Nikita PirogovWawi NavarrozaEufalia Cristina Paz de AlmeidaJoachim HildebrandJuan de MarcosPaula OspinaLluis MiróMartina HemmMiguel Soler RoigEduardo Cervera Retamar

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European Master of Fine Art PhotographyIED MadridCalle Larra 14,28004 MadridEspañaiedmadrid.com

Coordinación Editorial Marta Orozco y Yago Bolívar

Dirección de Arte Álvaro del Rey

Traducción Eduardo Cervera

Diseño y maquetación Daniela Bekerman, Yago Bolívar y Álvaro del Rey

Créditos fotográficos Alumnos del European Master of Fine Art Photography

iedmadrid.com europeanmasterphotography.iednetwork.com

All rights reserved. No part of this publication may be reproduced or transmitted in any way, electronic or mechanical, including photocopy, recording or any information storage and retrieval system, without permission in writting from the copyright owner(s).

© de los textos sus autores e Istituto Europeo di Design

© de las imágenes sus autores e Istituto Europeo di Design

ISBN xxx-xx-xxxxxx-x-x

Depósito legal Impreso en España / Printed in Spain

Este libro ha sido impreso con la colaboración de Antalis.

Cubierta impresa en Olin Smooth High White 300g distribuido por Antalis.

Interior impreso en Olin Regular High White 120g distribuido por Antalis.

Anexo impreso en Olin Regular Ivory 80g distribuido por Antalis.

Olin es la primera gama de papeles Premium offset que ofrece impresiones a todo color en tonos radiantes.

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NikitA PiROgOv

Nikita Pirogov

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DYPtiCS

Cuando llamo a estas obras dípticos, quiero decir que dos cosas son confrontadas y empiezan a co-existir y co-habitar entre ellas. En la Antigua Grecia se utilizaban dípticos formados por dos placas unidas por una bisagra para mostrar textos o imágenes. Pero un díptico es sobre todo una relación entre nosotros y lo que vemos. Este proyecto inicia un diálogo: a veces entre los colores de dos imá-genes que de lo contrario no se relacionarían, a veces un amigo representado a un lado conseguirá un talismán representado en el otro, o será una metáfora poética, una especie de haiku fotográfico, o todas estas cosas a la vez. Un díptico es dos en uno. Al igual que el pasado trasciende hacia el futuro, el futuro se adentra en el presente a través de su vínculo con el pasado. Un díptico es un intento de conectar las señales que se me dieron como estrellas-guía. La idea de la síntesis se complementa con una realidad construida sobre la androginia: habiendo sido criado sin un padre, trato de encontrarle en mí mismo, uniendo lo pasivo con lo activo. Un díptico es fundamentalmente una unidad, o su añoranza.

BiO

1989 Nace en San Petersburgo, Rusia

EDUCACiÓN

2011 2012 IED Madrid. Máster Europeo de Fotografía de Autor. Madrid, España

2008 2010 Academia Teatral de San Petersburgo. San Petersburgo, Rusia

EXPOSiCiONES iNDiviDUALES

2012 Vevey, Suiza. Espacio Quai1, Festival Images marzo-abril.2011 Bratislava, Eslovaquia. XXI Mes de la Fotografía, noviembre-

diciembre.Aarhus, Dinamarca. Galleri Image, agosto-octubre

EXPOSiCiONES COLECtivAS

2012 Houston, TX, EEUU. FotoFest International, Young Russian Photography

2011 Trieste, Italia. IT’S #TEN, International Talent Support. Krasnoyarsk, Rusia. Young Russian Photography, Krasnoyarsk

Museum Center2010 Yekaterinburg, Rusi. Advantage, Museo de la fotografía “Metenkov

House” San Petersburgo, Rusia. Something Strange, FotoDepartament

PREMiOS

2011 Madrid, España. Beca para cursar el Máster Europeo de Fotografía de Autor

2010 Viena, Austria. Eyes On, Mes de la Fotografía de Viena, ganador del visionado de porfolios Bratislava, Eslovaquia. Mes de la Fotografía XX, ganador del visionado de porfolios

PUBLiCACiONES DEStACADAS

2011 d[x]i magazine, España Catálogo de la exposición The Other Shore en Gallery Image,

Dinamarca Revista Dazed and Confused, Reino Unido Eikon Magazine. Número 74, artículo de Andreas Spiegl, Austria Fraction Magazine. Número 25, EEUU

The Telegraph, artículo de Louise Clements, Reino Unido 1000 words Magazine. Número 10, artículo de Louise Clements,

Reino Unido ZOOM Magazine Russia, Rusia2010 Photography Monthly Magazine, Corea del Sur

StAtEMENt

Para mí, la fotografía es una exploración de cosas tangibles, las cuales tomo de su lugar en la naturaleza y convierto en imáge-nes con sus propias asociaciones, del mismo modo que el habla funcional es adyacente a la música lírica en la paleta del sonido. Este proceso es una manifestación de todos los factores de la experiencia práctica que afectan a nuestra percepción: el clima, la raza, el temperamento, la educación y muchos otros. Este proceso es asistido por una estructura y una composición, así como por elementos formales arraigados en nuestra experiencia biológica.

El mundo existe en armonía. Es estructurado y por lo tanto lógico.Intento examinar los principios causales de mi propia visión del mundo y toda la información que desborda. Trato de observarlo detenidamente y escuchar atentamente todo lo que hago, ya sea en fotografía o video, o en las otras cosas que he estado haciendo desde la infancia:teatro, música, pintura. Estoy inte-resado en la búsqueda de paralelos en los distintos elementos de varias formas de arte. Al hacer esto, estoy tratando de sentir mi camino hacia algún tipo de “poesía” visual. Selecciono deta-lles (metáforas) desde el inmenso volumen de información en el mundo exterior, que pueden ser capaces de crear una narrativa coherente y explorar algunos conceptos, en el que cada imagen es autosuficiente y armoniosa en sí misma. Para mí, una secuen-cia visual es la conclusión de una expresión poética.

CONtACtOSitio web: nikitapirogov.orge-mail: nikitapirogov@yahoo.com

DYPtiCS

When I call these works , I mean that two things are confronted that begin to co-exist and to co-inhabit each other. In Ancient Greece a diptych was made of two plates attached at a hinge and used for texts or images. But above all a diptych is a relation between us and what we see. This project initiates a dialogue: sometimes between the colors on two otherwise unrelated images, sometimes a friend depicted on one side will get a talisman depicted on the other side, or it will be a poetic metaphor like a photographic haiku, or all these things together. A diptych is two in one. Like the past transcends into the future, the future opens up the present through its link with the past. A diptych is an attempt to connect the signs that were given to me as guiding stars.The idea of synthesis is complemented by a reality built on androgyny:being brought up without a father, I try to find him in myself, by uniting the passive with the active. A diptych is fundamentally a unity, or a longing for it.

BiO

1989 born in Saint-Petersburg, Russia

EDUCAtiON

2011 - 2012 IED Madrid. Mastersof Fine Art Photography, Madrid, Spain2008 - 2010 Saint-Petersburg State Theatre Arts Academy, Petersburg, Russia

SOLO EXHiBitiONS

2012 Vevey, Switzerland. Quai1 space, Festival Images, March-April2011 Bratislava, Slovakia. XXI Month of Photography, november-december

Aarhus, Denmark. Galleri Image, august-october

SELECtED gROUP EXHiBitiONS

2012 Houston, TX, USA,FotoFest International, Young Russian Photography2011 Trieste, Italy. IT’S #TEN-International Talent Support, Krasnoyarsk,

Russia. Young Russian Photography, Krasnoyarsk Museum Center2010 Yekaterinburg, Russia. Advantage, Metenkov House photography

museum Saint-Petersburg, Russia. Something Strange, FotoDepartament

AWARDS

2011 Scholarship for European Master of Fine Art Photography, Madrid, Spain2010 Eyes On, Vienna Month of Photography, portfolio review winner, Vienna,

Austria. Bratislava, Slovakia,XX Month of Photography-portfolio review winner.

SELECtED PUBLiCAtiONS AND PRESS

2011 d[x]i magazine, Spain The Other Shore exhibition catalogue at Gallery Image, Denmark Dazed and Confused magazine, UK Eikon magazine. Issue 74, article by Andreas Spiegl, Austria Fraction magazine. Issue 25, USA The Telegraph, essay by Louise Clements, UK 1000 words magazine. Issue 10, essay by Louise Clements Russian ZOOM magazine, Russia2010 Photography Monthly magazine, South Korea

StAtEMENt

For me photography is an exploration of tangible things, which I take from their place in nature and make into images with their own associations, just as functional speech lies adjacent to lyrical music in the palette of sound. This process is a manifestation of all the factors of practical experience that affect our perception: climate, race, temperament, education, and many others. This process is aided by structure and composition, as well as by formal elements rooted in our biological experience.

