Histoire de l’art

Géraldine CREUSOT

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Page 1 CUBISME1/- DÉFINITIONLes artistes Pablo Picasso et Georges Braque ont changé la face de l’art, au 20e siècle, en fragmentant le sujet de leurs oeuvres d’art et en créant le mouvement artistique cubiste, qui a révolutionné la peinture et la sculpture européenne, en plus d’inspirer les mouvements liés à la musique et à la littérature.La première branche du cubisme, connue sous le nom de cubisme analytique, est à la fois radicale et influente comme mouvement artistique entre 1908 et 1911 en France, malgré sa courte période. Dans la deuxième phase, le cubisme synthétique (à l’aide de matériaux synthétiques dans l’oeuvre) prend de l’ampleur et garde sa vitalité jusqu’autour de 1919, lorsque le mouvement surréaliste gagne en popularité.

Les objets sont fragmentés, analysés, dessinés sous plusieurs angles de vue et rassemblés dans une forme abstraite au lieu d’un objet représenté d’un seul point de vue.

L’artiste montre l’objet d’une multitude de points de vue pour représenter le sujet dans un contexte plus large. Souvent, les surfaces se croisent au hasard, enlevant à l’ensemble son sens cohérent de la profondeur. Le contexte et l’objet pénètrent un dans l’autre pour créer un espace ambigu, une caractéristique distincte du cubisme.

2/- CONTEXTELes oeuvres d’art cubistes puisent leur inspiration dans l’art africain mais c’est le travail du peintre Paul Cézanne qui a incité les artistes à se pencher sur la variation du cubisme.

À la fin du 19e et au début du 20e siècle, l’élite culturelle européenne découvrais l’art africain et amérindien d’Amérique pour la première fois. Des artistes tels que Paul Gauguin, Henri Matisse et Pablo Picasso ont été intrigués et inspirés par la puissance et la simplicité de ces styles provenant de cultures étrangères. Les peintures de Picasso de 1907 ont été caractérisées comme Précubistes, notamment vu Les Demoiselles d’Avignon.

Mouvements artistiques du XX ème siècle

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Certains pensent que les racines du cubisme se trouvent dans les deux tendances distinctes du travail de Paul Cézanne. D’une part, par le fait de briser la surface peinte en petites facettes multiples, soulignant ainsi le point de vue pluriel donnée par la vision binoculaire. D’autre part, par son intérêt pour la simplification des formes naturelles dans les cylindres, sphères, et les cônes.

Toutefois, les artistes cubistes ont exploré ce concept plus loin que Cézanne, ils peignaient toutes les surfaces des objets représentés dans un seul plan d’image, comme si les objets avaient eu toutes leurs faces visibles en même temps.

L’artiste Espagnol Juan Gris s’est joint activement au groupe. Après avoir rencontré, en 1907, Braque et Picasso, il a commencé à travailler sur le développement du cubisme. Picasso a d’abord été la force et l’influence qui a convaincu Braque, en 1908, à s’éloigner du fauvisme. Les deux artistes ont commencé à travailler en étroite collaboration à la fin de 1908 et au début de 1909, jusqu’à l’éclatement de la Première Guerre mondiale, en 1914. Le mouvement s’est rapidement répandu dans tout Paris et en Europe.

Le critique d’art Français Louis Vauxcelles a utilisé pour la première fois le terme «cubisme», ou «bizarre cubiques», en 1908, après avoir vu une photo de Braque. Il l’a

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décrite comme «pleine de petits cubes», après quoi le terme à été rapidement utilisé, bien que les deux créateurs ne l’aient pas d’abord adopté.Le cubisme a été repris par de nombreux artistes à Montparnasse et promu par le marchand d’art Daniel-Henry Kahnweiler. Devenant ainsi populaire tellement rapidement qu’en 1911, les critiques se référèrent à une « école cubiste » des artistes.

