Arte siglo xix y xx

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• Introducción • Antonio Canova • Auguste Rodin • Thorvaldsen • Vincent Van Gogh • Claude Monet • Camille Pissarro • Francisco de Goya • Edgar Degas • Santiago de Calatrava • Antonio Gaudi • Mary Cassatt • Berthe Morisot

• Henri de Toulousse Lautrec

• George Seurat • Paul Gauguin • Paul Signac • Le Courbusier • Edouard Manet • Francisco Toledo • David Alfaros Siqueiros • José Clemente Orozco • Diego Rivera • Rufino Tamayo • Conclusiones • Referencias

Introducción • En la presentación se abordaran distintos

autores del arte de los siglos XIX y XX, pertenecientes a distintos estilos y vanguardias; desde el neoclasicismo hasta el postimpresionismo, sin olvidar el arte que se dio en México.

• Se revisaran obras de escultura, arquitectura y pintura según el artista abordado.

• Comenzaremos con algunos artistas cuyo ramo es la escultura como son; Antonio Canova, Auguste Rodin y Thorvaldsen.

• Continuaremos con algunos impresionistas y postimpresionistas como; Van Gogh, Monet, Pissarro, Degas, Seurat, Signac y Manet.

• Después seguiremos con arquitectos como; Calatrava, Gaudi y Le Courbusier.

• Finalizamos la presentación con los artistas mexicanos; Toledo, Siqueiros, Orozco, Rivera y Tamayo.

Antonio Canova (1757-1822)

• Escultor italiano

• Junto con Bertel Thorvaldsen, fue uno de los exponentes máximos de la escultura neoclásica.

• Conoció el arte clásico en sus visitas a Roma y Nápoles.

• En Roma , 1781, fomentó la recuperación del gusto por los estilos romano y griego antiguos.

• Recibió encargos de Napoleón, entre los que se cuenta la famosa Paulina Bonaparte Borghese como Venus.

• Después de la caída de Napoleón, Canova fue enviado por el Papa a París para recobrar los tesoros artísticos arrebatados al patrimonio italiano, gestión que le valió el título de marqués de Ischia.

• También realizó encargos en Inglaterra.

• Murió en Venecia.

Apolo coronándose a sí mismo

Antonio Canova

(1781) Mármol. 84.77 cm. Paul Getty Museum. Los Angeles

Paulina Bonaparte

Antonio Canova

(1807) Mármol. 185 cm. Galería Borghese. Roma

Paulina Bonaparte Borghese como Venus, reclinada en un diván con una serena sensualidad.

Hércules y Lichas

Antonio Canova

(1815) Mármol. 350 x 152 x 212 cm. Galleria d'Arte Moderna. Roma

A causa de la poderosa musculatura de Hércules, produce una impresión de fuerza.

Eros y Psique

Antonio Canova

(1793) Mármol. 155 x 168 x 101 cm. Museo del Louvre. París

Las tres gracias

Antonio Canova

(1815-1817)

Mármol

Magdalena penitente

Antonio Canova 1796 Mármol, 94 cm

Teseo lucha con el centauro

Antonio Canova

(1804-1819)

Mármol

Museo de Bellas Artes de Viena.

Hebe

Antonio Canova

(1816-1817)

Mármol

Auguste Rodin (1840-1917)

• Escultor francés.

• Dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica expresada a través del modelado y la textura.

• Uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX.

• Hijo de un oficial de policía.

• Estudió arte en una escuela pública para artesanos y por su cuenta en el Louvre, ya que no fue admitido en la École des Beaux-Arts.

• Durante muchos años trabajó para otros escultores, incluido Ernest Carrier-Belleuse.

• Rodin colaboró, a principios de la década de 1870 en la realización de una escultura arquitectónica para la Bolsa de Bruselas.

• Se sintió atraído por el tratamiento del movimiento y la acción muscular en las obras del renacimiento; Donatello y Miguel Ángel.

• Para Rodin, la belleza consistía en una representación fidedigna del estado interior por lo que distorsionaba sutilmente la anatomía.

Hombre dando un paso

Auguste Rodin

(1877) Yeso. 34 pulgadas. Museo Rodin. París

• Su escultura, en bronce y mármol, se divide en dos estilos.

• El estilo más característico revela una dureza deliberada en la forma y un laborioso modelado de la textura.

• El otro estilo está marcado por una superficie pulida y la delicadeza de la forma.

• Rodin produjo algunas esculturas importantes entre 1858 y 1875, incluyendo entre ellas especialmente Hombre con la nariz rota.

• Su reconocimiento llegó en 1877 con la exhibición en el Salón de su desnudo masculino La era de bronce, que levantó controversia dado su extremado realismo y provocó la acusación de que Rodin había hecho moldes de yeso a partir de modelos vivos.

Puertas del infierno

Auguste Rodin

(1917) Bronce

6 x 4m x 1 de profundidad

Museo Rodin. París

La puerta representaba principalmente escenas del Infierno, la primera parte de la Divina Comedia de Dante. Tratando de realizar una gran alegoría del amor y la condena

Contiene 180 figuras cuyas dimensiones fluctúan entre los 15 cm y más de un 1 m.

Romanticismo y simbolismo

• En 1880, su desnudo San Juan Bautista, que resaltaba las cualidades humanas del sujeto, acrecentó su reputación.

• En 1880 comenzó a trabajar en las Puertas del infierno, una puerta de bronce esculpido para el Museo de las Artes Decorativas de París.

• No completó las Puertas del infierno, pero creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos, siendo todos ellos aclamados como obras independientes.

• Entre estos trabajos se encuentran El beso, Ugolino, El pensador, Adán y Eva.

El beso

Auguste Rodin

1886 Mármol. 1,90 x 1,20 x 1,15 m. Museo Rodin. París

En principio fue llamada Francesca da Rimini, nombre de uno de los personajes del Infierno de Dante, que se enamoró del hermano de su marido, Paolo, a su vez casado. Enamorados mientras leían juntos la historia de Lanzarote y Ginebra, fueron descubiertos y asesinados por el marido de Francesca.

El pensador

Auguste Rodin

1900Bronce

1,98 x 1,29 x 1,34 m

Museo Rodin. París

El pensador, en su origen, buscaba representar a Dante frente a Las Puertas del Infierno, ponderando su gran poema. La escultura es un desnudo, ya que Rodin deseaba una figura heroica al estilo de Miguel Ángel para representar tanto el pensar como la poesía.

• En 1886 terminó Los burgueses de Calais. • Produjo numerosos retratos en los que se

revelan los estados emocionales de los sujetos. Entre ellos, cuadros de cuerpo entero de los escritores franceses Honoré de Balzac y Victor Hugo, así como del pintor Jules Bastien-Lepage.

• Hizo bustos de los artistas franceses Jules Dalou, Carrier-Belleuse y Pierre Puvis de Chavannes.

• Murió en Meudon, cerca de París, el 17 de noviembre de 1917.

• Una parte de su obra puede verse en el Musée Rodin, de París.

Los burgueses de Calais

Auguste Rodin

(1895) Bronce. 0,82 x 0,94 x 0,75 m. Museo Rodin. París

Esta escultura es un monumental grupo en bronce en el que se representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais.

• Se compone de seis hombres de igual altura y vestidos en ropajes similares.

• No se presenta jerarquía alguna en el grupo.

• Los hombres dirigen sus miradas a puntos diversos.

• Cuatro de ellos hacen ademanes y toman un paso al frente, los otros dos permanecen tranquilos.

• Las figuras forman un grupo compacto sin embargo permanecen libres entre ellos.

• Las figuras están a tamaño natural y parecen agobiadas por sus prendas y sus desproporcionadamente grandes manos y pies.

• Los hombres no se comunican entre ellos ni con el espectador.

• Cada rostro refleja rasgos individuales y da la impresión de sentimientos variados —resolución, angustia, apatía—

• Rodin expresa con realismo a seis hombres que han sobrevivido un sitio de un año y que ahora dan su primer paso hacia la muerte. Algunos se inclinan, otros se toman la cabeza, todos dudan.

• Con su realismo épico la escultura se opone al rígido academicismo del siglo XIX pero también se mantiene libre tanto de los rápidos momentos de los impresionistas como de la verdad cruda de los realistas.

Los burgueses de Calais, la escultura

Honoré de Balzac

Auguste Rodin

(1897) Bronce. 3,0 x 1,2 x 1,2 m. Museo Rodin. París

Bertel Thorvaldsen (1770-1844)

• Escultor danés que nació en Copenhague.

• Hijo de un tallador de madera islandés.

• Estudió en la Academia de Copenhague y en 1797 se trasladó a Italia para estudiar la escultura clásica.

• Vivió en Roma hasta 1838, y allí se convirtió en uno de los líderes del neoclasicismo.

• En Roma disfrutó de un considerable patronazgo, y su obra llegó a alcanzar tal demanda que hacia 1820 trabajaban en su taller 40 personas para ayudarle a finalizar los encargos.

• En 1820 volvió temporalmente a Copenhague con el fin de comenzar la planificación del conjunto decorativo a base de estatuas de mármol y relieves para la nueva iglesia de Nuestra Señora.

• Sólo las figuras de Cristo y San Pablo fueron esculpidas por Thorvaldsen, el resto fueron realizadas por los miembros de su taller sobre los modelos del maestro.

• Entre su producción sobresalen relieves alegóricos y esculturas de temática clásica, como Cupido y Psique.

• A él se debe la Tumba de Pío VII y la célebre escultura al aire libre El león de Lucerna.

• El Museo Thorvaldsen en Copenhague, construido (1839-1848) en estilo neoclásico, contiene su colección de escultura antigua y numerosas obras de su propia producción.

Cupido y Psique

Bertel Thorvaldsen

(1807) Mármol. 247 cm. Thorvaldsen Museum. Copenhague

El león de Lucerna

Bertel Thorvaldsen

(1821) Roca tallada. 6,80 m. Urbana. Lucerna

Este monumento conmemora el sacrificio de más de seiscientos guardias suizos que murieron defendiendo las Tullerías durante la Revolución Francesa. El monumento representa a un león moribundo que yace sobre símbolos rotos de la monarquía francesa.

Zeus y Ganimedes

Bertel Thorvaldsen

(1817) Mármol. 93,3 x 118,3 cm. Thorvaldsen Museum. Copenhague

Zeus y Ganimedes

• Tema: El tema clásico elegido es Ganimedes dando de beber a Zeus, convertido en águila.

• Ganimedes: La mitología atribuye a Ganimedes el papel de dar de beber a los dioses en el Olimpo. Resulta que fue el objeto de deseo del dios Zeus y, como era habitual, éste se transformó en águila para satisfacerlo y lo raptó.

• Joven: El joven es representado como casi un niño, por eso la musculatura parece aún no formada y la cara es tan infantil. La mitología habla de que Ganimedes era un niño cuando fue raptado y así se quedó en el Olimpo.

• Frialdad: La forma de representar los protagonistas de la escena es muy fría y sin emociones, aunque el tema sea dramático ya que es un rapto.

• Clasicismo: La mirada hacia la Antigüedad se ve bien en Thorvaldsen, que es uno de los protagonistas del neoclasicismo junto a Antonio Canova. A diferencia de él, Thorvaldsen defendió un arte más frío, no tan en contacto con el Barroco como el primero.

Jasón con el vellocino de oro

Bertel Thorvaldsen

1828 Mármol. 242 cm. Thorvaldsen Museum. Copenhague

Vincent Van Gogh (1853-1890)

• Pintor postimpresionista holandés. • Vivió la mayor parte de su vida en Francia y su obra

influyó de forma decisiva en el movimiento expresionista.

• Van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-Zunder, hijo de un pastor protestante holandés.

• Desde su juventud demostró tener un temperamento fuerte y un carácter difícil que habría de frustrar todo empeño que emprendía.

• A los 27 años ya había trabajado en una galería de arte, había dado clases de francés, había sido estudiante de teología y evangelizador entre los mineros de Wasmes, en Bélgica.

• Si hay un personaje en la historia del arte que responda al prototipo de genio loco, solitario, con devoción absoluta hacia el arte, ese es Vincent van Gogh.