The world exists in harmony. It is structured and therefore logical. I try to examine the causal principles of my own view of the world and all the information pouring out of it. I try to peer into it, and listen carefully to everything I do, be it in photography or video, or in the other things I have been doing since childhood:drama, music, painting. I am interested in looking for parallels in sepa-rate elements of various art forms. In effect, by doing this I am trying to feel my way towards some kind of visual ‘poetry’. I select details (metaphors) from the immense volume of information in the outside world, that might be able to create a cohesive narrative and explore some concept, where every image is self-sufficient and harmonious in itself. For me a visual sequence is a finished poetic expression.

CONtACtWeb site: nikitapirogov.orge-mail: nikitapirogov@yahoo.com

WAWi NAvARROzA

Wawi Navarroza

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ULtRAMAR

País o lugar que está al otro lado del mar, tomando como punto de referencia desde el que se habla. Históricamente, en España, ultramar se refiere principalmente a todas las posesiones del Imperio español en América, Filipinas, Guam y otras islas del Pacífico que una vez formaron parte de la Corona española. Creo que hoy en día el uso común de esta palabra significa simplemente Extranjero. En este proyecto fotográfico estoy interesada en mostrar realidades y ficciones tomadas de lo que nace de nuestra imagi-nación y percepción de exterior exótico. Cada persona, cada lugar es ultramar de algo. Sólo depende de dónde se esté ubicando. Parte de esta curiosidad surgió a partir de la exhibición de especies exóticas de plantas tropicales en invernaderos y jardines botánicos. El transplante de lo endémico me resulta fascinante. Para mí, son utopías temporales, casi paradisíacas, donde la historia y el lugar quedan difusos, o futuristas, la materia de la ciencia ficción (la tierra en peligro de extinción y la resurrección artificialmente asistida por la especie humana de la naturaleza contra la desaparición del último reducto salvaje…). Está todo ahí. Fuera de este jardín fabricado, nuestros recuerdos rellenan los huecos con una lánguida nostalgia infinita. A lo largo de la serie, las palmeras son omnipresentes. Veo las palme-ras como apariciones recurrentes de la idea habitual del Paraíso a-ser-todavía-alcanzado, un lugar de ocio, el emblema de los paquetes turísticos y vacaciones soleadas; o de la vuelta a casa del trabajador migrante. Ultra Mar. Siempre más allá. Siempre la frontera deseada. Donde la hierba es más verde. El lugar que está ahí fuera.

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Fotógrafa / artista multi-media de Manila, Filipinas. Se graduó con una licenciatura en Artes de la Universidad De La Salle, Ma-nila y asistió a la formación continua del International Center of Photography, Nueva York. Recientemente, Navarroza completó su beca en el Istituto Europeo di Design de Madrid en el marco del programa Máster Europeo de Fotografía de Autor.

Su trabajo con la fotografía contemporánea se ha concretado en simbólicas puestas en escena altamente estilizadas y tableaux vivants, y en su más reciente interés en el paisaje, la naturaleza muerta construida y las instalaciones. Sus fotografías de pai -sajes proponen un ‘otro lugar ’ familiar que se despliega en un espacio emocional fabricado que parece estar tallado tanto por la memoria personal y colectiva como por la amnesia.

Navarroza ha expuesto su trabajo extensamente en Filipinas e internacionalmente. Ha participado en el Mes de la Fotografía de Tokio 2012 presentada por el Tokyo Metropolitan Museum of Photography, la Bienal de Arte Asiático en Taichung, Taiwán (2011), la exposición itinerante anual “CUT: New Photography from South East Asia” por VWFA Kuala Lumpur, la Exposición de Fotografía Contemporánea de Asia ASEAN-Corea “Emerging Wave”, Seúl, Corea (2010) y “Verso Manila: arte contemporáneo de las Filipinas” en Turín, Italia (2009). Su trabajo también ha sido mostrado en el festival de fotografía de Angkor, el festival de fotografía Noorderlicht, etc.

Sus recientes exposiciones individuales incluyen: “Dominion” (2011), “Perhaps it was possibly because” (2009) en la Silverlens

Gallery, Manila y un espectáculo de dos personas “It Was Always About Forever” (2010) en Kuala Lumpur, Malasia.

Ha recibido varios premios, como el Thirteen Art ists Awards Triennial del Centro Cultural de las Filipinas (2012), el premio Lumi Photographic Art, Helsinki (2011) y fue finalista del premio Sovereign Asian Art (2011) y del Signature Art Prize del museo de Singapur (2011). Otros premios incluyen: Premios Internaciona-les de Fotografía (2010), Portfolio Preis (2010, Alemania), Prix de la Photographie de París (2009) y dos exposiciones individuales galardonadas: “POLYSACCHARIDE: The Dollhouse Drama” (2005) y “SATURNINE: A Collection of Portraits, Creatures, Glass, and Shadow” (2007) que fue ganadora del Ateneo Art Awards 2007, Fil ipinas. En 2009, Navarroza fue galardonada con la primera beca Silverlens Fellowship del Consejo Cultural Asiático para con-tinuar su investigación y su práctica en la ciudad de Nueva York.

Su obra ha sido expuesta en instituciones como el Museo Nacio-nal de Filipinas, el Museo Metropolitano de Manila, la Galería de Arte Nacional de Mongolia, el Hangaram Museum, Corea, el Museo Nacional de Bellas Artes, Taichung, Taiwán y el Fries Museum de Arte Contemporáneo, Países Bajos.

Navarroza también ha trabajado como profesora de fotografía en la Universidad de La Salle y como comisaria independiente. También canta en una banda de rock post-punk l lamada The Late Isabel.

En la actualidad reside en Barcelona, España.

ULtRAMAR

Country or a place that is across the sea, taking as a reference point from which to speak.Historically, for Spain, ultramar refers to mostly all the possessions of the Spanish Empire in America, the Philip-pines, Guam and other Pacific islands that once formed part of the Spanish Crown. I think these days common usage of this word can simply mean Overseas. In this photographic project I’m interested to show realities and borrowed fictions of what is borne out of our imaginings and perception of the exotic outside. Everyone, everywhere is ultramar of something. It just depends where you’re standing. Part of this curiosity stemmed out from the exhibition of exotic tropical plant species in greenhouses and botanical gardens. The trans-planting of the endemic is very fascinating for me. To me, they are temporary utopias, almost Eden-like, where history and place is diffused, or futuristic, the stuff of science fiction (the endangered earth and the artificial human-aided resuscitation of nature against the disappearance of the last Wilderness…). It’s all there. Outside of this fabricated garden, our memories fill in the gaps with languid endless longing. Throughout the series, the Palms are ubiquitous. I see the palm trees as recurring apparitions of our very common idea of a yet-to-be-reached Paradise, a place of leisure, the emblem of package tours and sunny holidays; or of the return home to the migrant worker. Ultra Mar. Always beyond. Always the desired Frontier. Where The Grass Is Greener. The place out there.

BiO

Photographer/multi-media artist from Manila, Philippines. She graduated with a Bachelor of Arts degree f rom De La Sal le University, Manila and attended continuing education at the In-ternational Center of Photography, New York. Recently, Navarroza completed her scholarship at the Istituto Europeo di Design, Ma-drid under the program European Master of Fine Art Photography.

Her work with contemporary photography has taken shape in highly-stylized symbolic mise-en-scène and tableau vivants to her more recent interest in landscape, constructed still l ife, and installation. Her landscape photographs propose a familiar

‘other place’ that opens up to fabricated emotional space that seem to be carved out by both personal and collective memory and amnesia.

Navarroza has widely exhibited in the Philippines and internationa-lly. She has participated at the 2012 Tokyo Month of Photography presented by Tokyo Metropolitan Museum of Photography, the Asian Art Biennale in Taichung, Taiwan (2011), the annual touring exhibition “CUT: New Photography from South East Asia” by VWFA Kuala Lumpur, ASEAN-Korea “Emerging Wave” Asian Contempo-rary Photography Exhibition in Seoul, Korea (2010) and “Verso Manila: contemporary art from the Phil ippines” in Turin, Italy (2009). She has also been shown at Angkor Photography Festival, Noorderlicht Photography Festival, etc.