En 1913, les États-Unis ont été exposés au cubisme et à l’art moderne européen lorsque Jacques Villon présenta sept importantes et grandes oeuvres à la célèbre Armory Show de New York. Braque et Picasso ont eux-mêmes passé par plusieurs phases distinctes avant 1920, et certains de ces travaux ont été vus à New York, avant l’Armory Show. Des artistes Tchèques qui ont réalisé l’importance historique du cubisme de Picasso et de Braque ont tenté d’extraire ces éléments pour leur propre travail, dans toutes les branches de la création artistique - en particulier dans la peinture et l’architecture. Ceci s’est développé en un cubisme tchèque qui est un art d’avant-garde du mouvement tchèque promoteur du cubisme actif, principalement à Prague, de 1910 à 1914.

3/- CARACTÉRISTIQUESa/- Le cubisme Cézannien :Le peintre français Paul Cézanne a marqué l’histoire de l’art à jamais avec son style avant-gardiste et sa façon unique de peindre de grandes œuvres d’art considérées comme étant «le cubisme cézannien».

Paul Cézanne, né le 19 Janvier 1839, était un artiste français et un peintre post-impressionniste. On peut dire que Cézanne fut le pont entre la fin de l’impressionnisme du 19e siècle et la nouvelle direction du mouvement cubiste au début du 20e siècle. Les célèbres artistes Matisse et Pablo Picasso ont dit de Cézanne qu’il était «le père de nous tous» et on ne peut qu’être d’accord avec cette affirmation.

Le peintre Paul Cézanne démontre dans son travail qu’il maîtrise la conception, la couleur et la composition de l’image. Ses coups de pinceau, souvent répétitifs, sensibles et exploratoires, sont clairement reconnaissables et très caractéristiques de son style. Il a utilisé la couleur et des accumulations de petits coups de pinceau pour former des oeuvres d’art complexes qui sont à la fois une expression directe de la sensation de l’oeil et une abstraction de la nature observée.

Cézanne et le pré-cubisme ou le cubisme cézannienCézanne était intéressé à la simplification des formes naturelles en leurs formes géométriques essentielles. Comme les peintres cubistes, il a voulu traiter de la nature par le cylindre, la sphère et le cône (un tronc d’arbre peut être conçu comme un cylindre, une tête humaine comme une sphère, etc.).Nous voyons deux points de vue différents en même temps ; Cézanne travaille cet aspect de la perception visuelle dans sa peinture, à des degrés différents.

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Ces explorations de simplification géométrique et phénomènes optiques ont inspiré les oeuvres de Picasso, Braque et Gris, en plus d’amener d’autres artistes à expérimenter, avec de plus en plus de complexité, plusieurs plans de vue du même sujet et le fractionnement de la forme. Cézanne a déclenché l’une des recherches artistiques les plus révolutionnaires du 20e siècle et qui a affecté profondément le développement de l’art moderne. Ensuite, c’est le cubisme de Picasso et de Braque qui a conduit au cubisme analytique qui, comme les travaux de Cézanne, analysait la forme pour la reproduire avec de simple formes géométriques.

b/- Le cubisme analytiqueLa première phase marquante du cubisme fut Le cubisme analytique (1908-1912) qui se voulait une analyse de la forme de l’objet pour la reproduire à l’aide de formes géométriques simples telles que le cube.La couleur est presque inexistante, sauf pour l’usage de teintes monochromatiques de gris, bleu et ocre. Au lieu de mettre l’accent sur la couleur, Le cubisme analytique est porté sur les formes comme le cylindre, la sphère et le cône afin de représenter

le monde naturel. Au cours de ce mouvement, les oeuvres produites par Pablo Picasso et Georges Braque partagent des similitudes stylistiques.

Les deux peintres Pablo Picasso et Georges Braque se sont déplacés vers l’abstraction, ne laissant que quelques signes du monde réel à l’intérieur du cadre.

