VIERNES, 7 DE FEBRERO DE 2020, 20:00 h

DE MOSCÚ A NUEVA YORK: UN VIAJE IMPROVISADO

Improvisación n.º 1 (1983) Enrique CRESPO (*1941) David Alejandre Díez, trombón

Four Piano Blues (1926-48) Aaron COPLAND (1900-1990) Pablo López Callejo, piano

1. Freely poetic (1947) 2. Soft and languid (1934) 3. Muted and sensous (1948) 4. With bounce (1926)

Sonata para piano n.º 7 op. 83 (1943) Serguéi PROKÓFIEV (1891-1953) Pablo López Callejo, piano

I. Allegro inquieto - Andantino - Allegro inquieto, come prima - Andantino I I. Andante caloroso I I I. Precipitato

Trois pièces, op. 34 bis (1907) Charles KOECHLIN (1867-1950) Alicia Garrudo Álamo, flauta travesera; Álvaro Prieto Pérez, fagot; V. María Fernández Cuesta, piano

1. Moderato tranquillo 2. Andante 3. Moderato con moto

Trio (1968) Chick COREA (*1941) Alicia Garrudo Álamo, flauta travesera; Álvaro Prieto Pérez, fagot; V. María Fernández Cuesta, piano

Concierto para trompeta (1950) Alexander ARUTIUNIAN (1920-2012) Amadeo Sánchez López, trompeta; María José Rodríguez García, piano

Andante maestoso - Allegro energico - Meno mosso - Tempo I - Meno mosso - Tempo I

Improvisación n.º 1 (E. Crespo)

El polifacético Enrique Crespo nació en Montevideo en 1941. Estudió arquitectura y música allí y en Buenos Aires. Fue trombón solista en la orquesta sinfónica de su ciudad natal, arreglista, solista de jazz y director de banda. Posteriormente se trasla-dó a Alemania, donde trabajó en estrecha colabo-ración con la Radio de Baviera, dedicándose tam-bién a interpretar sus propias obras por toda Euro-pa. Fue fundador del renombrado ensemble de me-tales «German Brass».

Desde sus inicios se consagró al jazz y el folclore con el mismo entu-siasmo y pasión que a la denominada «música culta». Esa mezcla de estilos tan diversos y diferentes es característica de la obra de Enrique Crespo y confiere a los instrumentos la ocasión de explorar dimensiones sonoras en-teramente nuevas.

La Improvisación n.º 1 es una de sus obras más características. Su estilo, totalmente jazzístico, y su virtuosa complejidad técnica hacen de ella la más conocida y atractiva de sus composiciones.

Four Piano Blues (A. Copland)

El neoyorkino Aaron Copland está considerado uno de los padres fun-dadores de la música contemporánea en los Estados Unidos, introduciendo en su país natal el espíritu renovador que recorría Europa a comienzos del siglo XX y que tuvo ocasión de conocer entre 1921 y 1924 durante su es-tancia en Francia como alumno de la célebre pedagoga Nadia Boulanger. A su regreso a EE.UU., las influencias del mundo sonoro de Ravel, la poli-tonalidad de Milhaud y, sobre todo, del neoclasicismo de Stravinsky se unieron con otras procedentes del jazz y el folklore del centro y norte del continente americano, dando lugar a un estilo ecléctico y cosmopolita que se volvió algo más austero a partir de 1930, tras su contacto con la música serial. Los esfuerzos de Copland por establecer una tradición musical americana propia son evidentes en algunas de sus obras más conocidas

como los ballets Billy the Kid, Rodeo y Appa-lachian Spring, o piezas orquestales como El Salón México y Danzón Cubano.

Copland escribió sus Four Piano Blues en distintos momentos de su vida, siendo cada uno de ellos un esbozo melódico o un fragmento de otra obra más grande que fue finalmente descar-tado. El autor decidió revisar estos cuatro apuntes para publicarlos en 1949, dedicando

cada uno a un pianista diferente. Las cuatro piezas evitan la estructura ar-mónica tradicional del blues, orientándose más bien hacia una estilización del género y la evocación de una atmósfera de improvisación jazzística.

Sonata para piano n.º 7 op. 83 (S. Prokófiev)

En Prokófiev, como en muchos otros composi-tores de su época, el desarrollo de un lenguaje personal surge tanto de la necesidad de innovar como de la de continuar con una tradición históri-ca que a principios del siglo XX ha adquirido ya un peso considerable. El resultado es un eclecticis-mo que recurre a ciertos principios tradicionales como la escritura polifónica lineal, estructuras formales clásicas o ritmos de danzas de siglos an-teriores, e incorpora otros elementos más nove-dosos: armonías fuertemente disonantes, ritmos acentuados de forma asimétrica y, en el caso de la escritura para piano, un tratamiento percusivo del instrumento muy alejado del concepto romántico. Además de estos rasgos, habituales en toda la producción de Prokófiev, en el caso de sus sonatas para piano nº 6, 7 y 8, escritas entre 1939 y 1943 y conocidas como «sonatas de guerra», habría que añadir una violencia y una radica-l ización en el lenguaje que están directamente ligadas a la inminencia y es-tallido de la Segunda Guerra Mundial, constituyendo un buen ejemplo de cómo los acontecimientos históricos influyen sobre la creación artística.