Recent solo exhibits include: “Dominion” (2011), “Perhaps it was possibly because” (2009) at Silverlens Gallery, Manila and a

two-person show “It Was Always About Forever” (2010) in Kuala Lumpur, Malaysia.

She has received a number of awards such as the Cultural Center of the Philippines’ Thirteen Artists Awards Triennial (2012), Lumi Photographic Art Awards, Helsinki (2011), and was finalist for the Sovereign Asian Art Prize (2011) and Singapore Museum Signature Art Prize (2011). Other awards include: International Photography Awards (2010), Portfolio Preis (2010, Germany), Prix de la Photographie Paris (2009) and two award-winning solo exhibitions: “POLYSACCHARIDE: The Dollhouse Drama” (2005) and

“SATURNINE: A Collection of Portraits, Creatures, Glass, and Sha-dow” (2007) which was cited Winner at the Ateneo Art Awards 2007, Phil ippines. In 2009, Navarroza was awarded the f irst Asian Cultural Council-Silverlens Fellowship Grant to further her research and practice in New York City.

Her work has been shown in institutions such as the National Mu-seum of the Philippines, Metropolitan Museum of Manila, Mongolian National Modern Art Gallery, Hangaram Museum, Korea, National Museum of Fine Arts, Taichung, Taiwan, and Fries Museum of Con-temporary Art, Netherlands.

Navarroza has also worked as a lecturer of photography at De La Salle University and as an independent curator. She also sings for a post-punk rock band called The Late Isabel.

She is currently living in Barcelona, Spain.

EUfALiA CRiStiNA PAz DE ALMEiDA

Eufalia Cristina Paz de Almeida

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the Destiny of a HeartThe Destiny of a Heart (El destino de un corazón) es un espectáculo: una historia basada en hechos reales, catalizada por una fotografía de mi padre en un carnaval de 1957—el mismo año en que nacieron mi madre y mi madrastra. Yo hago de mi padre, que se casó y se divorció de mi madre, y luego se casó con otra mujer con el mismo nombre y de la misma edad, las dos treinta y tres años más jovenes que él. Inspirado en la literatura brasileña y la telenovela latinoamericana, The Destiny of a Heart es una narración no lineal basada en la memoria y un melodrama familiar que sigue en curso. La historia se desarrolla en un pequeño pueblo del sur de Brasil, Campos Novos, el mayor productor agrícola de la región. La obra representa una serie de encrucijadas— aquellas decisiones y elecciones que pueden alterar el curso de nuestro futuro. En el caso de mi familia, el destino produjo una cadena de acontecimientos que dio lugar a una serie de coincidencias y sorpresas que continuaron hasta que el gran corazón dejó de servir su función vital. Lo que queda son los recuerdos de una vida más feliz y otra encrucijada: un nuevo comienzo.

Nació el 9 de septiembre de 1980 en Campos Novos, SC, Brasil y es conocida por su forma de vida itinerante. Posee una Licencia-tura y Postgrado en Fisioterapia (2002). Antes de terminara un Máster en Salud Pública, abandonó Brasil para vivir en Australia (2005), donde cursó el primer año de la Licenciatura de Arquitec-tura en la Universidad de Queensland, Brisbane (2008) y cambió a la Diplomatura de Artes Visuales en el Southbank Institute of Technology, Brisbane (2010). Eufàliá realizó allí una obra de arte público “Music Box” en un proyecto auspiciado por el Ayuntamien-to de Brisbane, Australia (2009), la cual fue elegida para ser la portada del libro “Hide and Seek Brisbane. Descubre lugares ocul -tos e intrigantes de la ciudad” de la editorial australiana Explore (2010). Su trabajo ha sido publicado en QUTE mag, la revista de la Queensland University of Technology y la revista del Southbank Institute of Technology, Australia (2010) y recibió el premio Artist in Focus del Southbank Institute of Technology, Australia (2010). Expuso una serie de técnica mixta, incluyendo montajes fotográ-ficos en Beyond Exhibition (2010), la exposición Colectiva White Tiger de St GeorgeBank, Australia (2010) y la exposición Kalei-doscope del Southbank Institute of Technology, Australia(2009) y ha expuesto en el certamen artístico Brookfield Show, Australia (2010). En busca de inspiración, y para alimentar su hambre de viaje, dejó Australia con una mochila a la espalda para emprender por su cuenta un viaje de 5 meses por el sudeste asiático. A pesar de las innumerables notas, bocetos, dibujos y varias acuarelas,

se le despertó la pasión por la fotografía. Fue entonces cuando decidió abandonar su carrera como fisioterapeuta y trasladarse a Madrid para cursar el Máster Europeo de Fotografía de Autor en el Istituto Europeo di Design.

StAtEMENtUn artista es el mago que tiene la capacidad de elevar lo insulso a niveles ampliados de respuesta emocional. Hace que los sueños se hagan realidad y nos lleva a cualquier parte del mundo real y del mundo imaginario donde se suman o se restan características. Las formas se encuentran impolutas, distorsionadas, restauradas para complacer al que esté conectado. Desencadena recuerdos y hace que la creatividad florezca. Es nostálgico y poético. No hay bien ni mal. Nada es imposible. El arte es actuar, es teatro, y el artista es el escritor, el actor y el director del momento congelado. A través del arte es posible revivir una experiencia. Posee la magia de aparecer espléndido en la improvisación con o sin luces, sombras, zooms o filtros. Es un poema que desempeña la emotiva responsabilidad de mantener vivos el pasado y el presente. Llama la atención y despierta emociones. La gente pasa, el tiempo pasa, el arte sigue funcionando como íntimo diario de experiencias. No importa el aspecto que tenga, siempre hay una historia que contar.

the Destiny of a HeartThe Destiny of a Heart is a performance: a story based on actual events, catalyzed by a photograph of my father at a carnival in 1957—the same year my mother and stepmother were born. I play my father, who married and divorced my mother and who then married another woman with the same name and of the same age, both thirty-three years younger than he.Inspired by Brazilian literature and the Latin-American telenovela, The Destiny of a Heart is a non-linear narrative based on memory and a family melodrama that remains ongoing. The story takes place in a small town in Southern Brazil, Campos Novos, the largest agricultural producer in the region. The work depicts a series of “right-angles”—those decisions and choices that can alter the course of one’s future. In my family’s case, destiny produced a chain of events that resulted in a series of coincidences and surprises that continued until the “big heart” stopped serving its vital role. What remains are memories of a happier life and still another right-angle: a brand new start!

Eufália Cristina Paz de Almeida was born on September 9, 1980 in Campos Novos, SC, Brazil and is well known by her itinerant way of l iving. Holds a Bachelor degree and Post- ‐Graduation in Physiotherapy (2002). Before finishing a Master’s degree in Pu-blic Health, she left Brazil to Australia (2005), where she took the first year of the Bachelor in Architecture at The University of Queensland, Brisbane (2008) and switched to the Diploma of Visual Arts in the Southbank Institute of Technology, Brisba-ne (2010). Eufália has a public artwork “Music Box”, a Project by Brisbane city council, Australia (2009) that was chosen to be the Cover page of the book “Hide and Seek Brisbane. Disco-ver the city’s hidden and intriguing places” Ed. Explore, Australia (2010). She has been published in QUTE mag Queensland Uni-versity of Technology magazine, Southbank Institute of techno-logy magazine, Australia (2010) and Awarded as artist in Focus to the Southbank Inst itute of Technology, Austral ia (2010). Exhibited a serie of Mixed Media including Photography montage in Beyond exhibition (2010), group exhibition White Tiger by St George Bank, Australia (2010) and Kaleidoscope exhibition by Southbank Institute of technology, Australia (2009) and exhibited in Brookfield Show art competition, Australia (2010). Searching for inspiration, and to feed her hunger for travelling, she left Aus-tralia to backpack on her own through Southeast Asia during 5 months. Despite the countless notes, sketches, drawings and a

couple of watercolour paintings, she was trigged by a passion for photography. She decided then to abandon her career as a Physiotherapist and moved to Madrid to take the European Master of Fine Arts Photography in the IED Istituto Europeo di Design.