• Fue un pintor de vocación tardía, como Gauguin. • No se decidió a dedicarse profesionalmente a la

pintura hasta 1880, cuando tenía 27 años de edad. • Solamente tuvo 10 años de vida artística. • Realizó más de 800 cuadros, y numerosos dibujos. • Desde el punto de vista del estilo, recibió influencias

de los impresionistas, del divisionismo y de los simbolistas. No adoptó plenamente ninguna de estas influencias, sino que las adaptó para conseguir una personal forma de expresión.

• Su trabajo acabó siendo fuente de inspiración, sobre todo, para el movimiento expresionista.

Con mi trabajo he procurado dar a conocer a estas pobres gentes, que, a la

luz de su lámpara, comiendo sus patatas, tomando el plato con las manos, las

mismas que han cavado la tierra en la que han crecido las patatas...

Vincent a Theo

Los comedores de patatas

Van Gogh (1885)

Los comedores de patatas

• En esta obra hay una clara intención de denuncia social, de atribución al arte de una función moral.

• Su experiencia entre la población minera y su sensibilidad ante el sufrimiento ajeno le llevan a pintar este tema en varias ocasiones.

• Para mejor reflejar el sufrimiento y las penurias por las que pasan los personajes elige una paleta oscura, con tonos marrones y pardos.

• El dibujo es enérgico, de gruesos trazos, resaltando los duros rasgos de los rostros y las formas recias de las manos.

• La iluminación contribuye a remarcar el dramatismo de la escena, y sirve para enfatizar los duros rasgos de los personajes.

• Al principio de su carrera van Gogh tiene una mayor preocupación por lograr efectos de luz, que por conseguir efectos expresivos a través del color.

Yo busco ahora exagerar lo esencial. No quiero reproducir exactamente lo que tengo delante de los ojos, sino que me sirvo arbitrariamente

del color para expresarme con más fuerza. Vincent a Theo

De París a Arles

• En marzo de 1886 Vincent llegará a París, donde continuará su formación artística.

• En el taller del pintor Cormon conocerá a Toulouse-Lautrec, Bernard, Seurat, Signac, Pissarro, Gauguin.

• El conocimiento que adquiere de las nuevas tendencias impresionistas, divisionistas y simbolistas le sirven para aclarar su paleta, y experimentar con el uso arbitrario del color con fines expresionistas.

Retrato de Père Tanguy

Vincent Van Gogh

(1887-88)

•Père Tanguy, -comerciante de material para pintores- muy conocido entre los impresionistas. •El dibujo de la figura de Tanguy sigue siendo vigoroso. En el fondo, repleto de estampas japonesas, hay un fuerte colorido. •Van Gogh emplea una pincelada suelta, alargada y empastada, que será su marca identificativa en adelante. •La línea roja del contorno de Tanguy contrasta con los verdes que predominan en el contorno. •También en las manos y barba hay toques de verde. •Este uso arbitrario del color (la piel no es verde) en beneficio de la expresión del artista también será constante a lo largo de su obra.

Quería ver una luz diferente; creí que observar la naturaleza bajo un sol más claro podría dar

una idea más cabal de la manera en que sienten y dibujan los japoneses.

Vincent a Theo

El puente de Langlois •La influencia de las estampas japonesas es decisiva.

•Plasmación de la limpia atmósfera provenzal.

•Las pinceladas alargadas y empastadas se alternan magistralmente en tonos fríos y cálidos para configurar el reflejo del puente sobre el agua.

•La sensación de profundidad se consigue aclarando el azul cerca de la línea del horizonte.

•La diagonal de la ribera en la esquina inferior derecha aporta dinamismo a la composición y acerca al espectador a la contemplación del paisaje.

Van Gogh (1888)

• El puente, símbolo de paso, de transición entre la juventud y la madurez, es un tema enormemente sugestivo, que había apasionado a los impresionistas de la vieja escuela.

• Van Gogh ha añadido dos cipreses, símbolo de la muerte, hacia los que se dirige la carreta y la mujer que está sobre el puente.

• ¿Significa algo la gran nube blanca que hay a la izquierda (detrás) de los cipreses?

• Van Gogh, que era un maestro de la sugestión simbólica, transforma una estampa aparentemente anodina en una alegoría de la vida como camino hacia la muerte.

El puente de Langlois

En mi cuadro Café de noche he intentado expresar que el café es un lugar en el que uno puede arruinarse, volverse loco, cometer un

crimen.

Vincent a Theo

Café de noche interior

El objetivo de Vincent era transmitir, mediante el color, una atmósfera de soledad y degradación.

El cuadro es una auténtica sinfonía de uso arbitrario del color a base de pares de complementarios.

Van Gogh (1888)

Café de noche interior • Es llamativa la contraposición del verde (techo, mesa

de billar, mostrador con botellas) contrapuesto con el rojo de las paredes.

• Van Gogh se muestra más comedido en la contraposición del azul de los veladores con el naranja de las sillas.

• Con este vigoroso uso del color van Gogh dejó escrito a su hermano Theo que buscaba «crear una atmósfera de horno infernal, de azufre desvaído, para expresar el poder de las tinieblas de un tabernucho.»

• En esta escena de interior, la luz proviene únicamente de las lámparas del techo, y de la habitación que se abre en la pared del fondo.

• En esta atmósfera asfixiante aparecen varios parroquianos juntos en el mismo local, pero en una pesada soledad.

Café de noche exterior

Vincent se olvida de la sordidez y la sordidez para centrarse en la alegría de disfrutar de un rato agradable en buena compañía.

Hay una especie de lucha entre la iluminación natural de un maravilloso cielo estrellado y la luz artificial de la lámpara de gas que ilumina la terraza.

Van Gogh (1888)

• En este caso, la contraposición de complementarios es entre el azul-violeta (del cielo y edificios lejanos) y el naranja-amarillo (de la tarima, la pared y la parte inferior del toldo)

• La composición es más clásica, con una perspectiva con el punto de fuga en el centro.

• El verde de un árbol recortado en la parte superior derecha, así como el portal también cortado en la parte izquierda facilitan la sensación de inmersión del espectador en la agradable plaza.

Café de noche exterior

Esta vez se trata simplemente de mi dormitorio; por lo tanto, solamente el color

debe hacerlo todo.

Vincent a Theo

La habitación de Vincent en Arles

Vincent Van Gogh

1888

Óleo sobre lienzo.

72 x 90 cm. Rijksmuseum Vincent Van Gogh. Amsterdam

• Transmite un uso expresivo del color: la silla era más oscura, pero la pinta amarilla.

• El suelo era de baldosas rojizas, que se transforman en un color rosa terroso.

• Las paredes eran blancas, pero Vincent, para reforzar la viveza del color elige para ellas un azul claro, complementario de los naranjas y amarillos predominantes en los objetos.

• Los toques de rojo en la manta de la cama y de amarillo verdoso en ventanas y sillas añaden viveza al conjunto.

• Al marcar el dibujo en negro, se consigue enfatizar aún mas el uso de los colores llenado los objetos.


• La pincelada es tremendamente pastosa. • Con frecuencia pintaba con los colores extraídos

directamente del tubo, sin mezclas. • Al aplicar el color sigue la veta de la madera, reforzando su

presencia. • En cuanto a la composición, la perspectiva y el tamaño

relativo de los objetos están deliberadamente distorsionados.

• Las paredes izquierda y la del fondo formaban un ángulo de 120 grados, por lo que la mesa está paralela a la pared del fondo.

• Esto explica que la cama parezca más cercana al fondo en nuestra parte izquierda que en la derecha, dejando sitio para la percha con las ropas.

• Hay críticos que han querido ver en la repetición de parejas de objetos (dos almohadas, dos pares de cuadros, dos sillas...) una plasmación simbólica de los deseos de afecto del artista.


Noche estrellada sobre el Ródano

La convivencia de las estrellas en el cielo, con los reflejos de las luces de lámparas de gas de la ciudad de Arles sobre el agua del río Ródano es sencillamente maravillosa.

En la parte inferior un detalle conmovedor; en palabras del propio Vincent en una carta a su hermano: «Dos figuritas coloreadas de enamorados en primer plano».

Pero no son dos enamorados cualquiera: mirados con atención resultan ser una pareja de ancianos que pasean a la luz de las estrellas. Próximas a ellos, hay unas barcas en el recodo del río. Esta obra emana una poesía que cala hasta en los espíritus menos sensibles.

Van Gogh (1888)

En el psiquiátrico

• Entre finales de octubre y finales de diciembre de 1888 Paul Gauguin estuvo visitando Arles alojándose en la casa alquilada por Vincent.

• Tuvieron una turbulenta relación de colaboración artística.

• Charlaban, con frecuencia acaloradamente, intercambiando opiniones.

• A finales de diciembre Vincent, presa de un ataque psicótico intentó agredir a Gauguin, que, asustado se fue a pasar la noche a un hotel.

• Arrepentido, Vincent se cortó el lóbulo de su oreja izquierda, y salió hacia un burdel en busca de su amigo, para ofrecérselo como muestra de arrepentimiento.

En el psiquiátrico

• Este escandaloso incidente tuvo mucho eco en Arles.

• Van Gogh aceptó su reclusión en un hospital psiquiátrico en la localidad cercana de Saint-Rémy.

• Siempre que se lo permitían los ataque psicóticos (con alucinaciones auditivas y visuales) pintaba.

• Está probado que estos ataques en nada influyeron sobre Vincent para la creación directa de cuadros.

• El artista con frecuencia establecía un plan previo que ejecutaba sobre el lienzo cuando no padecía crisis.

Los cipreses me preocupan siempre (...) me sorprende que nadie los haya pintado todavía

como yo los veo. En cuanto a líneas y proporciones un ciprés es bello como un

obelisco egipcio.

Vincent a Theo

La noche estrellada

La composición de este cuadro está marcada por la presencia de los cipreses, que se alzan como dos llamas negras sobre un cielo estrellado con la luna en cuarto menguante al fondo.

La línea del horizonte está baja, dando el protagonismo al cielo. La presencia imponente de los cipreses a la izquierda queda equilibrada por la de la luna, a la derecha.

Van Gogh (1889)

• La pincelada de Vincent en esta etapa seguía siendo pastosa y alargada, pero ya había evolucionado hacia grandes espirales y remolinos, que intensificaban la sensación de dramatismo en sus obras.

• Hay un contraste entre la verticalidad de los cipreses y la horizontalidad predominante en el cielo estrellado.

• Los cipreses cumplen la función de dotar al cielo estrellado de su verdadera profundidad y dimensión.

La noche estrellada

La ronda de los presos

Van Gogh

(1890)

Detalle


• Este cuadro es un maravilloso ejemplo de la extraordinaria capacidad de van Gogh para transmitir a las imágenes una carga simbólica estrechamente unida a sus estados de ánimo.

• En la obra aparecen un grupo de presos caminando en círculo, bajo la vigilancia de unos guardias, dentro de los altos muros de una prisión.

• Van Gogh oscurece su paleta de acuerdo con el tema de la obra.

• Los únicos elementos de color son el rojizo de los ladrillos y la casaca azul de uno de los vigilantes.


• Según Crepaldi algunos críticos han creído identificar al propio Vincent en el preso rubio que mira al espectador.

• El mensaje de Van Gogh parece más nítido si a ello unimos las dos mariposas blancas, símbolo de la libertad, que parecen elevarse entre los muros de la prisión.

• La capacidad expresiva de Van Gogh para retratar su propio mundo interior alcanza una cima en esta obra, que puede ayudar a entender cómo se sentía en esa etapa de su vida.

Bueno, mi trabajo; arriesgo en él mi vida, y mi razón se ha hundido en él hasta la mitad.

Vincent a Theo

en una carta que portaba el día que murió

El final de su vida • Quizá impresionado por cuadros como La ronda de

los presos, Theo se decidió a seguir el consejo de Pissarro y trasladar a Vincent al norte.

• Después de pasar un año en Saint-Rémy, Van Gogh estuvo los últimos tres meses de su vida en Auviers-sur-Oise, un pueblecito cerca de París.

• Allí estuvo bajo los cuidados del doctor Gachet, médico homeópata aficionado a la pintura y conocido de los impresionistas.

