один из зрителей упал в обморок на выставке).

cверху: “Купание красного коня” Кузьма Петров-Водкин, Государственная Третьяковская Галереявнизу: “Отношения в пространстве” Марина Абрамович©

ноябрь 2008редакция журнала выражает огромную благодарность всем, кто принимал участие

в создании этого номера

наши контакты[email protected]

[,DEVOU'TI:] #7 арт

Documents

Transcript of [,DEVOU'TI:] #7 арт