StAtEMENt

An artist is the magician who has the capacity to take the average to intensified levels of emotional responsiveness. Makes dreams come true and takes people anywhere in the real and imaginative world where features are added or subtracted. Forms are uns-poiled, distorted, restored to please the one it ’s connected to. It triggers memories and makes creativity to blossom. It is nostalgic and poetic. There is no right and no wrong. Nothing is impossible. Art is acting, it is theatre, and the artist is the writer, actor and director of the frozen moment. Through art it ’s possible to revive an experience. It has the magic to look great in improvisation with or without l ights, shadows, zooms or fi lters. It is a poem that plays the thrill ing responsibility in the role of keeping the past and the present alive. It catches the attention and sparks emotions. People go, time passes and art remains functioning as intimated diaries of experiences. It doesn’t matter how it looks, there is always a story to tell.

BiO BiO

JOACHiM HiLDEBRAND

Joachim Hildebrand

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MÜLLER-YiLMAz Cuando era niño solía cruzar una zona de viviendas con bloques de apartamentos en mi camino a la escuela. Los nuevos edificios se parecían mucho entre sí despertaron mi interés y curiosidad. Hoy no puedo definir exactamente el porqué. Por supuesto, algunos compañeros de la escuela vivían allí, pero había algo más. Creo que la similitud de los edificios jugaba un papel importante.A finales de los años cincuenta y durante los sesenta muchas áreas residenciales como la que cruzaba a diario brotaron como hongos por todo Alemania. Había una gran necesidad de vivienda en ese momento en que el impacto de la guerra seguía siendo importante y visible. Uno también podría decir que había una gran necesidad de una nueva patria.Los primeros habitantes de estos bloques de apartamentos eran familias alemanas o familias de refugiados con raíces alemanas. Vinieron en su mayoría de Europa del Este. Pero durante las últimas décadas eso ha cambiado. Hoy en día muchos inmigrantes también viven aquí. El mayor grupo de ellos, con mucho, tiene raíces turcas. Muchos han nacido en Alemania y tienen pasaporte alemán.

El apellido más común en Alemania es Müller. Müller es también una palabra muy alemana, ya que contiene la letra Ü. Es lo que se denomina umlaut, que en la mayoría de los idiomas no existe. El apellido turco más común en Alemania es Yilmaz. Ambos apellidos son arquetípicos y alegorizan a las personas y familias que viven aquí. Esa es la razón del título MÜLLER-YILMAZ. Cada apellido contiene seis letras. Si tomamos esto como símbolo, se sugiere una relación de igualdad. Dos apellidos con seis letras hacen un total de doce letras. Por consiguiente, esta obra consiste en doce fotografías.Las sombras en las fotografías nos hacen pensar en árboles genealógicos. Las sombras se entrelazan entre sí y con la arquitectura. Esto sirve como metáfora acerca de la fusión de familias y culturas, al igual que apellido Müller-Yilmaz. Este proceso es típico de las mencionadas zonas residenciales con bloques de apartamentos en las que fotografié los edificios.Desde el exterior, es imposible asignar ventanas a las familias. ¿Quién vive aquí? ¿Una familia Müller o una familia Yilmaz? ¿O incluso una familia Müller-Yilmaz? Esta intercambiabilidad también se refleja en la arquitectura uniforme de los edificios genéricos. Las diferencias se agotan en las diferentes tipografías.

Joachim Hildebrand nació en Frankfurt am Main (Alemania). Fascinado por la fotografía desde que era un adolescente, en 1987 comenzó a trabajar como fotógrafo freelance para un periódico y una agencia de fotografía en Frankfurt am Main. Desde 2006 dirige all í su propio estudio. En los últimos años la fotograf ía de Hi ldebrand ha pasado de tener un enfoque

comercial a uno artístico. Ahora se centra en la fotografía de autor. En mayo de 2011 una serie de Joachim Hildebrand fue reconocida como Altamente Recomendada en el concurso European Architectural Photography Prize 2011. Joachim Hil-debrand vive y trabaja en Frankfurt am Main y Ellmau (Austria).

MÜLLER-YiLMAzWhen I was a boy I used to cross a housing area with apartment blocks on my way to school. The quite new buildings one looked like the other awakened my interest and curiosity. Today I cannot define exactly why. Of course, some school mates of mine lived there but there was something more. I think the similarity of the buildings played an important role.In the late nineteen fifties and in the sixties many housing areas like the one I crossed daily sprang up like mushrooms all over Germany. There was a great housing need at that time when the impact of war was still important and visible. One could also say: There was a great need for a new homeland. The first inhabitants of these apartment blocks were German families or families of refugees with German roots. They came mostly from eastern Europe. Over the last decades that changed. Today many immigrants also live here. The biggest group of them by far has Turkish roots. Many are born in Germany and hold a German passport.

The most common family name in Germany is Müller. Müller is also a very German word because it contains the letter Ü. That is a so called umlaut which in most other languages doesn´t exist. The most common Turkish family name in Germany is Yilmaz. Both family names are archetypal and allegorize the people and families that live here. This is the reason for the title MÜLLER-YILMAZ. Each family name consists of six letters. If you take this as a symbol it suggests an equal relationship. Two family names with six letters make a total of twelve letters. Consequently this work consists of twelve photographs. The shadows in the photographs make us think of family trees. The shadows interlace with themselves and with the architecture. This serves as a metaphor for the melting of families and cultures; just as the family name Müller-Yilmaz does. This process is typical for the above mentioned housing areas with apartment blocks where I photographed the buildings.From the outside it is impossible to assign windows to families. Who lives here? A Müller or a Yilmaz family? Or even a Müller-Yilmaz family? This exchangeability is also reflected in the uniform archi-tecture of the generic buildings. The dissimilarities exhaust themselves in the different typographies.

Joachim Hildebrand was born in Frankfurt am Main (Germany). Fascinated by photography since he was a teenager he started in 1987 to work as a freelance photographer for a Newspaper and a stock photo agency in Frankfurt am Main (Germany). Since 2006 he runs his own studio there. Over the last years the focus of Joachim Hildebrand’s photography shifted from commercial to

artistic work. Now he concentrates on fine art photography. In May 2011 a series of Joachim Hildebrand’s work was recognized as Highly Recommended in the award/competition European Architectural Photography Prize 2011. Joachim Hildebrand lives and works in Frankfurt am Main and Ellmau (Austria).

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JUAN DE MARCOS

Juan de Marcos

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tAXiDERMiAEste proyecto es fruto de una patología adquirida que me hizo plantearme la relación que tengo con mi entorno laboral. Todas mis fotografías son retoques digitales donde el modelo, en este caso el animal disecado, es fotografiado por separado del fondo. Me gusta la atmósfera que desprende el hecho de trabajar de ese modo ya que el personaje parece estar en otra realidad, otro plano diferente que lo aísla del resto. Esta manera de trabajar da como resultado imágenes reales pero con un cierto aire onírico o ficticio. El hecho de que sean retoques y el resultado sea tan cuidado que no parezca en sí un retoque es algo que confunde.

Nacido en 1976, Juan de Marcos ha participado en diversas mues-tras colectivas: See you soon, Colectiva en Galerie Miniarure, París ·; Swab, International Contemporary Art Fair, Barcelona ; Colectiva de Galerie Miniarure en ‘Collectifs et Web Magazines’, Arles.Estampa 2010, Madrid ·;Colectiva, Galería Plano B, Granada; Feria de Fotografía Madridfoto, Madrid ·; 20+20, Presente y futuro de la fotografía española. Igualmente ha mostrado su trabajo en exposi-ciones individuales: ·Individual en MAG Mustang Art Gallery, Alicante ; GESTUS, Galería La Zua.;Madrid ·;PAPERWORKS, La Eriza, MadridIndividual Sala EFTI. Madrid ; Individual en la Galería Multiplicidad, Madrid.Su obra se encuentra en diversas colecciones públicas y privadas. Igualmente le han sido otorgadas las becas Explum y Beca XI Ayuda a la Creación Visual de la Fundación Arte y Derecho, Seleccionado para Emergencias 2.0 de La Casa Encendida, Finalista Premios Caja Madrid Generación 2008 y Finalista Descubrimientos PHE07.Así mismo, como agitador cultural es co-creador de la revista S/GNAL Review, co-fundador del Colectivo Bravo Paradies, GoGo

Gallery Gibson-Showroom Madrid y ha comisariado para la Red Itiner de la Comunidad de Madrid la muestra “Los tres elementos. Una exposición para entender el hip hop.”

Ha cursado estudios de Diseño Gráfico en la Escuela Tracor, Más-ter de fotografía de autor en EFTI y European Master of Fine Art Photography en IED Madrid.