La sonata nº 7 (1942) es la más breve y concentrada de las tres. Los contrastes resultan especialmente acusados en el primer movimiento, que alterna choques disonantes y ritmos agresivos con momentos más intros-pectivos e indecisos. El segundo movimiento presenta dos temas princi-pales que se combinan entre sí y avanzan hacia una culminación que evoca tañidos de campanas. El movimiento final, de estructura concéntrica, está enteramente basado en ostinatos de ritmo asimétrico.

Trois pièces, op. 34 bis (C. Koechlin)

Charles-Louis-Eugène Koechlin fue un composi-tor, profesor de música y musicógrafo francés, gran apasionado en sus ideas políticas (era so-cialista) y aficiones: sentía gran amor por la músi-ca medieval, El libro de la selva de Rudyard Kipling, la música de Johann Sebastian Bach, las estrellas del cine (especialmente Lilian Harvey y Ginger Rogers), los viajes o la fotografía estereos-cópica. En 1910 fue uno de los fundadores, junto a Ravel y algunos otros, de la «Société Musicale Indépendante», en cuyas actividades participó ac-

tivamente llegando a ser presidente de la misma. Koechlin fue un autor muy prolífico. Se inspiraba en motivos muy variados: la naturaleza, el Oriente misterioso, las canciones populares francesas, los corales de Bach, la cul-tura helenística, la astronomía, las películas de Hollywood, etc.

En el género camerístico compuso tres cuartetos de cuerda, sonatas para distintos instrumentos (flauta, oboe, clarinete, fagot, trompa, viola o violonchelo) y diversos tríos. El que hoy presentamos está compuesto origi-nalmente para fagot, flauta y piano, aunque se puede combinar con violon-cello o viola. Consta de tres movimientos y se caracteriza por un estilo muy personal que deriva en la búsqueda de colores impresionistas, no tanto de Debussy cuanto de Berlioz o Fauré.

Trio (C. Corea)

Armando Anthony Corea (más conocido como Chick Corea) es un compositor estadounidense de jazz considerado como uno de los más in-fluyentes pianistas posteriores a Bill Evans y Mc-Coy Tyner. Es autor de estándares tan famosos como Spain, La Fiesta y Windows. Corea se hizo muy conocido por su trabajo durante los años 70 en el género de jazz fusión, pero asociar este compositor solo al jazz-rock, más allá de que fuera uno de sus creadores, es olvidar proyectos tan diversos como su Trío para flauta, fagot y piano, sus Piano Improvisa-tions y su participación en el grupo de vanguardia «Circle». Todos fueron gestados más o menos en la misma época y se caracterizan por una forma particularmente virtuosa de jazz-rock que patentaría con Return to Forever y por sus repentinos cambios de tempo, riffs velocísimos y bruscas paradas o arranques.

Este Trío apareció por primera vez en Laws' Cause, el tercer álbum del flautista de jazz Hubert Laws, publicado por el sello Atlantic en 1969. Posteriormente fue incluido en el disco Inner Space de Corea.

Concierto para trompeta (A. Arutiunian)

Alexander Arutiunian fue un compositor armenio, profesor del Conservatorio estatal de Ereván, y considerado en su momento por Khachaturian como un prometedor músico soviético.

Una de las obras que más fama le ha dado ha sido su Concierto para trompeta y orquesta en la bemol mayor. Es una obra con un claro tinte na -cionalista, escrita en homenaje a las víctimas del genocidio armenio llevado a cabo a manos de los

«Jóvenes Turcos» entre los años 1915 y 1923. Formalmente es algo atípico, ya que no tiene la clásica estructura en tres movimientos, sino que la obra

en sí es un gran primer movimiento con una cadencia final. Alterna momen-tos de dolor y melancolía, como la introducción inicial o el tiempo con sor-dina (de un lirismo y nostalgia cautivadores), con otros de ritmos vivos y alegres inspirados en las danzas populares armenias. La cadencia final es del reconocido trompetista ucraniano Timofei Dokshizer (1921-2005) y está construida a partir de material temático de la obra.

INFORMACIÓN GENERAL:

Todos los conciertos tendrán lugar a las 20 horas en el Auditorio del Con-servatorio Profesional de Música de Salamanca (C/ Tahonas Viejas, 5-7) ex-cepto el concierto didáctico del día 13 de marzo que comenzará a las 18 horas. La entrada es libre hasta completar el aforo.

Puede consultar y descargar la información detallada de cada concierto así como las correspondientes notas al programa a través de la página web http://conservatoriosalamanca.centros.educa.jcyl.es o escaneando con el teléfono móvil el código QR que aparece tanto en los carteles del ciclo como en el reverso del tríptico de información general.

También dispone de información puntual del ciclo así como del resto de ac-tividades del conservatorio a través de la cuenta de twitter @salamanca-conser

PRÓXIMO CONCIERTO:

VIERNES, 14 DE FEBRERO CONCIERTO PARA LANSKY (CON OBERTURA FRANCESA) Obras de Claude DEBUSSY, Jean FRANÇAIX y Paul LANSKY

José Vicente Castillo, clarinete; Pablo López Callejo, piano; Marcos Martín, guitarra; Pilar Abril, guitarra; José Antonio Caballero, Alejandro Sancho, Noè Rodrigo y Rodrigo Martínez, percusión; Diana Domínguez, violín; Eva Sánchez, violoncello; Belén Sánchez, piano

Coordinación: Adolfo Muñoz Gestión: Belén Sánchez Edición y revisión: Alfonso Sebastián Fotografía: Smit Patel (unsplash.com) Diseño y maquetación: Adolfo Muñoz Medios de comunicación: Miguel Villanueva