• Los cuidados del doctor parece que iban dando sus frutos, pero Vincent seguía teniendo alucinaciones, y un día decidió salir al campo y se disparó en el pecho.

• Murió dos días después, que los pasó fumando en pipa junto a Theo.

Campo de trigo con cuervos

Vincent Van Gogh

Museo Nacional Van Gogh, Amsterdam

Óleo sobre lienzo, 50.5 cm. x 103 cm.

• Sobre esta pintura hay algunos malos entendidos.

• No es la última obra de Vincent . • El carácter del cuadro y el hecho conocido

del suicido de Vincent días más tarde incitan a pensar en ello.

• El cuadro está vigorosamente pintado con espátula.

• Destaca la inquietante presencia del vuelo de los cuervos sobre el agitado trigal, con un turbulento y sombrío cielo como telón de fondo.

Campo de trigo con cuervos

• En la interpretación del cuadro, otro malentendido: la función de los cuervos en el cuadro como heraldos de la muerte parece desacreditada por las cartas de Vincent.

• Van Gogh apreciaba a estos animales como motivo pictórico.

• Quizá al artista le pareciese atractiva la idea de representar una estampa de la naturaleza donde se unía el vuelo de los cuervos sobre los trigales con un cielo turbulento al fondo.

• En cuanto a los tres caminos que se abren entre los trigales, resulta atractivo especular sobre su significado. Hay quienes han sugerido que el cuadro es un reflejo de la incertidumbre de Vincent sobre el derrotero que tomará su vida. Según este punto de vista los tres caminos representarían el pasado, presente y futuro de la vida del artista.

• Como suele ocurrir en los cuadros de van Gogh, y en las grandes obras de arte, la interpretación es una tarea que el artista deja al juicio del espectador.

La obra de Vincent

• Empaste: La obra pictórica de Vincent Van Gogh se caracteriza siempre por un uso de la pincelada muy cargado de pintura. Sus pinceladas son cortas pero cargadas de material, por lo que da un aspecto tosco a sus cuadros pero extremadamente cuidado en cuanto a iluminación y colores. Aunque usa mucha pintura, sabe unir cada tramo para generar luz nocturna, que tanto le apasionaba.

• Expresión: Van Gogh, precursor de los expresionistas posteriores, es el artista que mejor ha expresado los sentimientos en los lienzos. Su carga pictórica reside fundamentalmente en los colores usados, en la composición abrupta pero cuidado y, sobre todo, en la melancolía que impregna su obra.

• Suicidio: Cuando murió, llevaba la carta de suicidio que ponía: ...en mi trabajo arriesgo mi vida y mi razón, al borde del naufragio...

Los girasoles

Vincent Van Gogh

1889

Óleo sobre lienzo. 93 x 73 cm. National Gallery. Londres

Dr. Paul Gachet

Vincent Van Gogh

(1890) Óleo sobre lienzo. 68 x 57 cm. Museo de Orsay. París

Autorretrato con oreja vendada

Vincent Van Gogh (1889)

Óleo sobre lienzo. 60 x 49 cm. Courtauld Instituto de Arte. Londres

Puente de Gleize

Vincent Van Gogh

(1888) Óleo sobre lienzo. 46 x 49 cm. Colección privada. Tokio

Autorretrato

Vincent Van Gogh

1887 Óleo sobre lienzo

42 x 37 cm. The Art Institute. Chicago

Puente de la Grand Jatte

Vincent Van Gogh

(1887) Óleo sobre lienzo

32 x 40.5 cm. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam

Vista de París frente a Meudon

Vincent Van Gogh, (1886) Óleo sobre lienzo. 54 x 72.5 cm. Rijksmuseum Vincent van Gogh Amsterdam

Naturaleza muerta con Biblia

Vincent Van Gogh


65 x 78 cm. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam

La lotería

Vincent Van Gogh. (1882) Acuarela. 38 x 57 cm. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam

Claude Oscar Monet (1840-1926)

• A los 17 años entró en contacto con Boudin, quien reconoció su talento y le estimuló para pintar paisajes al aire libre.

• A los 18 años conoce a , Constant Troyon de la Escuela de Barbizon.

• En la Academia Suisse, conoció a Camille Pissarro.

• En 1862, Monet ingresa en el taller de Gleyre. Aquí conoció a Renoir, Sisley, y Bazille.

• Temas: escenas cotidianas, la naturaleza cobraba protagonismo por sí misma, plasmándose tal y como se percibía.

En el acantilado Claude Monet (1873)

Color • Colores luminosos,

vibrantes, que con frecuencia yuxtaponían o mezclaban directamente sobre el lienzo.

• Hay color incluso en las zonas de sombra.

Composición

• Experimentaban con la composición, haciendo encuadres audaces de las escenas que pintaban.

• En este cuadro de Monet el encuadre es muy audaz, desde un punto de vista inusualmente bajo.

Pincelada

• Captar la fugacidad del momento.

• Pincelada rápida y espontánea.

• Sin preocuparse por un acabado excesivamente elaborado.

La merienda campestre Claude Monet (1865-66) 4,20 m. de alto

La Grenouillère Claude Monet (1869)

Composición y pinceladas

Pinceladas gruesas alternas «pincelada descriptiva», con breves

trazos verticales

Pinceladas redondeadas

• 1870 (Guerra Franco-Prusiana), Monet se marcha a Londres con su mujer e hijo.

• Conoce a Paul Durand-Ruel, el marchante de arte.

• En 1871, Monet se traslada, con su familia, a vivir a Argenteuil.

• Allí construyó, con ayuda de Caillebotte, un bote que le servía de estudio.

Regata en Argentuil Monet (1872)

Pincelada y color

Los reflejos del agua se convierten en el lienzo en gruesas pinceladas alargadas

El uso de los colores aporta brillantez por el

uso del contraste de colores

complementarios

La estación de Saint-Lazare Claude Monet (1876-77)

Impresión. Sol naciente Monet (1872)

«Me piden el título para el catálogo; la verdad es que aquello no podía pasar por una vista de El Havre. Contesté: “¡Pon Impresión!” De ahí se pasó a Impresionismo y se extendieron las bromas» -- Monet

Serie de Ruán

• Vistas de la catedral de Ruán, entre 1892 y 1894, de la que llegó a hacer más de 40 versiones.

• Son una de las obras cumbres del expresionismo, pinceladas gruesas, imágenes borrosas, texturas rugosas; una genialidad sin duda.

• 1890 Monet compró la residencia de Giverny.

• En el jardín de Monet en Giverny el estanque tiene un puente de estilo japonés y en el agua proliferan los nenúfares, que serán el tema predominante de su pintura prácticamente hasta su muerte en 1926.

Nenúfares y reflejo de nubes Claude Monet

El puente japonés Claude Monet

La Japonesa Madame Monet en kimono

Claude Monet

Camille Pissarro (1830-1903)

• Pintor impresionista francés.

• Fue el único que participó en las ocho exposiciones organizadas por los impresionistas al margen del arte oficial.

• Cuando surgieron las discrepancias dentro del grupo, Pissarro jugaba el papel de conciliador.

• Definido por Duret como el «pintor de la naturaleza rústica», Pisarro mostró preferencia por los temas relacionados con la vida natural y rural, casi siempre con campesinos dando un toque de humanidad a sus obras.

Autorretrato

Camille Pissarro

(1873) Óleo sobre lienzo.

56 x 46,5 cm. Museo de Orsay. París

• Asociado en un principio con la Escuela de Barbizon, Pissarro se unió más tarde a los impresionistas y tuvo representación en todas sus exposiciones.

• Durante la Guerra Franco-prusiana (1870-1871), vivió en Inglaterra y estudió el arte inglés, interesándose sobre todo por los paisajes de Joseph Turner.

• En la década de 1880, desanimado con su trabajo, experimentó con el Puntillismo, el nuevo estilo, sin embargo, no cuajó entre los coleccionistas y galeristas, y tuvo que volver a un estilo impresionista más libre.

El camino de Louveciennes

Camille Pissarro


60 x 73,5 cm. Museo de Orsay. París

• Pintor del sol y de destellantes juegos de luz, Pissarro produjo buen número de tranquilas escenas rurales de ríos y paisajes, también pintó escenas callejeras en París como La calle Saint-Honoré después del mediodía, efecto de lluvia, Le Havre y Londres.

• Era un excelente profesor, entre sus alumnos y colegas se encontraban Paul Gauguin y Paul Cézanne, su hijo Lucien Pissarro y la pintora impresionista estadounidense Mary Cassatt. Pissarro fue un artista prolífico, muchas de sus pinturas, acuarelas y gráficos cuelgan de la Galería de Luxemburgo en París.

Lluvia en la calle Saint-Honoré

Camille Pissarro

(1897) Óleo sobre lienzo. 81 x 65 cm. Museo Thyssen-Bornemisza

Naturaleza rústica

• Su afán de independencia y de libertad consigo mismo le llevó a rechazar los dogmas académicos al uso. Esto explica que en la etapa inicial de su carrera esté muy influido por los paisajes de Corot y de los maestros de la Escuela de Barbizon.

• Lo mismo que Monet, Pissarro estudió en la Academia Suisse, donde también conoció a Cézanne, y a finales de los 60 participaba regularmente en las tertulias del café Guerbois, con Manet, Degas, Renoir, etc.

Castaños en Osny

Camille Pissarro, c.1873

• Pissarro compone una cálida escenografía en el que unas diminutas figuras humanas realizan tareas agrícolas.

• Los dos pares castaños de ambos lados enmarcan el paisaje.

• Se crea la sensación de profundidad mediante la iluminación.

• Mientras en el primer plano dominan las sombras, en la lejanía el campo está soleado, y los colores son más claros.

• En la paleta predominan los tonos cálidos, equilibrados por toque de verde.

• La ausencia de modulación tonal, es suplida por la habilidad de Pissarro para aplicar los colores puros en rápidas pinceladas.

Castaños en Osny

Helada

Camille Pissarro

1873

Helada • Pissarro logra transmitir una sensación de gélida

placidez con el uso que hace del color para la iluminar el paisaje.

• Se deduce que la escena se desarrolla a primeras horas de la mañana, porque las sombras todavía son largas, y cruzan el camino que ha de atravesar el campesino.

• En el cuadro no aparecen los árboles cuya larga sombra vemos, ya que la luz proviene de la esquina inferior derecha del encuadre de sesgo y espaldas al campesino.

• Es interesante observar el tratamiento de Pissarro de la luz y la sombra sobre una misma superficie. El artista, en cualquier caso, casi no usa el negro para las sombras, que en la parte más alejada son de un violeta pálido.

Técnica divisionista

• Aproximadamente entre 1885 y 1890 Pissarro, siempre abierto nuevas experiencias estéticas para dar cauce a su creatividad, conoció a Signac y Seurat, que ensayaban una nueva técnica que llamaron puntillismo o divisionismo.

• Se basaba en aplicar la pintura sobre el lienzo en pequeñas pinceladas yuxtapuestas de colores puros (como un mosaico).

• Esta técnica requería de un detallado estudio previo de las combinaciones de colores más adecuadas para conseguir el efecto buscado.

Perales en flor en Eragny. Mañana

Camille Pissarro

1886

• En esta obra de estilo divisionista de 1886, es notable la habilidad de Pissarro para combinar elementos naturales, como los perales, la pradera y el cielo con elementos creados por la mano del hombre, como la valla y las casas del fondo.

• Es evidente que el dibujo no existe, al ser sustituido por el color aplicado en pequeños toques de pincel de forma redonda. Es fácil apreciar la pincelada de estilo divisionista, y el efecto de extrema luminosidad así conseguido.

• La elección de colores yuxtapuestos, sin duda contribuye enormemente a dar luminosidad al conjunto. Así, el rojo y el verde aparecen juntos en la zona del suelo, y el amarillo y el violeta en el cielo.

• Incluso en la pequeña sombra del árbol de la izquierda hay pinceladas de un rojo intenso; la sombra es pequeña porque el paisaje se ha captado por la mañana.