StAtEMENt

Las películas clásicas donde casi siempre un galán conduce un coche, pudiendo verse por la ventanil la trasera un croma del camino recorrido, y con el sentimiento de un mal sueño que no llega a ser pesadilla se tratara. Así intento mostrar la realidad, dispuesta en un escenario donde a veces las luces y las sombras no concuerdan, y todo ello con un fondo con los sonidos más oscuros de los Beach Boys como banda sonora.

tAXiDERMiAThis project is the result of an acquired disease that made me think about the relationship I have with my work environment. All my pictures are digitally retouched, where the model, in this case the stuffed animal, is photographed separately from the background. I like the atmosphere that appears when working this way because the character seems to be in another reality, another plane, which isolates it from the rest. This work process results in real images but with a certain dreamy or fictitious air. The fact that they are retouched and the result being so smooth that they do not seem to be so is somewhat disturbing.

Born in 1976, Juan de Marcos has participated in several group ex-hibitions: ·See you soon, Galerie Miniarure, Paris ; Swab, Internatio-nal Contemporary Art Fair. Barcelona ; Galerie Miniarure’s show in

‘COLLECTIFS et Web Magazines’, Arles.Estampa 2010, Madrid · Gallery Plan B, Granada ; MADRIDFOTO Photography Fair. Madrid ·;20+20, Present and Future of Spanish photography.He has also shown his work in solo exhibitions: MAG Mustang Art Gallery. Alicante ·;GESTUS in Galeria La Zua, Madrid · PAPERWORKS in La Eriza, Madrid · Sala EFTI, Madrid · ;Galería Multiplicidad, MadridHis work is in many public and private collections and he has also been awarded with the Explum Grant and the XI Ayuda a la Creación Visual grant from the Arte y Derecho Foundation, selected in Emergencias 2.0 in La Casa Encendida, and finalist in 2008 Caja Madrid Generación Awards and Descubrimientos PhotoEspaña 2007.As cultural agitator he is co-creator of the S/GNAL Review magazine, co-founder of the Bravo Paradies co-llective, GoGo Gibson Showroom Madrid Gallery and has curated

the exhibition “The three elements. An exhibition to understand hip-hop.” for Red Itiner Madrid.

He studied graphic design at the Tracor school, the Fine Art Pho-tography Master at EFTI Madrid and the European Master of Fine Art Photography at IED Madrid.

StAtEMENt

Classic fi lms, where almost always a gentleman drives a car and through the rear window we can see a bluescreen of the path with the feeling of a bad dream that doesn’t reach the nightmare status. That’s how I try to show reality, arranged in a scenario where sometimes lights and shadows do not match, and all with the darkest sounds of the Beach Boys as a background soundtrack.

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PAULA OSPiNA

Paula Ospina

PAULA OSPiNA

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MUJER CASAEl punto de partida de este trabajo es la casa y la forma en que yo, como mujer, me relaciono con ese espacio. La casa esta considerada como el principio de integración de nuestros pensamientos, de los recuerdos, las obsesiones, los deseos y los sueños. En este espacio me enfrento a una identidad que se busca así misma como mujer, madre, esposa y ama de casa, también la presión que conlleva esa identidad de encajar en un estereotipo físico como psicológico. La relación que tenemos hoy en día las mujeres con nosotras mismas, y por lo tanto con la casa, esta cambiando. Este trabajo es una reflexión que utiliza la casa y los elementos que ahí existen para hablar sobre la búsqueda de identidad enfren-tada a connotaciones históricas, contemporáneas, sociológicas y psicológicas que a menudo están en conflicto entre ellas y crean tensión en nosotras mismas y en esa búsqueda de saber quién somos.

1977 Bogotá, ColombiaVive y trabaja en Barcelona, España

EXPOSiCiONES iNDiviDUALES

2010 De lo Efímero y el Cambio, Galería Tagomago. Barcelona, España

2009 STILL LIFE, Jens Fehring Gallery. Frankfurt, Alemania2007 Cielo y Tierra, Galería Badiu 92. Badalona, España

EXPOSiCiONES COLECtivAS

2012 Proyecte Dones Invisibles, 12 fotógrafes contra la violencia de genero CACIS, Centro de Arte y Sostenibilidad. Calders, España

2011 Culte a la Personnalite, Galería Tagomago. Paris, Francia2011 WIP, Work in Progress ,Galería Tagomago. Barcelona, España2010 Exposición Primer Aniversario, Galería Valid Photo. Barcelona,

España2010 Nómada Festival Emergent. Lleida, España2010 La Verdad Desnuda, Museo J. Torrents Lladó, Colectiva de

Fotografía. Palma de Mallorca, España2010 Fernelmont Contemporary Art Festival. Fernelmont-Noville les

Bois, Belgica2009 Nómada serie fotográfica, Insight y Kiss proyección de video,

Hot Art, Balelatina, comisariado por Santiago Espinosa y Verónica Weinstein. Basilea, Suiza

2008 Laberynth & Mix Video Resonance, UNA Artist Lounge, Balelatina. Basilea, Suiza

2008 Fish and Foto, Galería H20. Barcelona, España2007 Desbordando la Objetividad, Fotográfica Bogotá. Bogotá,

Colombia2006 37 Primaveras y Una… Sala Noa. Barcelona, España2005 La Violencia BAC, Barcelona Arte Contemporáneo en el centro

de Cultura Contemporánea de Barcelona ( CCCB). Barcelona, España

2005 Silencios, Sala NOA. Barcelona, España2002 Sonicontinuum Artists Collective Group Show Remote Space.

Nueva York, EEUU2001 Reactions, Exit Art. Nueva York, EEUU

2000 Surface 2 Air (www.surface2air.com) Artists. Nueva York, EEUU

PUBLiCACiONES & OtROS PROYECtOS

2008 4997 Kilómetros, Beijing-Lhasa, publicado por el Grupo Tragaluz con la colaboración de Run Design. Barcelona, España

Premio Laus al mejor libro 2008, Premio de Oro en el Art Directors Club of Europe, RU

2008 Living Bridge, cubierta para Rare Book Room Records. Nueva York, EEUU

2007 Documentación y seguimiento fotográfico del edificio de Jean Nouvelle Life Marina. Ibiza, España

2001 Pour La Victoire “An Exercise in Editorial Curation”, publicado por Surface 2 Air (www.surface2air.com) y Spoon UK. Nueva York, EEUU

PROYECtOS HUMANitARiOS

2010 - 2013 Fundación Niños del Mundo Coordinadora de la fundación del Grupo Tragaluz

2002 Foundation for a New Dawn Co-fundadora de esta ONG que apoyaba a fundaciones Colombianas por medio de fondos adquiridos en el exterior, trabajo extensamente con los niños de Mi Familia en Bogotá

2001 Consulado de Colombia Departamento legal responsable de los presos Colombianos en el sector este de EEUU

1994 - 2001 Modelo profesional de la agencia Ford ( NY, Paris, Londres, Milan y Tokyo)

EStUDiOS

2010 Taller de fotografía en Es Baluard, Palma de Mallorca, con Graciela Iturbide

2008 Taller de fotografía en CCCB, Barcelona, con Antoine d’Agata, Magnum Photos

2005 Escuela de Cine y Audiovisual de Cataluña, Barcelona, España2003 Vivekananda Yoga Anusandhana Samsthana, Bangalore, India2002 International Center of Photography, New York, EEUU2000 Ayurvedic Institute, Albuquerque, New Mexico, EEUU

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1977 Bogotá, ColombiaLives and works in Barcelona, Spain

SOLO EXHiBitiONS

2010 De lo Efímero y el Cambio, Galería Tagomago. Barcelona, Spain

2009 STILL LIFE, Jens Fehring Gallery. Frankfurt, Germany2007 Cielo y Tierra, Galería Badiu 92. Badalona, Spain

gROUP SHOWS

2012 Projecte Dones Invisibles, 12 fotógrafas contra la violencia de género CACIS, Centro de Arte y Sostenibilidad. Calders, Spain

2011 Culte a la Personnalite, Galería Tagomago in Paris, France2011 WIP, Work in Progress, Galería Tagomago. Barcelona, Spain2010 First anniversary exhibition, Galería Valid Photo. Barcelona,

Spain2010 Nómada Festival Emergent. Lleida, Spain2010 La Verdad Desnuda, J. Torrents Lladó museum. Palma de