Cette notion se retrouve illustrée dans la peinture « Ma Jolie » (1911) par Pablo Picasso et « Le portugais » (1911) de Georges Braque.

Georges Braque a été important, après avoir abandonné le fauvisme pour travailler avec Picasso dans le développement du lexique cubiste.

c/- Le cubisme synthétiqueConsidérant que le cubisme analytique a été une analyse des

sujets, Le cubisme synthétique est plutôt une insertion de plusieurs objets les uns dans les autres.Le cubisme s’est dirigé dans une période synthétique, entre 1912 et 1919, révélant le célèbre peintre Juan Gris. Opposé au cubisme analytique, cette phase introduit le collage dans l’oeuvre.

Le cubisme synthétique a été la deuxième branche principale du cubisme, mise au point par Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris et d’autres, entre 1912 et 1919. Pour la première fois, grâce à lui le collage a été considéré comme faisant partie des beaux-arts.

Les premières oeuvres d’art de ce nouveau style incluent «Still Life with Chair-caning» (1911–1912), de Pablo Picasso, qui comprend du tissus collé sur la toile. En haut, à gauche, sont les lettres « JOU » qui apparaissent dans de nombreux tableaux cubistes et qui pourraient se référer à un journal intitulé « Le Journal ». Les coupures de presse ont

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fait partie des inclusions dans ce style du cubisme par lesquelles des morceaux de journal et des feuilles de musique ont été inclues dans les collages. « JOU » pourrais également être relié à un jeu de mots sur les mots jeu ou jouer.

Pablo Picasso et Georges Braque ont eu une compétition amicale l’un avec l’autre et ces lettres auraient pu être une prolongation de leur jeu.

Picasso, par le biais de ce mouvement, a été le premier à utiliser du texte dans ses oeuvres et à avoir recours à des techniques mixtes, utilisant plus d’un type de support dans la même pièce. Opposé au cubisme analytique, Le cubisme synthétique apporte moins de changements de plan de vue et moins d’ombrage, ce qui aplatit l’espace.

Une autre technique utilisée a été appelée « papier collé », ou coller le papier, que l’artiste Georges Braque a utilisée dans son collage « Plat de fruits et de verre » (1913).

c/- Le cubisme orphiqueL’orphisme, ou Le cubisme orphique, est un terme inventé en 1912 par le poète français

Guillaume Apollinaire. Il a utilisé le terme « orphisme » pour étiqueter les peintures de Robert Delaunay relatives à Orphée, le poète et le symbole de l’art de la chanson et de la lyre dans la mythologie grecque. Le terme à été également utilisé en référence aux peintures de l’épouse de Delaunay, Sonia Terk, et à la peintre tchèque František Kupka et d’autres membres du Groupe de Puteaux (Section d’Or).

Guidés par Jacques Villon, les orphistes sont enracinés dans le cubisme mais portés vers une pure abstraction lyrique en voyant la peinture comme une sensation de couleurs vives. Le mouvement a influencé des artistes tels que Patrick Henry Bruce et Andrew Dasbourg ainsi que des membres du groupe

allemand Blaue Reiter et de la communauté canadienne et américaine du mouvement artistique Synchronisme. Le mouvement est considéré comme indispensable dans l’évolution du cubisme vers l’abstraction.

L’orphisme vise à se passer progressivement de la matière reconnaissable et à se baser sur la forme et la couleur pour en communiquer le sens. Le mouvement avait également pour but d’exprimer l’idéal de l’existence d’un état d’être infini.

d/- Section d’OrLa Section d’Or, également connue sous le nom de Groupe de Puteaux, était basée dans la banlieue de Paris. Puteaux a été un collectif de peintres et de critiques liés à l’orphisme, une branche du cubisme. Ils ont été actifs de 1912 à environ 1914, à la suite de leur exposition controversée du Salon des Indépendants, au printemps 1911. La Section d’or à disparue avec l’arrivée de la guerre.