Perales en flor en Eragny. Mañana

Paisajes urbanos

• Desde 1896 hasta su muerte siete años después, Pissarro abandonó el divisionismo y retornó a sus orígenes Impresionistas, pero esta vez dedicado principalmente a escenas de tipo urbano. Así, pintó vistas de la ciudad de Ruán y su puerto, y también de París y sus calles.

Bulevar de Montmartre

Camille Pissarro

1897

• Pissarro alquiló una habitación del Grand Hotel de Russie, desde donde dominaba una magnífica vista sobre el bulevar de Montmartre.

• Llegó a componer hasta 13 vistas del mismo bulevar, representando distintas condiciones atmosféricas, de luz y de estado de ánimo del artista.

• Lo que tienen en común todas estas obras es que no hay nada de solemne ni ceremonial en las vistas: muestran una ciudad animada, llena de vida, con movimiento y actividad.

• Con las rápidas pinceladas descriptivas Pissarro ha captado instantáneamente esta actividad.

• La composición tiene una estructura geométrica determinada por la pronunciada perspectiva de la gran avenida.

• La dominancia de las diagonales que confluyen en un punto de fuga que no está en el centro del cuadro contribuyen a dar dinamismo a la composición.

El Louvre, mañana brumosa

Camille Pissarro (1901) Óleo sobre lienzo 73 x 92 cm. Colección Banco de la República. Bogotá

Francisco de Goya (1746-1828)

• Pintor y grabador español. • Marcado por la obra de Velázquez, habría de influir, a su vez,

en Edouard Manet, Pablo Picasso y gran parte de la pintura contemporánea.

• Formado en un ambiente artístico rococó, evolucionó a un estilo personal y creó obras que, como la famosa El 3 de mayo de 1808, los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío, siguen causando, hoy día, el mismo impacto que en el momento en que fueron realizadas.

• Goya nació en la pequeña localidad aragonesa el 30 de marzo de 1746.

• Su padre era pintor y dorador de retablos y su madre descendía de una familia de la pequeña nobleza de Aragón.

Los fusilamientos del 3 de mayo

Francisco de Goya


268 x 347 cm. Museo del Prado

Madrid


• En 1763 el joven artista viajó a Madrid, donde esperaba ganar un premio en la Academia de San Fernando (fundada en 1752).

• Aunque no consiguió el premio deseado, hizo amistad con otro artista aragonés, Francisco Bayeu, pintor de la corte que trabajaba en el estilo académico introducido en España por el pintor alemán Anton Raphael Mengs.

• Bayeu (con cuya hermana, Josefa, habría de casarse Goya más adelante) tuvo una enorme influencia en la formación temprana de Goya y a él se debe que participara en un encargo importante, los frescos de la iglesia de la Virgen del Pilar en Zaragoza (1771, 1780-1782), y que se instalara más tarde en la corte.


• En 1789 Goya fue nombrado pintor de cámara por Carlos IV y en 1799 ascendió a primer pintor de cámara, decisión que le convirtió en el pintor oficial de Palacio.

• Goya disfrutó de una posición especial en la corte, hecho que determinó que el Museo del Prado de Madrid heredara una parte muy importante de sus obras, entre las que se incluyen los retratos oficiales y los cuadros de historia.

• Éstos últimos se basan en su experiencia personal de la guerra y trascienden la representación patriótica y heroica para crear una salvaje denuncia de la crueldad humana.

• Los cartones para tapices que realizó a finales de la década de 1780 y comienzos de la de 1790 fueron muy apreciados por la visión fresca y amable que ofrecen de la vida cotidiana española.

• Con ellos revolucionó la industria del tapiz que, hasta ese momento, se había limitado a reproducir fielmente las escenas del pintor flamenco del siglo XVII David Teniers.

La familia de Carlos IV

Francisco de Goya


280 x 336 cm. Museo del Prado. Madrid

• Algunos de los retratos más hermosos que realizó de sus amigos, de personajes de la corte y de la nobleza datan de la década de 1780.

• Obras como Carlos III de cazador, Los duques de Osuna y sus hijos o el cuadro la Marquesa de Pontejos , demuestran que en esa época pintaba con un estilo elegante, que en cierto modo recuerda al de su contemporáneo inglés Thomas Gainsborough.

Carlos III de cazador

Francisco de Goya

(1788) Óleo sobre lienzo. 207 x 126 cm. Museo del Prado. Madrid

Los duques de Osuna y sus hijos

Francisco de Goya

(1788) Óleo sobre lienzo. 225 x 171 cm. Museo del Prado. Madrid

• Dos de sus cuadros más famosos, obras maestras del Prado, son, La maja desnuda y La maja vestida.

• En el invierno de 1792, en una visita al sur de España, Goya contrajo una grave enfermedad que le dejó totalmente sordo y marcó un punto de inflexión en su expresión artística.

• Entre 1797 y 1799 dibujó y grabó al aguafuerte la primera de sus grandes series de grabados, Los caprichos, en los que, con profunda ironía, satiriza los defectos sociales y las supersticiones de la época.

• Series posteriores, como los Desastres de la guerra (1810) y los Disparates (1820-1823), presentan comentarios aún más cáusticos sobre los males y locuras de la humanidad.

La maja desnuda

Francisco de Goya. (1795) Óleo sobre lienzo. 95 x 188 cm. Museo del Prado. Madrid

La maja vestida

Francisco de Goya . (1805) Óleo sobre lienzo. 95 x 188 cm. Museo del Prado. Madrid

• Los horrores de la guerra dejaron una profunda huella en Goya, que contempló personalmente las batallas entre soldados franceses y ciudadanos españoles durante los años de la ocupación napoleónica.

• En 1814 realizó El dos de mayo de 1808, la lucha contra los mamelucos y El tres de mayo de 1808, los fusilamientos en la montaña de Príncipe Pío

• Pinturas que reflejan el horror y dramatismo de las brutales masacres de grupos de españoles desarmados que luchaban en las calles de Madrid contra los soldados franceses.

• Ambas están pintadas, como muchas de las últimas obras de Goya, con pinceladas de grueso empaste de tonalidades oscuras y con puntos de amarillo y rojo brillante.

La gallina ciega

Francisco de Goya, (1789) Óleo sobre lienzo. 269 x 350 cm. Museo del Prado. Madrid

Ferdinand Guillemardet

Francisco de Goya

1800 Óleos obre lienzo

186 x 124 cm. Museo del Louvre. París

• Sencillez y honestidad directas también se aprecian en los retratos que pintó en la cúspide de su carrera, como Carlos IV con su familia, donde se muestra a la familia real sin la idealización habitual.

• Las célebres Pinturas negras reciben su nombre por su espantoso contenido y no tanto por su colorido y son las obras más sobresalientes de sus últimos años.

• Originalmente estaban pintadas al fresco en los muros de la casa que Goya poseía en las afueras de Madrid y fueron trasladadas a lienzo en 1873.

• Destacan, entre ellas, Saturno devorando a un hijo (c. 1821-1823), Aquelarre (escena sabática) (1821-1823).

Saturno devorando un hijo

Francisco de Goya

(1823) Pintura mural pasada a lienzo

146 x 83 cm. Museo del Prado. Madrid

• Predominan los tonos negros, marrones y grises y demuestran que su carácter era cada vez más sombrío.

• Posiblemente se agravó por la opresiva situación política de España por lo que tras la primera etapa absolutista del rey Fernando VII y el Trienio constitucional (1821-1823), decidió exiliarse a Francia en 1824.

• En Burdeos trabajó la técnica, entonces nueva, de la litografía, con la que realizó una serie de escenas taurinas, que se consideran entre las mejores litografías que se han hecho.

• Aunque hizo una breve visita a Madrid en 1826, murió dos años más tarde en el exilio, en Burdeos, el 16 de abril de 1828.

• Goya no dejó herederos artísticos inmediatos, pero su influencia fue muy fuerte en los grabados y en la pintura de mediados del siglo XIX y en el arte del siglo XX.

• Edgar Degas es un pintor particularmente difícil de etiquetar.

• Su estilo pictórico más que Impresionista, parece Realista.

• Fue uno de los principales promotores de las exposiciones del grupo impresionista: sólo dejó de exhibir sus obras en una de ellas.

• Por otra parte, no pintaba al aire libre, bajo la luz natural, como sus compañeros impresionistas, sino que prefería la luz artificial del interior de cafés, locales de ensayo, teatros, etc.

• Sin embargo, mostraba un claro interés por captar momentos instantáneos de las escenas que le rodeaban. Y esto era característico de los impresionistas por influencia de la fotografía y de las estampas japonesas.

Edgar Degas (1834-1917)

Los inicios

• Con 17 años entra en el taller de un discípulo de Ingres, Louis Lamothe, aficionado a los temas históricos.

• Fue una etapa en la que, según la costumbre de la época, visitó muchas veces el museo del Louvre para hacer copias de obras de los grandes maestros.

• Dos años después, en 1855, ingresaba en la escuela de Bellas Artes, pero la abandona poco después para irse a Italia, donde tuvo ocasión de admirar las obras de Rafael y Miguel Ángel.

• En esta época tuvo particular devoción por los maestros venecianos Tiziano, Tintoretto y Veronés, lo que le llevará a interesarse por la concepción del color de Delacroix.

• Por tanto, nos encontramos con que muy pronto une el interés por el dibujo aprendido con Lamothe, con la pasión por el color defendida por Delacroix.

Ejercicios de jóvenes espartanos

Degas

Retratos

• Durante los años 60, el género que más cultivó Degas fue el del retrato. Mostró una gran habilidad y perspicacia para seguir una de las reglas de oro de todo buen retratista: captar la personalidad del retratado para plasmarla en el lienzo.

Retrato de la familia Bellelli

Edgar Degas 1860 Óleo sobre lienzo. 200 x 250 cm. Museo de Orsay. París

Bailarinas

• Si hay un tema con el que se relacione a Degas, son, sin duda, sus estudios de bailarinas.

• Degas estaba apasionado por el estudio del cuerpo humano en movimiento. Las bailarinas preparándose en el camerino para el trabajo, ensayando o actuando en escena, ofrecían la oportunidad perfecta para ello.

• Si pintores impresionistas «puros» como Monet o Renoir conseguían el efecto de inmediatez a través de la pincelada suelta y la mezcla óptica, Degas lo alcanzaba mediante el tratamiento del tema y una cuidadosa composición.

• Decía Degas, que «no hay arte menos espontáneo que el mío. Lo que hago es resultado de la reflexión y del estudio de los grandes maestros; de inspiración, espontaneidad, temperamento, no sé nada. Hay que rehacer diez, cien veces, el mismo tema. En el arte nada debe parecer un accidente, ni siquiera el movimiento».

• Estudiaba la composición hasta el más mínimo detalle, y con frecuencia realizaba numerosos estudios preparatorios.

La clase de danza

Degas 1874 Óleo sobre lienzo. 85 x 75 cm. Museo de Orsay. París

Interiores

• Hacia 1868 se incorpora a las tertulias del café Guerbois, lideradas por Manet. Allí conoce a Monet, Sisley, Cézanne y Renoir.

• A diferencia de estos impresionistas, Degas no se siente atraido por la pintura al aire libre, prefiriendo la pintura de escenas de interior iluminadas con luz artificial.

• Llegó a decir a sus compañeros impresionistas «Vosotros necesitáis la vida natural; yo la artificial».

• Y Degas llegó a desarrollar una habilidad excepcional para la representación de escenas de interior.

• Ese entorno más recogido parece que se prestaba mejor para lo que verdaderamente apasionaba a Degas: el estudio del movimiento del cuerpo humano, captado en momentos inesperados, y bajo encuadres tremendamente audaces e inusuales influidos por la gran afición de Degas por la fotografía y las estampas japonesas.

El ajenjo

Edgar Degas 1876 Óleo sobre lienzo. 92 x 68 cm. Museo de Orsay. París

Caballos

• Durante el siglo XIX la burguesía parisina adquirió la costumbre, de origen británico, de acudir al hipódromo a las carreras de caballos. Este es uno de los temas que más frecuentó Degas. Estaba atraido, sobre todo, por la oportunidad que ofrecía para estudiar el tema del movimiento. El desafío consistía en extraer de un amplio repertorio de gestos y movimientos su esencia para congelarlos en una instantánea.