Mallorca, Spain2010 Fernelmont Contemporary Art Festival. Fernelmont-Noville les

Bois, Belgium2009 Nómada photographic series, Insight and Kiss video projection,

Hot Art, Balelatina, curated by Santiago Espinosa and Verónica Weinstein. Basel, Switzerland

2008 Laberynth & Mix Video Resonance, UNA Artist Lounge, Balelatina. Basel, Switzerland

2008 Fish and Foto, Galería H20. Barcelona, Spain2007 Desbordando la Objetividad, Fotográfica Bogotá. Bogotá,

Colombia2006 37 Primaveras y Una… Sala Noa. Barcelona, Spain2005 La Violencia, BAC, Barcelona Arte Contemporáneo in the Centre

de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB). Barcelona, Spain

2005 Silencios, Sala NOA. Barcelona, Spain2002 Sonicontinuum Artists Collective Group Show, Remote Space.

New York, USA2001 Reactions, Exit Art. New York, USA

MUJER CASAThe starting point of this project is the house and the way I, as a woman, relate to this space. The house integrates our thoughts, memories, obsessions, desires and dreams. In this space I am faced with an identity that is sought as a woman, mother, wife, housekeeper and the pressure within this identity to fit into a physical and psychological stereotype. The relationship that we, as women, have with ourselves is changing today and therefore the relationship that we have with the house. This work tries to create a dialogue that uses the house and the elements that are found there to express a search for identity confronted with historical, contemporary, sociological and psychological connotations, which are often in conflict with each other and create tension within ourselves as we search to know who we are.

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2000 Surface 2 Air Artists. New York, USA

PUBLiCAtiONS & OtHER PROJECtS

2008 4997 Kilómetros, Beijing-Lhasa, published by Grupo Tragaluz with the support of Run Design. Barcelona, Spain

Laus prize, best book 2008, Golden prize at the Art Directors Club of Europe, UK

2008 Living Bridge, cover for Rare Book Room Records. New York, USA

2007 Documentation and photographic monitoring of the Jean Nouvelle Life Marina building. Ibiza, Spain

2001 Pour La Victoire “An Exercise in Editorial Curation”, published by Surface 2 Air and Spoon. UK

HUMANitARiAN PROYECtS

2010 - 2013. Fundación Niños del Mundo Coordinator of the Grupo Tragaluz Foundation2002 Foundation for a New Dawn Co-founder of this NGO, whose mission was to support

Colombian foundations through funds acquired abroad, working extensively with the children from Mi Familia in Bogotá

2001 Colombian consulate Legal Department responsible for Colombian prisoners in the eastern US sector

1994 - 2001 Professional model in Agency Ford (NY, Paris, London, Milan and Tokyo)

EDUCAtiON

2010 Photography workshop at Es Baluard, Palma de Mallorca, with Graciela Iturbide

2008 Photography workshop at the CCCB, Barcelona, with Antoine d´Agata, Magnum Photos

2005 Film and Audiovisual School of Catalonia (ESCAC), Barcelona, Spain

2003 Vivekananda Yoga Anusandhana Samsthana, Bangalore, India2002 International Center of Photography, New York, USA2000 Ayurvedic Institute, Albuquerque, New Mexico, USA

LLUiS MiRÓ

Lluis Miró

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Badalona, 1958Llegó al mundo del arte después de haber desarrollado una amplia carrera en la industria. Con una formación en tecnología y liderazgo, ha profundizado en el proceso de transformación y cambio del ser humano a través de su formación en coaching y psicología posi-tiva. En materia de arte, ha estudiado fotografía y creatividad en varios talleres, Fotografía Profesional en la Escuela Superior de Imagen y Sonido CEV y el Máster Europeo de Fotografía de Autor en el IED Istituto Europeo di Design.

QUiEBREHasta ese momento parecía tan fuerte, seguro, decidido, convincente e infalible que era casi prepo-tente. No había obstáculos ni puntos débiles, nada que agradecer ni nada que pedir. El mundo estaba ahí para disfrutar de su presencia, lejana y admirable, todo un referente de autoexigencia y frialdad.De repente todo cambió, las barreras crecieron, la confusión apareció, la desorientación emergió. Cada paso era un muro infranqueable, cada decisión un mar de alternativas imposibles, cada calle un universo de amenazas, cada día una eternidad por solventar.

Fue una época larga, dura, costosa, con desesperación, dolor, inseguridad, incertidumbre, duda y frustración. Sólo la ayuda de los demás, el reconocimiento de la propia vulnerabilidad, el esfuerzo, el optimismo, el vivir jugando, la superación y la autenticidad hicieron que apareciera la luz.Sólo aprendemos cuando reconocemos lo que nos falta, cuando reconocemos en los demás la posibilidad que son, cuando nos observamos con suficiente liviandad.

StAtEMENt

Para mí, el arte es un medio para buscar y desafiar el mundo psicológico interno. La apertura y la integración de mi aprendi-zaje como coach y autor son mi búsqueda principal. Uso la foto-grafía como pretexto para trazar las experiencias de la práctica artística y ofrecérselas al espectador. Soy un artista que explora la relación de la imagen con otras percepciones y experiencias. lluis@lluismiro.com / +34 656 60 02 58

BREAkDOWNUntil that moment he seemed so strong, safe, decisive, convincing and infallible that he was almost arrogant. There were no obstacles or weaknesses, nothing to be thankful for and nothing to need. The world was there to enjoy his presence, far and admirable, a benchmark of self-imposed and coldness.Suddenly everything changed, barriers grew, confusion appeared, disorientation emerged. Every step was an impenetrable wall, every decision a sea of impossible choices, each street a universe of threats, every day an eternity to afford.

It was a time long, hard, costly time; in despair, pain, insecurity, uncertainty, doubt and frustration. Only the help of others, recognizing their own vulnerability, effort, optimism, playing live, overcoming and authenticity made light appear.We only learn when we recognize what we need, when we recognize in others the chance they are, when we observe us with sufficient lightness.

Badalona, 1958Lluis got to the art world after developing a wide career in in-dustry. With a technological and leadership background, he has deepened in the process of transformation and change of human beings through his training in coaching and positive psycholo-gy. In art matters, he has studied photography and creativity in various workshops, Professional Photography at the Escuela Superior de Imagen y Sonido CEV and the European Master of Fine Art Photography at IED Istituto Europeo di Design.

StAtEMENt

For me, art is a means for searching and challenging the inner psychological world. The opening and integration of my learning as coach and author are my main pursuit. I use photography as a pretext to trace the experiences of artistic practice and offer them to the spectator. I ’m an artist who explores the connection of images with other perceptions and experiences.lluis@lluismiro.com

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MARtiNA HEMM

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HYPNAgOgiAAl quedarnos dormidos, sobre el subconsciente de nuestra mente, el alcance de nuestra percep-ción varía. Al acercarnos a un estado de sueño se ralentizan nuestros pensamientos y se amplían nuestras asociaciones semánticas. Este cambio en el alcance de nuestra percepción disminuye lentamente nuestra conciencia física del sonido y de las sensaciones corporales, mientras que al mismo tiempo conduce nuestra percepción a un registro más bajo, por lo general desapercibido en nuestro estado de vigilia cotidiana. Para muchos de nosotros, esta transición se produce tan rapidamente que no nos damos cuenta de los cambios producidos en nuestra percepción. Sin em-bargo, cuando flotamos lentamente hacia el sueño, nuestra conciencia se llena de asociaciones inusuales y extrañas. Esta lenta transición desde el mundo consciente hacia el sueño se llama hipnagogia. Las imágenes en Hypnagogia son un mosaico aleatorio de sensaciones que pueden ser percibidas bien una a una, agrupadas o en conjunto como un todo. Sin un principio ni final establecido, son mi percepción de hypnagogia.

1988 Nace en Vermont, EEUU. Vive en Munich, AlemaniaMáster Europeo de Fotografía de Autor (2012), Istituto Europeo di Design (IED), Madrid,EspañaLicenciatura en Relaciones Internacionales (2011), Boston University, Boston, MA

PROYECtOS

2012 Homo Implumis (en curso)2011 - 2012 Hypnagogia, proyecto para el máster en el IED MadridCo-creadora de la revista S/GNAL, publicación sobre artistas de fotografía/arte contemporáneo y co-fundadora del colectivo ar-tístico BRAVO PARADIES.collective@bravoparadies.comsgnalreview.combravoparadies.comhttp://martinahemm.tumblr.com/http://martinahemm-hypnagogia.tumblr.com/

StAtEMENt

Este proyecto surgió del alma; una necesidad física más que un proceso intelectual. Estaba obsesionada por una imagen que había tomado. Era grotesca y familiar al mismo tiempo. A un nivel intuitivo profundo me atrajo, generándome sensaciones de angustia y familiaridad completamente inexplicables.