Le mouvement a commencé avec une exposition à la Galerie La Boetie, à Paris, en 1912,. En plus des oeuvres d’art des frères Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon et Marcel Duchamp, d’autres artistes y figuraient tels qu’Archipenko, de La Fresnaye, Gleizes, Gris, Léger, Metzinger et Picabia. Le discours d’ouverture a été donné par

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Guillaume Apollinaire.

Le nom du groupe a été adopté afin de se distinguer de la définition plus étroite du cubisme, développée précédemment par Pablo Picasso et Georges Braque dans le quartier Montmartre de Paris.

Le début de la Première Guerre mondiale, en 1914, a, en grande partie entraîné le groupe à mettre un terme à leurs activités.Membres de la Section d’Or Jeanne Rij-Rousseau (1870-1956) Frantisek Kupka (1871-1957) Maurice Princet (1875-1973) Jacques Villon (1875-1963) Raymond Duchamp-Villon (1876-1918) Louis Marcoussis (1878-1941) Francis Picabia (1879-1953) Guillaume Apollinaire (1880-1918) Albert Gleizes (1881-1953) Henri le Fauconnier (1881-1946) Fernand Léger (1881-1955) Jean Metzinger (1883-1956) Georges Ribemont-Dessaignes (1884-1974) Roger de la Fresnaye (1885-1925) Robert Delaunay (1885-1941) Marcel Duchamp (1887-1968) Alexander Calder (1898-1976)

4/- LES PLUS GRANDS ARTISTESa/- Georges Braque et le cubismeGeorges Braque (13 mai, 1882, au 31 août, 1963) a été l’un des principaux peintres et sculpteurs français du 20e siècle. Il a, avec Pablo Picasso, créé le mouvement artistique du cubisme. Ce peintre créa des oeuvres cubistes jusqu’à ce qu’il dû quitter Paris pour aller se battre à la guerre.

Les peintures de Braque, de 1908 à 1913, ont commencé à refléter son nouvel intérêt pour la géométrie et la perspective simultanée. Il a mené une intense étude sur les effets de la lumière, la perspective et les techniques que les peintres utilisent pour représenter ces effets. Dans les scènes de son village, par exemple, Braque réduit souvent une structure architecturale en une forme géométrique se rapprochant de celle d’un cube. L’ombre de la structure, elle, donne l’illusion d’être plate et en trois dimensions en même temps. De cette façon, Braque place l’attention sur la nature même de l’illusion visuelle et de la représentation artistique.

À partir de 1909, Braque a commencé à travailler en étroite collaboration avec Pablo Picasso qui avait développé une approche similaire dans sa peinture.L’invention du cubisme est un effort conjoint entre Picasso et Braque, puis les résidents de Montmartre, à Paris. Les deux artistes produisirent des peintures de couleur neutre et de forme complexe, à plusieurs facettes, maintenant étiquetées comme faisant partie du cubisme analytique. En 1912, ils ont commencé à expérimenter le collage avec du papier collé.

Leur collaboration a continué et ils ont travaillé en étroite collaboration jusqu’au déclenchement de la première Guerre mondiale, en 1914, lorsque Braque, enrôlé dans l’armée française, dû quitter Paris pour aller se battre.

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b/- Pablo Picasso et le cubismePablo Picasso (25 octobre, 1881, au 8 avril, 1973) est un peintre cubiste, dessinateur et sculpteur espagnol andalou. Un des plus reconnus dans l’histoire de l’art du XXe siècle. Il est surtout connu pour être le co-fondateur du mouvement artistique cubiste et pour la grande variété de styles incorporés dans ses oeuvres d’art. Parmi les oeuvres de Picasso les plus célèbres on trouve le tableau Les Demoiselles d’Avignon (1907) et sa représentation du bombardement allemand de Guernica pendant la guerre civile espagnole, Guernica (1937).