En las carreras. Antes de la salida

Degas

Santiago Calatrava 1951-

• Arquitecto nacido en 1951 en Benimamet (Valencia), profesionalmente ha llevado a cabo toda su actividad en sus estudios de Arquitectura e Ingeniería de París y Zurich.

• Considerado un especialista en el diseño de puentes -aunque ha realizado trabajos de diverso tipo- es autor de obras tan conocidas como el puente del Alamillo y el Pabellón de Kuwait en la Expo´92, ambas en Sevilla, o la torre de comunicaciones de Montjuic, en Barcelona, y fue uno de los nominados para realizar la reforma del histórico edificio del parlamento alemán (Reichstag).

L'Hemisferic

Santiago Calatrava

1999 Ciudad de las Artes y las Ciencias Valencia (Com. Valenciana) España, Europa

• En 1993, el prestigioso Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) dedicó una gran exposición monográfica a su obra, como también se ha hecho en otras numerosas ciudades de varios países.

• Recientemente inauguró en Valencia un espectacular cine y planetario, L Hemisferic, primer edificio de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, y trabaja también en la estación de Oriente, de Lisboa, el nuevo aeropuerto de Bilbao o la estación de Lieja, que será el enlace para las líneas de alta velocidad del centro de Europa, entre otros.

• Miembro de la Europa Akademie y de la Fazlur Rhaman Vihan International, ha recibido un gran número de distinciones, como el premio Augusto Perret, de la Unión Internacional de Arquitectos, el premio internacional Vereinigungg fur Brückenhan und Hochabn de Suiza, el Fritz Schumaher alemán o el premio FAD de 1988.

Puente Oudry Mesly

(1988) Santiago Calatrava Creteil (Ile de France) Francia, Europa

Estilo • Hoy se considera a Calatrava como uno de los

arquitectos especializados en grandes estructuras que se caracterizan por una extraordinaria estética y armonía.

• Contrariamente a lo que es habitual en muchos arquitectos, que ocultan las estructuras de sus edificios, Calatrava, como ingeniero que es, las convierte en elementos esenciales y en obras de arte.

• Calatrava ha recibido numerosos premios y reconocimientos por su trabajo entre los que destaca el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1999.

• Ha sido nombrado Doctor Honoris Causa en doce ocasiones.

Estación de Lyon

(1994) Santiago Calatrava Lyon (Ródano) Francia, Europa

• La obra de Clatrava supone una auténtica revolución en la arquitectura, caracterizada por la reunión de la arquitectura y la ingeniería, que vienen circulando separadas desde el siglo XVIII.

• Calatrava supone un reencuentro con la tradición constructiva de la arquitectura, con influencias de Fernando Higueras, Jørn Utzon, Antonio Gaudí, y las arquitecturas gótica y romana.

• En un momento en que muchas arquitecturas hacen gala de una gran vanalidad, y muchas obras de ingenieria hacen ostentación involuntaria de una gran ordinariez, Calatrava ha producido una gran influencia en la arquitectura contemporánea.

Palau de les Arts

Santiago Calatrava Ciudad de las Artes y las Ciencias Valencia (Com. Valenciana) España, Europa

2005

Antoni Gaudi (1852-1926)

• Arquitecto catalán, máximo representante del modernismo y uno de los principales pioneros de las vanguardias artísticas del siglo XX.

• Su figura es una de las más sorprendentes de la historia de la arquitectura, tanto por sus innovaciones, en apariencia intuitivas, como por su práctica aislada de las corrientes internacionales e imbuida a menudo en el mero trabajo artesanal.

• Gaudí nació el 25 de junio de 1852 en la ciudad tarraconense de Riudoms, a 5 km de Reus, hijo de un calderero.

• Estudió en la Escuela Superior de Arquitectura de Barcelona, donde se graduó en 1878. Aunque ya colaboró en algunos proyectos siendo estudiante, su primer encargo como arquitecto fue la casa Vicens (1883-1888), un edificio neogótico en el que ya se aprecia su fuerte personalidad.

Sagrada Familia

Antoni Gaudí 1926

Mallorca, 401 Barcelona

(Barcelona - Catalunya) España, Europa

• Poco después comenzó a trabajar para el que sería su principal mecenas durante el resto de su carrera, el empresario textil Eusebio Güell: primero con las caballerizas de su finca en Pedralbes, y más tarde con el palacio Güell (1885-1889) en Barcelona, un edificio pleno de espacios y formas innovadoras.

• Durante esta primera etapa de carácter historicista también construyó algunas obras fuera de Catalunya, entre las que cabe reseñar el palacio episcopal de Astorga (comenzado en 1887) y la casa de los Botines en León (1891-1892).

Xalet de Catllarás

(1902) Antoni Gaudí Pista forestal a la Serra del Catllaràs a unos 12 Km. del pueblo Catllarás (Barcelona Pr. - Catalunya) España, Europa

• En 1883 se hizo cargo de la continuación en Barcelona del templo expiatorio de la Sagrada Familia, una catedral neogótica que modificó totalmente el joven Gaudí.

• Así, en 1891 concluyó las trazas generales de la iglesia, compuesta por cinco naves y tres fachadas monumentales, en 1893 decidió concentrar sus esfuerzos en la construcción de la fachada del Nacimiento, que no pudo ver completamente concluida, y en 1908 publicó la primera imagen definitiva del templo, una especie de bosque ascendente de elevadas torres.

Villa el Capricho

(1885) Antoni Gaudí Carretera de Comillas a San Vicente de la Barquera, s/n Comillas (Cantabria) España, Europa

• A comienzos del siglo XX levantó otras tres obras no menos sorprendentes en la capital catalana: el Parque Güell (1900-1914), una obra paisajística jalonada de elementos arquitectónicos, como la gran sala hipóstila sobre la que se asienta la plaza principal —conocida como el teatro griego—, el banco ondulado que delimita esta explanada y los soportales inclinados sobre los que discurre el viaducto; la casa Batlló (1904-1906), edificio del pleno modernismo destacado por sus balconadas curvilíneas y por su expresiva cubierta en forma de dragón, recubierta por piezas cerámicas que simulan escamas; y la casa Milá (1906-1912), conocida por los barceloneses como La Pedrera —cantera en castellano— por su carácter monolítico, que supone un hito de la historia de la arquitectura no sólo por su capacidad expresiva, sino también por las numerosas innovaciones —como la planta libre o las grandes proporciones de los vanos— que más tarde caracterizaron a los maestros del movimiento moderno.

Casa de los botines

Antoni Gaudí

1892 Ancha, s/n León (Castilla-León) España, Europa

• Gaudí también fue un destacado diseñador, tanto por las imaginativas forjas que caracterizan sus balcones y cancelas, como por el excepcional mobiliario que fabricó para distintos encargos privados.

• Al igual que sus coetáneos Victor Horta o Henry van de Velde, practicó la arquitectura desde una concepción globalizadora, esmerándose en la concreción de cada detalle y proponiendo el mobiliario completo de cada vivienda que proyectaba.

• Entre sus piezas más relevantes se encuentran el sillón Calvet, la bancada del Parque Güell así como la silla y el banco Batlló, donde su exuberante genio se alió a las exigencias ergonómicas en una armonía insólita, que anticipó en más de medio siglo las innovaciones del diseño moderno.

• Su obra ejerció innumerables influencias sobre las vanguardias históricas, entre las que destacan los paralelismos con el expresionismo alemán y la herencia recogida por Salvador Dalí y otros artistas del surrealismo.

• Su desconcertante personalidad destaca en la historia de la arquitectura como la de un visionario, que inspiró el camino estructuralista de Pier Luigi Nervi o Félix Candela tanto como el brutalismo expresionista de las últimas obras de Le Corbusier.

• Su obra fue menospreciada por sus compatriotas noucentistas, defensores de un catalanismo basado en la cordura —el seny— antes que en la aparente locura del genio mediterráneo.

• Gaudí, que en sus últimos años se recluyó en la construcción de la Sagrada Familia, murió en Barcelona el 10 de junio de 1926, atropellado por un tranvía frente a su inacabada obra maestra.

Finca Miralles

Antoni Gaudí

1902 Manuel Girona, 55 Barcelona (Barcelona - Catalunya) España, Europa

Mary Cassatt (1844-1926)

• Pintora estadounidense que vivió y trabajó en Francia, donde se adscribió al grupo de los impresionistas. Nació en Allegheny City, Pennsylvania.

• En 1861 empezó a estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes Pennsylvania de Filadelfia, pero en 1866 se trasladó a Francia para pintar.

• Hacia 1872, después de estudiar las obras de los museos más importantes de Europa, se instaló en París y su estilo comenzó a madurar.

• Su obra atrajo la atención del pintor francés Edgar Degas, que la invitó a exponer con sus amigos impresionistas.

• Una de las obras que expuso fue El palco del teatro (1879, National Gallery, Washington). A partir de 1882 el estilo de Cassatt dio un giro.

Lydia Cassatt

Mary Cassatt


78.7 x 59 cm. Joslyn Art Museum. Omaha

Mary Cassatt

• Al igual que en Degas, las xilografías japonesas ejercieron una gran influencia en su obra, empezó a destacar los trazos y a experimentar con composiciones asimétricas, como en Paseo en barca (1893) y con gestos y posturas más naturales e informales.

• La relación de las madres con sus hijos en escenarios domésticos se convirtió en su tema característico.

• No hacía retratos por encargo sino que pintaba a miembros de su propia familia.

• En 1904 Francia le concedió la Legión de Honor y, aunque fue una pieza decisiva para la difusión de la obra impresionista entre los coleccionistas estadounidenses, el reconocimiento en su país le llegó con más retraso que en Francia.

• Después de 1914 abandonó la pintura a causa de problemas de visión.

Madre e hijo

Mary Cassatt

(1898) Óleo sobre lienzo. 81.6 x 65.7 cm. Havemeyer Collection

Dama en la mesa del té

Mary Cassatt


73,4 x 61 cm. MOMA. Nueva York

Margot en azul

Mary Cassatt

(1902) Pastel. 61 x 49,8 cm. The Walters Art Gallery. Baltimore

Berthe Morisot (1841-1896)

• Pintora impresionista francesa. Influida por los artistas Camille Corot y Édouard Manet, abandonó su primera formación clasicista en busca de un estilo impresionista muy personal, caracterizado sobre todo por la delicadeza y sutileza que supo imprimir a sus cuadros. Su técnica, basada en grandes pinceladas aplicadas libremente en todas direcciones, dio a sus obras unas calidades transparentes, iridiscentes, tornasoladas.

El Muelle de Lorient

Berthe Morisot, (1869) Óleo sobre lienzo. 43,5 x 73 cm. National Gallery of Art. Washington

• Trabajó tanto la pintura al óleo como la acuarela, realizando principalmente paisajes y escenas de mujeres con niños, como es el caso de Madame Pontillon sentada en la hierba y escenas de interior en las que predominan los blancos, como en El espejo de vestir (1876, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid).

• Murió el 2 de marzo de 1896, dejando cerca de setecientas pinturas.

París desde Trocadero

Berthe Morisot, (1872)

Óleo sobre lienzo. 46,1 x 81,5 cm.

Santa Barbara Museum of Art

Madame Pontillon

Berthe Morisot

(1871)

Pastel sobre papel.

81 x 65 cm.

Museo del Louvre. París

Tendiendo ropa a secar


33 x 40,6 cm. National Gallery of Art. Washington Berthe Morisot

Un Día de Verano

Berthe Morisot. (1879) Óleo sobre lienzo. 46 x 75 cm. National Gallery. Londres

Henri Toulouse-Lautrec ( 1864-1901)

• Pintor, grabador y dibujante francés, fue uno de los artistas que mejor representó la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX.

• Toulouse-Lautrec nació en Albi el 24 de noviembre de 1864, en el seno de una de las familias aristocráticas más importantes de Francia.

• Siendo adolescente se rompió las dos piernas y, a causa de una enfermedad congénita que le provocaba falta de calcio, durante el resto de su vida conservó un torso normal pero las piernas no le crecieron.

• Su habilidad para el dibujo fue en principio estimulada por su tío, el conde Charles de Toulouse-Lautrec, así como también por René Princeteau y John Lewis Brown, artistas aficionados amigos de la familia.