Me encontré sumergiéndome en este proyecto de forma incons-ciente, fotografiando imágenes y reduciéndolas a los detalles que evocaban la misma sensación de incomodidad que la imagen ori-ginal. No me puse limitaciones ni reglas a seguir. Cuando cree un cuerpo de trabajo que me satisfacía a nivel intuitivo, no encontraé palabras para describir lo que estas imágenes representaban.

Recuerdo desde la infancia la sensación consciente de quedarme dormida, de verme desde arriba y sentir mi cuerpo desde abajo mientras poco a poco me sumía en mis sueños. Para mí, estas imágenes representaban el sentimiento de flotar a la deriva en ese mundo imaginario entre el dormir y el sueño, donde la mente se filtra a través de una ficción de la realidad. Donde vivimos lo improbable, al borde del terror, donde la belleza se funde con el miedo.

Cuanto más indagaba en el tema, más me sorprendía la similitud espeluznante que estas imágenes tenían con lo que era descri-to como alucinaciones hipnagógicas. ¿Alguna vez tuve visiones hipnagógicas cuando era niña? ¿Estaba siendo guiada por una memoria subconsciente? No lo sé.

Me gusta pensar que la hipnagogia va más allá de nuestro ciclo de sueño y que es una manifestación de una conciencia subyacente, tal vez incluso común; “un atisbo de mundo exterior del espíritu”.

1988 Vermont, USA. Living in Munich, Germany.European Master of Fine Art Photography (2012), Europeo di Design (IED), Madrid, Spain.BA of International Relations (2011), Boston University, Boston, MA

PROYECtOS

2012 Homo Implumis (ongoing)2011/12 Hypnagogia, Master’s Project at IED MadridCo-creator of S/GNAL review, artists’ publication on contemporary art/photography, co-founder of art collective BRAVO PARADIEScollective@bravoparadies.comsgnalreview.combravoparadies.comhttp://martinahemm.tumblr.com/http://martinahemm-w.tumblr.com/

StAtEMENt

This project arose from the soul, a physical need rather than an intellectual process. I had been haunted by a certain image I had taken. It was as grotesque as it was beautiful. On a deep intuitive level it drew me in, giving me sensations of angst and familiarity; utterly inexplicable.

I found myself falling into this project unconciously, photogra-phing images and reducing them to details that evoked the same

HYPNAgOgiAAs we drift off to sleep, to the subconscious of our mind, the range of our awareness changes. Approaching a dream state our thoughts become slowed, our semantic associations extended. This change in the range of our awareness slowly diminishes our physical awareness of sound and bodily sensations, while at the same time it opens our perception to a lower register, typically unperceived in our everyday waking state. For many of us, this transition takes place so quickly we do not notice the changes occurring in our perception. However, when we drift slowly into sleep, uncommon and strange associations occupy our awareness. This slow transition from the conscious world to sleep is called hypnagogia. The images in Hypnagogia are a random mosaic of sensations that can be perceived either individually, grouped, or in con-junction as one whole. Without a set beginning or end, they are my perception of hypnagogia.

sense of unease as that original image. I gave myself no limi-tations, no rules to follow. When I had compiled a body of work that satisfied me on an intuitive level, I was at loss of words to describe what these images represented.

From my childhood I remembered the sensation of conciously falling asleep, of seeing myself from above and feeling my body from below as I slowly spiraled into my dreams. For me my ima-ges represented this feeling of drifting into that imaginary world between slumber and sleep, where the mind passes into a fiction of reality. Where we live the improbable, on the verge of dread, where beauty merges with fear.

The further I looked into the subject the more I was surprised by the eerie similarity these images had to what was described as hyp-nagogic hallucinations. Did I ever have hypnagogic visions as a child? Was I guided by a subconscious memory? I cannot say.

I like to think that hypnagogia goes beyond our sleep cycle that it is a manifestation of an underlying, maybe even common cons-ciousness; “a glimpse of the spirit ’s outer world”.

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MigUEL SOLER ROig

Miguel Soler Roig

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MigUEL SOLER ROig

DEJA DE SUfRiRDeja de sufrir. Este mensaje en un sencillo papel blanco, escrito en la despersonalizada escritura de un ordenador, secuestra mi atención sobre la acera mojada de un asfalto y me conduce a colocar las palabras en imágenes, a captar lo intangible de un sentimiento profundo que puede llegar a con-vertirse en el mayor catalizador y creador: el sufrimiento. Dejar de sufrir se convierte en un mensaje dirigido a quien lo lee, a quien lo siente, a quien lo necesita. Un mensaje universal porque, al fin de al cabo, cualquiera de las fotos de esta serie habla de un aparte nuestro, inherente al ser humano, cuando su hermana la alegría se ha ido a dar un paseo… El sufrimiento ni se crea ni desaparece. Al igual que la energía, se transforma. Cuando observamos el sufrimiento de frente en sus distintas manifestaciones o leyendo el mensaje una y otra vez, el sentimiento de dolor se difumina a favor de la catarsis creativa. (Y aun tengo que llamar al teléfono que me ofrece la posibilidad de dejar de sufrir).

Miguel Soler-Roig (Barcelona, 1961) es una mirada en movimien-to. En sus distintos viajes ha podido conocer y capturar diferentes culturas. La carrera fotográfica de Miguel es una continua aven-tura de vida. La sociedad en su constante evolución, lo exquisito, lo humano… aparece reflejado en cada una de sus imágenes.

Es un artista innato, de mirada atenta y personalidad creativa. Su educación se ha visto influida por la escuela de la Bauhaus y el nuevo estilo tipográfico suizo. Estudia en la Schule für Gestaltung Basel (Escuela de diseño de Basel). Completa sus estudios con un Master en Bellas Artes en la escuela de diseño de Rhode Island, en Providence (USA). Esta etapa de aprendizaje en Amé-rica le confiere una mayor expresividad a la hora de crear y una libertad compositiva en sus fotografías.

Durante varios años vive y trabaja en el Nueva York de la gran década del arte contemporáneo americano. Movimientos como el Pop, Arte Post Moderno, o el New Media, quedarán reflejados de alguna manera en sus trabajos posteriores. Tras su regreso a Espa-ña realiza el Máster Europeo de Fotografía de Autor en IED Madrid.

Miguel vive el instante en cada una de sus fotografías. Captura momentos que quiere vivir. Y busca vivir lo que desea fotografiar. Hay una incesante indagación en situaciones robadas o perdidas, en los tiempos pasados, o en los sueños que pueden convertirse en realidad. Retratos de rostros conocidos, amigos, personajes influyentes, escenas casi cinematográficas, o gente de la calle que habla del mundo actual.

La luz es protagonista en la mayoría de sus fotos. Miguel bus-ca una luz tardía, casi subliminal e indirecta sobre los cuerpos, las calles, los objetos… Ese efecto lo consigue en su máxima

expresión con luz polarizada, suavemente reflejada, nunca in-cidente, como si se tratara de luz de luna. Cualquier elemento que sirva de reflector, lo utiliza para lograr ese semblante que respira sobre la superficie que ve cuando siente el momento de capturar la imagen.

Algunas de sus exposiciones incluyen el Museo de Arte RISD, en Providence, Rhode Island; el AIGA, Nueva York; Schule für Gestal-tung, Basel; el festival de PhotoEspaña en el Centro de El Águila, Madrid; E8 Galería, Madrid; o 1650 Gallery, Los Angeles.

Durante 2011 ha expuesto en: Madrid Foto, Galería Blanca Berlin; Copenhague Photo Festival, Rohde Contemporary Gallery; Galeria Eva Ruiz, Madrid; Missoni Madrid, durante la Vogue Fashion's Night Out; 1650 Gallery, Los Angeles; Fundación Antono Saura, Cuenca; Arte Lisboa, Galeria Blanca Berlin y Galeria Alejandro Sales, Barcelona.

Ha participado recientemente en la tercera edición de JustMad y en la Feria de Libros Mutantes en La Casa Encendida, Madrid. En septiembre-diciembre 2012 expone Mirar, sentir, coleccionar en la Galería Blanca Berlín, junto a los artistas Joaquim Paiva y Toni Catany, donde también presenta parte de su colección particular de arte contemporáneo.