Le travail de Pablo Picasso est souvent classé par périodes. Alors que les noms de plusieurs de ses périodes ultérieures font l’objet de débats, les périodes les plus communément acceptées de son travail sont sa période bleue (1901-1904), sa période rose (1905-1907), sa période influencée par l’art africain (1908-1909), le cubisme analytique (1909-1912), et le cubisme synthétique (1912-1919).

L’influence de l’art africain, qui a duré de 1907 à 1909, a été la période où Pablo Picasso a peint avec un style fortement influencé par la sculpture africaine. Cette période, qui a suivi sa période bleue et sa période rose, a également été parfois qualifiée de période nègre ou période noire.

Après la peinture « Les Demoiselles d’Avignon », Picasso a commencé à peindre dans un style influencé par les deux figures du côté droit du tableau qui étaient fondées sur l’art africain. Bien que cette peinture soit considérée comme la première oeuvre cubiste, avant même le début de sa phase cubiste, on peut clairement voir qu’il a passé plusieurs années à explorer l’art africain. Pendant ce temps, l’empire français était en pleine expansion en Afrique et les artefacts d’Afrique ont été ramenés dans les musées Paris. La presse bourdonnait d’histoires exagérées, de cannibalisme et de contes exotiques à propos du royaume africain de Dahomey. La maltraitance des Africains dans le Congo belge était un sujet chaud. Il était donc naturel, dans ce climat, que Picasso tourne sont intérêt vers les objets africains comme source d’inspiration.

La période noire de Pablo Picasso a été suivie par Le cubisme analytique qui s’est également développé à partir de « Les Mademoiselle Mignonne ».

Le cubisme analytique (1909-1912) est un style de peinture que Picasso à développé avec l’aide de Georges Braque. Les deux artistes ont déconstruit des objets et les ont «analysé» en termes de formes. Les peintures de Picasso et de Braque de ce moment-là ont de nombreuses similitudes. Le cubisme synthétique (1912-1919) a été la suite du développement du genre.

5/- LES PLUS GRANDES ŒUVRES

Les Demoiselles d’AvignonArtiste : Pablo PicassoDate : vers 1906-1907Technique : Huile sur toileDimensions (H × L) : 244 cm × 234 cmLocalisation : Museum of Modern Art, New York

Cézanne“La carrière de Bibémus”189565,1 x 81 cmMuséum Folkwang Essen.

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Braque Georges - Le Portugaisautomne 1911 jusque 1912Huile sur toile117 x 81 cmKunstmuseum Basel

La bouteille de BanyulsArtist: Juan GrisDate: 1914Genre: still lifeTechnique: collage, gouache

Robert Delaunay (1885 - 1941)Une fenêtre (Etude pour les trois fenêtres ; La Tour et la Roue)1912Huile sur toile111 x 90 cmCentre Pompidou

6/- ANALYSES D’ŒUVRES

Georges Braque, Les Usines du Rio-Tinto à L’Estaque, automne 1910Huile sur toile, 65 x 54 cm

Réalisée elle aussi à L’Estaque, cette peinture n’a presque plus rien d’un paysage singulier. On ne reconnaît plus le lieu, l’image s’éloigne du motif. Elle aurait pu être peinte n’importe où. Braque ne travaille plus en extérieur depuis 1909 car il se détourne des accidents pittoresques pour s’intéresser de plus en plus, de même que Picasso à cette époque, à la construction

d’un espace unifié, homogène, et propre à la peinture.

« Ce qui m’a beaucoup attiré - et qui fut la direction maîtresse du Cubisme », dit Braque à l’historienne de l’art Dora Vallier, « c’était la matérialisation de cet espace nouveau que je sentais. (…) C’était cela, la première peinture cubiste, la recherche de l’espace. De la couleur, il n’y avait que le côté lumière qui nous préoccupait. La lumière et l’espace sont deux choses qui se touchent (…). La fragmentation me servait à établir l’espace et le mouvement de l’espace et je n’ai pu introduire l’objet qu’après avoir créé l’espace. (…) Les Fauves, c’était la lumière, le Cubisme l’espace. »

Dans Les Usines du Rio Tinto, Braque se détache de la perception de l’espace, apparemment naturelle et automatique, que reproduit la perspective. A partir de ce paysage qu’il connaît bien, il travaille sur la constitution d’une seule image à partir d’une multiplicité de petites perceptions saisies par le corps en mouvement. La peinture devient un outil pour analyser la perception du réel, d’où le terme, pour les œuvres de cette époque, de Cubisme analytique.