Adele de Toulouse-Lautrec

• (1883) Óleo sobre lienzo. 93.5 x 81 cm. Museo de Toulouse-Lautrec. Albi Henri Toulouse-Lautrec

Henri Toulouse-Lautrec ( 1864-1901)

• Más tarde estudió pintura con los academicistas franceses Joseph Florentin Leon Bonnat y Fernand Cormon.

• Toulouse-Lautrec frecuentó los coloristas y animados cabarets del distrito parisiense de Montmartre, como el Moulin Rouge, y atrajo con su ingenio y locuacidad a un nutrido grupo de artistas e intelectuales entre los que se encontraban el escritor irlandés Oscar Wilde, el pintor holandés Vincent van Gogh y el cantante francés Yvette Guilbert.

• Visitó también con asiduidad el teatro, el circo y los burdeles.

• Los recuerdos e impresiones que sacaba de estos lugares y de sus personajes más destacados los plasmó con gran maestría en retratos y bocetos de sorprendente fuerza y originalidad.

Emile Bernard


54.5 x 44 cm. Tate Gallery. Londres Henri Toulouse-Lautrec

• Ejemplos característicos son La Goulue entrando en el Moulin Rouge (1892), Jane Avril entrando en el Moulin Rouge (1892) y En el salón de la calle des Moulins (1894).

• Su vida desordenada, su alcoholismo y un ataque de parálisis le llevaron a abandonar su estudio para refugiarse con su madre en el castillo de Malromé, propiedad de la familia, donde el 9 de noviembre de 1901 falleció.

• Toulouse-Lautrec fue un artista muy prolífico. Realizó gran número de óleos, dibujos, aguafuertes, litografías y pósters o carteles, así como también ilustraciones para varios periódicos de entonces.

• Muchas de sus obras se conservan en el Museo Toulouse-Lautrec en Albi.

Crouching Woman Red Hair

(1897) Oil on cardboard.

47 x 60 cm. San Diego Museum of Art Henri Toulouse-Lautrec

• A su peculiar y personal estilo incorporó elementos de otros artistas de la época, especialmente de los pintores franceses Edgar Degas y Paul Gauguin.

• El arte japonés, de moda en París por aquellos años, ejerció también su influencia en Toulouse-Lautrec, con sus contornos fuertemente marcados, su composición asimétrica y la utilización de manchas de colores planos.

• Su obra inspiró a Vincent van Gogh, Georges Seurat, Georges Rouault y a todos aquellos artistas interesados en el trabajo de litografías y carteles.

Solo

(1896) Oil on board. 31 x 40 cm. Museo de Orsay. París Henri Toulouse-Lautrec

Georges Seurat (1859-1891)

• Pintor francés, uno de los máximos representantes del neoimpresionismo.

• Seurat nació en París y recibió su formación en la Escuela de Bellas Artes.

• Rechazando el efecto borroso de las pinturas impresionistas, realizadas con pinceladas irregulares, inventó la técnica más científica del puntillismo, en el que las formas sólidas se construyen a partir de la aplicación de muchos pequeños puntos de colores puros sobre un fondo blanco.

• Seurat tuvo una vida corta (murió a los 31 años), pero muy fecunda.

• No hizo muchas obras de gran tamaño, pero las que hizo han quedado como emblemas de la pintura del siglo XIX por su tremenda originalidad.

• Seurat nació en París una familia de clase media acomodada, aunque no rica. Nunca pasó los apuros económicos que otros artistas contemporáneos, como Gauguin, Van Gogh, o tantos otros. A los 18 años ingresa en la Escuela de Bellas Artes de París, bajo el magisterio de Henri Lehmann, un discípulo de Ingres.

• Pronto se mostró como un chico muy curioso y poco dispuesto a dejar marchitar su creatividad bajo la rigidez academicista a que estaba expuesto.

Las modelos

• Georges Seurat • (1888) • Óleo sobre lienzo. • 200 x 249.9 cm.

The Barnes Foundation, Pensilvania

• No sólo estudió la teoría del color; también leyó una obra de Humbert de Superville en la que este autor alemán proponía, en 1827, que las líneas del dibujo tienen un significado psicológico según cómo sea el trazo.

• El revolucionario puntillismo de Seurat encontró muchos seguidores e imitadores.

• Muchas de las teorías de Seurat referidas a la pintura derivan del estudio de los tratados contemporáneos de óptica.

• Su tendencia científica se refleja también en sus hábitos de trabajar, que incluían horarios fijos y una meticulosa sistematización de su técnica.

• En 1884 Seurat acabó Los bañistas, una escena donde unos jóvenes se bañan en el río Sena, éste fue el primero de seis grandes lienzos que conformaron la mayor parte de su trabajo artístico.

• En ése y otros trabajos posteriores, continuó la tradición impresionista de mostrar las excursiones y distracciones de los días festivos.

• Su obra maestra, Un domingo de verano en la Grand Jatte, representa a los paseantes del domingo de una isla del Sena.

• La pintura muestra una atmósfera de dignidad monumental a través de un orden equilibrado de sus elementos y los contornos de sus figuras.

• Las modelos , La parada, El chahut y El circo son otras de las grandes obras de Seurat.

Los bañistas en Asnières

• Óleo sobre lienzo. 201 x 300 cm. National Gallery. Londres Georges Seurat, 1884

Los bañistas en Asnières

• En esta obra es claro que hay grandes diferencias de enfoque con respecto a los pintores academicistas.

• Aunque mantiene algunas concomitancias con los impresionistas en lo que se refiere a la técnica que aplica, también hay diferencias.

• Mientras Renoir, pintaría, poco después, mujeres bañándose en un entorno idílico, Seurat nos muestra en esta tela a un grupo de varones de clase media en la ribera del Sena cerca de una ciudad industrial, como denuncian las chimeneas y la humareda del fondo.

Una tarde en la Gran Jatte

• Óleo sobre lienzo. 202 x 300 cm. Instituto de Arte de Chicago Georges Seurat, 1886

• Con ella asistimos al manifiesto del divisionismo. • En toda esta obra se aplica de manera escrupulosa el método

puntillista desarrollado por Seurat. • Se ha querido ver en esta obra una crítica velada a la

hipocresía de la Francia de fines del s.XIX. • Así, las mujeres que pescan con cañas en la orilla del río

serían en realidad prostitutas que así disimulan su verdadera actividad.

• Los militares que se acercan un poco más lejos podrían ser sus verdaderas pesas.

• Por otra parte, la mujer acompañada por un hombre en el primer plano sería otra prostituta que consigue un aire de respetabilidad del brazo de un elegante caballero.

• Va paseando un mono capuchino (de moda entre la burguesía), que según algunos críticos representa el libertinaje.

Una tarde en la Gran Jatte

El circo

• Óleo sobre lienzo.

• 185,5 x 152,5 cm. Museo de Orsay. París Georges Seurat

• 1891

El circo

• Fénéon sugiere que esto se puede apreciar en que hay amplias zonas del lienzo en las que los contornos apenas se han esbozado con pequeñas pinceladas de azul.

• En esta obra es llamativo el uso que hace Seurat de las líneas curvas, con un claro predominio de las horizontales (a excepción de la gran puerta que aparece arriba a la derecha).

Paul Gauguin (1848-1903)

• Pintor postimpresionista francés, cuyos colores exuberantes, formas bidimensionales planas y temática contribuyeron a dar forma al arte moderno.

• Nació en París el 7 de junio de 1848, en una familia liberal de clase media, su madre era hija de la célebre socialista y feminista Flora Tristán.

• Paul Gauguin fue un pintor con importantes influencias sobre la pintura posterior. De vocación tardía sus primeras obras eran de un impresionismo «atenuado», que pronto sintió la necesidad de superar.

• Las influencia sobre corrientes artísticas posteriores es evidente en grupos como los simbolistas, o Los Nabis.

El personal camino que siguió para dar cauce a su necesidad de expresión le llevó a elaborar lo que el llamaba «simbolismo sintético», caracterizado, desde el punto de vista formal, por:

• La simplificación de formas, combinada con grandes superficies de color plano.

• Un uso no convencional y simbólico del color, que utilizaba en sus tonos más brillantes y puros

• Uso de la composición influido por un fuerte sentido ornamental.

• En un principio su pintura estaba muy cercana a los presupuestos impresionistas. Incluso expuso con ellos en todas sus muestras posteriores a 1880.

• Sin embargo no tarda en distanciarse del impresionismo que había aprendido con Pissarro, comenzando a experimentar nuevos cauces de expresión.

Bodegón con retrato de Charles Laval

• Paul Gauguin (1886)

Bodegón con retrato de Charles Laval

• Se deja notar la influencia de Degás y de Cézanne. Degás le influye en la forma «fotográfica» de cortar la escena mostrando en un primer plano el perfil de su amigo Laval (desbordamiento del primer plano).

• La influencia de Cézanne se manifiesta en la simplificación de formas enérgicamente modeladas.

• La pincelada está ejecutada a base de pequeñas pinceladas de raíz impresionista, lo mismo que el uso del color (contraste de complementarios).

• Pero hay un cierto distanciamiento de este estilo por el efecto ornamental que Gauguin imprime a la pintura.

El Cristo amarillo

• Paul Gauguin 1889 Óleo sobre lienzo. 92 x 73 cm. General Purchase Funds

• Esta obra es otro ejemplo de «cloisonnisme»: grandes zonas de color plano contorneadas en azul o negro.

• El dibujo y las formas están muy simplificadas. • El color se aplica arbitrariamente, sin conexión con lo

observado en la naturaleza, sino más bien con las necesidades expresivas del artista.

• El amarillo del Cristo indica el sufrimiento y la humanidad de la figura, transmitiendo al espectador una sobrecogedora sensación de dramatismo.

• La composición, de forma análoga a la Visión se basa en el «corte fotográfico» de las mujeres arrodilladas formando un arco abierto alrededor del Cristo.

• Al fondo los árboles rojos contrastan con las colinas y los prados de un amarillo verdoso (un nuevo uso arbitrario del color con fines expresivos).

El Cristo amarillo

Tahitianas en la playa

• (1891) Óleo sobre lienzo.

• 69 x 91,5 cm. Museo de Orsay. París Paul Gauguin

Susana cosiendo

• (1880) Óleo sobre lienzo.

• 115 x 80 cm. Ny Carlsberg Glypotek. Copenhage Paul Gauguin

Paul Signac (1863-1935)

• Paul Signac nació, como Seurat, en una familia acomodada y próspera (su padre tenía una guarnicionería). Igual que en el caso de Seurat, estuvo libre de preocupaciones y estrecheces económicas, por lo que pudo desarrollar más libremente su creatividad, sin la obligación de tener que vender sus obras para sobrevivir.

• No tuvo una formación académica como la de Seurat, sino que tuvo una vocación autodidacta que le llevó a visitar la cuarta exposición impresionista con sólo 15 años. Rewald cuenta que, al verle tomar bocetos de una obra de Degas, Gauguin le expulsó de la muestra gritándole «¡Aquí no se copia!»

• Esta muestra le causó un gran impacto que le espoleó para seguir estudiando la obra de Monet y su grupo.

• Esta necesidad de mantener a toda costa su libertad creativa, le llevó a ser uno de los promotores de la Sociedad de Artistas Independientes, en 1884, cuando conoció a Seurat que sería a partir de entonces su amigo.

El comedor

• Paul Signac (1886-87)

El comedor

• La pintura que aquí presentamos se titula El comedor (Desayuno), y es una obra de juventud; está fechada en 1886-87.

• Signac emplea breves pinceladas al estilo divisionista.

• Fiel a la definición que los neoimpresionistas daban de su estilo como «cromo-luminismo», es llamativo el tratamiento de la luz y del color en esta obra.

• Para empezar, la iluminación es a contraluz, es decir, con el foco de luz detrás de las figuras, lo que crea un interesante juego de sombras.

El comedor

• Signac elige tonos cálidos (amarillo y naranja) para las zonas iluminadas por el sol que entra, y tonos fríos (como el azul y el violeta) para las sombras. Para delimitar las zonas de luz y de sombra, Signac sigue la «ley del contraste simultáneo» yuxtaponiendo colores complementarios.