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Mi curiosidad me ha beneficiado en muchas ocasiones. Continuo descubriendo cosas nuevas día a día… Veo la belleza en los mo-mentos y lugares más insospechados. También, en los ojos de la persona más inesperada.

DEJA DE SUfRiRStop Suffering, a message written on a simple white paper, in impersonal computer type, pulls my attention on a wet asphalt sidewalk and makes me interprete these words into images, to capture the intangible of a deep feeling that can become the biggest catalyst and creative source: suffering. Stop Suffering is addressed to those who read it, to those who feel it, to those in need of it. It is a universal message where every photo in the series speaks of our inherent as human beings when the joy has gone away. As energy, it transforms itself. When confronting suffering in its different forms and ways or reading the message again and again, the feeling of pain fades away as a creative catharsis takes place. (And I still had to call the number that gave me the chance to stop suffering.)

Miguel Soler-Roig (Barcelona, 1961) is a gaze in motion. In his multiple journeys through different countries, he has been in contact with different cultures, adding to his cosmopolitan and adventurous career a worldly knowledge and refined lifestyle, transmitting such qualities in all his works.

He studied at the Schule für Gestaltung Basel (Basel School of Design). Subsequently, he completed a BFA and a MFA GD at the Rhode Island School of Design in Providence (USA) and decided to explore the spirit and expressive feeling of free and natural composition. On his return to Spain he continued studies in photography, having completed the European Master of Fine Art Photography at IED Madrid and several professional photography worshops organized by PhotoEspaña.

Miguel lives the moment while taking the photographs, but as he himself confirms, sometimes he photographs what he wants to live. Stolen moments from a past era or dreamed situations that might come out of a novel or film. Portraits, landscapes and perspectives on the everyday life of today´s modern society and the prevailing attitude of life.

Light is the main theme in most of Miguel ’s photographs. He looks for a late, almost subliminal and indirect light on bodies, streets, objects, etc. He takes this effect to its highest level with polarized, gently reflected, never incident light, as if it were the moonlight. Miguel uses anything that serves as a reflector to achieve an expression that breathes on the surface he sees at the moment of the photographic capture.

His shows at the RISD Museum of Art, Providende, Rhode Island, at the Basel School of Design and at the American Institute of Graphic Arts, New York, must be highlighted. Among his recent shows, the collective exhibit ions at PhotoEspaña Festival, El Aguila Centre; E8 Gallery, Madrid, and 1650 Gallery, Los Angeles.

His exhibit ions in 2011 include: Madrid Foto, Galería Blanca Berlin, Madrid; Copenhague Photo Festival, Rohde Contemporary Gallery, Copenhague; Galeria Eva Ruiz, Madrid; Missoni Madrid, during Vogue Fashion’s Night Out; 1650 Gallery, Los Angeles; Fun-dación Antono Saura, Cuenca; Arte Lisboa, Galeria Blanca Berlin and Galeria Alejandro Sales, Barcelona.

Has recently participaped in JustMad3 Art Fair and the Publishing Book Fair at La Casa Encendida Libros Mutantes. In September-December 2012 the shows at Galeria Blanca Berlin with artists Joaquim Paiva and Toni Catany, in an exhibition titled Look, Feel, Collect, were he also talks about his private art collection.

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My curiosity has benefited me in many occasions. I continuously discover new things every day .. . I see beauty in the most un-predictable moments and places. Also, in the eyes of the most unexpected person.

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EDUARDO CERvERA REtAMAR

Eduardo Cervera Retamar

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SUPERMERCADO NEgROHemos aprendido a aprovechar todos los recursos que están a nuestro alcance para desarrollar nuestra parcial realidad del bienestar. Al mismo tiempo, hemos aprendido a derrochar todos los recursos que tenemos entre manos en el proceso de acomodarnos a esa realidad. Si los alimentos fueran la base de nuestro desarrollo material, ¿haríamos una excepción en su caso?

Supermercado Negro es una celebración y un homenaje inspirado en mis experiencias con el reciclaje de alimentos. Empezaron en el mercado de frutas y verduras de Belleville, en París, y me demostraron que, aunque no tengamos medios económicos para hacer la compra, es casi imposible morirse de hambre en el mundo occidental. En la oscuridad de los cubos de basura de las urbes abundan ino-centes piezas de fruta y verdura, ignorantes de su destino y víctimas de la especulación. He querido rendirles homenaje mediante sus retratos de estudio. Por otro lado, en los grandes mercados se generan constelaciones de tomates y mapas de melones, patatas, mangos y pimientos provenientes de todos los rincones del planeta, que se unen en un inaudito mestizaje culinario.

Eduardo Cervera Retamar (Mérida, 1979) comienza su incursión en el arte a través de la danza, la interpretación y la música. Sus estudios de traducción en la Universidad Complutense de Madrid (2000-2004) le acercan a la facultad de Bellas Artes, donde cursa por libre la especialidad de fotografía y asiste como becado y traductor a varias ediciones de Campus PhotoEspaña, donde recibe clases de Nicos Economopoulos, Donna Ferrato, Luis González Palma y Alberto García Alix, entre otros. Es seleccionado en Descubrimientos PhotoEspaña 2007 y expone en el Festival Rhubarb Rhubarb, Birmingham, Inglaterra y en el Lianzhou Photo Festival 07, China. Se traslada a Ibiza, donde co-crea el proyecto comunitario Candela, estudia teatro en la Escuela Internacional Eric de Bont y crea varios proyectos musicales y exposiciones individuales. Tres años después, vuelve a Madrid para cursar el Máster Europeo de Fotografía de Autor en el Istituto Europeo di

Design IED. En la actualidad reside en Madrid, donde colabora con el Máster Europeo de Fotografía de Autor, trabaja como tra-ductor e investiga sobre fotografía, música y danza.

StAtEMENt

Buscando constantemente mi lugar en el mundo, el arte se con-vierte en un medio que me ayuda en el empeño vital de encontrar mi punto de partida y mi camino. Aunque a veces se muestra escurridizo, se resiste y se camufla cuando puede, igual que yo. Sin embargo, la constancia nos permite seguir intentándolo; gracias a esa insistencia l legará el día en que lo lograremos. Nuestra cualidad está en nuestro resurgir, en nuestra tozudez, en nuestra valentía. No hay tesoro en el fondo del mar que cese de ser buscado, por muy perdido que esté.

BLACk SUPERMARkEtWe have learned to use all the resources at our disposal to develop our partial welfare reality. At the same time, we have learned to waste all the resources at hand in the process of settling into this reality. If food is the base of our material development, will we make an exception with it?

Black Supermarket is a celebration and a tribute inspired by my experiences with food recycling. They began in the fruit and vegetable market of Belleville, Paris, and showed me that in the western world, even without the economical means to buy a meal, it is almost impossible to die of hunger. In the darkness of urban trash bins there is plenty of fruit and vegetables pieces, ignorant of their destiny and victims of speculation. I wanted to pay tribute to them taking their studio portraits. Meanwhile, in large markets there appear constellations of tomatoes and colourful maps of melons, potatoes, mangoes and peppers from all over the planet, joining in an unprecedented crossbreeding.

Eduardo Cervera Retamar (Merida, Spain, 1979) began his in-cursion into art through dance, music and interpretation. His translation studies at the Universidad Complutense of Madrid (2000-2004) drew him towards the Faculty of Fine Arts, where he studied the major in photography as an occasional student and attended to several editions of Campus PhotoEspaña as a scholar and translator, where he received lessons from Nicos Economopoulos, Donna Ferrato, Luis González Palma and Alberto García Alix, among others. He was selected for Descubrimientos PhotoEspaña 2007 and exhibited at the Rhubarb Rhubarb Festival, Birmingham, UK and the Lianzhou Photo Festival 07, China. He then moved to Ibiza, where he co-created the community project Candela, studied theatre at Bont ’s International Clown School and created several musical projects and solo exhibitions. Three years later, he returned to Madrid to attend the European Master

of Fine Art Photography. He currently lives in Madrid, where he collaborates with the EMFAP, works as a translator and researchs about photography, music and dance.

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In the eternal search for my place in the world, art becomes a means that helps me in the vital determination of finding my point of departure and my way. Though sometimes it is elusive and reluctant, and it camouflages itself whenever it gets the chance, just like me. But perseverance allows us to keep on trying, and thanks to this insistence the day will come in which we will succeed. Our quality is in our revival, in our stubbornness, in our courage. There is no treasure in the sea that stops being searched for, no matter how lost it may be.

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