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Les demoiselles d’Avignon Contexte historiqueEn 1907, Picasso, jeune peintre espagnol termina cette œuvre, après de très nombreux essais préparatoires . A cette époque, le cubisme n’existait pas encore.La fin du 19ème siècle avait vu apparaître l’impressionnisme, ensuite vinrent l’expressionnisme et le fauvisme. La photographie puis l’arrivée du cinéma changeront aussi plus tard certaines

données dans les univers visuels des artistes de cette période.Picasso avait été déjà remarqué lors du salon d’Automne de 1905 et fait des rencontresimportantes comme celle de Matisse ou G.Stein, romancière intellectuelle...Ce tableau sera donc l’élément fondateur d’un grand changement à la fois culturel et dans l’histoire de l’art. Il concrétisera l’avènement du «cubisme»mais aussi opèrera une rupture stylistique et conceptuelle avec l’intellectualisation de la démarche artistique...

Contexte artistiquePicasso nous donne à voir sa représentation d’une maison close d’Avignon. Même si le sujet de l’œuvre peut paraître provoquant (avant ce moment, on avait pu voir les œuvres de Cézanne notamment, et Picasso avait admiré «le Bain Turc» d’Ingres, parmi ses influences), c’est surtout le «traitement» qui va choquer (la façon de peindre)...Dans cette œuvre, Picasso laissera voir aussi l’influence qu’exerce sur lui la sculpture ibérique et l’art africain qu’il collectionnait... En effet, personnages et fond ne font plus référence à une copie du réel mais apparaissent complètement déstructurés et comme perçus de multiples points de vue (d’ou la stupéfaction produite sur les spectateurs de cette œuvre). Elle sera vue du public que bien plus tard après sa création et raillée par lacritique. Mais elle deviendra une œuvre clé de l’art moderne, une sorte de «révolution» esthétique..

Le tableauIl s’agit d’une très grande toile, d’un format presque carré de 243,9 sur 233,7 cm, peinte à l’huile. Elle se situe au MOMA, Musée d’Art Moderne de New-York.

La compositionLes 5 femmes occupent l’espace principal du tableau, sur un fond composé de sortes de tissus, rideaux dans plusieurs tons de bleu, gris, bruns. On observe cependant 3 parties en rectangles verticaux, le central étant le plus grand.- Chaque femme constitue une sorte de plan différent, mais au premier plan on remarque la corbeille de fruits, comme posée sur une petite table verticalement..- Picasso se joue des règles de la perspective et opère une déstructuration des femmes de la gauche vers la droite, elles deviennent alors complètement déformées tels des masques africains...- Les couleurs :3 couleurs principales structurent l’espace avec les bruns à gauche, le gris au milieu et les bleus à droite..On notera aussi le contraste entre les corps dans les tons ocres orangés et le fond bleu/gris. Les formes sont contournées de blanc ou de noir ce qui insiste encore sur la «déstructuration» de la toile...- Les formes :La partie gauche présente notamment un personnage qui apparaît de facture classique, voire antique mais dans celle de droite on observe une fragmentation géométrique, des figures à la fois de face et de profil. On remarque ainsi l’évolution picturale, les couleurs surprennent ainsi que le traitement graphique schématisé...- En conclusion, dans ce tableau, Picasso, montre sa volonté de sortir du dessin conventionnel, en mettant en œuvre des procédés innovants, une sorte de révolution visuelle et établi ici les bases du cubisme.