• Por ejemplo: • 1. El macetero azul reposa sobre una

superficie en la que Signac ha pintado una zona anaranjada.

• 2. El borde azulado del azucarero de porcelana está perfilado por uno de sus lados con el color naranja reflejado por la botella roja.

• 3. En la sombra de la botella roja aparecen pinceladas del complementario del rojo: el verde.

• 4. En el pecho de la señora que está de pie de perfil, se crea la sensación de volumen mediante pinceladas que varían desde el amarillo y naranja hasta el azul y violeta, con toques de verde. Aquí no hay modulación tonal, puesto que se aplican tonos de color puro yuxtapuestos como en mosaico, pero se crea la ilusión de volumen gracias a la mezcla óptica.

Una vista de Marsella

• Paul Signac (1905)

Una vista de Marsella

• La vista del puerto de Marsella fue un tema que pintó en varias ocasiones. La tela que tenemos delante es un estupendo ejemplo de la típica pincelada casi rectangular de Signac. Cada pincelada venía a ser como una tesela de un mosaico pictórico.

• Las pinceladas de colores puros aparecen complementadas por colores secundarios, para crear un vibrante efecto de luminosidad a través del color:

• 1. La luz del sol se simula con pinceladas de amarillo, en contraste con el violeta del perfil de la ciudad en el horizonte. Signac también esparce pinceladas de amarillo complementadas con violeta en los reflejos de la luz sobre el agua.

• 2. En los cascos rojizos de los barcos de la izquierda abundan los toques de verde. Signac incluso pone un casco verdoso al lado de otro con una franja rojiza.

• Signac logra el efecto de profundidad al emplear colores más tenues en los elementos más alejados, y más vivos en los cercanos (que están a ambos lados del lienzo). La barquita con figuras humanas cumple una función de enlace entre el resto de los elementos compositivos de la imagen.

• Por último, es destacable el logrado efecto de contraste entre las líneas de color horizontales del agua del mar, y las verticales de los mástiles de los barcos, lo que aporta equilibrio al conjunto.

• En la última etapa de su vida Signac (de ideas anarquistas, como Fénéon y Pissarro) presidió el Salón de los Independientes (de 1908 a 1934).

• Su labor supuso un estímulo para los fauvistas y cubistas, a quienes animaba sin descanso a exponer sus obras.

Le Corbusier (1887-1965)

• Sobrenombre profesional de Charles Edouard Jeanneret, pintor, arquitecto y teórico franco-suizo, al que se considera la figura más importante de la arquitectura moderna.

• Nació el 6 de octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds (Suiza), y en esta misma ciudad estudió artes y oficios.

• Trabajó dos años en el estudio parisino de Auguste Perret, y más tarde viajó a Alemania para colaborar esporádicamente con Peter Behrens y trabar relación con Joseph Hoffmann y el Deutscher Werkbund.

• En 1922 se asoció en París con su primo, el ingeniero Pierre Jeanneret, y adoptó para la arquitectura el seudónimo Le Corbusier (el cuervo, adaptado del apellido Lecorbésier de su bisabuela), que ya había empleado con anterioridad en sus escritos.

• Aunque su principal carrera fue la de arquitecto, también practicó con acierto la pintura y la teoría artística.

Unidad de Habitación

• (1952) Le Corbusier Marsella (Provenza) Francia, Europa

• Como pintor se asoció a Amédée Ozenfant para fundar el movimiento purista, una corriente derivada del cubismo.

• En 1920 fundó con él la revista L Esprit Nouveau (El espíritu nuevo), para la que publicó numerosos artículos sobre sus teorías arquitectónicas.

• Una de sus principales aportaciones, aparte del rechazo a los estilos historicistas compartido con otros arquitectos y teóricos del movimiento moderno, es el entendimiento de la casa como una máquina de habitar (machine à habiter), en consonancia con los avances industriales que incorporaban los automóviles, los grandes transatlánticos y los nuevos aeroplanos.

• Definió la arquitectura como el juego correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz, fundamentada en la utilización lógica de los nuevos materiales: hormigón armado, vidrio plano en grandes dimensiones y otros productos artificiales.

• Una de sus preocupaciones constantes fue la necesidad de una nueva planificación urbana, adecuada a las necesidades de la vida moderna (Plan Voisin para París, Ville Radieuse, Plan Obus para Argel, Chandigarh, etc), y sus ideas han tenido una enorme repercusión en el urbanismo de este siglo.

Palacio de Justicia

• (1956) Le Corbusier Chandigarh (Punjab) India, Asia

• Durante la década de 1920 propuso numerosos proyectos urbanísticos y residenciales, pero sólo pudo construir una serie de villas unifamiliares cercanas a París que le sirvieron para concretar sus cinco postulados sobre la nueva arquitectura: bloques elevados sobre pilotis (pilares), planta libre, fachada libre independiente de la estructura, ventanales longitudinales (fenêtre en longueur) y cubiertas planas ajardinadas.

Asamblea de Chandigarh

• Le Corbusier 1961 Chandigarh (Punjab) India, Asia

• Entre los edificios de esta época destacan el Pabellón del Esprit Nouveau en París (1925), la villa de Monzie en Garches (1927) y la villa Savoye en Poissy (1929-1931), aparte de los proyectos no construidos para la Sociedad de Naciones en Ginebra (1927-1928) y el palacio de los Soviets en Moscú (1928). Sus obras posteriores más representativas son la Casa de Suiza de la ciudad universitaria de París (1931-1932), la Unidad de Habitación de Marsella (1947-1952), donde puso en práctica su elaborado sistema de proporciones publicado con el nombre de modulor, la iglesia de peregrinación de Notre Dame du Haut en Ronchamp (Francia, 1950-1954),

• El monasterio de los dominicos de La Tourette (1957-1960) y el planeamiento urbano de Chandigarh, la ciudad construida en la India como nueva capital del Punjab, para cuyo capitolio proyectó los edificios de la Asamblea (1953-1961), el Palacio de Justicia (1952-1956) y el Secretariado (1958). Sus escritos más importantes se recogen en varios libros, entre los que destacan Vers une architecture (Hacia una arquitectura, 1927), La maison des hommes (La casa de los hombres, 1942) y Quand les cathédrales étaient blanches (Cuando las catedrales eran blancas, 1947). Le Corbusier murió el 27 de agosto de 1965 en Cap Martin (Francia).

Secretariado

• Le Corbusier, (1958) Chandigarh (Punjab) India, Asia

Edouard Manet (1832-1883)

• Precursor del Impresionismo.

• Nunca participó en las exposiciones organizadas por los impresionistas.

• Considerado por la revista Les Contemporains como «el Rey de los Impresionistas»

• Mantuvo el afán a lo largo de su vida de conseguir reconocimiento en “el Salon”.

La merienda campestre Edouard Manet (1863)

Composición e influencias

El concierto campestre Tiziano

El juicio de Paris Raimondi

Olimpia Edouard Manet (1863)

La reacción de la crítica

• «¿Qué significa esa odalisca de barriga amarilla, innoble modelo recogido de no sé dónde y que representa a Olimplia?» Moniteur des Arts

• «Una epidemia de locas carcajadas se desata ante el cuadro de Manet» Moniteur des Arts

«Grupo de Batignolles»

• Reuniones en las que participaban habitualmente admiradores de Manet como Astruc, Zola, Duranty, Duret y pintores como Bazille, Degas, Fantin-Latour, y, siempre que visitaban París, Cézanne, Monet, Pisarro y Sisley.

• Lo que unía a estos pintores era su menosprecio por el arte tradicional, buscando nuevos cauces de expresión que cada uno perseguía siguiendo su propio camino.

Monet pintando en su estudio flotante Edouard Manet (1874)

Bar en el Folies-Bergère Edouard Manet (1881) 95,2 x 129,5 cm

Ilusión y realidad

Francisco Toledo 1940-

• Pintor, grabador y ceramista mexicano. Su obra nos adentra en un mundo mágico, onírico, plagado de mitos, de recuerdos de su tierra y de su pueblo, de fantasía poética y símbolos eróticos, que ha creado escuela en la joven pintura mexicana.

• Nació en Juchitán de Zaragoza (Oaxaca). Descendiente de indios zapotecas, comenzó su formación artística en el Taller Libre de Grabado de la ciudad de México.

• Vinculado desde un primer momento al surrealismo, en 1959 celebró dos exposiciones individuales en Texas y ciudad de México que le supusieron el éxito y el reconocimiento de la crítica de ambos países.

• Al año siguiente viajó a Europa, donde permaneció hasta 1965.

Muerte

Óleo sobre lienzo.

Colección particular

Francisco Toledo

1960

• Compaginó su formación artística en París en el taller del grabador británico Stanley William Hayter con diversas exposiciones individuales en Londres, Ginebra, Hannover, Toulouse, París y Nueva York.

• A su regreso a México en 1965, y definitivamente en 1968, se retiró en Ixtepec (Oaxaca), dedicándose al grabado, la acuarela y la pintura al gouache.

El profesor de lenguas

Óleo sobre lienzo. Colección particular Francisco Toledo

1987

• Los temas animalísticos y mitológicos, muy frecuentes en su obra, proceden de sus raíces indígenas, ya que en la mitología zapoteca las alegorías protagonizadas por animales son constantes.

• También trabaja la cerámica, el tapiz y la litografía.

• Tiene obra representada en el Museo de Arte Moderno de México, en la Tate Gallery de Londres y en el Museo de Arte Moderno de París, entre otros.

Tamazul (Sapo)


1977

La máquina de coser


1988

David Alfaro Siqueiros (México, 1896-1974)

• Pintor mexicano, uno de los más famosos muralistas de su país junto a Diego Rivera y José Clemente Orozco. Siqueiros nació en Chihuahua y se formó en la Escuela de Bellas Artes de México y en la escuela de Santa Anita de esta ciudad.

• Participó en el renacimiento de la pintura al fresco efectuada bajo el patrocinio gubernamental de las decoraciones murales en edificios públicos. Vivió en París, Barcelona y Estados Unidos.

Niño sentado

(1931) Óleo sobre lienzo. 218.2 x 162.8 cm. Colección particular David Alfaro Siqueiros

• Regresó a México y organizó el sindicato de pintores, escultores y grabadores revolucionarios.

• Miembro del Partido Comunista Mexicano, fundó su periódico El Machete y se dedicó al activismo político, representando en sus frescos temas de dinámica revolucionaria para alentar a las clases sociales más desfavorecidas.

• Sus pinturas representan una síntesis muy particular de los estilos futurista, expresionista y abstracto, con colores fuertes e intensos.

Autorretrato

Pyroxylin.

100.3 x 121.9 cm. Instituto Nacional Bellas Artes. México David Alfaro Siqueiros, 1943

• En 1962, el gobierno mexicano sentenció a Siqueiros a ocho años de prisión por organizar disturbios estudiantiles de extrema izquierda dos años antes, el artista fue indultado en 1964.

• Sus obras más monumentales son, Marcha de la Humanidad (1971), realizada después de su salida de la cárcel, que decora las paredes del Hotel de México, y que ocupa una superficie de 4.600 m2 de paneles articulados, y Del porfirismo a la revolución, de 4.500 m2, en el Museo de Historia Nacional de la ciudad de México. Recibió el Premio Nacional de Arte de México y el Premio Lenin de la Paz.

Suicidio colectivo

Esmalte sobre madera. 124.5 x 182.9 cm. MOMA. Nueva York Autor: David Alfaro Siqueiros, 1936

Eco por un grito

Lienzo sobre madera. 91.44 x 121.91 cm. MOMA. Nueva York David Alfaro Siqueiros, 1937

José Clemente Orozco (México, 1883-1949)

• Pintor muralista mexicano, contribuyó a recuperar la técnica, el diseño y los temas de la pintura al fresco. Está considerado como uno de los más destacados muralistas desde los tiempos del renacimiento.

• Orozco nació en Zapotlán, Jalisco, el 22 de noviembre de 1883. A los 7 años se trasladó a la ciudad de México, donde realizó sus estudios superiores en la Escuela Nacional Preparatoria y en la Escuela Nacional de Bellas Artes.

Cortes y la Malinche

Fresco. Colegio San Ildefonso. México José Clemente Orozco

1926

• Conoció el taller del grabador José Guadalupe Posada, que lo impresionó y cuya influencia marcaría toda su obra.

• En 1922 se unió a Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros en el sindicato de pintores y escultores, que buscaba recuperar el arte de la pintura mural bajo el patrocinio del gobierno mexicano.

• Una de sus primeras y más destacadas obras fue la serie de murales que hizo para la Escuela Nacional Preparatoria sobre la conquista, la colonización y la Revolución Mexicana. Entre 1927 y 1934 trabajó en Estados Unidos.

Combate

Óleo sobre tela. 66,7 x 85,7 cm. Museo Carrillo Gil. México José Clemente Orozco

1927

• Allí realizó un grupo de murales para la New School for Social Research de Nueva York y en el Pomona College de California pintó un mural con el tema del héroe griego Prometeo.

• Sus murales para la Biblioteca Baker en el Dartmouth College (1932-1934) escenifican la historia de América con la serie La llegada de Quetzalcóatl, El retorno de Quetzalcóatl y Modern industrial man.

Prometheus

Fresco. Pomona College. Claremont José Clemente Orozco

1930

• De regreso a su país realizó grandes murales en el Palacio de Bellas Artes (1934) o la Suprema Corte de Justicia (1941) en la ciudad de México, además de diversas series en importantes instituciones de la ciudad de Guadalajara, como el Palacio de Gobierno, la Universidad o el Hospicio Cabañas.

• En la década de 1940 pintó algunos lienzos caracterizados por las líneas diagonales y el color gris que ya venía utilizando para sus murales.

Zapata

Óleo sobre lienzo. 178,4 x 122,6 cm. Instituto de Arte de Chicago José Clemente Orozco

1930

• En los últimos años su estilo se fue simplificando, buscando sobre todo un carácter más dramático y violento que le aproximara más al expresionismo.

• Orozco murió en México D.F. el 7 de septiembre de 1949. Fue enterrado en la Rotonda de los Hombres Ilustres, honor que por primera vez se dio en México a un pintor.

Zapatistas

Óleo sobre lienzo.

114.3 x 139.7 cm. MOMA. Nueva York José Clemente Orozco

1931

Civilización Americana

Fresco. Dartmouth College. New Hampshire José Clemente Orozco, 1932

Diego Rivera (México, 1886-1957)

• Pintor mexicano que realizó murales con temas sociales, considerado como uno de los grandes artistas de este siglo.

• Nació en Guanajuato y fue educado en la Academia de Bellas Artes de San Carlos, en la ciudad de México.

• Entre 1907 y 1921 estudió pintura en Europa, principalmente en España y Francia, familiarizándose con las innovadoras formas cubistas de Pablo Picasso, el impresionismo de Renoir, la composición de Cézanne y otros artistas de la época.

• En 1921, Rivera regresó a México, donde representó un papel determinante en el renacimiento de la pintura mural iniciado por otros artistas y patrocinado por el gobierno.

El vendedor de alcatraces

• Diego Rivera

• Se dedicó a pintar grandes frescos, sobre la historia y los problemas sociales de su país, en los techos y paredes de edificios públicos, ya que consideraba que el arte debía servir a la clase trabajadora y estar fácilmente disponible o a su alcance.

• Entre 1923 y 1926 realizó los murales al fresco de la Secretaría de Educación en la ciudad de México, pero su obra maestra es La tierra fecunda (1927) para la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, donde representa el desarrollo biológico del hombre y su conquista de la naturaleza.

• Diego Rivera pintó murales en el Palacio de Cortés, en Cuernavaca (1930) y en la Secretaría de Salubridad.

• En 1929 se casó con Frida Kahlo, considerada una representante insigne de la pintura introspectiva mexicana del siglo XX.

Vista de Toledo

Óleo sobre lienzo.

112 x 91 cm. Fundación Amparo de Espinosa. Puebla Diego Rivera

1912

• Fue uno de los fundadores del Partido Comunista Mexicano.

• Su fama lo llevó a exponer y trabajar en Estados Unidos, su obra allí incluye un mural (1932-1933) para el Instituto de Bellas Artes de Detroit y un fresco, Hombre en la encrucijada (1933), encargado para el nuevo edificio de la RCA en el Rockefeller Center de Nueva York, y destruido poco después de su realización porque contenía, al parecer, un retrato del líder soviético Lenin.

• Un año después, Rivera lo reprodujo para el Palacio de Bellas Artes de México.

• En 1935 concluyó uno de sus proyectos más ambiciosos, los frescos para la escalera monumental del Palacio Nacional de la ciudad de México, con su propia interpretación de la historia de su país, desde los tiempos precolombinos hasta la actualidad.

Festival de las flores

(1925) Óleo sobre lienzo. 147.3 x 120.7 cm. County Museum of Art. Los Angeles Diego Rivera

• En la década de 1940 pintó dos grandes murales en el Instituto Nacional de Cardiología (1944), y otro gran mural para el Hotel del Prado, Sueño de la Alameda (1947), de tema histórico-crítico.

• Sus últimas obras las realizó en mosaico de piedras naturales, como las del Estadio de la ciudad universitaria de México o el del Teatro Insurgentes, ambas en el exterior.

• Diego Rivera fue también prolífico en su obra de caballete, con una visión muy alegre y también sensual del folclore de su país.

• Dibujante magistral y estupendo colorista, demostró un gran talento para estructurar sus obras.

• Legó a México una importante colección de estatuillas de diversas culturas indígenas, que instaló en su casa museo, el Anahuacalli, en la ciudad de México.

• Como él mismo dijo, condensando el sentido de su obra, su propósito era ligar un gran pasado con lo que queremos que sea un gran futuro de México.

• Murió el 24 de noviembre de 1957 en la ciudad de México.

América Prehispánica

• Óleo sobre lienzo. 70 x 92 cm. Colección Licio Lagos. México Diego Rivera, 1950

Rufino Tamayo (México, 1899-1991)

• Nacido en Oaxaca, pintor mexicano cuyo estilo combina temas populares autóctonos con las formas artísticas de la vanguardia europea como el cubismo.

• Su obra evolucionó de una pintura de pequeñas dimensiones (con un color insensible a las influencias posimpresionistas) a un cromatismo mucho más brillante al servicio de la temática social.

• Tamayo también recuperó la pintura de caballete, que combinó con la pintura mural de carácter social, como La revolución (1938, Museo Nacional de Antropología), tras lo cual marchó a vivir a Nueva York.

• En obras como Mujeres de Tehuantepec (1939, Galería Albright-Knox, Buffalo, Estado de Nueva York), dispone las figuras fuertes y monumentales del arte tradicional mexicano en una sutil y compleja composición inspirada en el cubismo francés.

Mujer alcanzando la luna

• (1946) Óleo sobre tela. 92 x 66 cm. Cleveland Mueum of Art. Cleveland Rufino Tamayo

• Sus obras gozaron de un reconocimiento internacional, que derivó en encargos para amplias decoraciones murales como Homenaje a la raza (1952), en París, o México hoy (1953, Palacio de Bellas Artes, México).

• Le siguieron otros murales como América (1956, Banco del Suroeste, en Houston), el de mayor envergadura que ejecutó, y para el nuevo edificio de la UNESCO en París realizó Prometeo (1958) y, posteriormente, Eclipse total (1977). En 1943 Tamayo realizó su primera obra completamente abstracta, La naturaleza y el artista (Smith College Collection, Northampton, Massachusetts).

El hombre del bastón

• Óleo sobre tela. 100 x 80 cm. Colección Roberto García Mora. México Rufino Tamayo, 1966

• Muchas de sus obras siguientes en la década de 1950 desarrollaron esta tendencia hacia la abstracción unida a un estilo sumamente emocional y violento.

• Tamayo fue un gran conocedor del arte prehispánico y en 1974 donó su espléndida colección de piezas de ese periodo a su ciudad natal.

• En la capital mexicana se encuentra el museo que lleva su nombre y que fue inaugurado en 1981.

El hombre ante el infinito

• Óleo sobre tela. 95 x 135 cm. Musées Royaux des Beaux-Arts. Bruselas Rufino Tamayo, 1950

• Se trata de uno de los centros de arte contemporáneo más modernos del mundo en el que se exhiben obras de más de 150 artistas internacionales.

• La donación del museo y de casi la totalidad de su acervo artístico al pueblo de México representó una de las mayores satisfacciones para el pintor y artista gráfico.

• Además de sus obras monumentales, la permanencia de Tamayo radica en la belleza de los retratos que pintó de su esposa Olga y en la sensualidad que despiertan sus inolvidables cuadros de sandías.

Autorretrato

• (1967) Óleo sobre tela. 175 x 125 cm. Museo de Arte Moderno. México Rufino Tamayo

Conclusión

• El conocimiento del contexto artístico y social es preciso para entender las dificultades contra las que tuvieron que luchar los pintores impresionistas para promocionar su arte, y para definir sus preocupaciones estilísticas y temáticas.

Los artistas del impresionismo, neo y post impresionismo

• El movimiento artístico conocido como "Impresionismo" surgió en la Francia de la segunda mitad del s.XIX.

• Un escenario relevante para el surgimiento del Impresionismo fue la ciudad de París.

• La burguesía francesa de fines del s.XIX influyó sobre el Impresionismo por que adquirió nuevas costumbres (asistía a espectáculos de ópera, ballet, etc.) que servían como motivo a los impresionistas y se interesaba crecientemente en el mundo del arte y en la compra de obras de arte.

• El entorno social e ideológico en el que desarrollaron sus ideas pictóricas los impresionistas era muy cambiante.

• Las nuevas ideas que aparecían en Francia durante el s.XIX tendían a desplazar a la tradición como única guía de conducta.

• El mundo artístico de la Francia del s.XIX estaba dominado por “El Salon”, organizado por el estado francés.

• Las obras expuestas en el Salon eran seleccionadas por un jurado que solía seguir criterios muy conservadores, fuertemente arraigados en lo tradicional.

• El academicismo que triunfaba en el Salon se caracterizaba por: Temas mitológicos, históricos o bíblicos, composiciones teatrales y monumentales, se dio en La Francia de la segunda mitad del s.XIX.

• El nuevo lenguaje pictórico propuesto por los impresionistas se caracterizaba por: Uso de colores puros, luminosos, presentes incluso en las zonas de sombra, pincelada suelta y espontánea, aplicada rápidamente y sin un acabado demasiado elaborado y como temas: escenas de la vida cotidiana o paisajes donde la Naturaleza no era idealizada.

• Una de las innovaciones pictóricas que acompañaron a la llegada de las nuevas ideas impresionistas fueron las composiciones novedosas, con audaces encuadres de las escenas.

• El Muralismo fue pensado como modo de enseñanza y era empleado en lugares públicos a los que todo tipo de gente sin importar raza y clase social pudiera acceder. Trabajaban sobre una superficie de hormigón (concreto) o sobre la fachada de un edificio. Los temas que relataban o retrataban lo que estaba pasando en el país políticamente. Los murales de Diego Rivera hablaban en especial de la revolución.

• Hay murales en la mayoría de los edificios públicos de la Ciudad de México y de otras ciudades, siendo una de estas Guanajuato, localizada en un Estado muy importante para el país por ser cuna del movimiento de Independencia.

Referencias

• http://www.calatrava.com/main.htm

• MILICUA, J. Historia Universal del Arte, Editorial Planeta, Madrid, 1989.

• PIJOAN, J. Summa Artis: Historia general del arte, Vol.XXIII, Espasa-Calpe, Barcelona, 1954.

• SGARBI, V.et al. Historia Universal del Arte, Editorial Everest, León, 1988.

• VV.AA. El mundo de los grandes genios (2 vol.), El Mundo, Madrid, 1995.

• http://www.epdlp.com/

• http://arte.observatorio.info/2008/05/ganimedes-y-el-aguila-bertel-thorvaldsen-1817/

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http://arte.observatorio.info/2008/05/ganimedes-y-el-aguila-bertel-thorvaldsen-1817/













Arte siglo xix y xx

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